Historie om folkehåndverk. Hva er fiske? Hva er folkehåndverk

Folkehåndverk er nettopp det som gjør vår kultur rik og unik. Utenlandske turister tar med seg malte gjenstander, leker og tekstilprodukter til minne om landet vårt.

Nesten hvert hjørne av Russland har sin egen type håndarbeid, og i dette materialet har vi samlet de lyseste og mest kjente av dem.

Dymkovo leketøy


Dymkovo-leken er et symbol på Kirov-regionen, og understreker dens rike og eldgamle historie. Den er støpt av leire, deretter tørket og brent i en ovn. Etter det blir den malt for hånd, hver gang skaper en unik kopi. Det kan ikke være to like leker.

Zhostovo-maleri


På begynnelsen av 1800-tallet bodde brødrene Vishnyakov i en av landsbyene nær Moskva i den tidligere treenighetsvolosten (nå Mytishchi-distriktet), og de var engasjert i å male lakkerte metallbrett, sukkerskåler, paller, papp-maché-bokser , sigaretthylser, tekanner, album og andre ting. Siden den gang har kunstnerisk maleri i Zhostovo-stilen begynt å få popularitet og tiltrekke seg oppmerksomhet på en rekke utstillinger i vårt land og i utlandet.

Khokhloma


Khokhloma er et av de vakreste russiske håndverkene, som oppsto på 1600-tallet nær Nizhny Novgorod. Dette er et dekorativt maleri av møbler og treredskaper, som ikke bare er elsket av kjennere av russisk antikken, men også av innbyggere i fremmede land.

De intrikate sammenvevde urtemønstrene av lyse skarlagensrøde bær og gylne blader på en svart bakgrunn kan beundres i det uendelige. Derfor gir selv tradisjonelle treskjeer, presentert ved den mest ubetydelige anledning, mottakeren det snilleste og lengste minnet om giveren.

Gorodets maleri


Gorodets maleri har eksistert siden midten av 1800-tallet. Lyse, lakoniske mønstre gjenspeiler sjangerscener, figurer av hester, haner og blomstermønstre. Maleriet er utført i et fritt slag med en hvit og svart grafisk kontur, det dekorerer spinnende hjul, møbler, skodder og dører.

Filigran


Filigran er en av de eldste typer kunstnerisk metallbearbeiding. Elementer av et filigranmønster kan være svært forskjellige: i form av et tau, blonder, veving, fiskebein, sti, satengsøm. Vevene er laget av veldig tynne gull- eller sølvtråder, så de ser lette og skjøre ut.

Ural malakitt


Kjente forekomster av malakitt er i Ural, Afrika, Sør-Australia og USA, men når det gjelder farge og skjønnhet i mønstre, kan malakitt fra fremmede land ikke sammenlignes med det fra Ural. Derfor regnes malakitt fra Ural som den mest verdifulle på verdensmarkedet.

Gusev krystall


Produkter laget på Gus-Khrustalny krystallfabrikken kan finnes på museer over hele verden. Tradisjonelle russiske suvenirer, husholdningsartikler, sett for festlig bord, elegante smykker, håndlagde esker og figurer gjenspeiler skjønnheten i vår opprinnelige natur, dens skikker og opprinnelig russiske verdier. Produkter laget av farget krystall er spesielt populære.

Matryoshka


En lubben og lubben munter jente i et skjerf og russisk folkekjole vant hjertene til elskere av folkeleker og vakre suvenirer rundt om i verden.

Nå er hekkedukken ikke bare et folkeleketøy, en vokter av russisk kultur: det er en minneverdig suvenir for turister, på forkleet som lekescener, eventyrplotter og landskap med attraksjoner er fint tegnet. Hekkedukken har blitt et dyrebart samleobjekt som kan koste hundrevis av dollar.

Emalje


Vintage brosjer, armbånd, anheng, som raskt "kom inn i" moderne mote, er ikke annet enn smykker laget ved hjelp av emaljeteknikken. Denne typen brukskunst oppsto på 1600-tallet i Vologda-regionen.

Mestere avbildet blomstermønstre, fugler og dyr på hvit emalje ved hjelp av en rekke malinger. Så begynte kunsten med flerfarget emalje å gå tapt, og monokromatisk emalje begynte å erstatte den: hvit, blå og grønn. Nå er begge stilene vellykket kombinert.

Tula samovar


I fritid En ansatt ved Tula våpenfabrikk, Fjodor Lisitsyn, elsket å lage noe av kobber, og laget en gang en samovar. Så åpnet sønnene hans en samovar-etablissement hvor de solgte kobberprodukter, som var veldig suksessrike.

Lisitsyn-samovarene var kjent for sine forskjellige former og utførelser: fat, vaser med jakt og gravering, eggformede samovarer, med delfinformede kraner, med løkkeformede håndtak og malte.

Palekh miniatyr


Palekh-miniatyr er en spesiell, subtil, poetisk visjon av verden, som er karakteristisk for russisk folketro og sanger. Maleriet bruker brun-oransje og blågrønne toner.

Palekh-maleri har ingen analoger i hele verden. Det er gjort på papir-maché og først da overført til overflaten av bokser i forskjellige former og størrelser.

Gzhel

Gzhel-busken, et område med 27 landsbyer som ligger i nærheten av Moskva, er kjent for sin leire, som har blitt utvunnet her siden midten av 1600-tallet. På 1800-tallet begynte Gzhel-håndverkere å produsere semi-fajanse, keramikk og porselen. Av spesiell interesse er fortsatt gjenstander malt i én farge - blå overglasurmaling påført med en pensel, med grafiske detaljer.

Pavlovo Posad sjal


Lyse og lette, feminine Pavloposad-sjal er alltid moteriktig og relevant. Dette folkehåndverket dukket opp på slutten av 1700-tallet på en bondebedrift i landsbyen Pavlovo, hvorfra en sjalfabrikk senere utviklet seg. Den produserte ullsjal med trykte mønstre, som var veldig populære på den tiden.

I dag er originale design supplert med forskjellige elementer som frynser, er laget i forskjellige farger og forblir et utmerket tilbehør til nesten ethvert utseende.

Vologda blonder


Vologda blonder er vevd på trepinner og spoler. Alle bilder er laget med tett, kontinuerlig, jevn bredde, jevnt krøllet linflett. De skiller seg tydelig ut mot bakgrunnen av mønstrede gitter, dekorert med elementer i form av stjerner og rosetter.

Shemogodskaya utskåret bjørkebark


Shemogodskaya utskjæring er et tradisjonelt russisk folkekunsthåndverk med utskjæring av bjørkebark. Ornamentene til Shemogod-skjærere kalles "bjørkebark-kniplinger" og brukes til fremstilling av kister, esker, tekanner, pennaler, etuier, fat, tallerkener og sigaretthylstre.

Det symmetriske mønsteret til Shemogod-utskjæringen består av blomstermønstre, sirkler, romber og ovaler. Tegningen kan inneholde bilder av fugler eller dyr, arkitektoniske motiver, og noen ganger til og med scener med å gå i hagen og drikke te.

Tula pepperkaker




Tula pepperkaker er en russisk delikatesse. Uten disse søte og velduftende produktene fant ikke en eneste begivenhet sted i Rus' - verken glad eller trist. Det ble servert pepperkaker både på kongebordet og på bondebordet. Den tradisjonelle formen gis til pepperkakene ved hjelp av et brett med utskåret ornament.

Orenburg dunskjerf

Skjerfene er strikket av naturlig geitedun og er utrolig myke, vakre, varme og praktiske. Gjennombrudte nettskjerf er så tynne og grasiøse at de kan tres gjennom giftering. De er verdsatt av kvinner over hele verden og regnes som en fantastisk gave.

Fremveksten av håndverk skjer i begynnelsen av menneskelig produksjonsaktiviteter. Begynnelsen har vært kjent siden antikken

Konseptet med håndverk

Håndverk er en produksjonsaktivitet basert på produksjon av industrielle gjenstander ved bruk av småskala manuelt arbeid, som rådde før utviklingen av maskinproduksjon og forble der.

En person som lager gjenstander profesjonelt kalles en håndverker.

Hva er folkehåndverk

Folkehåndverk refererer til gjenstander som er laget ved bruk av vanlige tilgjengelige materialer og enkle design. Folkehåndverk er mangfoldige i sin kreative aktivitet. Produkter er laget for hånd og oftest av naturlige materialer eller nær dem (tre, stoff, metall, etc.). Denne typen aktivitet ble dannet fra hjemmehåndverk, når nødvendige husholdningsartikler ble laget. I likhet med kunst utviklet folkehåndverk seg avhengig av kultur, religion og noen ganger politiske synspunkter.

Håndverkets historie

Håndverket har en lang historie. Primitive samfunn er oftest engasjert i hjemmehåndverk, lager gjenstander av stein, bein, leire, tre, etc. Hjemmehåndverk er produksjon av produkter som er nødvendige for å drive en husholdning. Enkelte steder, også i dag, er denne aktiviteten av stor betydning.

Senere begynte folk å lede fremveksten av håndverkere. Mange håndverkere jobbet på gårdene til konger, templer, klostre og slaveeiere (det gamle Egypt, det gamle Roma, det antikke Hellas og landene i Mesopotamia). Til å begynne med jobbet håndverkeren alene, men siden dette ga liten inntekt begynte håndverkerne å slå seg sammen i grupper. Disse gruppene ble kalt arteller og tok ordre fra befolkningen. Noen av mesterne gikk rundt i byer og landsbyer, mens andre bodde og arbeidet på ett sted. Handel og håndverk på bestilling ga opphav til fremveksten og utviklingen av byer som sentre for håndverksarbeid og handel. Til denne dag i mange befolkede områder gatenavn er bevart som indikerer arbeidsstedet til en eller annen mester. For eksempel, Goncharnaya - produksjon ble organisert der - skinnbehandling, produksjon av skinnprodukter, skoreparasjon - produksjon av murstein;

I middelalderen dukket det opp en form for profesjonelt håndverk. Et nytt sosialt sjikt har dukket opp i byene – urbane håndverkere. Hovedgrenene for byhåndverk var: produksjon av metallgjenstander, klesfremstilling, produksjon av glassprodukter osv. Byhåndverkere hadde slike privilegier som bylov, håndverksverksteder og egen frihet.

Med ankomsten av mange typer håndverk mistet de sin forrang i produksjonen, og maskiner begynte å bli brukt i fabrikker og fabrikker. I dag overlever håndverkere i bransjer som betjener kundenes personlige behov og i produksjonen av dyre kunstneriske produkter (skomakere, skreddere, gullsmeder, kunstnere, etc.).

Historie om utviklingen av håndverk i Russland

Befolkningen i russiske byer besto hovedsakelig av håndverkere. De fleste av dem drev med smedarbeid. Senere utviklet metallsmeding seg fra smedarbeid. Produktene hans var etterspurt i Europa. Produksjonen av våpen pekte ut håndverkere for å lage buer, våpen, kogger, etc. Rustningen til russiske håndverkere ble ansett som en størrelsesorden høyere enn tyrkisk, syrisk og italiensk.

Ifølge opplysninger fra kronikken var det allerede i 1382 kanoner i Rus'. På 1300-tallet ble det dannet støperi (klokkestøping). Med invasjonen av mongolene falt produksjonen i nedgang.

Smykkehåndverk tjente aristokratiets behov. De overlevende produktene (ikoner, gullbelter, fat, bokbindinger) vitner om den høye profesjonaliteten til smykkehåndverkere innen gravering, kunstnerisk støping, smiing, niello og mynting. På 1300-tallet begynte det i flere russiske fyrstedømmer, som utgjorde pengehåndverket. Lær-, skomaker- og keramikkhåndverk ble designet for markedet og et bredt spekter av kunder. En rekke tallerkener, leker og byggematerialer ble laget av leire. I tillegg, i Moskva og andre byer, ble steinkirker (for det meste laget av hvit stein) bygget og tårnklokker ble installert med streik.

Mesternes verk ga et stort bidrag til gjenopprettingen av ødeleggelsen etter de tatarisk-mongolske erobringene. Russisk håndverk påvirket utarbeidelsen av økonomiske forutsetninger for opprettelsen av en russisk sentralisert stat.

Siden 1917 har antallet håndverkere i Russland gått kraftig ned i det industrielle samarbeidet. Men selv nå inkluderer russisk håndverk flere verdensberømte folkekunst og håndverk.

Ulike typer og typer håndverk

Typer håndverk er dannet av materialet som gjenstanden er laget av. I lang tid har folk kjent håndverk som:

smedhåndverk

Dette er en av de første yrkene som dukket opp i Rus'. Folk ble alltid overrasket når de så en smed arbeide. De kunne ikke forstå hvordan mesteren laget slike fantastiske gjenstander fra grått metall. For mange folkeslag ble smeder ansett som nesten trollmenn.

Tidligere krevde smedarbeid spesialkunnskaper og et spesialutstyrt verksted med mange verktøy. Metallet ble smeltet som det ble utvunnet fra om våren og høsten. Gamle russiske smeder laget sigd, plogskjær og ljåer til bønder, og spyd, sverd, økser og piler til krigere. I tillegg trengte husholdningen alltid kniver, nøkler og låser, nåler osv.

I våre dager har den teknologiske utviklingen endret noe og forbedret smedens håndverk, men det er fortsatt etterspurt. Kunstnerisk smiing brukes til å dekorere kontorer, leiligheter, landsteder, parker, torg, det er spesielt etterspurt i landskapsdesign.

Håndverk av smykker

Smykkehåndverk er et av de eldste i menneskehetens historie. Produkter laget av gull, sølv og edelstener har lenge vært ansett som et tegn på makt og rikdom til den aristokratiske klassen. Tilbake i det 10. og 11. århundre var smykkehåndverkere kjent for sitt talent i hele Europa. Folk har vært lidenskapelige fans av smykker siden antikken. Perler ble laget av edle metaller eller farget glass, anheng med forskjellige design (vanligvis dyr), sølvringer som ble hengt i en hodeplagg eller vevd inn i en frisyre, ringer, kolta, etc.

