Cos'è un tema nell'arte? Stili e movimenti nelle belle arti

I movimenti artistici sono un sistema di tecniche artistiche, mezzi di espressione, progettati per esprimere una certa idea, visione del mondo, dominante in una determinata comunità in un dato periodo di tempo. Gli stili si sono sviluppati nell'ultimo millennio, sostituendosi successivamente a vicenda. A volte nuovo stileè nato come continuazione e sviluppo del precedente, a volte è diventato una conseguenza della lotta con le idee del predecessore.

In alcuni casi è così difficile distinguere uno stile che viene piuttosto classificato come una direzione. Pertanto, il simbolismo e il cubismo possono essere classificati come uno stile formato in modo indipendente, oppure possono essere considerati direzioni del modernismo globale.

Ogni epoca ne ha dato vita a più di una stile artistico. Studiando le opere d'arte si può conoscere meglio il tempo in cui si è formato e ha dominato un particolare stile artistico.

Principali direzioni nell'arte dei secoli X - XIX

Stile romanico (X - XIII secolo)

Stile gotico (XIII - XVI secolo)

Barocco (XVI - XVIII secolo)

Classicismo (XVII - XIX secolo)

Sentimentalismo (XVIII secolo)

Romanticismo (secoli XVIII - XIX)

Realismo (XIX secolo)

Principali direzioni dell'arte del XX secolo

Modernismo

Simbolismo

Impressionismo

Surrealismo

Si è sviluppato negli anni '20 del secolo scorso ed è uno stile di forme e allusioni paradossali, che riflettono la combinazione di sogno e realtà. In pittura, il surrealismo si riflette chiaramente nei dipinti di Magritte, Ernst, Dalì, Matta...

Le opere d'arte catturano invariabilmente (per volontà dell'autore o indipendentemente da esso) le costanti dell'essere, le sue proprietà fondamentali. Questi sono, prima di tutto, principi universali e naturali (universali) come caos e spazio, movimento e immobilità, vita e morte, luce e oscurità, fuoco e acqua, ecc. Tutto ciò costituisce un complesso di temi ontologici dell'arte.

Inoltre, l’aspetto antropologico dei temi artistici è invariabilmente significativo e insolitamente ricco. Comprende, in primo luogo, i principi spirituali attuali dell'esistenza umana con le loro antinomie (alienazione e coinvolgimento, orgoglio e umiltà, disponibilità a creare o distruggere, peccato e rettitudine, ecc.).

In secondo luogo, la sfera degli istinti associati alle aspirazioni mentali e fisiche di una persona, come la libido (sfera sessuale), la sete di potere, l'attrazione per la ricchezza materiale, le cose prestigiose, il comfort, ecc. In terzo luogo, nelle persone, ciò che è determinato da il loro genere (mascolinità, femminilità) ed età (infanzia, giovinezza, maturità, vecchiaia).

E infine, in quarto luogo, si tratta di situazioni sovraepocali vita umana, forme storicamente stabili dell'esistenza umana (lavoro e tempo libero, vita quotidiana e vacanze; conflitti e principi armoniosi della realtà, vita pacifica e guerre o rivoluzioni; vita domestica e soggiorno in terra straniera o viaggio; attività civica e privacy ecc.). Tali situazioni costituiscono la sfera delle azioni e degli sforzi, spesso delle ricerche e delle avventure, delle aspirazioni di una persona per raggiungere determinati obiettivi.

I principi esistenziali nominati (e rimasti senza nome), entrando nell'arte, costituiscono un complesso ricco e sfaccettato temi eterni, molti dei quali “archetipici”, risalgono all'antichità rituale e mitologica (arcaica). Questo aspetto della creatività artistica è patrimonio di tutti i paesi e di tutte le epoche. Esso appare o come centro esplicito delle opere, oppure è presente in esse in modo latente, o addirittura rimane inconscio negli autori (sottotesto mitopoietico).

Nel suo appello a temi eterni, l'arte risulta essere affine e vicina alla filosofia e agli insegnamenti sulla natura umana (antropologia) orientati ontologicamente. La rifrazione delle costanti esistenziali nell'arte divenne oggetto di attenta considerazione da parte dei filosofi dell'era romantica, così come degli scienziati delle scuole mitologiche Grimm in Germania, F.I. Buslaev in Russia) e neomitologici. (N. Fry), critica d'arte psicoanalitica, concentrandosi sulle opere di Z. Freud e C. G. Jung.

IN ultimamente Sono apparse numerose opere serie che esplorano il coinvolgimento dell'arcaismo mitologico nella creatività letteraria di epoche a noi vicine (le opere di G.D. Gachev, E.M. Meletinsky, Smirnov, V.I. Tyupa, V.N. Toporov). Attenzione speciale meritano generalizzazioni teoriche D.E. Maksimova.

Affermando l'enorme importanza degli universali risalenti all'arcaico per la letteratura di tutte le epoche, lo scienziato ha allo stesso tempo parlato della “tradizione mitopoietica” nella letteratura dei secoli XIX-XX. come fenomeno locale e non globale. Questa tradizione, dice D.E. Maksimov, spazia dalla Divina Commedia di Dante e dalle poesie di Milton al Faust di Goethe e ai misteri di Byron; diventa più attivo dopo Wagner, in particolare nel simbolismo.

Lo scienziato non è d'accordo con l'idea ampiamente accettata del mitologismo totale dell'arte e della letteratura: “Non si può approvare la fantasia letteraria sfrenata nelle interpretazioni mitologiche del moderno opere d'arte che spesso appassionano gli scienziati seri ed eruditi”. Questo giudizio, a nostro avviso, è del tutto giusto. In realtà, l'inizio mitologico e mitopoietico e (più in generale) la sfera degli universali esistenziali (con tutta la sua importanza) lungi dall'esaurire ciò che è artisticamente conosciuto e padroneggiato. Questo è solo un aspetto della materia dell’arte.

