Eksempler på evige temaer i kunsten. Stiler og bevegelser i kunst

Kunstbevegelser representerer et system kunstneriske teknikker, uttrykksmidler som er utformet for å uttrykke en bestemt idé, verdensbilde, dominerende i et bestemt fellesskap på et gitt tidsrom. Stiler har utviklet seg i løpet av det siste årtusenet, og erstattet hverandre suksessivt. Noen ganger en ny stil oppsto som en fortsettelse og utvikling av den forrige, noen ganger ble det en konsekvens av kampen med forgjengerens ideer.

I noen tilfeller er det så vanskelig å skille en stil at den heller klassifiseres som en retning. Dermed kan symbolikk og kubisme klassifiseres som en uavhengig formet stil, eller de kan betraktes som retninger for omfattende modernisme.

Hver epoke fødte mer enn én kunststil. Ved å studere kunstverk kan du bli bedre kjent med tiden da en bestemt kunstnerisk stil ble dannet og dominert.

Hovedretninger i kunst fra X-XIX århundrer

Romansk stil (X - XIII århundrer)

Gotisk stil (XIII - XVI århundrer)

Barokk (XVI - XVIII århundrer)

Klassisisme (XVII - XIX århundrer)

Sentimentalisme (XVIII århundre)

Romantikk (XVIII - XIX århundrer)

Realisme (XIX århundre)

Hovedretninger i det 20. århundres kunst

Modernisme

Symbolikk

Impresjonisme

Surrealisme

Den utviklet seg på 1920-tallet av forrige århundre og er en stil med paradoksale former og hentydninger, som gjenspeiler kombinasjonen av drømmer og virkelighet. I maleriet gjenspeiles surrealismen tydelig i maleriene til Magritte, Ernst, Dali, Matta...

Evige temaer

Kunstnerisk og pedagogisk idé:

Ekte kunst aldri
er ikke bare fornøyd med seg selv;
det er ikke et mål i seg selv,
for formålet med lyder er produksjon,
mål - fungerer - musikk,
Hensikten med musikk er spiritualitet.
Og en ekte vare
og kunstfaget er mennesket.
A. Schnittke.

Hensikten med leksjonen:

Skolebarns oppfatning og bevissthet om musikk som en figurativ legemliggjøring av universelle menneskelige verdier, sosiale og åndelige opplevelser fra generasjoner.

Oppgaver:

Å konsolidere kunnskap om syntesen av musikksjangre (Rock Opera);

Utvikle en følelsesmessig bevisst oppfatning av musikk.

Å dyrke evnen til å se skjønnheten i åndens styrke og kjærlighetens kraft, evnen til å sympatisere og sympatisere.

Musikalsk materiale:

E. L. Webber "Jesus Christ Superstar."

Aria "Prayer for the Cup" (på engelsk og russisk)

K. Kelmi "Lukke sirkelen".

Kunstmateriale:

I. Kramskoy "Kristus i ørkenen".

N. Ge "Kristus og Pilatus".

Dionysius "Korsfestelsen".

L. Da Vinci "Nattverden".

Lysbildepresentasjon av leksjonen.

Timeplan:

	Leksjonstrinn
	Opprette en problem-søk-situasjon
	Lytter til Jesu Aria i Getsemane hage på engelsk.
	Diskusjon av musikalsk bilde
	Konsolidere kunnskap om syntese av sjangere i musikk
	Lytter til Jesu Aria i Getsemane hage på russisk.
	Analyse av legemliggjørelsen av det kunstneriske bildet av Jesus Kristus i litteratur, maleri, musikk.

	Fremføring av K. Kelmis sang "Closing the Circle"
	Speilbilde

Ikke vær redd for å gi varme ord

Og gjør gode gjerninger

Jo mer ved du legger på bålet

Jo mer varme kommer tilbake

Omar Khayyam

I løpet av timene

U: - God ettermiddag. Gutter, hva ser dere på dette bildet?

U: - Hva er en bolle, gi en definisjon på dette objektet.

D: – Noe som kan fylles, som man kan drikke av osv.

U: - Ozhegovs ordbok sier: "En kopp er et kar for å drikke." (lysbilde nr. 2)

La oss huske utsagnene der dette ordet brukes. (Etter at barna har gitt sine eksempler, kom med utsagnene som er oppført på lysbilde nr. 3).

U: - Hvordan forstår du utsagnene nedenfor?

Drikk en bitter kopp (opplev ulykker).