På 1700-tallet blomstret smykkehåndverk i Russland. Det var på denne tiden at yrket "gull og sølvsmed" begynte å bli kalt "juveler". På 1800-tallet utviklet russiske håndverkere sin egen stil, takket være hvilken russiske smykker forblir unike i dag. De berømte firmaene til Grachev-brødrene, Ovchinnikov og Faberge begynte arbeidet sitt.

I dag, på grunn av velstandsveksten, har befolkningen i økende grad behov for svært kunstneriske smykker.

Keramikk

Det er kjent at siden 900-tallet har keramikk blitt produsert i Russland. Dette ble gjort manuelt, og for det meste av kvinnehender. For å øke styrken og holdbarheten til produktet ble små skjell, sand, kvarts, granitt og noen ganger planter og fragmenter av keramikk blandet inn i leiren.

Litt senere dukket de opp, noe som gjorde keramikerarbeidet lettere. Sirkelen ble satt i bevegelse for hånd og deretter med føtter. Samtidig begynte menn å drive med keramikkproduksjon.

Keramikk nådde industriell skala på 1700-tallet. Keramikkfabrikker dukket opp i St. Petersburg, og litt senere i Moskva.

Gjenstandene laget av moderne keramikere er fortsatt fascinerende. I dag er keramikk en populær aktivitet i mange regioner i Russland, og etterspørselen etter håndlagde keramiske produkter øker stadig.

Folkekunst og håndverk går tilbake til antikken, til husflid og bygdehåndverk. Senere ble det dannet håndverk som arbeidet for markedet, så vel som private verksteder, involvert i det kapitalistiske markedssystemet og ofte ute av stand til å motstå konkurransen fra fabrikkvarer. På slutten av det 19. - begynnelsen av det 20. århundre. I mange land begynte en gjenoppliving av folkekunsthåndverk, inkludert i Russland. I vårt land er det et spesielt statlig program for å støtte og gjenopplive originalt russisk folkehåndverk, inkludert: Khokhloma, Gzhel, Zhostovo-brett, bjørkebark, Fedoskino-bokser, Samovars, Balalaikas, Gorodets-maleri.

Men først og fremst er det verdt å finne ut hvor disse, med rette, kunstverk kom fra i Rus, etter å ha gått gjennom århundrer og mange vanskeligheter, gått i arv fra generasjon til generasjon, fra mester til mester, fra far til sønn, folkehåndverk har nådd vår tid!

På Uzola-elven, i de gamle skogene i Trans-Volga-regionen, er det gamle russiske landsbyer - Novopokrovskoye, Khryashi, Kuligino, Semino. Det er her det verdensberømte Khokhloma-fisket sporer sin historie. I disse landsbyene bor det fortsatt i dag mesterkunstnere, som maler trefat, viderefører tradisjonene til fedre, bestefedre og oldefedre.

Imidlertid har forskere ennå ikke klart å fastslå tidspunktet for utseendet til Khokhloma-maleriet. Tross alt ble ikke treskåler og andre redskaper lagret i lang tid. Etter hyppig bruk ble den utslitt og ble ubrukelig. Den ble kastet eller brent, erstattet med en ny. Produktene til Khokhloma-mestere har nådd oss ​​hovedsakelig bare fra 1800-tallet. Men ulike dokumentariske opplysninger tyder på at fisket oppsto på et tidligere tidspunkt, kanskje på 1600-tallet.

Den originale teknikken som er karakteristisk for Khokhloma, der maling med cinnaber og svart maling ble utført på en gylden bakgrunn, finner analogier i gammel russisk kunst.

Dokumentene nevner at på slutten av 1500- og begynnelsen av 1600-tallet i Treenigheten-Sergius Lavra, under den seremonielle mottakelsen av gjester, ble de presentert med tresleiver dekorert med gull og kanel, samt kopper.

På begynnelsen av 1600-tallet ble Trans-Volga-landene tildelt Trinity-Sergius Lavra, blant dem var Khokhloma. Bøndene så ikke bare dette forgylte fatet, men kunne også vite hvordan de skulle male dem. Men Khokhloma-mestere hadde sin egen metode for "forgylling". Fatene ble gnidd med tinnpulver, dekket med tørkeolje og varmet opp i utskårne forgylte ovner. Den tørkende oljen ble gul av den høye temperaturen, og tinnet som skinnet gjennom den ble gull.

En av de beste mesterne i Khokhloma-maleriet snakket om dette håndverket: (Melleriets natur, som etterligner gull- og sølvfat, ble foreslått av dekorativ kunst Det gamle Russland...Khokhloma var sannsynligvis bare en sen refleksjon av denne store kunsten...)

På 1800-tallet vokste fiskeriet så mye at det leverte sine varer i store mengder ikke bare til hjemmemarkedet, men også i utlandet til landene i Sentral-Asia og Vest-Europa. Flere landsbyer i Semenovsky og Balakninsky-distriktene i Nizhny Novgorod-provinsen, Makarinsky og Varnavinsky - Kostroma-provinsen var engasjert i produksjon av retter og andre husholdningsartikler. Blant dem var det noe sånt som en arbeidsdeling. I en landsby ble tre bearbeidet, i en annen ble det brukt et design.

De tidligste verkene til Khokhloma i samlingen til det russiske museet dateres tilbake til andre halvdel av 1800-tallet. De teller rundt 170 husholdningsartikler med forskjellige formål. Rettene er representert av boller og kopper i alle størrelser: fra små, som ligner på dessertrosetter, til enorme 70-80 centimeter i diameter; ulike leverandører og fat med saltbøsser og en rekke skjeer.

Billige hverdagsretter kunne kjennetegnes ved enkle mønstre påført med spesielle stempler laget av filtstoff eller en regnfrakksopp. Dette er spiraler, diamanter, små rosetter og blader.

Dyrere gjenstander ble malt for hånd med en pensel, og skapte forskjellige komposisjoner av urtemønstre, der lett buede tynne røde og svarte kvister med frodige fjærkledde gressstrå ble rytmisk kombinert.

Noen ganger komplementerte rødt og svart fluffy gress hovedprydmotivet til en stor krøllete stilk, som hver krølle endte med et rødt bær.

På 1960-tallet begynte man å produsere sett og tjenester med flere elementer.

Moderne Khokhloma har med rette fått bred anerkjennelse ikke bare i vårt land, men også langt utenfor dets grenser. Lyst malte bestikksett, kopper, skjeer og møbler er utstilt på mange store internasjonale utstillinger. Og denne unike, muntre kunsten finner alltid kjærlighet og forståelse blant mennesker av alle nasjonaliteter.

Det er en landsby som heter Zhostovo i Moskva-regionen, hvis innbyggere har mestret kunsten å dekorere bare én ting i mer enn et og et halvt århundre - et brett. Under børsten av folkemalere fikk dette objektet kvalitetene til et kunstverk. Samlet i buketter eller fritt spredt på en skinnende svart bakgrunn, dekorerer hagen og markblomstene brettet og gir folk en følelse av sjeleglede, poesien til naturens evige blomstring. Tross alt er det knapt en person som ikke elsker naturen, som er likegyldig til blomster, deres skjønnhet, aroma og den store livskraften som finnes i dem. Dette emnet er nært for alle, og det er derfor det er så mange beundrere av Zhostovo-talent, ikke bare i vårt land, men også i utlandet.

Og en gang i tiden, på begynnelsen av 1800-tallet, da han åpnet det første verkstedet i Zhostovo for produksjon av papir-maché-produkter, hadde kjøpmannen Philip Nikitievich Vishnyakov ingen anelse om at han hadde grunnlagt et nytt håndverk, som til slutt skulle bli et av de unike sentrene for russisk folkekultur. Den originale kunsten med dekorativ maling utviklet seg her, og inkorporerte tradisjonene med folkemaling på husholdningsgjenstander og staffelimaling av stilleben, forstått og omarbeidet av folkekunstnere på sin egen måte. De første brettene var laget av pappmaché, det samme var boksene, snusboksene, vintageboksene og boksene produsert med dem. Til å begynne med var maleriene som prydet dem de samme - landskap malt etter graveringer og malerier, sommer- og vintertrekanter av hester, teselskaper ved bordet. Plassert på en svart bakgrunn i midten av feltet, var silhuetter av figurer og lokale fargeflekker tydelig lesbare.

På 1830-tallet begynte brett i Zhostovo å bli laget av metall. På ideen om å erstatte papir-maché med mer slitesterkt materiale Innbyggerne i Zhostovo tok med seg brett fra Nizhny Tagil, det berømte sentrum for produksjonen deres tilbake på 1700-tallet. På 1800-tallet ble det laget brett i Tagil, dekorert med blomstermønstre som er karakteristiske for Ural folkemalte redskaper.

Et annet kjent senter for produksjon av brett var St. Petersburg. Brett med krøllete former og komplekse mønstre som viser blomster, frukt, fugler blant forskjellige skjell og lunefulle krøller var på mote her.

Zhostovo-mestere tok hensyn til erfaringen til malere fra Nizhny Tagil og St. Petersburg, men brukte ikke bare stilene og teknikkene de likte, men basert på dem skapte de sin egen unike stil og karakter for å dekorere brett. Den utviklet seg på 1870-1880-tallet.

I løpet av denne tiden økte etterspørselen etter skuffer i byer. På tavernaer, drikkesteder og hoteller ble brett brukt til det tiltenkte formålet og som interiørdekorasjon. Brettproduksjonen i Zhostovo ble gradvis skilt fra lakkminiatyrer på pappmaché. Det oppsto mange verksteder som produserte brett for salg i Moskva, St. Petersburg og andre områder. Siden da og frem til nå har Zhostovo og de omkringliggende landsbyene vært en slags reserve for denne unike kunsten.

Samling Zhostovo-brett i det russiske museet er liten. Men den inneholder førsteklasses verk utført i ulike perioder bransjens liv og tydelig gjenspeiler egenskapene og nivået på kunsten i deres tid.

Blant de mest kjente verkene er et ovalt brett dekorert med perlemormaleri.

Nesten hvert antikke brett bærer preg av verkstedet der det ble laget. Fra dette merket kan du finne ut navnet på eieren av verkstedet, og fra det kan du bestemme tidspunktet for opprettelsen av brettet.

I en avstand på 50-60 kilometer nordøst for Moskva, i Ramensky-distriktet, langs Yegoryevskoye-motorveien, er det to dusin vakre landsbyer og grender som fusjonerer med hverandre.

Gzhel er navnet på en av landsbyene - et tidligere volostsenter, som har blitt et kollektiv for hele regionen, et symbol på unik kunst og folkelig håndverk.

Gzhel er navnet på svært kunstneriske porselensprodukter produsert på disse stedene, malt med kobolt på hvit bakgrunn.

Gzhel ble først nevnt i skriftlige kilder i 1339 i det åndelige brevet til Ivan Danilovich Kalita. Siden den gang, gjennom århundrene, som en av de mest lønnsomme volostene, ble Gzhel arvet av familien til de store Moskva-prinsene og tsarene, og ga dem betydelig inntekt.

Tilbake på 1500-tallet fraktet innbyggerne i Gzhel overflødig husholdningsredskaper til Moskva, så vel som til Moskva-keramikere i Yauzskaya Sloboda, noen ble der for å jobbe. De dro også til Moskva-messer og auksjoner. På auksjonen ble vi kjent med importerte produkter fra håndverkere fra andre steder i Russland, fra andre land.

På grunnlag av bondehåndverk og handel dukket det gradvis opp en ny type bondebefolkning i Gzhel.

På 70-80-tallet av 1700-tallet ble Gzhel sentrum for produksjon av kunstnerisk majolica i Russland. Faktum er at siden åpningen av fabrikken til Afanasy Grebenshchikov i 1724, jobbet mange Gzhel-innbyggere der som keramikere. Kunnskapsrike og effektive grep de raskt hemmelighetene til den nye produksjonen av majolica-produkter, og tilbake til hjemlandet startet de sine primitive, men mange nye smier, skapte produktene sine ikke bare fra vanlige røde leire, som før, men brukte den nye teknologi av hvite masser med blandinger av andre varianter av leire og mineraltilsetningsstoffer.

Originale Gzhel-produkter var i konstant etterspørsel. Håndverksbønder jobbet fra daggry til kveld, med leire og skapte ting som var nødvendige for hverdagen av den. Hver av dem hadde sin egen stil, og da han lagde produkter, introduserte han sin egen visjon om verden rundt seg. Verdien av retter og leker ble bestemt av kjøpernes smak og kontrollert av deres etterspørsel. Populariteten til Gzhel-produktene betydde at de oppfylte kravene som møtte de utilitaristiske målene og den kunstneriske smaken til datidens folk. På midten av 1700-tallet begynte keramikkproduksjonen å utvikle seg ganske raskt i Russland, men Gzhel-produkter var i konstant etterspørsel. Herfra sprer produksjonen av keramikk seg til Kolomenskaya, Serpukhovskaya og andre distrikter i Moskva-provinsen.

Slutten av 1700-tallet var storhetstiden til Gzhel majolica; Lokale håndverkere oppnådde spesielt stor dyktighet i produksjon av kanner, kumgans og kvass. Arbeidet krevde stor tålmodighet og dyktighet. Maleriet tillot ikke korrigeringer eller endringer, siden det ble utført på et mykt, ubrent skår dekket med hvit emalje. Gzhelianerne produserte også hver for seg små majolica-skulpturer, som ofte reflekterte typiske scener i livet deres, komposisjoner fylt med humor, soldater, bondekvinner, motefolk og dandies, opptatt med det ene eller det andre. Handlingene var uttrykksfulle og forståelige, fengslende med klarheten i planene og naiviteten til skaperne deres - enkle folkehåndverkere.