V.E. Teoria della letteratura Khalizev. 1999

Il numero di stili e tendenze è enorme, se non infinito. La caratteristica chiave in base alla quale le opere possono essere raggruppate in stili sono i principi comuni del pensiero artistico. La sostituzione di un metodo di pensiero artistico con un altro (alternanza di tipi di composizioni, metodi di costruzione spaziale, caratteristiche cromatiche) non è casuale. Anche la nostra percezione dell’arte è storicamente cambiata.
Costruendo un sistema di stili in ordine gerarchico, aderiremo alla tradizione eurocentrica. Il concetto più importante nella storia dell’arte è il concetto di epoca. Ogni epoca è caratterizzata da una certa "immagine del mondo", che consiste in idee filosofiche, religiose, politiche, idee scientifiche, caratteristiche psicologiche della visione del mondo, standard etici e morali, criteri estetici di vita, in base ai quali un'epoca si distingue da un'altra. Queste sono l'era primitiva, l'era Mondo antico, Antichità, Medioevo, Rinascimento, Età moderna.
Gli stili nell'arte non hanno confini chiari; si trasformano dolcemente l'uno nell'altro e sono in continuo sviluppo, mescolanza e opposizione. Nell'ambito di uno stile artistico storico, ne nasce sempre uno nuovo e questo, a sua volta, passa a quello successivo. Molti stili coesistono contemporaneamente e quindi non esistono affatto “stili puri”.
Più stili possono coesistere nella stessa epoca storica. Ad esempio, Classicismo, Accademicismo e Barocco nel XVII secolo, Rococò e Neoclassicismo nel XVIII secolo, Romanticismo e Accademicismo nel XIX secolo. Stili come il classicismo e il barocco sono chiamati grandi stili perché si applicano a tutti i tipi di arte: architettura, pittura, arti decorative e applicate, letteratura, musica.
È necessario distinguere: stili artistici, direzioni, tendenze, scuole e caratteristiche degli stili individuali dei singoli maestri. All'interno di uno stile possono esserci diversi movimenti artistici. Una direzione artistica consiste sia di caratteristiche tipiche di una determinata epoca che di metodi unici di pensiero artistico. Lo stile Art Nouveau, ad esempio, comprende una serie di tendenze dell’inizio del secolo: postimpressionismo, simbolismo, fauvismo, ecc. D'altronde il concetto di simbolismo come movimento artistico è ben sviluppato in letteratura, mentre in pittura è molto vago e accomuna artisti stilisticamente così diversi da essere spesso interpretati solo come una visione del mondo che li accomuna.

Di seguito forniremo le definizioni di epoche, stili e tendenze che in un modo o nell'altro si riflettono nelle belle arti e decorative moderne.