Tålmodighetsbegeret er fullt (det er umulig å holde ut lenger).

Hus - full bolle(det er overflod i huset, det er mye av alt).

Drikk den dødelige koppen (dø).

Vekten vippes i én retning (en eller annen beslutning tas).

Basert på disse utsagnene kan vi komme til den konklusjon at bollen ikke er fylt med væske, men livsinnhold.

Det er en ting i India klokt ordtak:

Hvis du vil kjenne en person, så slå ham

Mennesket er et fartøy

det den er fylt med vil begynne å renne ut av den

Lytt til et musikkstykke. Hva er denne personens kopp fylt med?

(Høres ut som "Aria of Jesus in the Garden of Getsemane" (på engelsk). 5.20)

U: – Hvordan ser du bildet av en person i musikk?

D; (Mannen lider, sjelen hans er urolig, han ser ut til å skrike i fortvilelse).

U: – Synes du denne musikken er klassisk eller moderne? Hvilken stil kan det klassifiseres som?

D: Mest sannsynlig ble denne musikken skrevet i vår tid. Stilmessig kan det fremførte stykket klassifiseres som rockemusikk.

U: - Du har rett. Et fragment av en rockeopera ble spilt.

Virker ikke denne kombinasjonen merkelig for deg? Rockeopera. Hva, etter din mening, kan forene to så forskjellige retninger innen musikk? (Lysbilde nummer 4).

D: - Komponistenes ønske om å gjøre operakunsten tilgjengelig for moderne lyttere.

U: Opera er en musikalsk forestilling som utvikler seg etter sine egne lover. Til tross for at operaen dukket opp på 1500-tallet, var den i stadig endring, den var variert og komisk, satirisk og tragisk. Med frodige dekorasjoner og beskjedne kostymer på gatescenen. For ikke lenge siden hørte vi på operaen «Rigoletto», hvor historien handlet om den oppløste, forfengelige, useriøse hertugen og hans følge. Og rockemusikk er en måte å uttrykke samfunnets problemer på.

Rock har faktisk blitt en måte å uttrykke visse stemninger hos den yngre generasjonen, deres holdning til det omkringliggende livet og dets problemer. Mange lyse individer, poetisk og musikalsk begavede mennesker kom for å rocke. De søkte å finne musikalske muligheter for å avsløre innhold i rocken.

Jakten på nye uttrykksmåter førte musikere til kreativ bruk av andre retninger fra fortid og nåtid, inkludert musikalske klassikere. Spesielt sted har en forbindelse med opera. Tross alt er opera et teater, en handling, og rocken, med sin fremføringsmåte og ulike dekorative og lyseffekter, graviterer mot teatret. Den viktigste kvaliteten rockeoperaer er den interne enheten av musikk og dramatisk handling.

T: I dag i klassen hørte vi et fragment av rockeoperaen «Jesus Christ Superstar», som ble iscenesatt i 1971 på Broadway, og ble en ekte sensasjon av teatersesongen i New York, som fullt ut markerte fødselen til en ny sjanger. (lysbilde nr. 5)

U: - Hvilken helt tror du denne arien tilhører?

Jesus Kristus - som er ment å redde mennesker fra det onde, men til slutt viser det seg å være et offer

Judas – en forræder, men som forråder for å frelse Kristus selv og hans sak

Pontius Pilatus - som straffer mot sin vilje

Kong Herodes- som legemliggjør alle mulige laster.

D: - Mest sannsynlig, Jesus Kristus. I musikken kan du høre historien om en lidende person, musikken er full av smerte og fortvilelse.

U: - Hva vet du om denne personens liv? Hvordan fremstår han for deg?

D: – Dette er en mann – Guds sønn, som kom til jorden for å redde mennesker.

T: – Hvilke hendelser tror du blir fortalt i dette verket?

FØR De siste dagene Jesu Kristi liv.

T: – Hvor gammel var Jesus da disse hendelsene skjedde?

D: - 33 år gammel. Han var en ung mann, full av energi, og det var kanskje derfor han ikke ønsket å dø.

Dramaet om Jesus, går til tortur og henrettelse i navnet til menneskers lykke, sviket av Judas, forsakelsen av hans elskede disippel - Peter, figuren til Pilatus - den romerske guvernøren i Judea, utfører en urettferdig rettssak, folkemengden som forkaster sin profet og dømte ham til døden. Alle disse hendelsene og bildene av evangelietradisjonen, fylt med høy tragedie og dyp menneskelig mening, har lenge tiltrukket seg og fortsetter å tiltrekke seg oppmerksomheten til komponister og forfattere.