I mange tiår skapte innbyggerne i Gzhel fliser med fantastisk skjønnhet og variasjon av malerier for å dekorere ovner og peiser. Eremitasjen har nå over 500 av sine prøver i samlingen sin.

Mange Gzhel-mestere deltok i opprettelsen av keramikk andre steder i Russland.

De prøvde å lage Gzhel-halvfajanse tilbake i de siste årene av 1700-tallet. Gjenstander laget av dette materialet importert fra utlandet var så dyre at bare noen få kunne kjøpe dem, men de presset ufrivillig Gzhel-innbyggere til å mestre teknologien til produksjonen deres.

Semi-fajanse hadde allerede et hvitt, om enn tykt skår, og maling ble ikke utført på rå emalje, som på majolikaprodukter, men etter brenning, på en hard skår, noe som i stor grad lettet, fremskyndet arbeidet og akselererte defekter.

Semi-fajanse har blitt et like fantastisk kunstnerisk fenomen som majolica. Gzhel-beboerne klarte å få tak i hvitt servise, som ligner på keramikk, på begynnelsen av 1800-tallet. Ved å tilsette kalk til leiren sin, skaffet Gzhel-folket et materiale kalt enkel fajanse eller semi-fajanse, og i løpet av 1800-tallet skapte de titusenvis av nødvendige husholdningsartikler av det.

Det tok en stund før Gzhel-folket utviklet sin egen unike stil med koboltmaleri, men gradvis nådde det perfeksjon i semi-fajanse. Den blå fargen blir klassisk, uatskillelig fra Gzhel semi-fajanse. Dette var et nytt visuelt billedspråk som erstattet konturtegning med polykrom fargelegging, som tidligere ble brukt i majolica. Blå maling kombinerer best med glasur, gir mindre feil ved brenning og avgir en tidløs utstråling. Maleriet inneholder også elementer av menneskeliggjøring og åndeliggjøring av ting.

Ved midten av 1800-tallet var Gzhel den største leverandøren av keramiske produkter i landet.

I andre halvdel av 1800-tallet skjedde det betydelige endringer i russisk keramikkproduksjon. Store mekaniserte fabrikker er nå i ledelsen. Økonomisk produksjon, høykvalitetsprodukter og moderate priser gjorde det mulig å vinne kampen i salgsmarkedene.

I 1926 var antallet arbeidere i porselen- og keramikkindustrien i Gzhel-regionen 506 mennesker.

Gzhel-partnerskapet ble opprettet som et resultat av sammenslåingen av seks små verksteder fra forskjellige landsbyer i 1972.

I landsbyen Zhirovo produserer de keramiske peiser, i landsbyene Troshkovo og Fenino - keramikk og majolica-retter. I landsbyen Fenino opprettes sammen med et italiensk selskap et produksjonsanlegg for produksjon av fliser og fliser. I landsbyen Kolomino-Fryazino lager de porselensleker, og moderne produksjon i landsbyene Turygino og Bakhteevo - hovedsentrene for produksjon av kunstnerisk porselen.

Gzhel-mestre bevarer dypt og hellig tradisjonene til sine forfedre, utvikler og multipliserer dem kreativt. I den semi-eventyrverden skapt av keramikerne i dagens Gzhel, er det vanskelig å trekke en klar linje mellom fortidens og nåtidens kunst. Våren som oppsto for århundrer siden i det russiske folks sjel, tørker ikke ut; Etter å ha gått gjennom århundrenes tykkelse, forblir den fortsatt en kraftig estetisk kraft og mister ikke sin renhet. Kontinuiteten til tradisjonene til folkehåndverkere og lojalitet til dem er frøet til suksess og popularitet til Gzhel-keramikk i vår tid.

Historien til Gzhel går århundrer tilbake, og dens folkekunst er skjebnebestemt langt liv, i dag får det berømte folkehåndverket ny styrke. Bluebirds of Gzhel flyr til forskjellige deler av planeten for å dekorere folks liv og dyrke en følelse av skjønnhet.

bjørkebark

Bjørkebark I lang tid i Rus ble bjørkebark brukt til å lage husholdnings- og praktiske ting - kurver og bokser ble vevd. Og i bjørkebarkbeholdere lagret de honning og bær, rømme og smør ... I en slik "emballasje" forble alt friskt i lang tid.

De laget også esker og skrin, alle slags esker, fat og til og med bastsko av bjørkebark. De ble malt med lyse, muntre farger: de malte blomster og bær, grønne kvister og fabelaktige fugler, dyr ukjente eller velkjente. Noen ganger ble et ekte bilde født under mesterens børste: buffoon jokere spilte balalaikaer, bjørner danset ... Du kan ikke ta øynene fra det vakre mønsteret, fargerike ornamentet ...

Bjørkebark er et utmerket materiale for å kutte tynne blondemønstre med en skarp kniv. Det ser ut til at denne skjønnheten ble vevd av en dyktig blondemaker. Slike "blonde" av bjørkebark ble brukt til å dekorere kister, skrin, pulverpresser og bokser, vaser og kopper. Og for å understreke det lunefulle mønsteret og designet, plasserte håndverkere noen ganger farget folie eller glimmerbiter under bjørkebarkens "blonde".

De presset også mønstre på bjørkebark med spesielle stempler. Dette kalles preging. Denne metoden gjorde produkter laget av den spesielt elegante.

Bjørkebark har lenge vært brukt til å lage ulike husholdnings- og kunstneriske produkter. Bjørkebarkbokstaver funnet under utgravninger i Veliky Novgorod og andre russiske byer har overlevd til i dag. Bjørkebarkprodukter ble dekorert med maling, utskjæring og preging.

Bjørkebarkhandel var utbredt i hele landet vårt. Tradisjonene med å lage kunstneriske produkter av bjørkebark er bevart i nord, nordøstlige regioner den europeiske delen av Russland, i Volga-regionen, Sibir, Yakutia.

Og i dag, i det 21. århundre, har ikke interessen for gammelt folkehåndverk og våre forfedres kunst forsvunnet. Vi beundrer talentet til mesterne som ga oss skjønnhet. Og det spiller ingen rolle at den ikke er laget av gull og sølv, men av vanlig, beskjeden, men også magisk bjørkebark.

Opprinnelsen til Mezen-maleriet er fortsatt et mysterium. Noen forskere sammenligner det med maleriet av Komi-republikken, andre mener at det stammer fra gamle greske bilder. Maleriforsker V.S. Voronov sa for eksempel om det: "Dette er et ornament som har bevart i sine elementer de dypeste restene av de arkaiske eldgamle greske stilene, som dekker overflatene til tregjenstander med tykke blonder." Det er svært problematisk å slå fast dette i vår tid, for det er kanskje gått mer enn hundre år siden Mezen-maleriet dukket opp. Det ble kjent om det i 1904, men selvfølgelig oppsto maleriet mye tidligere. Maleriets uvanlige natur, dets grafiske natur og den primitive-konvensjonelle tolkningen av bildene av hester og fugler oppmuntrer forskere til å lete etter opprinnelsen til Mezen-maleriet i kunsten til nabofolk i nord og i bergmalerier. V.S. Voronov, som studerte stilene til folkemaling på tre i forskjellige regioner i Russland, utpekte Mezen som "mystisk og nysgjerrig", og påpekte dens forbindelser med gamle greske stiler.

Opprinnelsen til denne typen maleri fører til de nedre delene av Mezen-elven i Arkhangelsk-regionen. Ulike husholdningsredskaper ble malt med det - spinnehjul, øser, bokser, kister, kister. Siden slutten av 1800-tallet har landsbyen Palashchelye blitt sentrum for Mezen-maleriet, derfor er Mezen-tremaleri også kjent som "Palashelye-maleri".

Området med Mezen-maleri er svært omfattende. I tillegg til Mezen-bassenget med Vashka, inkluderer det i vest områdene Pinega og de nedre delene av Nord-Dvina til Onega-halvøya, og i øst - Izhma- og Pechora-bassengene. Her kan du finne spinnende hjul med Mezen-maleri ikke bare fra Palashchelye, men også fra andre landsbyer.

Oftest avbildet Mezen-malerier figurer av hjort, hester og sjeldnere mennesker, men bare silhuetten til en person ble malt. Til tross for at alt i dette maleriet er enkelt og konsist, kan du skrive et helt essay med tegninger, eller formidle et slags budskap med tegn. Tross alt er det mange tegn på elementene, armaturene, jorden, samt beskyttelse og påfyll av familien. Når du kjenner dekodingen deres, kan du lese hvert verk.

I utgangspunktet i gamle dager malte de spinnende hjul. Mezen spinnende hjul var virkelig unike. For det første, hvis vanlige spinnehjul besto av tre deler: en bunn, et stigerør og et blad, ble det i Mezen laget spinnehjul i ett stykke, for hvilke de valgte trær hvis røtter kunne bli bunnen.

Og for det andre var selve tegningene unike. Forskere mener at den fremre delen av spinnhjulet, avbildet veldig strengt, er delt inn i tre deler ved hjelp av geometriske mønstre: himmelen, jorden og underverdenen. Fugler og det såkalte "vinduet" ble avbildet på himmelen, ved hjelp av hvilket man kunne kommunisere med Gud. Deretter ble det avbildet rad etter rad med hester og hjort eller et tre, ofte med en fugl sittende på toppen av hodet. I underverdenen ble også rådyr og hester malt, men skyggelagt med svart maling. Og på baksiden kunne kunstneren, som strengt holdt nivåene, lage inskripsjoner, for eksempel: "Den jeg elsker, gir jeg." Spinnende hjul med lignende meldinger ble gitt av en mann til sin kone for et bryllup eller for fødselen av et barn. Forresten var det bare menn som var engasjert i maleri, og videreførte denne kunsten fra generasjon til generasjon.

Tradisjonelt har gjenstander malt med Mezen-maleri bare to farger - rød og svart (sot og oker, senere rødt bly). Maleriet ble påført ugrunnet treverk med en spesiell trepinne (skrustikk), en tjur- eller orrfuglfjær eller en menneskehårbørste. Deretter tørket produktet, noe som ga det en gylden farge. For tiden er generelt teknologien og teknikken til Mezen-maleriet bevart, med unntak av at børster har begynt å bli brukt oftere. En viss intern forskjell mellom moderne Mezen-maleri og det gamle merkes også fordi maling i utgangspunktet bare ble utført av menn, mens det i vår tid for det meste utføres av kvinner.

Nå praktiseres Mezen-maleri i nesten hele Russland, og på noen skoler er det inkludert i programmet visuell kunst.

Gorodets tremaleri, et tradisjonelt kunstnerisk håndverk som utviklet seg på midten av 1800-tallet i landsbyer langs Uzole-elven i nærheten av Gorodets, Nizhny Novgorod-regionen.null

Opprinnelsen til maleriet stammer fra produksjonen av Gorodets spinnehjul, innlagt med myr eik og dekorert med konturutskjæringer. I motsetning til de utbredte spinnehjulene, hugget av en enkelt tremonolit, besto Gorodets spinnehjul av to deler: bunnen og kammen. Bunnen var et bredt brett, avsmalnende til et hode med en pyramideformet "tå", inn i hullet som stammen til kammen ble satt inn. Når de ikke jobbet på spinnehjulet, ble kammen fjernet fra kammen, og bunnen ble hengt på veggen, og ble et slags dekorativt panel.

I midten av forrige århundre begynte håndverkere å gjenopplive de innlagte bunnene, først bare ved å tone bakgrunnen, deretter ved å utskjære, og deretter ved å introdusere fargerike plottegninger. Den tidligste lignende bunnen som har overlevd til i dag ble laget av mester Lazar Melnikov i 1859. Gradvis erstattet maling, teknologisk enklere, til slutt arbeidskrevende innlegg. Gorodets mestere overførte til maleri ikke bare emnene som tidligere ble brukt i innlegg, men også en generalisert tolkning av bildene foreslått av utskjæringsteknikker. Maleriet brukte lyse, rike farger av rødt, gult, grønt, svart, blandet med flytende trelim. Over tid ble utvalget utvidet; I tillegg til tradisjonelle spinnehjul, begynte Donets å lage og male børstebokser, treleker, møbler, til og med deler av huset, skodder, dører og porter. I 1880 var rundt 70 personer fra syv nabobygder involvert i fisket. Blant de eldste mesterne som ble grunnleggerne av Gorodets maleri, ble navnene til brødrene Melnikov og G. Polyakov bevart senere fikk de selskap av malere som bevarte håndverkets hemmeligheter på begynnelsen av 1900-tallet I. A. Mazin, F. S. Krasnoyarov; , T. Belyaev, I. A. Sundukov.

Gradvis ble det utviklet originale teknikker for Gorodets-maleriet, som i sin flertrinnsmessige natur var nær profesjonelt maleri. Til å begynne med er bakgrunnen malt, som også fungerer som grunning. Basert på den fargede bakgrunnen lager mesteren et "undermaleri", og påfører hovedfargeflekkene med en stor børste, hvoretter han modellerer formen med tynnere børster. Maleriet fullføres ved å "leve opp" med hvitt og sort, og kombinere tegningen til en helhet. Det ferdige plottet er vanligvis omsluttet av en grafisk ramme eller omriss. I Gorodets maleri er det mange enkle dekorative motiver av roser, knopper og gress.

Med utviklingen av håndverket ble også maleremnene, tilsynelatende lånt fra populære trykk, betydelig beriket. I tillegg til tradisjonelle hester dukket det opp teselskaper, festligheter, scener fra bylivet, karakterer fra folkeeventyr og kampscener inspirert av den russisk-tyrkiske krigen.

Gorodets-fisket eksisterte i rundt femti år. Dens storhetstid var på 1890-tallet, da produksjonen av Donets nådde 4 tusen per år, men på begynnelsen av 1900-tallet hadde fiskeriet falt i tilbakegang. Etter første verdenskrig opphørte maleriproduksjonen helt, og selv de mest kjente malerne ble tvunget til å se seg om etter andre inntekter.