- uno stile artistico che si sviluppò nei paesi dell'Europa occidentale e centrale nei secoli XII-XV. È stato il risultato dell'evoluzione secolare dell'arte medievale, la sua fase più alta e allo stesso tempo il primo stile artistico paneuropeo e internazionale della storia. Ha coperto tutti i tipi di arte: architettura, scultura, pittura, vetrate, progettazione del libro, arti e mestieri. La base dello stile gotico era l'architettura, caratterizzata da archi a sesto acuto diretti verso l'alto, vetrate colorate e smaterializzazione visiva della forma.
Elementi di arte gotica si trovano spesso nell'interior design moderno, in particolare nei dipinti murali, e meno spesso nei dipinti da cavalletto. Dalla fine del secolo scorso esiste una sottocultura gotica, chiaramente manifestata nella musica, nella poesia e nel design dell'abbigliamento.
(Rinascimento) - (Rinascimento francese, Rinascimento italiano) Un'era nello sviluppo culturale e ideologico di un certo numero di paesi dell'Europa occidentale e centrale, nonché di alcuni paesi dell'Europa orientale. Le principali caratteristiche distintive della cultura rinascimentale: carattere secolare, visione del mondo umanistica, appello all'antichità patrimonio culturale, una sorta di “revival” dello stesso (da qui il nome). La cultura del Rinascimento ha caratteristiche specifiche dell'era di transizione dal Medioevo ai tempi moderni, in cui il vecchio e il nuovo, intrecciandosi, formano una lega unica, qualitativamente nuova. Una questione difficile sono i confini cronologici del Rinascimento (in Italia - 14-16 secoli, in altri paesi - 15-16 secoli), la sua distribuzione territoriale e le caratteristiche nazionali. Elementi di questo stile nell'arte moderna sono spesso usati nei dipinti murali, meno spesso nella pittura da cavalletto.
- (dalla maniera italiana - tecnica, maniera) un movimento nell'arte europea del XVI secolo. I rappresentanti del manierismo si allontanarono dalla percezione armoniosa del mondo rinascimentale, dal concetto umanistico dell'uomo come perfetta creazione della natura. Un’acuta percezione della vita si combinava con un desiderio programmatico di non seguire la natura, ma di esprimere la soggettiva “idea interiore” di un’immagine artistica nata nell’anima dell’artista. Si è manifestato più chiaramente in Italia. Per il manierismo italiano degli anni Venti del Cinquecento. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) sono caratterizzati da drammatica nitidezza delle immagini, tragica visione del mondo, complessità ed espressione esagerata di pose e motivi di movimento, proporzioni allungate di figure, dissonanze coloristiche e di luci e ombre. Recentemente ha cominciato ad essere utilizzato dagli storici dell'arte per riferirsi a fenomeni nell'arte moderna associati alla trasformazione degli stili storici.
- uno stile artistico storico che si diffuse inizialmente nell'Italia centrale. secoli XVI-XVII, e poi in Francia, Spagna, Fiandre e Germania nei secoli XVII-XVIII. Più in generale, questo termine è usato per definire le tendenze in continuo rinnovamento di un atteggiamento irrequieto e romantico, pensando in forme espressive e dinamiche. Infine, in ogni epoca, in quasi ogni stile storico artistico, si può trovare il proprio “periodo barocco” come palcoscenico della più alta impennata creativa, tensione delle emozioni, esplosività delle forme.
- stile artistico nell'arte dell'Europa occidentale del XVII - primi anni. XIX secolo e nel XVIII russo- inizio XIX, che si rivolse all'eredità antica come ad un ideale da seguire. Si è manifestato nell'architettura, nella scultura, nella pittura, nelle arti decorative e applicate. Gli artisti classici consideravano l'antichità la conquista più alta e ne fecero il loro standard nell'arte, che cercarono di imitare. Col tempo degenerò nell’accademismo.
- una direzione nell'arte europea e russa degli anni 1820-1830, che sostituì il classicismo. I romantici enfatizzavano l'individualità, il contrasto bellezza ideale realtà "imperfetta" dei classicisti. Gli artisti erano attratti da fenomeni luminosi, rari e straordinari, nonché da immagini di natura fantastica. Nell'arte del romanticismo, la percezione e l'esperienza individuale acuta giocano un ruolo importante. Il romanticismo liberò l'arte dai dogmi astratti classicisti e la trasformò nella storia nazionale e nelle immagini del folklore.
- (dal latino sentimento - sentimento) - una direzione nell'arte occidentale della seconda metà del XVIII secolo, che esprime delusione per la “civiltà” basata sugli ideali della “ragione” (ideologia illuminista). S. proclama il sentimento, la riflessione solitaria, la semplicità della vita rurale” piccolo uomo" J. J. Rousseau è considerato l'ideologo di S.
- una direzione artistica che si sforza di rappresentare con la massima verità e affidabilità sia la forma esterna che l'essenza dei fenomeni e delle cose. Come un metodo creativo combina caratteristiche individuali e tipiche durante la creazione di un'immagine. La direzione più lunga esistente, sviluppandosi dall'era primitiva ai giorni nostri.
- orientamento nella cultura artistica europea della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo. Emerso come reazione al predominio delle norme del “senso comune” borghese nella sfera umanitaria (nella filosofia, nell’estetica – positivismo, nell’arte – naturalismo), il simbolismo prese forma principalmente nella letteratura francese della fine degli anni 1860-70, e successivamente si diffuse in Belgio e Germania, Austria, Norvegia, Russia. I principi estetici del simbolismo risalivano in gran parte alle idee del romanticismo, così come ad alcune dottrine della filosofia idealistica di A. Schopenhauer, E. Hartmann, in parte F. Nietzsche, alla creatività e alla teorizzazione del compositore tedesco R. Wagner . Il simbolismo contrapponeva la realtà vivente al mondo delle visioni e dei sogni. Un simbolo generato dall'intuizione poetica ed esprimente il significato ultraterreno di fenomeni nascosti dalla coscienza quotidiana era considerato uno strumento universale per comprendere i segreti dell'esistenza e della coscienza individuale. L'artista creativo era visto come un mediatore tra il reale e il soprasensibile, trovando ovunque “segni” di armonia mondiale, indovinando profeticamente i segni del futuro sia nei fenomeni moderni che negli eventi del passato.
- (dall'impressione francese - impressione) una direzione artistica dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo, nata in Francia. Il nome fu introdotto dal critico d'arte L. Leroy, che denigrò l'esposizione degli artisti del 1874, dove fu presentato, tra gli altri, il dipinto “Alba” di C. Monet. Impressione". L'impressionismo ha affermato la bellezza del mondo reale, sottolineando la freschezza della prima impressione e la variabilità dell'ambiente. L'attenzione predominante alla risoluzione di problemi puramente pittorici ha ridotto l'idea tradizionale del disegno come componente principale di un'opera d'arte. L’impressionismo ha avuto un potente impatto sull’arte Paesi europei e gli Stati Uniti, hanno suscitato interesse per le storie di vita reale. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley, ecc.)
- un movimento pittorico (sinonimo di divisionismo), sviluppatosi nel quadro del neoimpressionismo. Il neoimpressionismo ebbe origine in Francia nel 1885 e si diffuse anche in Belgio e Italia. I neoimpressionisti hanno cercato di applicare nell'arte le ultime conquiste nel campo dell'ottica, secondo la quale la pittura realizzata con punti separati di colori primari nella percezione visiva dà una fusione di colori e l'intera gamma della pittura. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
Post-impressionismo- un nome collettivo condizionale per le principali direzioni della pittura francese nel XIX - 1 ° trimestre. XX secolo L'arte del postimpressionismo è nata come reazione all'impressionismo, che si concentrava sulla trasmissione del momento, sulla sensazione di pittoresco e sulla perdita di interesse per la forma degli oggetti. Tra i postimpressionisti ci sono P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh e altri.
- stile nell'arte europea e americana a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Il modernismo ha reinterpretato e stilizzato le caratteristiche dell'arte di epoche diverse e ha sviluppato le proprie tecniche artistiche basate sui principi di asimmetria, ornamentalità e decoratività. Anche le forme naturali diventano oggetto di stilizzazione della modernità. Ciò spiega non solo l'interesse per gli ornamenti floreali nelle opere moderniste, ma anche la loro stessa struttura compositiva e plastica: l'abbondanza di contorni curvilinei, nervi fluttuanti, nuovi contorni che ricordano le forme vegetali.
Strettamente connesso con la modernità è il simbolismo, che è servito come base estetica e filosofica per la modernità, basandosi sulla modernità come realizzazione plastica delle sue idee. L'Art Nouveau era entrato diversi paesi nomi diversi, che sono essenzialmente sinonimi: Art Nouveau - in Francia, Secessione - in Austria, Art Nouveau - in Germania, Liberty - in Italia.
- (dal francese moderno - moderno) nome comune una serie di movimenti artistici della prima metà del XX secolo, caratterizzati dalla negazione delle forme tradizionali e dell'estetica del passato. Il modernismo è vicino all’avanguardia e opposto all’accademismo.
- un nome che unisce una serie di movimenti artistici comuni negli anni 1905-1930. (Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Espressionismo, Dadaismo, Surrealismo). Tutte queste direzioni sono accomunate dal desiderio di rinnovare il linguaggio dell'arte, ripensare i suoi compiti e ottenere la libertà di espressione artistica.
- direzione artistica dal XIX - d.C. XX secolo, basato su lezioni creative L'artista francese Paul Cezanne, che ha ridotto tutte le forme dell'immagine alle figure geometriche più semplici e il colore a strutture contrastanti di toni caldi e freddi. Cezanne è stato uno dei punti di partenza del cubismo. In larga misura, il Cézanneismo influenzò anche la scuola di pittura realistica domestica.
- (da fauve - selvaggio) movimento d'avanguardia nell'arte francese d.C. XX secolo Il nome “selvaggio” fu dato dalla critica moderna a un gruppo di artisti che si esibirono nel 1905 al Salon of Independents di Parigi, ed era ironico. Il gruppo comprendeva A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen e altri. I Fauvisti furono uniti dalla loro attrazione per l'espressività laconica di forme e intense soluzioni coloristiche, la ricerca di slanci nella creatività primitiva, l'arte del Medioevo e dell'Oriente.
- semplificazione deliberata arti visive, imitazione delle fasi primitive dello sviluppo dell'arte. Questo termine si riferisce al cosiddetto. arte ingenua di artisti che non hanno ricevuto un'istruzione speciale, ma sono stati coinvolti nel processo artistico generale tra la fine del XIX e l'inizio. XX secolo. Le opere di questi artisti - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov e altri - sono caratterizzate da una peculiare infantilismo nell'interpretazione della natura, una combinazione di forma generalizzata e meschina letteralità nei dettagli. Il primitivismo della forma non predetermina affatto la primitività del contenuto. Serve spesso come fonte per professionisti che prendono in prestito forme, immagini e metodi dall'arte popolare, essenzialmente primitiva. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse si sono ispirati al primitivismo.
- una direzione artistica che si è sviluppata sulla base del rispetto dei canoni dell'antichità e del Rinascimento. Era comune in molte scuole d'arte europee dal XVI al XIX secolo. L’accademismo trasformò le tradizioni classiche in un sistema di regole e regolamenti “eterni” che ostacolavano le ricerche creative e cercavano di contrastare la natura vivente imperfetta con forme di bellezza “alte”, migliorate, non nazionali e senza tempo portate alla perfezione. L'accademismo è caratterizzato da una preferenza per le materie provenienti da mitologia antica, temi biblici o storici della vita contemporanea dell’artista.
- (cubismo francese, da cubo - cubo) direzione nell'arte del primo quarto del XX secolo. Il linguaggio plastico del cubismo era basato sulla deformazione e scomposizione degli oggetti su piani geometrici, uno spostamento plastico della forma. La nascita del cubismo avvenne nel 1907-1908, alla vigilia della prima guerra mondiale. Il leader indiscusso di questa tendenza fu il poeta e pubblicista G. Apollinaire. Questo movimento è stato uno dei primi a incarnare le tendenze principali ulteriore sviluppo arte del XX secolo. Una di queste tendenze era il predominio del concetto sul valore artistico del dipinto. J. Braque e P. Picasso sono considerati i padri del cubismo. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris e altri si unirono al movimento emergente.
- un movimento di letteratura, pittura e cinema nato nel 1924 in Francia. Ha contribuito in modo significativo alla formazione della coscienza dell'uomo moderno. Le figure principali del movimento sono André Breton, Louis Aragon, Salvador Dalì, Luis Buñuel, Joan Mirò e molti altri artisti provenienti da tutto il mondo. Il surrealismo esprime l’idea dell’esistenza al di là del reale; l’assurdo, l’inconscio, i sogni e le fantasticherie giocano qui un ruolo particolarmente importante. Uno dei metodi caratteristici dell'artista surrealista è il ritiro dalla creatività cosciente, che ne fa uno strumento, in vari modi estraendo immagini bizzarre del subconscio, simili ad allucinazioni. Il surrealismo sopravvisse a diverse crisi, sopravvisse alla seconda guerra mondiale e gradualmente, fondendosi con la cultura di massa, intersecandosi con la transavanguardia, entrò come parte integrante del postmodernismo.
- (dal latino futurum - futuro) movimento letterario-artistico nell'arte degli anni '10. Assegnandosi il ruolo di prototipo dell'arte del futuro, il futurismo ha proposto come programma principale l'idea di distruggere gli stereotipi culturali e ha invece offerto un'apologia della tecnologia e della bassezza come segni principali del presente e del futuro. . Un'importante idea artistica del futurismo è stata la ricerca di un'espressione plastica della velocità del movimento come segno principale del ritmo della vita moderna. La versione russa del futurismo si chiamava cubofuturismo e si basava su una combinazione dei principi plastici del cubismo francese e delle installazioni estetiche generali europee del futurismo izma.