U: – Mange kunstnere avbildet Jesus Kristus på sine lerreter. Her er en visuell:

1. Dionysius. Korsfestelse.1512

2.N.N. Ge Kristus og Pilatus 1890

3. Leonardo da Vinci. siste måltid

4.I.Kramskoy. Kristus i ørkenen

U: La oss lytte til «Praying for the Cup»-scenen igjen og finne ut hvilket bilde denne musikken stemmer med? Hør, hvilke følelser og tanker er fylt med Kristi arie? (Aria "Prayer for the Cup" lyder på russisk). (Mappe "Musikk") 5.20.

U: – Hvilke følelser er den fylt med? Hvordan er Jesu aria bygget opp?

D: - Først høres musikken stille ut, lyrisk, så vokser spenningen, noen ganger når det et rop av fortvilelse, men så fryser alt og den originale melodien høres ut igjen. Men hun er full av selvtillit, Jesus har tatt en avgjørelse, og denne tilliten merkes i musikken, lyden blir høyere.

U: – Hvem henvender han seg til?

D: – Til Gud, til far. Kristus spør: "Hvorfor skulle jeg dø?" Han vil ikke dø, men forstår at han må oppfylle det som skjebnen bestemmer.

U: - Se nøye. Hvilket bilde er musikken konsonant med? (lysbilde nr. 6)

Analysere den kunstneriske legemliggjørelsen av Kristusbildet i musikk, maleri og Bibelen. Gutta kommer til den konklusjon at I. Kramskoys maleri "Christ in the Desert" er mer i harmoni med musikk. (lysbilde nr. 7)

Dypt alene, sittende på bakgrunn av et øde, steinete landskap, ankommer i dype tanker, blir Kristus oppfattet som et symbol på beredskap til å ofre seg selv i navnet til et høyere mål.

U: - Skaperne av operaen, (lysbilde nr. 8) var veldig unge (komponisten Lloyd Weber er 23 år gammel, librettoforfatteren Tim Rice er 26).

Hvorfor tror du på midten av det 20. århundre, i en tidsalder med raske teknologiske fremskritt, romteknologi, vitenskapelige funn, veldig unge mennesker vendte seg til dette emnet?

D: – Vi fant i kristne bønner idealet om renhet, uselviskhet og broderkjærlighet. Veien til den åndelige fornyelsen av et samfunn nedsunket i grådighet, egoisme og egoisme. (lysbilde nr. 9).

"Vi ser på Jesus ikke som Gud, men som en mann som var på rett sted til rett tid," sa Tim Rice i et intervju med Time. Vår oppgave er å fortelle historien om mannen Jesus fra denne vinkelen hans storhet bare øker" .

Den siste scenen antyder at en teaterforestilling har utspilt seg foran oss. En forestilling om et tema som i kunsten kalles "evig" - om kjærlighet, vennskap, svik, offer. Dette emnet kalles "evig" fordi det får mennesker i alle tidsepoker og alle aldre til å tenke og reflektere.

Mer enn 40 år har gått siden opprettelsen av rockeoperaen "Jesus Christ Superstar", men selv i dag er dette verket fortsatt etterspurt av lyttere.

La oss gå tilbake til vårt første lysbilde og alle vil prøve å fylle koppen sin med følelser, følelser som oppsto i deg.

D: - vennlighet, medfølelse, kjærlighet, medlidenhet

Det er sannsynligvis derfor vi fortsatt vender oss til bildet av Jesus Kristus i dag.

Zabelin Vladislav "Gud gi oss"

1.Gud gi meg litt mer
Lykke og kjærlighet
Og gode venner også
For ikke å svikte oss

Eks: brede vinduer om natten
Jeg åpner den og ber
Stjernene vil smile fra himmelen
Og tristheten vil forsvinne
Stjernene vil smile fra himmelen
Og tristheten vil forsvinne

2. Måtte Gud gi oss å bli klokere
Og bli sterkere
La hverandre være snillere
Lær å elske

Liste over referanser og Internett-ressurser.

Gavrilov A. Hva er rock? //Musikk og deg nr. 8, 1989.

Zakirova G.Ya. Moderne musikksjangre. //Musikk på skolen nr. 1, 2005.