Gjenopplivingen av Gorodets maleri er assosiert med navnet til kunstneren I. I. Oveshkov, som kom til Gorky-regionen i 1935 fra Zagorsk. Gjennom hans innsats ble et offentlig verksted åpnet i landsbyen Koskovo, som forente gamle malere. Oveshkov overtok ikke bare ledelsen av verkstedet, men organiserte også profesjonell opplæring for kunstnere. Med hans direkte deltakelse begynte utvidelsen av utvalget av malte produkter: bokser, veggskap for servise, høye stoler og sammenleggbare skjermer. I 1937 deltok Gorodets håndverkere i utstillingen "Folk Art", holdt på Tretyakov Gallery i Moskva, hvor moderne produkter ble demonstrert ved siden av Don-folket på 1800-tallet

I 1951 ble Stakhanovets snekker- og møbelartel åpnet i landsbyen Kurtsevo, ledet av den arvelige Gorodets-maleren A.E. Konovalov. Artel begynte å produsere møbler med motiver av tradisjonelt maleri på skap, nattbord, krakker og bord; utvalget ble stadig utvidet. I 1960 ble artellen omgjort til Gorodets Malerfabrikk.

For tiden produserer fabrikken malte gyngeleker, barnemøbler, dekorative paneler, tallerkener og dreieredskaper. Selv om det funksjonelle formålet med Gorodets-produktene har endret seg, har tradisjonelle motiver og bilder, langbeinte hester, ryttere, magiske fugler og blomsterkopper blitt bevart i maleriet.

Balalaikaens historie

Balalaika er et russisk folkemusikkinstrument med tre strenger plukket med en trekantet trekropp. Balalaikaen har blitt et integrert musikalsk symbol på Russland. Historien om balalaikaens opprinnelse går århundrer tilbake og er ikke entydig. Noen mener at dette instrumentet ble oppfunnet i Rus', mens andre historikere hevder at balalaikaens historie stammer fra det kirgisisk-kaisakske folkeinstrumentet - dombraen. Dessuten forårsaker selve ordet "balalaika" mye spekulasjoner og kontroverser. Den mest grunnleggende hypotesen er at ordet "balalaika" har samme rot som slike ord som balacat, balabonit, balabolit, balagurit, som betyr å chatte, tømme ring. Alle disse ordene formidler det unike ved dette folkeinstrumentet: lett, morsomt, "klimprende", ikke veldig alvorlig.

De fleste historikere tror at balalaikaen ble oppfunnet rundt 1715, men det er mange historiske dokumenter som snakker om den tidligere historien til etableringen av balalaikaen. Den første skriftlige omtalen av balalaikaen er inneholdt i et dokument datert 13. juni 1688 - "Minne fra Streletsky Prikaz til den lille russiske Prikaz", som nevner bonden Ivashko Dmitriev som spiller balalaikaen. Det neste dokumentet som sporer historien til balalaikaen dateres tilbake til 1715. Dette er et "register" signert av Peter I, som dateres tilbake til 1715: i St. Petersburg, under feiringen av det klovneaktige bryllupet til "prins-pappaen" N.M. Zolotov, i tillegg til andre instrumenter båret av mummerne, fire balalaikaer. ble navngitt.

Til nå har balalaikaen opplevd forskjellige perioder av sin historie. Enten ble dette folkeinstrumentet glemt, eller med fornyet kraft ble det populært i alle bygder og grender. Hvorfor er det at russiske folk er så tiltrukket av lydene til dette instrumentet? Kanskje disse muntre, klimrende, lette og morsomme lydene hjalp våre forfedre til å glemme hele motgangen til bondelivet, eller kanskje disse lydene formidlet hele essensen av livet i Rus, og nå, etter å ha hørt lyden av balalaikaen, kan vi lett se historie gjennom våre forfedres øyne. Hvem vet hvilke oppturer og nedturer som venter på dette unike russiske folkeinstrumentet, men nå kan vi med sikkerhet si at balalaikaen er det mest gjenkjennelige russiske folkeinstrumentet over hele verden.

Bruken av naturlige materialer er en av de generelle og grunnleggende tradisjonene innen folkekunst. Det er i materialet den er inneholdt kunstneriske trekk. Treskjæring og maling, veving, broderi, blondeveving, bjørkebark og rotbehandling, keramikk, metallsmiing - med alle de forskjellige teknikker og materialer, moderne folkehåndverkere av disse eldgamle kunstene holder seg til tradisjonelle elementer, former og emner.

Den kunstneriske behandlingen av tre og bjørkebark har en eksepsjonell plass i historien til russisk bondekreativitet. Det er nært forbundet med all kunst fra det gamle Russland: med utskåret trearkitektur, snekring og kunsthåndverk. Materialet og bearbeidingsteknikken er uatskillelige fra arten til gjenstandene som produseres. De dikterer både deres generiske tilhørighet, funksjonelle formål og formegenskaper. Et jevnt buet planteskudd med bratte krøller er et av de vanligste motivene i moderne bjørkebarkkunst. Noen ganger sprer mønsteret seg fritt langs planet, utvikler seg i flere retninger, noen ganger er det gitt i form av rytmisk repeterende grener-spiraler eller stilker som strekker seg symmetrisk fra midten til høyre og venstre med mange blader og grener, toppet med elegant formede trefoiler , rosetter, epler, stiliserte blomster og bær . Mestere bruker også andre teknikker, og plasserer for eksempel blant et frodig blomstermønster, et ornamentalt tolket bilde av fugler, som fungerer som en talisman.

Den berømte lakkminiatyren av Mstera stammer fra skolen for ikonmaleri XVII århundre. I mer enn 200 år, ved hjelp av en unik maleteknikk, ble det skapt mesterverk her som er kjent langt utenfor regionens grenser - bokser, pulverpresser, nålehylser, kister. Å lage et lakk miniatyrprodukt er ikke lett. Det krever stor kunstnerskap. Landet Mstera overrasker med sine håndverkere, kjent siden 1600-tallet, og har blitt mye utviklet innen moderne dekorativ og brukskunst. Et av de vakreste og mest elegante broderiene er hvit satengsøm med elegante små mønstre av blomstermønstre på tynne bomullsstoffer. Hvit overflate - broderi med hvite tråder på et hvitt felt - kjent for sine gjennombruddsmasker, kutt, høy kvalitet, har ingen ansikt eller rygg, ser like vakker ut på begge sider. Håndverkskvinner lager dyktig de mest komplekse ornamenter, gjengir arkitektoniske former og bilder av menneskelige figurer. Det antas at bare Mstera-broderere er flytende i denne komplekse teknikken (inkludert opptil 200 forskjellige kutt).

Håndverkere fra det russiske nord siden antikken har de vært kjent for kunsten å bearbeide tre, siden 1700-tallet - for Arkhangelsk-produkter av gullbroderi, mønstret håndveving, håndstrikking, og siden 1800-tallet - for et fantastisk leirleketøy kalt "Kargopol leketøy". Folkemestere i kunstnerisk treskjæring lager tradisjonelle øser - ender, kister, saltbøsser, candeikas, kjøkkenbrett, dekorert med motiver av folkepynt i det russiske nord. Broderimestere dekorerer produkter med perler, håndblonder, håndbroderi, applikasjoner og hemsøm. Tradisjonene med leirstøpte Kargopol-leker er nedfelt i flerfigurskomposisjonene "Gatherings" og "Carts". "Tømmerhoggere", "Troika", fugler, dyr, malte fløyter, som gjenspeiler den eldgamle kulturen i Kargopol.

På en pittoresk høyde ved bredden av Kunya-elven, den venstre sideelven til Dubna, står landsbyen Bogorodskoye - fødestedet til et fantastisk folkehåndverk av utskårne treleker og skulpturer . Bogorodskoye er en gammel landsby. På midten av 1400-tallet tilhørte landsbyen Moskva-bojaren M.B. Pleshcheev. Allerede på 1400- og 1500-tallet la Bogorodsk-bønder, på den tiden klostertjenere, grunnlaget for det kunstneriske trearbeidet som senere utviklet seg. Landsbyen ble et av sentrene for folkekunst i historien til russisk brukskunst. I Sergiev Posad er det en legende om hvordan en innbygger i bosetningen på midten av 1700-tallet skar ut en dukke som målte 9 vershoks (40 cm) og solgte den til kjøpmannen Erofeev, som handlet ved Lavra. Han plasserte den som dekorasjon i butikken. Leken ble umiddelbart kjøpt med stor fortjeneste for kjøpmannen. Etter dette bestilte Erofeev en hel gruppe slike leker. Leker med bevegelse er spesielt interessante: på stenger, med balanse, med en knapp. Disse enkle, men alltid vittige i design, gjør leken livlig, uttrykksfull og spesielt attraktiv.

Vyatka-suveniren dateres tilbake til juli 1930, da en artell kalt "Frihet" ble opprettet i byen Nolinsk, Vyatka-provinsen. Hovedproduktene til artel var ulike treprodukter som trengs på gården, og barneleker på dreiefot. Det tradisjonelle sortimentet ble utvidet. Det ble produsert dreieprodukter "Barrel-piggy bank", et husmorsett og en fløyte "Nightingale". Kvalifikasjonene til tredreiere gjorde det mulig å lage de mest komplekse dreieproduktene - originale hekkende tredukker. Hovedhemmeligheten til attraktiviteten til hekkende tredukken er at dens ytre bilde av en russisk stor kvinne-mor kompletteres av intern struktur, i sine repetisjoner-innlegg, inkludert i hverandre.

Gorodets maleri - et unikt fenomen av russisk nasjonal kultur, et av de mest kjente kunstneriske håndverkene i Russland, det lyseste fenomenet med "naiv" kunst. Denne folkekunsten kombinerer funksjonene til den kunstneriske originaliteten til folkemaleriet, hvis røtter går tilbake århundrer. Historien til det unike plottmaleriet går mer enn halvannet århundre tilbake. I sine komposisjoner oppdaget bondekunstnere en unik figurativ verden. Blant de vanligste maleemnene er festligheter, teselskaper, den berømte hesten og rytteren Gorodets og folkehøytider. Nordlige motiver er levende legemliggjort i malte suvenirsamovarer, kister, kister og bastbokser, malt med motiver av Mezen, Pinezh, Severodvinsk, Shenkur-maleri, gavesjakk og kjøkkenutstyr, hvis tradisjonelle teknologier og produksjonsteknikker er nøye bevart og videreført av bedriftens håndverkere. Det eldgamle folkehåndverket med å lage et treleketøy malt i form av en lys, elegant skjønnhet med rosenrøde kinn og skarlagensrøde roser på forkleet hennes oppsto i det talentfulle Nizhny Novgorod-landet på begynnelsen av 1900-tallet. Handelshus Semyonovskaya maleri - en av de eldste fabrikkene i Russland som produserer barneleker, suvenirer og tradisjonelle russiske hekkende dukker.

Opprinnelsen til Untsukul-håndverket med metallsnitt på tre går tilbake til den fjerne fortiden - 1600- og 1700-tallet. Det første kunstneriske produktet som var typisk for datidens håndverkere var et piskehåndtak laget av kornel, dekorert med et kunstnerisk hakk. Senere begynte håndverkere å dekorere dekorative stokker med dekorative metallsnitt, og kunstneriske rør og snusbokser begynte å dukke opp. Untsukul ornamentale mønster er basert på en tydelig fast, stabil komposisjonsstruktur, kalt "ishan" (mønster, tegn). Det primære materialet i dag, som før, er kornel og aprikosved. Veden til kornelbusker, som er preget av god tetthet, hardhet og viskositet, brukes til å lage stokker og skohorn Aprikos brukes til å lage vaser, kanner, etc.

I flere århundrer har Khokhloma-håndverket vært en viktig del av russisk folkekultur. Forgylling med tinnpulver ble brukt i ikonmaleri. Et treprodukt, belagt med et tynt lag metall og tørkende olje, ble oppvarmet i en ovn, hvorfra det fikk en gylden fargetone. Denne metoden ble tatt i bruk av Trans-Volga-håndverkere og forbedret. Siden 1600-tallet har malte treretter vært kjent i hele Russland: "seremonielle" retter ble laget etter spesialbestillinger i små partier. Det var vanlig å presentere retter laget av forskjellige tresorter, forskjellige former og kunstneriske utsmykninger til eminente gjester og utenlandske ambassadører. Metoden for Khokhloma-teknologi i sin opprinnelse er assosiert med ikonmaleri. Det var derfra at håndverket arvet teknikken med å male på Khokhloma gull. Over tid gikk teknikken med ikonmaleri på Khokhloma-gull tapt, og bare tre århundrer senere, på slutten av vårt århundre, ble denne kunsten gjenopplivet. Mesterne i Khokhloma-maleriet utviklet tre hovedtyper av maleri: gress, maleri "under bakgrunnen" og Kudrina. Varmen, originaliteten, poesien og den fantastiske skjønnheten til det tradisjonelle mønsteret gjør Khokhloma-produktene utrolig vakre. Hvert produkt er malt fra start til slutt av én kunstner uten å bruke noen maler, det vil si at hvert produkt faktisk er forfatterens individuelle. Khokhloma-maleri i dag har blitt uvanlig subtilt, virtuost og emosjonelt. På jakt etter uttrykksfulle former for produkter, holder skaperne deres til de beste tradisjonene for russiske treredskaper og møbler. Kunsten til Palekh-miniatyrer er relativt ung. Den ble født under sovjettiden. Etter endt utdanning borgerkrig, fant Palekh-mestrene den nye typen bruk av kunsten din. Bokstavelig talt i løpet av fem eller seks år ble en ny kunst av den store Palekh født - lakkminiatyrer på alle slags gjenstander som brukes i hverdagen: esker, sigaretthylstre, brosjer, notatbøker, pulverpresser og andre nødvendige småting laget av pappmaché . Ny kunst var også preget av nye temaer - scener fra landsbylivet, scener fra russiske folkeeventyr, og scener hentet fra verkene til russiske forfattere og poeter ble lagt til. Ønsket til Palekh-ikonmalere om å glorifisere skjønnheten i deres opprinnelige natur, å gi videre til nye generasjoner deres rike erfaring og maleriets hemmeligheter, holdt i århundrer, førte til opprettelsen av et spesielt kunstnerisk språk. Blant emnene til Palekh-maleriet, sammen med runddanser, troikaer av hester, musikere og jaktscener, er det helter fra Krylovs fabler, Pushkins eventyr og storslåtte landskap av pittoreske steder i deres hjemland. Palekh-mestere mestret nye fargeoverganger, med fokus på mer subtile forhold mellom toner. Med utviklingen av Palekh-kunst ble tradisjonell modellering av volumet av avbildede figurer med gullrom en løsning for andre problemer med miniatyrmaleri - kunstnere begynte å bruke gull for å fylle bildets plass med lys og varme. I det mangesidige og mangfoldige russiske kunst- og håndverket og folkekunsten foretrekkes lakk-miniatyrmaleri for sin unikhet, skjønnhet, talent til kunstnere og deres "gyldne hender". Lakkminiatyrer er håndlagde, svært arbeidskrevende og komplekse, både i utførelse og i forståelse.