Lezione di musica “Temi eterni nell’arte”

7a elementare 26/01/2015

Argomento del 2° semestre: “Il compositore e il tempo”. Modulo: “Drammaturgia musicale”.

Scopo della lezione : attraverso la musica, trasmetti pensieri profondi, dolore per l'incommensurabile sofferenza delle persone, rivela la lotta tra due principi: il bene e il male.

Compiti:

Educativo: conoscere la storia dei Grandi Guerra Patriottica, conoscere il blocco di Leningrado e le sue conseguenze; riprodurre l'immagine della guerra nelle opere di Shostakovich.

Educativo: instillare nei bambini sentimenti di patriottismo e amore per la Patria; per formare la reattività emotiva alle opere musicali.

Sviluppo : sviluppare la capacità di navigare su una mappa, lavorare con le fonti; sviluppo della cultura dell'ascolto, sviluppo del gusto musicale ed estetico.

Tipo di lezione : imparare nuovo materiale.

Formato della lezione: lezione integrata di musica e storia utilizzando le TIC

Lezione sviluppata utilizzando la tecnologiaun approccio integrato alla formazione e allo sviluppo.

Metodi:

Modalità di organizzazione delle attività didattiche

Analisi di una situazione specifica

Metodo di comprensione intonazione-stile

Metodo di controllo e autocontrollo

Metodo di immersione

Interazione interattiva :

Applicazione delle tecnologie informatiche (sequenze video, diapositive)

Gli studenti lavorano in microgruppi

Materiale musicale :

D.D. Shostakovich. 7a sinfonia. “Leningradskaya” 1 parte “Episodio dell’invasione”

Attrezzatura :

    computer;

    proiettore (TV)

    presentazione;

    poesia;

    dispense;

    dizionario delle emozioni;

Avanzamento della lezione

IO. Momento organizzativo

II. Studiando nuovo argomento

Epigrafe: "Sia la luce"

nella tua finestra!