Koltsova O.M. Rockeopera "Jesus Christ Superstar". //Musikk på skolen nr. 3, 2004.

Konovalov I. Ved opprinnelsen til rockeopera. // Music and you nr. 3, 1990.

Orlova E. V. Om problemet med forholdet mellom østlige og vestlige kunstneriske tradisjoner i musikken på 1900-tallet. //Musikk på skolen nr. 6, 2004.

Prokoshin Yu.S. Amerikansk opera fra 80-tallet av XX-tallet. //Musikk på skolen nr. 3, 2004.

Raigorodsky B.D. Hva musikk kan gjøre. //Musikk på skolen nr. 4, 2004.

Encyclopedia "Kunst". M.: Avanta, 2001. bind 7, del 3.

CD "Cyril and Mythodiy"

Utvilsomt er bevaring av menneskehetens kulturarv en av de viktigste aktivitetene til mennesker involvert på en eller annen måte i kulturfeltet. Bevaring av kulturarv kan imidlertid ifølge artikkelforfatteren ikke være et mål i seg selv; kultur som en slags levende organisme, et dynamisk system - innebærer kontinuerlige prosesser med endring og fornyelse. I løpet av disse prosessene observeres ofte "nodale" øyeblikk av konflikt mellom innovative og beskyttende tendenser. Den navngitte konflikten tar fullstendig ulike former, fra «fredelig» polemikk til sjokkerende sjokkerende slagord. Hver epoke finner sine egne varianter av forholdet og etableringen av balanse mellom kanonitet og eksperimentering.

Både kanonens absolutte diktat og dens absolutte forkastelse bidrar imidlertid ikke til utviklingen av kulturen som helhet eller dens individuelle områder. Deretter, ettersom tidsperioden øker, "jevner konflikten ut" og nye integreringsprosesser starter; etter konflikten går integreringen annerledes frem, på en ny "spiralvending." For flere detaljer, se ... Dette stadiet aktiverer søket i den "gamle" etter den "evige" sonen, i tradisjon - den invariante sonen. Vi snakker om "sonen", siden det er mer "gammel" enn ". evig”, og en viss utvelgelsesmekanisme fungerer her .. Det er denne sonen som går utover omfanget av utelukkende historisk interesse og blir, om ikke grunnlaget, så et nødvendig element i de nye systemene som oppstår.

Det er ganske rimelig å betrakte de såkalte "evige temaene" i kunsten som en av disse sonene. "Evige temaer" involverer lag av psyke og tenkning som ikke har mistet relevans gjennom menneskehetens historie; Man kan for eksempel ikke kalle temaet om kampen mellom godt og ondt, temaet søken etter sannhet, temaet offer, temaet kjærlighet osv. utdatert. Disse spørsmålene har blitt vurdert mer enn en gang fra forskjellige vinkler: det er nok å minne om arven etter K.G. Jung, K. Lévi-Strauss, Y. Lotman, L. Gumilyov, etc. Vi observerer uansett et søk etter en tidløs invariant – i innholdet eller det strukturelle aspektet av en kunstnerisk tekst eller bevissthet generelt. Ofte fungerer mytologiske motiver og bilder, som er elementer i denne sonen til det "evige" i det "gamle", som invarianter. Dermed dannes et stabilt «gullfond» av de oftest gjentatte bildene og situasjonene som passer inn i enhver historisk kontekst og eventuelle spesifikke omstendigheter. Akkurat som repetisjons- og intonasjonsbuer fungerer som de viktigste ankere for poetisk eller musikalsk form, fungerer "evige temaer" sannsynligvis som "festemidler" for den menneskelige sivilisasjonen.