Lakkminiatyren til Fedoskino er mer enn to århundrer gammel. Dette er et unikt fenomen i russisk og verdenskunst. Etter å ha dukket opp i Russland fra utlandet og vunnet popularitet, ikke minst takket være en så forbigående ting som moten for snusing av tobakk, ble Fedoskino lakkminiatyrer et selvstendig fenomen i det kunstneriske livet, med erfaring fra folkehåndverkere, den kunstneriske påvirkningen av staffelimaleri, og smykketeknologiens dekorative gleder, folklorens naive oppriktighet, russiske eventyrs magi. Dette håndverket har fått en virkelig russisk sjel. Fabrikkene i utlandet som ga opphav til russisk lakk-miniatyrskrift har for lengst forsvunnet, men den selv eksisterer og utvikler seg i dag, forblir tro mot gamle tradisjoner og åpner nye horisonter for kreativitet. Historien til håndverket begynner i 1795, da kjøpmannen Pyotr Ivanovich Korobov, mens han var i den tyske byen Braunschweig, ved fabrikken til Johann Stobwasser, ble kjent med papir-maché lakkproduktene som ble produsert der. Dette var snusbokser med pittoreske miniatyrer på lokkene. Han likte dem så godt at han kjøpte en slik produksjon, ansatt flere Brunswick lakkmestere og brakte dem til Russland. Fem-seks år senere jobbet allerede rundt femti håndverkere ved fabrikken, og opptil tjue elever studerte ved tegneskolen. Utvalget av fabrikken ble utvidet - nå var det en rekke snusbokser, og lommebøker, og fyrstikkholdere, og sigarettbokser, og esker, og tekanner med malerier på fem sider, spesielle reiseglass (flere brikker i hverandre), og skriveredskaper, og sjakkbord og brett. Det er fint å plukke opp noe slikt, det er praktisk og funksjonelt. Lukutin-produkter bærer det keiserlige våpenskjoldet, som bevis på lakkmesternes enestående fordeler. Fedoskino lakkminiatyrer er laget med oljemaling i tre eller fire lag - skyggelegging (generell skisse av komposisjonen), maling eller ommaling (mer detaljert studie), glasering (modellering av bildet med gjennomsiktige malinger) og utheving (fullføre arbeidet med lette malinger som formidler høylys på objekter) utføres etter hverandre. Den originale Fedoskino-teknikken er "gjennom-skriving": et reflekterende materiale påføres overflaten før maling - metallpulver, bladgull eller potal, eller perlemor-innlegg er laget. Disse foringene er gjennomsiktige gjennom gjennomsiktige lag med glasurmaling, og gir bildet dybde og en fantastisk glødeffekt. I tillegg til miniatyrmaleri, er produktene dekorert med "filigran" (et ornament laget av miniatyrstykker av folie av ønsket form lagt ut på våt lakk), "tsirovka" (riper et design ved hjelp av et mønster på lakk plassert på toppen av en metallplate på overflaten av produktet), "tartan" (et kompleks mesh , påført med flytende maling ved hjelp av en tegnepenn ved hjelp av en linjal), etc. I Fedoskino lakkminiatyrer er bildene realistiske og tredimensjonale. Hverdags- og sjangerscener, russiske eventyr, landskap, portretter, spontan godmodig humor, plott inspirert av litterære verk, eldgamle "troikaer" og "teselskaper", folkloremotiver - et stort utvalg av temaer i Fedoskino-miniatyrer. Lakk-miniatyrmaleri er en kammerkunst det er veldig vanskelig å se det i utstillingshaller, hvor det er umulig å undersøke detaljene nøye;

Kholuy miniatyrmaleri er akkurat slik, men har sine egne særtrekk. Det er realistisk og samtidig dekorativt, og derfor er det forståelig. I Kholuy, som ingen andre steder, er hovedoppmerksomheten rettet mot bildet av en person. Personen er hyperbolsk monumental, det være seg bildet av den strenge "Prophetic Oleg" eller den grasiøse "Snow Maiden", den desperate "Stepan Razin" eller den mektige "Svyatogor the Hero". Denne funksjonen er spesifikt russisk og kan tydelig sees i all nasjonal kunst. Skjønnheten til Kholuy miniatyrmaleri er også unik, diskret, men overbevisende snill og attraktiv, fra formen og proporsjonene til selve produktet og slutter med det dekorative mønsteret. På slutten av 1800-tallet, på territoriet til det moderne Chkalovsky-distriktet, utviklet det seg en spesiell type broderi "ved å trekke", det vil si ved å bruke et stort nett dannet ved å trekke ut de langsgående og tverrgående trådene til stoffet, kjent som "guipure". Med sin gjennomsiktighet og mykhet minner dette broderiet om blonder. Hovedelementet i mønsteret, karakteristisk for "Nizhny Novgorod guipure," er romber og "blomster." Det er omtrent 50 typer sømmer - kutt som "blomstene" er fylt med. Kunstnerisk broderi blir et gjenstand for handel, og hele den kvinnelige befolkningen i landsbyene satt ved bøylen fra daggry til skumring, og dekket det hvite lerretet med et gjennombruddsmønster. Gorodets gullbroderi er en av de eldste og mest unike typene svært kunstnerisk folkekunst i Russland. Gorodets håndverkskvinner var utmerket til å mestre det vanskeligste håndverket med gullbroderi og hadde en skarp sans for de dekorative mulighetene til metalltråder med forskjellige teksturer og vendinger. De beste håndverkskvinnene kjente til mer enn 100 kompliserte versjoner av broderi ved bruk av bare teknikken med mønstrede vedlegg, så vel som den eldgamle løkkesømmen ("for aksamittarbeid"), bestående av elastiske løkker i gull eller sølv, som tett fyller hovedmotivene til ornamentet , og mange andre unike broderiteknikker. Hele distriktet visste om eieren av gullplaten det hevet prestisje til bruden. Ofte kom folk fra hele området til Gorodets håndverker for å bestille slike skjerf. Gorodets-kjøpmenn elsket også å bli fotografert i eldgamle kostymer.

Kadom-broderi oppsto i epoken til Peter den store, som beordret guttene og andre adelige mennesker til å bære klær rikt dekorert med blonder . Den russiske adelen måtte betale i gull for Brussel og venetianske blonder. Og for at statskassen ikke skulle bli knapp, forbød tsaren kjøp av blonder i utlandet, og ga ordre om at russiske nonner skulle læres kniplinger. Flere håndverkskvinner ble brakt til Kadoma-klosteret fra Venezia, som lærte lokale nålkvinner kunsten å lage fantastiske mønstre. Etter å ha mestret smykkebroderiteknikken, begynte nålkvinnene først å veve fantastiske venetianske blonder, og snart basert på det skapte de et unikt nålbroderi - "veniz", og etterlot navnet basert på ordet "venetiansk".

Denne typen folkehåndverk, som oppsto under Peter 1s regjeringstid, var i stand til å overleve og motta videre utvikling i vår tid. Den kunstneriske broderifabrikken i Tarusa ble opprinnelig grunnlagt som en broderikunst av en stor spesialist i folkekunst og håndverk N.Ya med aktiv deltakelse av M.N. Gumilevskaya, som i 1924 offisielt registrerte den som en artel. Hensikten med å organisere artellen var å styrke og utvikle folkebroderihåndverk, som hadde rike tradisjoner på Kaluga jord. Prøver av mønstre ble brakt til artel av bondekvinner fra Tarusa-regionen, tradisjonelle motiver av Kaluga folkebroderi ble brukt i broderi: geometrisk, floral, zoomorphic, antropomorphic. Allerede i den første hjemmebaserte perioden jobbet kunsthåndverkerne med prøver av Kaluga folkebroderi, og utviklet tradisjonelle ornamenter og teknikker (farget vev og hvit søm) i en annen fagsammenheng. Gullbroderi er et av de gamle tradisjonelle kunstneriske håndverkene i Russland. Den har eksistert siden 800-tallet og har stadig utviklet seg, hver epoke har introdusert noe nytt, samtidig som tradisjonene som har utviklet seg gjennom århundrene er bevart. Russiske tradisjonelle motiver brukes i gullbroderikomposisjoner: geometriske og blomstermønstre, figurer av fugler og dyr, arkitektoniske motiver. Den gyldne tråden, lydig mot hånden til brodereren, er en gjennomsiktig tråd av minne, tradisjon, kultur, som fører århundrer tilbake. I Rus ble gullbroderi brukt til å dekorere klær, sko og interiørdekorasjoner av kultbetydning. Og i dag er det behov for skjønnhet, som formet livet til våre forfedre og som er dyktig gjenskapt av Torzhok-håndverkskvinner. Gullbroderiprodukter er laget med gullbelagte, sølvbelagte, metalliserte tråder på lær, semsket skinn, fløyel, silke, ull og andre materialer. Brodering er utført med perler, paljetter, perler og bugler. Nydelig gullbroderi komplekst utseende broderi. Det krever mye oppmerksomhet, tålmodighet, nøyaktighet og mye tid. Teknikken til gullbroderi skiller seg betydelig fra konvensjonell broderi. Brodering utføres på en glidende trebøyle. Basen er bomull eller linstoff, som bakgrunnsmaterialet er festet til (skinn, semsket skinn, fløyel, etc.) Hovedsømmen er en "smidd" (glatt) søm, laget etter en pappmønstermal ved å feste en forgylt tråd lagt i jevne rader langs overflaten av malen og festet til i en bestemt rekkefølge med presise sting til materialet med bomullstråd. For å skape et større utvalg av broderiteksturer, bruker broderere forskjellige typer "smidde" sømmer. Variasjonen og kombinasjonen av tradisjonelle sømmer er et av prinsippene for kreativ variasjon av gullbroderiprodukter. Kunstnere og broderere er kreative i å lage gullbroderiprodukter. Bruken av ulike typer sømmer skaper et unikt spill av lys og skygge på overflaten av broderiet. Blondeproduksjon i Rus var kjent lenge før 1400-tallet. Stilistiske trekk Vologda blonder, å dømme etter de overlevende eksemplene på målte blonder, ble dannet på begynnelsen av 1700-tallet, og i første halvdel av 1800-tallet begynte parede og koblede blonder av Vologda-mestere å bli produsert for bredt salg. På midten av 1800-tallet, spesielt etter reformen i 1861, var det i Vologda-provinsen over 40 tusen blondemakere som jobbet ikke bare i verksteder, men også hjemme på ordre fra kjøpere som forsøkte å ta kontroll over salget av store gjenstander. Vologda blonder ble kjent over hele verden. Etterspørselen etter det vokste hvert år, og handelen nådde betydelige proporsjoner.

På midten av 80-tallet av forrige århundre viet S.A. Davydova mye innsats til utviklingen av blondeindustrien i Russland, og bidro til åpningen av Mariinsky Practical School i St. Petersburg i 1883, en av oppgavene som var å lære opp profesjonelle blondekunstnere til å jobbe i Vologda-provinsen. Blant de første nyutdannede på denne skolen var S.P. Bryantseva, som sammen med moren A.P. Bryantseva introduserte nye kniplingsteknikker som skilte seg betydelig fra teknikkene til andre sentre. I 1919 ble det første dekretet fra den sovjetiske regjeringen om håndverksindustri utstedt. Dette året er assosiert med fremveksten av samarbeid mellom håndverkere, inkludert Vologda blondemakere. Yelets blonder, en type russisk blonder vevd med spoler. Det kjennetegnes ved den myke kontrasten til et lite elegant mønster (blomstret og geometrisk) og en tynn åpen bakgrunn. Yelets blonder har vært kjent i Russland siden slutten av 1700-tallet. Det var da et av sentrene oppsto her, i Yelets, hvor russerne begynte å aktivt mestre denne kunsten som kom til oss fra Europa. Det er kjent at i Yelets-distriktet, innenfor en radius på opptil 25 verst, allerede på begynnelsen av forrige århundre, ble det langt fra enkle håndverket med blondefremstilling mestret av hundrevis av mennesker. Til å begynne med ble tegninger for mønstre levert til Yelets-beboere fra utlandet, men over tid dukket deres egne originale kunstnere opp her, deres egen unike stil, som utmerker Yelets blonder den dag i dag. Ryazan blonder som helhet er et stort fenomen i russisk brukskunst. Den fikk en spesielt original, særegen karakter i byen Mikhailov og Mikhailovsky-distriktet i Ryazan-provinsen. På 1500-tallet, med fremveksten av den defensive linjen til Moskva-staten, ble et betydelig antall tjenestefolk gjenbosatt her, noe som fremgår av navnene på de eldgamle urbane bosetningene Streletskaya, Pushkari, Plotniki. Fri for livegenskap var Moskva-bosettere aktivt engasjert i forskjellige håndverk. Det var i deres midte, trolig i første halvdel av 1800-tallet, at blondemakeri som håndverk oppstod.