(70° anniversario della Grande Vittoria

dedicato)

Insegnante: - Vita, morte, immortalità - temi eterni cultura spirituale dell’umanità in tutte le sue divisioni. A loro hanno pensato profeti e fondatori di religioni, filosofi e moralisti, personaggi dell'arte e della letteratura, maestri e medici. Vita e morte, luce e oscurità, lotta tra le forze della luce e delle tenebre, guerra e pace: due entità opposte, due concetti assolutamente amico incompatibile con un amico. I destini, le azioni, gli ambienti, le emozioni delle persone: tutto in loro è assolutamente opposto. Tutto ciò costituisce il cerchio dei temi eterni dell'arte. Nella musica, come nella vita, ci sono anche temi eterni.

Ragazzi, pensate a quali opposizioni potete nominare in relazione all'immagine di questi mondi diversi:

Ad esempio, il mondo della creazione, il mondo della creatività: il mondo del collasso, il mondo della distruzione, del bene-male

Le risposte dei bambini:

Fame di sazietà;
Vittoria-sconfitta;
Amore-odio;
Coraggio-paura eimpresa in nome dell’umanità

Le opere che riflettono “temi eterni” sono destinate ad avere lunga vita. Continuano ad eccitare le menti, trovando sempre più nuove incarnazioni nel teatro, nelle belle arti e nella musica.

Il tema “Guerra e pace” è uno dei temi eterni dell’arte. Le persone hanno iniziato a combattere già nell’età della pietra e ancora non riescono a fermarsi. Più di 15mila guerre sono state registrate e descritte nella storia dell'umanità!

Insegnante: Cosa potrebbe esserci di più terribile della guerra?! Porta solo lacrime e sofferenza...

Sappiamo molto della guerra, ne abbiamo sentito parlare molto, perché la Grande Guerra Patriottica è arrivata in ogni casa. Uno dei villaggi più terribili e tragici della storia fu la difesa di Leningrado.

III. Imparare nuovo materiale

Insegnante: - Ragazzi, cosa pensate abbia determinato la scelta del materiale per la lezione di oggi? Quale data ci aspetta letteralmente domani?

Quale sarà lo scopo della nostra lezione?Rivelare la lotta tra due principi: il bene e il male, la guerra e la pace, trasmettere riflessioni profonde e dolore sull'incommensurabile sofferenza delle persone attraverso la musica.

Insegnante: E lo faremo usando l’esempio della Sinfonia di Leningrado di D. D. Shostakovich.

Prima di iniziare a parlare di quest'opera, ricordiamo cos'è una sinfonia?

Come si costruisce una sinfonia?

Qual è la base del 1° movimento di una sinfonia classica (forma sonata).

(alla lavagna - disegna un diagramma della struttura di 1 parte della forma sonata).

Qual è l'immagine musicale nell'opera?

Cos’è la drammaturgia musicale?

Esercizio : mentre ascolti la sinfonia caratterizza la musica utilizzando i tuoi dizionari delle emozioni (lavora in microgruppi). Lavoriamo man mano che la lezione procede.

Insegnante: Per introdurci all’argomento invito uno Storico e Critico d’Arte

Storico 1:

Nel giugno 1941 la Germania nazista lo invase Unione Sovietica e presto Leningrado si trovò sotto un assedio che durò 18 mesi e provocò innumerevoli difficoltà e morti. Oltre alle vittime dei bombardamenti, morirono di fame più di 600.000 cittadini sovietici. Molti si bloccarono o morirono per mancanza di cibo cure mediche– Il numero delle vittime del blocco è stimato a quasi un milione.

Critico d'arte 1 :

Ma, nonostante tutta la gravità di questo tempo, la morte, la fame, la paura, le persone non hanno perso la capacità di pensare, sognare, credere, sperare, creare e comporre. E un esempio lampante di ciò è la personalità del grande compositore russo D.D. Shostakovich. La sua settima sinfonia, chiamata "Leningrado", è una delle opere musicali più importanti della Grande Guerra Patriottica. Una parte significativa della sinfonia fu creata dal compositore nell'autunno del 1941 a Leningrado, durante i giorni della lotta mortale con il nemico. Lo scrisse in una casa scossa quasi ogni minuto da esplosioni. Shostakovich in seguito disse: “Ho guardato la mia amata città con dolore e orgoglio. E rimase in piedi, bruciato dal fuoco, indurito dalla battaglia, avendo sperimentato la profonda sofferenza di un combattente, ed era ancora più bello nella sua severa grandezza. Come potevo non amare questa città, costruita da Pietro, e non raccontare al mondo intero la sua gloria, il coraggio dei suoi difensori... La mia arma era la musica”.

Insegnante : Oggi abbiamo l'opportunità unica di ascoltare lo stesso D. D. Shostakovich. Ascoltiamo cosa ha da dire sul suo lavoro.

Video n.1. Film su Shostakovich

Insegnante: La settima sinfonia è composta da 4 movimenti, ma il primo è il più significativo. Lo stesso D.D Shostakovich ha scritto questo: “La prima parte racconta come nella nostra bellezza vita pacifica una forza formidabile irruppe in guerra.

Prima parte inizia con una melodia epica ampia e cantilenante. Incarna l'immagine della Patria. Si sviluppa, cresce e si riempie di sempre più potere. Lotto laterale anche come una canzone. Sembra calma canzone della ninna nanna. La sua melodia sembra dissolversi nel silenzio. Tutto respira la calma della vita pacifica.

Ma poi, da qualche parte lontano, si sente il battito di un tamburo, e poi appare una melodia: primitiva, simile ai distici - espressione della quotidianità e della volgarità. È come se i burattini si muovessero. .

All'inizio il suono sembra innocuo. Ma il tema si ripete 11 volte, sempre più intensificandosi. La sua melodia non cambia, acquisisce solo gradualmente il suono di strumenti sempre più nuovi, trasformandosi in potenti complessi di accordi. Quindi questo argomento, che all'inizio non sembrava minaccioso, ma stupido e volgare, si trasforma in un mostro colossale: una macinatrice di distruzione. Sembra che schiaccerà tutti gli esseri viventi sul suo cammino.

Lo scrittore A. Tolstoj definì questa musica "la danza dei topi dotti sulle note del pifferaio magico". Sembra che i ratti istruiti, obbedienti alla volontà dell'acchiappatopi, entrino in battaglia. Questo è il famoso episodio dell'invasione fascista - "Episodio dell'invasione", un'immagine straordinaria dell'invasione della forza distruttiva.

Ascolteremo ora un frammento della sinfonia.Documentario Ci aiuterà a immaginare il quadro di quel tempo, le condizioni in cui fu creata la sinfonia, l'atteggiamento che attanagliò il popolo dell'assediata Leningrado.

Suona un frammento della parte 1. Video. N. 2

Insegnante di musica: Parola dello storico

Storico#2

- Le sinfonie del compositore sono un monumento unico alla storia dell'umanità. Il 27 dicembre 1941 la sinfonia fu completata. La prima ha avuto luogo a Kuibyshev, eseguita dall'Orchestra del Teatro Bolshoi sotto la direzione di S. Samosud. Successivamente la sinfonia fu eseguita a Mosca e Novosibirsk. Ma solo il 9 agosto 1942 assediata Leningrado Ha avuto luogo la famosa rappresentazione della settima sinfonia (“Leningrado”) di Dmitry Shostakovich. L'organizzatore e direttore d'orchestra era Karl Ilyich Eliasberg, il direttore principale dell'Orchestra della Radio di Leningrado. Le autorità hanno insistito per una prima urgente. Dopotutto, la sinfonia è stata dedicata dall'autore all'impresa della sua città natale. Gli è stato dato un significato politico. I musicisti si radunarono da ogni parte per eseguirlo. Molti di loro erano esausti. Prima dell'inizio delle prove, abbiamo dovuto ricoverarli in ospedale: dar loro da mangiare, curarli. Il giorno in cui fu eseguita la sinfonia, sulla città non cadde un solo proiettile nemico: per ordine del comandante del Fronte di Leningrado, il maresciallo Govorov, tutti i punti nemici furono soppressi in anticipo. Le armi tacquero mentre risuonava la musica di Shostakovich. Fu ascoltato non solo dagli abitanti della città, ma anche dalle truppe tedesche che assediavano Leningrado. Dicono che i tedeschi, dopo aver ascoltato i suoni della sinfonia di Leningrado attraverso gli altoparlanti, furono semplicemente colti di sorpresa: erano assolutamente sicuri che la città fosse morta. Molti anni dopo la guerra, i tedeschi dissero: “Poi, il 9 agosto 1942, ci siamo resi conto che avremmo perso la guerra. Abbiamo sentito la tua forza, capace di superare la fame, la paura e perfino la morte..."

A partire dalla sua esecuzione nella Leningrado assediata, la sinfonia era per i sovietici e Autorità russe enorme propaganda e significato politico.

IV. Consolidamento

Il 27 gennaio 1944 Leningrado salutò con 24 salve da 324 cannoni in onore di completa eliminazione blocco nemico: la sconfitta dei tedeschi vicino a Leningrado.

- Hai perso la guerra, boia,
Ho appena messo le mani sulla città!
Qual è la verità adesso?
che temporale è successo
come un sogno frenetico,
Che delirio di orgoglio sembrava!
Quindi lasciamo che il mondo ascolti oggi
Scoppio dei fuochi d'artificio russi.
Sì, si vendica, esulta, respira!
Leningrado vittorioso!
27 gennaio 1944, Olga Berggolts

08.08.08. All'inizio della lezione abbiamo parlato di guerra e pace, di come l'umanità non può smettere di combattere tra loro. Il 21 agosto 2008, un frammento della prima parte della sinfonia è stato eseguito nella città di Tskhinvali, nell'Ossezia meridionale, distrutta dalle truppe georgiane, dall'orchestra del Teatro Mariinsky diretta da Valery Gergiev.

Video n. 3 Valery Gergiev

- Perché Gergiev ha scelto la Sinfonia di Leningrado per la città ferita?

- "Questa sinfonia ricorda al mondo che l'orrore dell'assedio e del bombardamento di Leningrado non deve ripetersi..." (V. A. Gergiev)

Compito per casa: scrivere un tema “Hai spiegato la musica a parole”

L'insegnante legge come esempio le righe più interessanti dei saggi di ex studenti.

Insegnante: Coloro che sono nati dopo la guerra non riescono più a capire molto e non possono sopravvivere a ciò che ha vissuto la generazione della guerra. Puoi solo ascoltare le storie di coloro che sono sopravvissuti, e provare a sentire ciò che hanno vissuto e conservarlo nella memoria... E rendi omaggio al rispetto eterno e all'eterna gratitudine.

Canzone "Sia la luce alla tua finestra"

Foto di veterani. Presentazione

Classificazione. Riassumendo.

Lavora in microgruppi utilizzando le carte:

Opposizioni:

    L'uomo è un barbaro

    Benvenuto -

    Mondo -

    Creazione -

    rinascita -

    Vittoria -

    Conflitto -

    Collisione -

    Lotta -

    Il mondo della creatività della mente: il mondo della distruzione e della crudeltà

Domande:

Che immagine crea la musica?______________________________________________________________

Cosa hai immaginato mentre la ascoltavi?________________________________________________

Come suona all'inizio dell'episodio?____________________________________________________________

Quante immagini musicali?________________________________________________________________

Qual è l'importanza del ritmo?_______________________________________________________________________

Quali mezzi espressivi vengono utilizzati per sviluppare l’invasione?_________________________________________________________________________

_____________________________________________________________________________

Temi eterni

Idea artistica e pedagogica:

La vera arte mai
non è contento solo di se stesso;
non è fine a se stesso,
ai fini dei suoni è la produzione,
obiettivo - opere - musica,
Lo scopo della musica è la spiritualità.
E un oggetto autentico
e il soggetto dell'arte è l'Uomo.
A. Schnittke.