I annen tid Her dominerte også ulike typer blondeveving. Først var det de fineste multi-par blonder "Ryazan stil" og "gress", samt kobling. Den tredje metoden for veving er knyttet til livet til vanlige byfolk i Mikhailov og dens omgivelser - numerisk . Det var den lokale numeriske blonden som ble viden kjent under navnet "Mikhailovskoe". I andre halvdel av 1800-tallet ble Mikhailovsky-kniplinger en handelsvare ikke bare i Russland, men også i utlandet. Ingen steder, bortsett fra byen, Mikhailov og dens distrikt, har blonder fått en slik originalitet av design og fargerikhet. Det er ikke for ingenting at det har blitt så utbredt i bondedrakt i forskjellige områder. Tett, lyst, det komplementerte perfekt klær laget av tunge stoffer av den innebygde teknikken og grovt lin, kombinert med de lyse mønstrene til stoffet og broderi.

For mer enn 150 år siden, i den gamle fjellandsbyen Gotsatl, oppsto kunsten å bearbeide metall (sølv, kobber, cupronickel). TIL slutten av 1800-talletårhundre giftet en sjelden fjellkvinne seg uten en Gotsatlin vannkanne med et gravert mønster. Gotsatlinsky-mesteren, som Kubachi-mesteren, har flere yrker: han må kunne smelting, montering, jaging, gravering, sverting. Men hvis arbeidsprosessene til mestrene er like, er verkene deres forskjellige i utsmykningen. I motsetning til Kubachi, okkuperer Gotsatlinsky ikke hele området på overflaten av produktet, men utføres i en streng grafisk form. Hovedproduktene som produseres er kumgans, bestikk, vinsett, vinhorn, dekorative tallerkener, spiseskjeer og teskjeer, og en rekke damesmykker.

En av de eldste typene kunstnerisk metallbearbeiding er filigran (fra gammelrussisk - å vri), eller, som denne typen smykketeknikk også kalles - filigran (fra italiensk filigrana, i sin tur kommer dette ordet fra det latinske filum ( tråd) og granum (korn), siden mønsteret noen ganger er laget ikke bare av vridd ledning, men fra små metallkuler). I Rus har filigran vært kjent i svært lang tid. Filigran gjenstander er funnet i utgravninger av gravhauger på 900-tallet. I Russland er landsbyen Kazakovo, Nizhny Novgorod-regionen, i ferd med å bli et av de største sentrene for filamentproduksjon. Tradisjonene til Rostov-emalje (emalje) har en uttalt nasjonal anerkjennelse. Det er spesielt viktig at emaljekunstnerne til Rostov den store bevarte de klassiske ferdighetene til den kunstneriske teknikken for miniatyrskriving på emalje og kulturen for å jobbe med emalje som et dyrebart spesifikt materiale av håndlaget kunstnerisk håndverk. Kunsten å male på emalje dukket opp i Rostov i andre halvdel av 1700-tallet. Det er bevart informasjon om eksistensen i denne perioden av et emaljeverksted ved Rostov-biskopens hoff og individuelle håndverkere som arbeidet på ordre fra klostre og kirker i byen. I følge noen kilder er grunnleggeren av miniatyrmaleriet "Finifti" Metropolitan Arseniy Motseevich . Håndverkere var engasjert i produksjon av emaljepellets for å dekorere kirkegjenstander. Siden 1770-tallet dukket det opp verksteder i Rostov, som forente håndverkere i henhold til deres spesialiteter. Det ble blant annet arrangert et verksted med ikonmalere, som inkluderte emaljemestre.

Chern, som en type kunstnerisk metallbearbeiding, har vært kjent i Russland siden 1000-tallet. Chernov-kunsten fikk en omfattende utvikling i andre halvdel av 1600-tallet i Nord, i Veliky Ustyug. Fra andre halvdel av 1600-tallet og spesielt på 1700-tallet var Veliky Ustyug et av de største handels- og håndverksentrene i Middelalder-Russland. Når det gjelder størrelse, rangerte Veliky Ustyug på sjuende blant 125 russiske byer, nest nest etter Moskva, Kazan, Yaroslavl, Nizhny Novgorod, Vologda og Kostroma. For Veliky Ustyug var 1700-tallet perioden med størst blomstring av smedkunst. Ved midten av 1700-tallet var Veliky Ustyug-smestre i smedarbeid i stand til å mestre en hel rekke kunstneriske og tekniske teknikker som ga deres arbeid trekk av unik originalitet. Takket være dyktige håndverkere fikk Ustyug-mobben sin egen identitet, forskjellig fra kunsten til andre kunstsentre.

Historien til Zhostovo-håndverket går tilbake til begynnelsen av 1800-tallet, da i en rekke landsbyer og grender nær Moskva i det tidligere Troitskaya volost (nå Mytishchi-distriktet i Moskva-regionen) - Zhostovo, Ostashkovo, Khlebnikovo, Troitsky - det oppsto verksteder for produksjon av malte lakkerte gjenstander fra pappmaché. Utseendet til det malte Zhostovo-brettet er assosiert med etternavnet til Vishnyakov-brødrene. I 1830 økte produksjonen av brett i Zhostovo og landsbyene rundt. De første smidde metallbrettene dukket opp, dekorert med blomstermalerier. Jernbrett erstattet gradvis snusbokser og andre papir-maché-produkter. Den fordelaktige beliggenheten nær hovedstaden ga fiskeriet et konstant marked og gjorde det mulig å klare seg uten kjøpers mellomledd. Alt nødvendig materiale for produksjon ble kjøpt i Moskva. Hovedmotivet til Zhostovo-maleriet er en blomsterbukett. I den originale kunsten til Zhostovo-mestere kombineres en realistisk følelse av den levende formen av blomster og frukt med dekorativ generellitet, beslektet med russisk folkekostmaleri på kister, bjørkebarkbokser, spinnehjul, etc. Siden antikken har Nizhny Novgorod-regionen vært kjent for sine metallbearbeidingstradisjoner.

Den eldgamle byen Pavlovo, som ligger ved bredden av den vakre Oka-elven, var og forblir et av sentrene for smed og knivmakeri. På slutten av 1600-tallet var det opptil 50 smier i Pavlovo. En av de mest kjente var våpenindustrien. Senere fant metallbearbeidingsindustrien sin utvikling i produksjon av husholdningsartikler: kniver, låser, sakser. Utstillingen til Pavlovsk Museum of Local Lore bevarer nøye unike produkter fra Pavlovsk-håndverkere: bestikk laget av engelsk stål, polert til en speilglans og dekorert med fingravering, kniver for å åpne østers, ostekniver, låser i størrelse fra 0,7 gram til 50 kilo og en rekke former: i form av haner, klokker, våpenskjold, biler og andre. Moderne utstillinger inkluderer en usynlig kniv og en smart, gylden mekanisk loppe. Den kreative forskningen til håndverkerne berørte også produksjon av kunstneriske metallprodukter av en ortodoks kirkeorientering ved bruk av kunstneriske emaljer og andre teknologier som er tradisjonelle for disse produktene. Dette unikt utseende Dekorativ og brukskunst ble født som kunsten å dekorere kantvåpen på begynnelsen av 1800-tallet, da våpenfabrikken Zlatoust ble åpnet. Tyske spesialister fra Solingen og Klingenthal ble invitert til å jobbe ved fabrikken, blant dem var den berømte bladdekoratøren Wilhelm Schaf og hans sønner. Han dekorerte de første Zlatoust-bladene. Men senere ble dette allerede gjort av Zlatoust-artister, som ikke bare mestret Shafs teknikker for å tegne på metall, men også forbedret denne teknikken, og skapte komplekse plotkomposisjoner og kampscener med flere figurer. Bruken av det berømte damaskstålet av P.P. Anosov og Obukhov stål, det høye kunstnerskapet i dekorasjonen deres glorifiserte Zlatoust-dekorerte våpen ikke bare i Russland, men også langt utenfor dets grenser. Dette er bevist av en rekke innenlandske og utenlandske industriutstillinger, hvor disse våpnene stadig ble presentert og fikk høye karakterer, og beste prøvene holdes i State Hermitage, Armory Chamber of the Moscow Kreml, State Historical Museum, Central Museum of the Navy og Artillery Museum. Dekorasjonstemaene er svært forskjellige: ornamenter i russisk, vesteuropeisk, arabisk og andre stiler, naturmalerier, jakt- eller kampscener, portretter, symboler (monogrammer, personlige insignier, våpenskjold). Dekorerte blader kan lages av høykvalitets belagt verktøystål, rustfritt stål eller Damaskus-stål. Sliren kan være lær, tre, metall eller en kombinasjon.

Semikarakorsk fajanse er et slående fenomen i den folkekunstneriske kulturen i Don-landet . Han absorberte alle fargene i denne vakre og mektige regionen, dens lokale åndelige kultur, tradisjonene til Don-kunsten, inspirert av kosakkenes frihetselskende ånd. Håndverket stammer fra de hundre år gamle tradisjonene med keramikk i kosakklandsbyen Semikarakorskaya. Tallrike arkeologiske undersøkelser i nærheten av den nåværende byen Semikarakorsk bekrefter at siden førkristen tid har det spontant oppstått verksteder for håndverk av keramikk overalt her, ved å bruke rike lokale råstoffressurser: forskjellige leire og sand. Snøhvitmalt fajanse med gjennombrutte blondeornamenter, stukkatur-sjangerskulpturer i kombinasjon med former er en ny retning i Don-brukskunsten. For selvstendig bruk lages små plastskulpturer av ulike emnesammensetninger ved støping og håndskulptur.

De karakteristiske egenskapene til Gzhel-porselensprodukter er dekorativitet, eleganse, estetisk og funksjonell uttrykksevne, samt en rekke former . Malingen av produktene utmerker seg ved lysstyrken og kontrasten til koboltmaling med hvit bakgrunn takket være bruken av håndlaget underglasurmaling med kobolt på skrap. Som et resultat av å brenne svart, blir kobolt lyst og blått. Produktet er malt med en ekornbørste med et visst sett med maling på bare den ene siden av børsten (det såkalte "slaget med skygger"), der hvert påfølgende strøk er forskjellig fra det forrige og har et bredt toneområde: fra dype og mørke toner til lys og lys. Sammen med tradisjonelle elementer av maleri (blomster, emneornamenter), brukes også vridende ranker, spiralkrøller, prikkede og stiplede fyllinger, nett og striper med enkle geometriske mønstre. Skalaen til ornamentet tilsvarer størrelsen på produktene, og arten av arrangementet av mønsteret understreker skjønnheten i formen. En spesifikk teknologi sikrer at lysstyrken og friskheten til fargene forblir for alltid. I 1766 begynte engelskmannen Franz Gardner å produsere porselensprodukter i Verbiltsy (og nå Verbiltsy). Høy kvalitet, som overgår hvitheten til snødekkene på den russiske vinteren. Etter den vellykkede gjennomføringen av ordren fra den keiserlige domstolen for produksjon av 4 ordretjenester - St. George's, Andreevsky, Alexander og Vladimir i 1778-1785, ble Verbilkovsky-porselensmerket viden kjent og ubetinget anerkjent. I 1892 ble fabrikken kjøpt av M.S. Kuznetsov. Etter revolusjonen i 1917 ble bedriften nasjonalisert og ble kjent som Dmitrov Porselensfabrikk.

Håndskulpturteknikken var bestemt til å definere ansiktet til Kislovodsk porselenproduksjon i et kvart århundre. . Med god grunn kan vi si at i dette tilfellet utviklet virtuos mestring av teknikken seg til en kreativ retning. Under mesternes gyldne hender blir delikate roser, grasiøse tusenfryd og liljekonvaller og andre blomster som overraskende minner om ekte, født foran øynene våre. Sammen med strålende eksempler på modellering har andre kjente typer porselensdekor nylig blitt brukt. Komplekse teknologier av engobe, underglasur, miniatyr og glansmaling brukes. Kislovodsk porselen representerer nye dekorative muligheter av et eldgammelt materiale, en rekke plastformer, en organisk kombinasjon av fordelene med kunstnerskap og funksjonalitet.

Den dype antikken til Balkhar-keramikk er bevist, sammen med restene av matriarkatet i organisasjonen (bare kvinnelige håndverkere), de eldste motivene i dekorasjonen. Balkharianerne er i ferd med lang utvikling og forbedring keramisk maleri veldig interessante særegne trekk har blitt utviklet i dekorative former, bare iboende for denne typen kunst. Hele maleriet, fra de horisontale beltene og slutter med detaljene i mønsteret, påføres et pottemakerhjul, og roterer det sakte uten noen foreløpige planer eller tanker. Dette på sin side forhåndsbestemmer den absolutte unike og uendelige foranderligheten til de dekorative komposisjonene til Balkhar-malere. Fyring utføres i hjemmelagde kuppelovner ved bruk av møkk. Dens blandede redokskarakter, oppnådd takket være slikt drivstoff, viste seg å være årsaken til den særegne fargen på skårene til Balkhar-fartøyene: fra rosa-terrakotta til matt svart. Dette karakteristisk Balkhar-keramikk i kombinasjon med blonder-ligatur og engobemaling forsterker følelsen av håndlaget og unikhet til hver gjenstand. For tiden produseres det mer enn 30 typer forskjellige produkter. Hver er unik på grunn av sin unike skjønnhet og fullstendige form, som samsvarer med dens formål i hverdagen. De vanligste er store husholdningskanner uten håndtak, spesielle vannførende kanner, smørkanner, melkeskåler, kanner med nese for vask, små vannkanne, åpne skåler for meieriprodukter, dekorative tallerkener, krus, vaser, originale stukkaturskulpturer av dyr og mennesker, malt i tradisjonelle Balkhar-ornamenter.