Obiettivo della lezione:

    Percezione e consapevolezza della musica da parte degli scolari come incarnazione figurativa di valori umani universali, esperienza sociale e spirituale di generazioni.

Compiti:

    Consolidare le conoscenze sulla sintesi dei generi musicali (Opera Rock);

    Sviluppare una percezione emotivamente consapevole della musica.

    Coltivare la capacità di vedere la bellezza della forza dello spirito e il potere dell'amore, la capacità di simpatizzare e simpatizzare.

Materiale musicale:

    E. L. Webber "Jesus Christ Superstar".

    Aria "Preghiera per la Coppa" (in inglese e russo)

    K. Kelmi “La chiusura del cerchio”.

Materiale artistico:

    I. Kramskoy "Cristo nel deserto".

    N. Ge "Cristo e Pilato".

    Dionisio "La Crocifissione".

    L. Da Vinci "L'Ultima Cena".

    Presentazione slide della lezione.

Piano della lezione:

Passi della lezione

Creare una situazione di ricerca del problema

Ascoltare l'aria di Gesù nell'orto del Getsemani in inglese.

Discussione sull'immagine musicale

Consolidare le conoscenze sulla sintesi dei generi musicali

Ascolto dell'aria di Gesù nel giardino del Getsemani in russo.

Analisi dell'incarnazione dell'immagine artistica di Gesù Cristo nella letteratura, nella pittura, nella musica.

Esecuzione del brano di K. Kelmi "Closing the Circle"

Riflessione

Non aver paura di dire parole incoraggianti

E fai buone azioni

Più legna metti nel fuoco

Più il calore tornerà

Omar Khayyam

Avanzamento della lezione

U: - Buon pomeriggio. Ragazzi, cosa vedete in questa foto?

U: - Cos'è una ciotola, dai una definizione a questo oggetto.

D: - Qualcosa che si possa riempire, da cui si possa bere, ecc.

U: - Il dizionario di Ozhegov dice: "Una tazza è un recipiente per bere". (Diapositiva n. 2)

Ricordiamo le affermazioni in cui viene utilizzata questa parola. (Dopo che i bambini hanno fornito i loro esempi, proporre le dichiarazioni elencate nella diapositiva n. 3).

U: - Come interpreti le affermazioni elencate di seguito?

Bevi una tazza amara (sperimenta disgrazie).

La coppa della pazienza è piena (è impossibile resistere ancora).

Casa - ciotola piena(c'è abbondanza in casa, c'è molto di tutto).

Bevi la coppa mortale (muori).

La bilancia pende in una direzione (viene presa una decisione o l'altra).

Sulla base di queste affermazioni, possiamo giungere alla conclusione che la ciotola non è piena di liquido, ma contenuto della vita.

C'è una cosa sola in India saggio detto:

Se vuoi conoscere una persona, colpiscila

L'uomo è un vaso

ciò di cui è pieno inizierà a fuoriuscire da esso

Ascolta un brano musicale. Di cosa è piena la tazza di questa persona?

(Sembra "Aria di Gesù nell'orto del Getsemani" (in inglese). 5.20)

U: - Come vedi l'immagine di una persona nella musica?

D; (L'uomo soffre, la sua anima è inquieta, sembra urlare disperato).

U: - Pensi che questa musica sia classica o moderna? In quale stile può essere classificato?

D: Molto probabilmente questa musica è stata scritta ai nostri tempi. Dal punto di vista stilistico, il brano eseguito può essere classificato come musica rock.

U: - Hai ragione. È stato riprodotto un frammento di un'opera rock.

Non vi sembra strano questo abbinamento? Opera rock. Cosa, secondo te, può unire due direzioni musicali così diverse? (Diapositiva numero 4).

D: - Il desiderio dei compositori di rendere l'arte dell'opera accessibile agli ascoltatori moderni.

U: L'opera lo è esecuzione musicale, sviluppandosi secondo le proprie leggi. Nonostante il fatto che l'opera sia apparsa nel XVI secolo, era in continua evoluzione, era varia e comica, satirica e tragica. Con decorazioni lussureggianti e costumi modesti sul palco di strada. Non molto tempo fa abbiamo ascoltato l'opera "Rigoletto", dove la storia parlava del duca dissoluto, vanitoso e frivolo e del suo entourage. E la musica rock è un modo per esprimere i problemi della società.

In effetti, il rock è diventato un modo per esprimere certi stati d'animo delle giovani generazioni, il loro atteggiamento nei confronti della vita circostante e dei suoi problemi. Molte persone brillanti, persone poeticamente e musicalmente dotate si sono avvicinate al rock. Hanno cercato di trovare opportunità musicali per rivelare contenuti nel rock.

La ricerca di nuovi mezzi espressivi ha portato i musicisti all'uso creativo di altre direzioni del passato e del presente, compresi i classici musicali. Un posto speciale occupa una connessione con l'opera. Dopotutto, l'opera è un teatro, un'azione, e il rock, con il suo modo di esibirsi e vari effetti decorativi e luminosi, gravita verso il teatro. La qualità più importante le opere rock sono l'unità interna della musica e dell'azione drammatica.

T: Oggi in classe abbiamo ascoltato un frammento dell'opera rock “Jesus Christ Superstar”. Messa in scena nel 1971 a Broadway, divenne un vero e proprio fenomeno della stagione teatrale newyorkese, segnando a pieno titolo la nascita di un nuovo genere. (Diapositiva n. 5)

U: - A quale eroe pensi che appartenga quest'aria?

Gesù Cristo - che ha lo scopo di salvare le persone dal male, ma alla fine si rivela una vittima

Giuda – un traditore, ma che tradisce per salvare Cristo stesso e la sua causa

Ponzio Pilato - che punisce contro la sua volontà

Re Erode- che incarna tutti i possibili vizi.

D: - Molto probabilmente, Gesù Cristo. Nella musica puoi sentire la storia di una persona sofferente; la musica è piena di dolore e disperazione.