Dymkovo leirleketøy er et av de mest slående og originale folkekunsthåndverkene i Vyatka-regionen. I mer enn fire århundrer personifiserte Dymkovo-leken livet og levemåten til mange generasjoner av Vyatcha-beboere. Håndverket har sin opprinnelse i bosetningen Dymkovo, Vyatka-provinsen (nå Kirov-regionen), derav navnet på leken. De første Dymkovo-lekene var fløyter, skulpturert for det årlige vårferie"Plystring", holdt "til ære for de drepte" i slaget i 1418 mellom Vyatchans og Ustyuzhans nær murene til Khlynovsky Kreml. Siden midten av 1900-tallet har fiskeriet levd og utviklet seg bare i byen Kirov (Kirov-regionen) på motsatt bredd av Vyatka-elven fra Dymkovo-bosetningen. Byen Kirov er det eneste tradisjonelle stedet for dette folkekunsthåndverket. Hele familier laget leken i Dymkovo. Om sommeren gravde de og eltet leire, banket klumpkritt for hånd og malt klumpkritt i malingkverner, fra høst til vår skulpturerte de, tørket, brent produkter, nærmere «Svistunya» kalket de med kritt fortynnet i skummet kumelk, malte med egg maling, dekorert med diamanter av bladgull, gylden svette. I løpet av de fire hundre årene med eksistens og utvikling av Dymkovo-håndverket, har tradisjonelle temaer, plott og bilder utviklet seg i det, har blitt reflektert og konsolidert uttrykksmiddel, iboende i svært plastisk rød keramikkleire, enkle (geometrisk mønster) malemønstre, der røde, gule, oransje, blå, grønne farger dominerer. Halvtoner og umerkelige overganger er fremmede for Dymkovo-leken. Det hele er en overfylt fylde av følelsen av livsglede.

Pskov (Lukovsky) keramikkindustrien går tilbake mer enn 300 år siden dens eksistens. Den første detaljerte beskrivelsen av dette fisket ble publisert i "Statistical Essays" fra Pskov Provincial Statistical Committee for 1884. Den bærekraftige langsiktige eksistensen av fiskeriet på ett sted forklares delvis av det faktum at på disse stedene (langs bredden av Cherekha-elven) er det betydelige forekomster av leire som er egnet for å lage keramiske produkter. I løpet av håndverkets eksistens har det utviklet seg en rekke kunstneriske og stilistiske trekk som er karakteristiske for Pskov-keramikk. For det første er dette engobemaleri, som ble mye brukt allerede på 1600-tallet. Det finnes ulike metoder for å påføre engobe på produkter - med en børste, med en blåser eller spruting. Tradisjonelle malerimotiver av både gamle mestere og moderne - plantekomposisjoner, dyrestil, geometriske mønstre, som er basert på konvensjonelle bilder av solen, trær, etc. Engobemalingsmetoden gir mesteren nesten ubegrensede muligheter for variasjon. Engobemaling er spesielt mye brukt til å dekorere servise. Kombinasjonen av rødbrennende leire med hvite og svarte engober er unik. En av de tradisjonelle trendene er et relieffpynt med farge. Opprinnelsen til denne trenden er Pskov-fliser på ovner og peiser, Pechersk-ceramider. Dette er en av de eldste tradisjonene for Pskov-keramikk.

Skopinsky keramikkkunsthåndverk er et tradisjonelt senter for folkekunst på Ryazan-landet. Fisket skylder sitt opphav til leiren som ligger i store mengder i nærheten av byen Skopin. Keramikk på stedene der byen Skopin senere dukket opp ble laget tilbake i Kievan Rus dager. I dette karet kjernet de smør, fermentert deig og lagret melk, vann og kvass. Fødselsåret til Skopinsky-keramikk anses å være 1640. I år dukket det første navnet til Skopinsky-keramikeren opp i folketellingen - Demka Kireev, sønn av Berdnikov. Skopinsky-keramikk utviklet, som mange andre i Russland, keramikk for bondelivet, komfyrrør, murstein og fliser. Men i andre halvdel av 1800-tallet dukket det opp en industri i Skopin som glorifiserte den langt utenfor sine grenser, produksjon av glaserte figurkar og lysestaker, flerlags, dekorert med kompleks stukkatur, laget i form av et merkelig dyr eller med figurer av fugler, fisk og dyr.

Torinofjellet er et uvanlig fiske. Grunnlaget for produktene han produserer er ikke en tradisjon bevart og videreført fra generasjon til generasjon, som for eksempel i Palekh eller Khokhloma, men den kreative originaliteten til den kunstneriske visjonen og tenkningen til hver mester. Dette betyr imidlertid ikke at det ikke er noen tradisjoner i Torinofjellet. Mens de opprettholder individualitet, fokuserer de fleste kunstnere arbeidet sitt på det visuelle grunnlaget for arkaiske kulturer. I navnet på fiskeriet knyttet til eldgammel kultur menneskeheten reflekterer dens grunnleggende stilistiske orientering, som organisk passer inn i den moderne kunstneriske prosessen. Innbyggerne i Turinogorsk henter inspirasjon fra symbolikken til kunsten i det gamle østen, fra den hedenske kulturen i det gamle Russland og folkene i Sibir, og vender seg til motivene og formene til gamle klassikere. Fra interesse for arkaiske kulturer, kunsten til de gamle tyrkerne, Altai Scythians, så vel som den tradisjonelle kunsten til moderne Altaians, som bevarte arkaiske røtter, ble det gradvis dannet et kunstnerisk credo av håndverket, noe som ga produktene deres unikhet og anerkjennelse. Filimonov-leken kalles "folkekunstens perle." Den overrasker med sin enkelhet og samtidig elegansen i formene, skjønnheten og uttrykksfullheten til ornamentet og det unike med lyden. Et monolitisk bilde, gjerrig i detalj: et smalt klokkeskjørt går jevnt over i en kort smal kropp og ender med et kjegleformet hode, integrert med nakken. I hendene er det en fuglefløyte og et barn. Formens gjerrighet blir fantastisk kompensert av elegansen og munterheten til det enkle ornamentet: flerfargede strøk, flekker, kvister, rosetter ... Foran oss er bildet av Filimonovskaya unge dame - en etterkommer av en av de eldste ( ifølge noen kilder er hun rundt syv hundre år gammel) leker i Russland. Alderen til Filimonov-miraklet er ganske vilkårlig. Eksperter hevder at kunsten å skulpturere og male intrikate barnerim i leire kom til Odoevsky-regionen fra det fjerne paleolittiske, og under utgravninger av Zhemchuzhnikovsky og Snedkovsky-haugene og bosetningene i Odoev, ble det oppdaget keramikkskår som dateres tilbake til 900- og 1000-tallet. med tegninger og skilt som brukes til å male i dag Filimonovskaya leketøy. Det tradisjonelle settet med tomter i Filimonov-leken er en dame, en rytter, en hest, en hjort. De er preget av langstrakte proporsjoner assosiert med plastegenskapene til den lokale svart-blå leiren - "sinika", som utelukkende finnes i nærheten av Filimonovo. Blå-svart i fargen, fettete, tyktflytende, det er ikke i det hele tatt som keramikkleire eller leiren som leker er laget av i Kirov, Kargopol og andre steder. "Sinika" foreslår selv en metode for å jobbe med det, håndskulptureringsteknikker. Den tyktflytende, homogene, som deig, er massen lett rynket, støpt, lar deg fritt strekke ut hele formen på leketøyet, og det er ikke nødvendig å skulpturere det i deler, smøre det til hverandre. Og nå, i kjente hender, i memorerte bevegelser, blir en klump av denne leiren først klokken til et skjørt, og fra den stiger den grasiøse skikkelsen til damen, strekker seg behendig inn i et lite hode og ender i samme øyeblikk med en knust spiss hatt. Det er ikke en eneste ekstra klump igjen i håndverkerens hender - alt er nøyaktig beregnet. Bare andefløyta under damens armhule er alltid skulpturert separat. Andre leker er laget på samme måte. Hvis en håndverker vil lage en fløyte - en hest eller en ku - skiller hun det nødvendige stykket leire og bøyer det som vanlig til et tykt tau. Og så fra den ene halvdelen trekker den ut fire sterke støtteben og en fløyte, og fra den andre - en lang, veldig lang hals med et lite hode av et merkelig dyr.

Mønstret helbredet veving, en eldgammel type folkehåndverk, ble utviklet i mange landsbyer i Nizhny Novgorod-regionen, spesielt i den nordlige utkanten. Bondekvinner dekorerte tepper, klær, sengetepper, duker, bordplater og håndklær med hjemmespundne mønstre. Materialene som ble brukt til veving var lin, ull og bomull. Nizhny Novgorod-veving ble preget av sine store mønstrede geometriske mønstre og subtile farger. Antall farger i stoffet er lite, harmonisk og edel i nyanser. Disse er hovedsakelig hvite, røde, blå farger. Takket være den fine komposisjonsløsningen av farge og ornament, hadde vevernes produkter en spesiell raffinement. Dette er svært kunstneriske duker, gardiner, servietter, sengetepper til sofaer og lenestoler, håndklær, forklær laget av bomull og lingarn, viskose, ullblanding med syntetisk garn. Alle produserte produkter er sertifisert. Folk trenger de vakre og praktiske produktene til Shakhun-vevere for hverdagen, ferier, og vil tilfredsstille enhver smak. De liver opp interiøret, gir det spesiell attraktivitet og nasjonal karakter, fyller det med varme og komfort.

Historien om steinskjæring går tilbake til den fjerne fortiden og er uløselig knyttet til den mystiske "marmorhulen", som ligger ved bredden av elven Piana i landsbyen. Bornukovo, Buturlinsky-distriktet. Denne hulen har lenge vært kjent for sin dekorative stein - anhydritt eller som den ble kalt "Nizjnij Novgorod-marmor". Den kom i en rekke nyanser: rosa, hvit, blåaktig, brun, grå og grønnaktig, med en rekke design og mønstre. I løpet av Katarina IIs tid ble steinen utvunnet i hulen sendt til St. Petersburg for dekorasjon av palasser. Storhetstiden til Bornuko steinskjæringskunst skjedde på 30-tallet av 1900-tallet, da den var i landsbyen. I Bornukovo ble en fabrikk for kunstneriske steinskjæringsprodukter "Bornukovskaya Cave" opprettet. Først jobbet hun som en gren av Kazakovsky Jewelry Association, deretter uavhengig. Noen år senere, etter å ha tatt i bruk erfaringen til Ural-mestrene, nådde Bornukovo-steinskjærere toppen av ferdigheter og ble gjentatte ganger tildelt de høyeste prisene på russiske og internasjonale utstillinger, inkludert 1937-utstillingen i Paris. Ved bearbeiding av stein brukes dreiing i kombinasjon med volumetriske og relieff utskjæringer og gravering. Prøver av dyr og fugler kjennetegnes ved deres lakonisme og samtidig unike "karakterer", som lar oss avsløre den naturlige skjønnheten til materialet. Den uttrykksfulle silhuetten, myke plastisiteten, lyrikken og oppfinnsomheten til de opprettede prøvene formidler skjønnheten og originaliteten til dyreverdenen og vennligheten til den russiske sjelen. I tillegg til skulpturer av fugler og dyr, produserer selskapets håndverkere et bredt spekter av husholdningsartikler: elegante lysestaker, vaser, bokser, skrivesett.

Tobolsk-beinutskjæringshåndverket, et av de fire tradisjonelle beinutskjæringshåndverket i Russland, oppsto på begynnelsen av 1600-tallet under regjeringen til den første Tobolsk-guvernøren, Matvey Gagarin. Fremveksten av beinutskjæring i Tobolsk skyldtes overfloden av mammutelfenben, som ble funnet langs bredden av nordlige elver. På 1800-tallet ble beinutskjæring i Tobolsk utført av polakker i eksil, som på 1860-tallet begynte å lage brosjer, snusbokser, hårnåler, samt bilder av Madonnaen. På slutten av 1860-tallet jobbet en gruppe lokale beinskjærere i byen, og i 1874 åpnet Siberian Workshop of Mammoth Bone Products of S. I. Oveshkova. Tobolsk beinskjærere var etterspurt i St. Petersburg, Moskva, Kazan, Kiev, Nizhny Novgorod. På midten av 1870-tallet ble Tobolsk beinutskjæring praktisk talt en handel, med alle dets iboende trekk ved organisering av produksjon og salg. Hovedlinjen for utvikling av Tobolsk-håndverket var miniatyr tredimensjonal skulptur. Figurene utmerker seg ved deres generaliserte plastisitet, materialets tekstur blir avslørt, hvis overflate er glatt og forsiktig polert. Det nordlige temaet er erklært tradisjonelt for Tobolsk utskåret bein. Uelens benutskjæringsverksted, opprettet i 1931, forente tjuktsjerske og eskimoiske beinskjærere som var lidenskapelig opptatt av skulptur eller spesialiserte seg på å dekorere bein med fargegravering. Verkstedet er et av verdens største sentre for kunst av urfolk i Arktis.

En unik teknikk for fargegravering på en hvalrossbrosme ble skapt i Uelen på begynnelsen av århundret og brukes kun av lokale tsjuktsjer og eskimoer. Skulpturene, laget på en lakonisk og uttrykksfull måte, er flerfigurskomposisjoner som skildrer scener fra livet til folkene i nord - jakt, rådyrfangst, reinsdyr og hundesleder. Verkene til talentfulle utskjæringsmestere er dypt individuelle, de kombinerer lyrikk med uttrykk, tradisjoner med moderne trender i utviklingen av beinutskjæringskunst.

Mål og målsettinger:

1. Å introdusere studentene til yrkenes verden og vise deres egenskaper.
2. Utvikle moralske og estetiske følelser, knytte tverrfaglige forbindelser med historie, litteratur, musikk.
3. Å fremme utviklingen av interesse for emnet og dyrking av en følelse av kjærlighet til moderlandet.

Utstyr:

• prøver av produkter og illustrasjoner - "Zhostovo", "Living Gzhel", "Haze", "Russisk blonder og broderi", "Russiske sjal", "Gorodets maleri", "Russiske hekkende dukker".
• kart over Russland, tabeller-tegninger, båndopptaker, bokutstilling,
• CD med presentasjonen "Folk Crafts of Russia".

Epigrafer for leksjonen:

«Arbeid er bra hvis det har nytte og sjel.

Det er ikke gull som er dyrt og glitrer,

Men noe som er skapt av en mesters hender er verdifullt.»

Musikken er stille.

Du kan bare forelske deg i Russland når du ser all skjønnheten i russisk natur, lar den tragiske og heroiske historien til det russiske folk passere gjennom sjelen din, beundre skjønnheten til arkitektoniske ensembler, lytte til vakker musikk og berøre det sanne kreasjoner av det russiske folk.

Fra uminnelige tider har vårt russiske land vært kjent for sine snille håndverkere, mennesker som skapte og skaper fabelaktig skjønnhet med egne hender.

For å elske, må du se og vite alt dette.

Det er veldig mange folkekunsthåndverk i Russland, og i dag skal vi bli kjent med noen av dem.

I år går du ut av grunnskolen, og du må velge din fremtidige vei - hvor skal du gå for å studere, hvem skal du være?

Hva betyr ordet "yrke"?

Forespørselskontor. Et yrke er en type arbeidsaktivitet som inkluderer et sett med teoretisk kunnskap, praktisk erfaring og arbeidsferdigheter.

Et annet begrep som er nært knyttet til dette er yrkesfaglig utdanning.

Yrkesutdanning– et sett med kunnskap, ferdigheter, evner som lar deg jobbe som spesialist i en av sektorene i økonomien i landet vårt.

Å velge et yrke er et veldig viktig øyeblikk i livet til enhver person. De fleste nyutdannede velger yrker som økonomer og advokater. Hvilke yrker etterspørres i dag i vårt land og i byen vår?

Forespørselskontor.

I dag i økonomien i landet vårt er det mangel på arbeidsspesialister som dreiere, installatører, mekanikere. Det er ikke nok ingeniør-, tekniske- og konstruksjonsspesialiteter.

I byen vår kan du videreutdanne deg og få et yrke ved yrkesskole nr. 28, ved Zeya Medical School, ved Handels- og Økonomihøgskolen, ved Polytechnic College.

I gamle dager tjente folk sitt daglige brød ved å drive med forskjellig håndverk. Vi vil finne ut hva "håndverk" er ved informasjonsskranken.

Forespørselskontor.

Håndverk er småskala produksjon av ferdige produkter, der grunnlaget er manuelt arbeid. En av de karakteristiske egenskapene er produksjon av produkter i henhold til forbrukerbestillinger.

Hva tror dere, har håndverk overlevd i dag?

Håndverk er bevart og ervervet en av formene for kunstnerisk folkekunst.

Hvor kom dette navnet "handler" fra?

For lenge siden, da landbruksteknologien fortsatt var for enkel, og ufruktbare land ikke ga gode kornavlinger, ble befolkningen tvunget til å drive med ulike håndverk. Da ble handelsvarene byttet mot brød og andre nødvendige ting. Folk observerte naturen og reflekterte disse observasjonene i folkekunstverk. Etter hvert ble arbeidsferdighetene konsolidert. Den mest aktive utviklingen av folkehåndverk i alle regioner i Russland begynte i andre halvdel av 1800-tallet, sammen med dem oppsto kunstindustrien, hvor ting ble produsert i store mengder.

Folkehåndverkskunsten er et bindeledd mellom fortid og nåtid, nåtid og fremtid.

Det russiske landet er rikt på en rekke folkehåndverk.

Og nå skal vi ta en omvisning i de mest kjente, mest unike sentrene for folkekunst.

I dag vil jeg synge og rose
"Et vennlig hjerte, raushet og intelligens,
De dyktige hendene til det russiske folket.»

Nå inviterer vi deg til Moskva-regionen, til landsbyen Gzhel, hvor vi vil bli kjent med et håndverk kjent i hele Russland - Gzhel-porselen, som også ble nevnt av Lomonosov MV. sa: "Det er knapt det reneste landet i verden som vår Gzhel, som jeg aldri har sett med vakrere hvithet."

Gzhel.

Produkter fra Gzhel er så vakre, så uvanlige at deres berømmelse spredte seg ikke bare i vårt land, men også i utlandet.

Du har sikkert sett uvanlige retter, der skjønnheten i kombinasjonen av hvitt og blå farger. Skjønnhetens hemmeligheter er skjult i naturen selv. Sørøst for Moskva er det omtrent tre dusin landsbyer og landsbyer, en av dem er landsbyen Gzhel. Lokalhistorikere forbinder opprinnelsen til dette navnet med ordet "brenne", som er direkte relatert til håndverket - leireprodukter ble nødvendigvis brent i en ovn ved høye temperaturer. Så dette navnet spredte seg over hele distriktet, hvor folkekeramikk utviklet seg.

Folk fra 40 yrker deltar i produksjonen av gjenstander. Nesten alle operasjoner utføres manuelt. Håndverkskvinner maler produkter med stor kjærlighet, og legger en del av deres hjerte og godhet i sjelen i dem.

Hva gjør de i Gzhel? Kopper, kanner, sett, krus, vaser, figurer av mennesker og dyr. Se hvor vakkert dette hvite og blå porselensmiraklet er. Den russiske maleren B.M. Kustodiev sa at Gzhel tekanner og kopper blomstrer med "trolldomsblå blomster."

Og faktisk er det et slags mysterium i det faktum at den kalde blå fargen forvandles i dem og blir nesten varm.

Porselens tekanner, lysestaker, klokker,
Dyr og fugler av enestående skjønnhet.
Landsbyen i Moskva-regionen har nå blitt berømt.
Alle kjenner navnet - Gzhel.
Innbyggerne i Gzhel er stolte av den blå himmelen,
Du vil aldri møte en slik skjønnhet i verden.
Himmelens blå, som er så kjær til hjertet,
Mesterens børste overførte den enkelt til koppen.
Hver artist har sitt eget favorittmønster
Og hver av dem gjenspeiler sin kjære side.

I moderne prøver av Gzhel er det en blåaktig fargetone. Som himmelen falt den blå overflaten av elvene og innsjøene i vårt hjemland ned på hvitheten til denne retten.

Men Dymkovo-leken kom på besøk!

Dymkovo leketøy.

Om det gamle Dymkovo leketøy La oss fortelle historien nå.
I Dymkovo elsket de sanger og danser, og fantastiske eventyr ble født i landsbyen.
Kveldene er lange om vinteren og de skulpturerer der av leire.
Alle leker er ikke enkle, men magisk malt.
Og berømmelse spredte seg om Dymka, etter å ha fortjent retten til det.

Et annet fantastisk yrke som folk vier hele livet til, er leketøysproduksjon. I gamle tider ble ikke leirleker laget for moro skyld - de var deltakere i eldgamle ritualer. De ble kreditert med en spesiell makt: å beskytte, å beskytte mennesker mot alt ondt. Alle leker gjenspeiler bilder som lever i folks minner og viderefører deres tradisjoner.

Dymkovo-leker er veldig forskjellige - det er ryttere på hester, malte fugler og elegante unge damer. Formen på lekene er monolitisk, silhuetten til figurene er glatt. Fargepaletten er lys, de dekorative mønstrene er kreative de gjenspeiler ikke bare eventyrrepresentanter, men også selve livet til folket.

Keramisk leketøy er en tradisjonell folkekunst.

Inntil nå er figurerte kar, leker og keramiske retter laget i mange byer og landsbyer (Filimonovo, Torzhok, Sergiev Posad, etc.).

Matryoshka dukker.

Nå gjett gåten: Åtte tredukker, runde og røde, i flerfargede solkjoler, kommer de på besøk til oss. Gjett hva navnet er?

Jeg vet ikke hvem som har laget hekkende dukke.
Men jeg vet det i hundrevis av år
Sammen med Vanka-Vstanka, som i live,
Dukken erobrer det hvite lyset.
Hvor fikk han tak i malingen, den dyktige håndverkeren,
I støyende jorder, i en eventyrskog?
Laget et bilde av ukuelig lidenskap,
Ekte russisk skjønnhet.
Daggryet brakte en rødme i kinnene hennes,
Det blå himmelen sprutet inn i øynene hennes
Og hekkende dukken over hele planeten
Det går fortsatt sterkt.
Han står stolt, majestetisk,
Med et vågalt smil om munnen,
Og hennes berømmelse flyr verden rundt
Om den ukjente mesterskaperen!

Det finnes forskjellige typer dukker i verden - laget av tre, leire, deres stoffer. Og det er spesielle dukker - hekkende dukker. De er kjent i alle byer og landsbyer - dette er en original russisk suvenir for utlendinger. Den første hekkende dukken dukket opp for nesten 100 år siden. En leketøysmaker (V. Zvezdochkin) fra Sergiev Posad laget et demontert leketøy og malte det. Resultatet ble en russisk hekkende dukke, en prototype av Matryona (et navn som var veldig vanlig på den tiden). Alle hekkende dukker er forskjellige fra hverandre i dag, de bærer bilder av kjente mennesker.

Arbeid er bra hvis det er nytte og sjel i det.

Malte skjerf.

Og nå blir du møtt av håndverkere fra den gamle russiske byen Pavlovsky Posad. I lang tid i Rus var et skjerf et tilbehør til dameklær. Bøndene vevde skjerf, dekorerte dem med broderi og satte mønstre på dem. Produksjonen av skjerf og sjal oppsto i Russland på 1800-tallet, mote kom fra Frankrike, men selv i dag er denne håndlagde kunsten etterspurt. Det er håndverk som finnes i hvert hjørne av Russland: broderi og blonder. Blonder ble brukt til å dekorere kostymer og husholdningsartikler. Under Peter 1 var det obligatorisk å bruke blonder for alle adelsmenn. Vologda, Kirov, Yelets blonder er kjent og populær for alle. Blonder er laget med spoler - dette arbeidet krever både kreativitet og mye tålmodighet.

Zhostovo.

Og nå skal vi til landsbyen Zhostovo nær Moskva, hvor malte metallbrett er laget. Denne unike kunsten begynte på slutten av 1700-tallet. Maling er utført på en svart bakgrunn, rød og blå og andre farger brukes. Lyse buketter, komposisjoner av roser, peoner og tulipaner forbløffer med sin skjønnhet og gir opphav til en følelse av respekt for håndverkerne.

Og vår tur med folkehåndverk vil bli fullført av kunstneriske gjenstander av miniatyrlakkmaleri, fantastisk i skjønnhet og originalitet.

Palekh, Gorodets, Khokhloma-maleri - lakkminiatyrer gjenspeiler folks liv, russiske epos, natur.

Gorodets maleri - hvordan kunne vi ikke vite det?
Det er varme hester her, godt gjort.
Det er slike buketter her at det er umulig å beskrive.
Historiene her ligner ingenting i et eventyr.
Se på maleriet - fargerikdommen lokker.
Gorodets maleri gleder sjelen vår.

I sine arbeider skaper mestere skjønnheten i regionen deres. På slutten av 1800-tallet ble ikonmaleriet utbredt. På grunnlag av det oppsto miniatyrer av svart lakk - dette er lakkbokser, møbler og redskaper.

Khokhloma børste! Tusen takk!
Fortell et eventyr for livsglede!
Du, som sjelen til folket, er vakker,
Du, som mennesker, tjener fedrelandet!

Gjennom århundrene har former for brukskunst blitt utviklet og foredlet.

Vi bor i Fjernøsten, som er kjent for sine håndverkere. Håndverkere syr klær, sko og hatter og dekorerer dem med ornamenter, perler og broderier. De lager produkter av pels, skinn og lager suvenirer. På skolen vår har vi også våre egne mestere - i klubbklassene kan du finne noe du liker - perlearbeid, broderi, treskjæring, brenning, rotplast og andre typer.

Folkene i Russland er kjent for sine talentfulle og hardtarbeidende håndverkere. Yrkenes verden er rik og mangfoldig, det viktigste i livet er å gjøre det du elsker.

Folkekunst og håndverk i Russland.

Lokalitet	Hvor er.	Type håndverk.	Grunnleggende tid.
Med. Gzhel	Moskva-regionen	Keramikk. Kunstnerisk keramikk. Retter.
Gorodets	Nizhny Novgorod-regionen	Treskjæring og maling. Leker.	XIV århundre
Med. Dymkovo	Kirov-regionen	Malt leire	XIX århundre
Med. Filimonovo	Tula-regionen	Malte leirleker.
Semenov Sergiev Posad	Moskva-regionen Moskva-regionen	Matryoshka dukker. Tremaling. (skjeer, servise). Tremaling.	XV århundre
Pavlovsky Posad	Moskva-regionen	Malte skjerf.	XIX århundre
Med. Zhostovo	Moskva-regionen	Metallmaling.	XVIII århundre
Med. Khokhloma	Nizhny Novgorod-regionen	Tremaling. Lakkmaling.	XVII århundre
landsby Palekh	Ivanovo-regionen	Tremaling. Lakkmaling.	XVII århundre
Dyatkovo Gus-Khrustalny	Bryansk-regionen Vladimir-regionen	Krystall. Glassvarer	XVII århundre
Torzhok	Tver-regionen	Blondesøm. Leketøy.	XII århundre
Tula	Tula-regionen	Produksjon av samovarer og pepperkaker. Våpenproduksjon.	XII århundre