U: - Cosa sai della vita di questa persona? Come ti appare?

D: - Questo è un uomo - il figlio di Dio, che è venuto sulla terra per salvare le persone.

T: - Quali eventi credi siano raccontati in quest'opera?

D: - Riguardo agli ultimi giorni della vita di Gesù Cristo.

T: - Quanti anni aveva Gesù quando accaddero questi fatti?

D: - 33 anni. Era un uomo giovane, pieno di energia, per questo forse non voleva morire.

Il dramma di Gesù, che va alla tortura e all'esecuzione in nome della felicità delle persone, il tradimento di Giuda, la rinuncia del suo amato discepolo - Pietro, la figura di Pilato - il governatore romano della Giudea, che esegue un processo ingiusto, la folla rifiuta il suo profeta e lo condanna a morte. Tutti questi eventi e immagini della tradizione evangelica, pieni di alta tragedia e profondo significato umano, hanno attratto a lungo e continuano ad attirare l'attenzione di compositori e scrittori.

U: - Molti artisti hanno raffigurato Gesù Cristo sulle loro tele. Ecco un'immagine:

1. Dionisio. Crocifissione.1512

2.N.N. Ge Cristo e Pilato 1890

3.Leonardo da Vinci. ultima cena

4.I.Kramskoy. Cristo nel deserto

U: Ascoltiamo di nuovo la scena “Pregare per la Coppa” e determiniamo con quale immagine è in sintonia questa musica? Ascolta, quali sentimenti e pensieri sono pieni dell'aria di Cristo? (Aria “Preghiera per la Coppa” suona in russo). (Cartella "Musica") 5.20.

U: - Di quali sentimenti è pieno? Come è strutturata l'aria di Gesù?

D: - All'inizio la musica suona tranquilla, lirica, poi la tensione cresce, a volte raggiungendo il punto di un grido di disperazione, ma poi tutto si blocca e la melodia originale suona di nuovo. Ma lei è piena di fiducia, Gesù ha preso una decisione, e questa fiducia si sente nella musica, il suono diventa più forte.

U: - A chi si rivolge?

D: - A Dio, al padre. Cristo chiede: “Perché dovrei morire?” Non vuole morire, ma capisce che deve compiere ciò che è determinato dal destino.

U: - Guarda attentamente. Con quale immagine è in consonanza la musica? (Diapositiva n. 6)

Analizzare l'incarnazione artistica dell'immagine di Cristo nella musica, nella pittura e nella Bibbia. I ragazzi giungono alla conclusione che il dipinto di I. Kramskoy “Cristo nel deserto” è più in sintonia con la musica. (Diapositiva n. 7)

Profondamente solo, seduto sullo sfondo di un paesaggio deserto e roccioso, arrivando in un pensiero profondo, Cristo è percepito come un simbolo della disponibilità a sacrificarsi in nome di un obiettivo più alto.

U: - Gli ideatori dell'opera, (Diapositiva n. 8) erano molto giovani (il compositore Lloyd Weber ha 23 anni, l'autore del libretto Tim Rice ne ha 26).

Perché pensi che a metà del XX secolo, nell’era del rapido progresso tecnologico, tecnologia spaziale, scoperte scientifiche, giovanissimi si sono dedicati a questo argomento?

D: - Abbiamo trovato nella preghiera cristiana l'ideale della purezza, dell'altruismo e dell'amore fraterno. Il percorso verso il rinnovamento spirituale di una società impantanata nell'avidità, nell'egoismo e nell'egoismo. (Diapositiva n. 9).

"Consideriamo Gesù non come Dio, ma come un uomo che si trovava al posto giusto al momento giusto", ha detto Tim Rice in un'intervista a Time. Il nostro compito è raccontare la storia di Gesù come uomo da questo punto di vista la sua grandezza non fa che aumentare" .

L'ultima scena suggerisce che davanti a noi si sia svolta una rappresentazione teatrale. Uno spettacolo su un tema che nell'arte viene chiamato “eterno”: sull'amore, l'amicizia, il tradimento, il sacrificio. Questo argomento è chiamato “eterno” perché fa pensare e riflettere persone di tutte le epoche e di tutte le età.

Sono passati più di 40 anni dalla creazione dell'opera rock "Jesus Christ Superstar", ma anche oggi questo lavoro rimane richiesto dagli ascoltatori.

Torniamo alla nostra prima diapositiva e ognuno proverà a riempire la propria tazza con le emozioni, i sentimenti che sono sorti in voi.

D: - gentilezza, compassione, amore, pietà

Questo è probabilmente il motivo per cui ancora oggi ci rivolgiamo all'immagine di Gesù Cristo.

Zabelin Vladislav “Dio ci conceda”

1.Dio mi dia un po' di più
Felicità e amore
E anche buoni amici
Per non deluderci

Esempio: finestre spalancate di notte
Lo aprirò e pregherò
Le stelle sorrideranno dal cielo
E la tristezza scomparirà
Le stelle sorrideranno dal cielo
E la tristezza scomparirà

2. Che Dio ci conceda di essere più saggi
E sii più forte
Lasciamoci essere più gentili a vicenda
Insegna ad amare

Elenco di riferimenti e risorse Internet.

    Gavrilov A. Cos'è il rock? // La musica e te n. 8, 1989.

    Zakirova G.Ya. Generi musicali moderni. //Musica a scuola n. 1, 2005.

    Koltsova O.M. Opera rock "Jesus Christ Superstar". //Musica a scuola n. 3, 2004.

    Konovalov I. Alle origini dell'opera rock. // La musica e te n. 3, 1990.

    Orlova E. V. Sul problema del rapporto tra tradizioni artistiche orientali e occidentali nella musica del XX secolo. //Musica a scuola n. 6, 2004.

    Prokoshin Yu.S. Opera americana degli anni '80 del XX secolo. //Musica a scuola n. 3, 2004.

    Raigorodsky B.D. Cosa può fare la musica. //Musica a scuola n. 4, 2004.

    Enciclopedia "Arte". M.: Avanta, 2001. volume 7, parte 3.

    CD "Cyril e Mythodiy"



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