På denne eiendommen"Evige temaer" er grunnlaget for mange nyvinninger av moderne "regissørteater". Tvister om nødvendigheten og tilstrekkeligheten av å "modernisere" mesterverk fra to eller tre århundrer siden stopper ikke; Det er meninger om at det på denne måten «strekkes» en tråd mellom epoker, det er meninger om at moderne kunst på denne måten viser sin egen maktesløshet. Begge meningene er kontroversielle, men har en ubestridelig rett til å eksistere. Men en moderne kunstner har ingen rett til å skylde på sin tid for "undersåttenes fattigdom." Gjentatte bilder og situasjoner observeres overalt, du trenger bare å kunne "gjenkjenne" dem. For eksempel strekker temaet om selvoppofrelse seg langt inn i århundrene: det kan være myten om Iphigenia, som gikk med på å gå opp til alteret for seieren til sine landsmenn; kanskje en historie om poetinnen Juana Ines de la Cruz, som behandlet mennesker som led av pesten og døde av den; kanskje en historie om bragden til Alexander Matrosov; historien om Shavarsh Karapetyan, en verdensmester i dykking, som reddet dusinvis av liv da en trolleybuss falt fra Jerevan-demningen, på bekostning av hans egen funksjonshemming; kanskje - bare les nyhetsstrømmen i Yandex - en historie om bragden til Novgorod-sykepleieren Yulia Onufrieva, som reddet flere titalls liv for egen regning. Dette er bare noen få tilfeller av tusenvis som har skjedd i historien, og utgjør det store "evige temaet" for selvoppofrelse. Men ved å bli et plot, tar historien videre evig liv, og dette kan være enda viktigere for å bevare menneskehetens minne om helter enn konstruksjonen av en obelisk.

Derfor kalles "evige temaer" evige fordi de har varig relevans. Samtidig utgjør de et visst konseptuelt og emosjonelt lag som eksisterer i menneskehetens bevissthet som en uløselig helhet; Derfor, sammen med relevansen til emnet, mister ikke kunstneriske tekster sin relevans En kunstnerisk tekst er i dette tilfellet forstått som en lokal formasjon basert på enhver språkkode (det være seg maleri, musikk, litteratur, teater, etc.). legemliggjør det. Dette forklarer i stor grad tilgjengeligheten av kunstneriske tekster fra enhver tidsalder for den moderne betrakteren/lytteren. I dette tilfellet kulturarv forskjellige tidsepoker viser seg å være ikke bare bevart, men også etterspurt, organisk vevd inn i det integrerte systemet til moderne kulturrom.

Å forstå fondet med "evige temaer" i kunsten som en mekanisme for å bevare kulturarven forutsetter arbeid med deres systematisering, noe som er nødvendig, siden det for tiden er fraværende.

Det som er viktig er perspektivet, og ikke bare den retrospektive betydningen av «evige temaer». De er en mekanisme ikke bare for å bevare kulturarven, men også for å øke kulturelle verdier og videreutvikle kulturen. "Evige temaer" i kunst fungerer som en slags "bro" som forbinder fortid, nåtid og fremtid, en garanti for udødeligheten til kunstneriske bilder, menneskelig kreativitet og hele kulturen som helhet.

Tilbake fremover

Merk følgende! Lysbildeforhåndsvisninger er kun til informasjonsformål og representerer kanskje ikke alle funksjonene i presentasjonen. Hvis du er interessert denne jobben, last ned fullversjonen.

Mål: For å bevise at kjærlighet er skjønnheten i menneskelige følelser og relasjoner et av hovedtemaene i forskjellige typer kunst i alle tider og epoker.

Oppgaver:

Fortell om musikalske mesterverk i forskjellige sjangre, skapt på grunnlag av ett litterært verk av W. Shakespeare "Romeo og Julie".
Å konsolidere teoretisk kunnskap om ouverturen og balletten ved å bruke eksempler på musikken til P.I. Tsjaikovskij og S.S. Prokofiev.

I løpet av timene.

Lysbilde nr. 1. (tittel)

Lærer:

Temaet kjærlighet har alltid tiltrukket artister. Verden kjenner til mange litterære og poetiske historier om kjærlighet, musikalske mesterverk og malerier av store kunstnere. I dag i klassen vår skal vi fremføre musikalske verk av forskjellige sjangre og epoker, men de er alle skapt på grunnlag av en litterær skapelse av W. Shakespeare - "Romeo og Julie".

Lysbilde nummer 2.

Shakespeare (1564-1616) sang i poesi historien om en ung mann og en jente fra Verona. Hans kreasjon er et internasjonalt anerkjent mesterverk. Takket være Shakespeare er navnene til Romeo og Julie så godt kjent for alle, etter å ha blitt et symbol på ekte, ekte kjærlighet.

Lysbilde nummer 3.

Til enhver tid er det ikke lett for kjærlige hjerter å forsvare sitt valg mot menneskelig treghet, krigerskhet og all slags ulikhet. Men kjærlighet kjenner ingen grenser eller begrensninger. Handlingen til "Romeo og Julie" er et av eksemplene på kjærlighet som døde under datidens forhold.

Lysbilde nr. 4 (teksten i setningen utvides automatisk)

Shakespeares tragedie brakte Verona æren av byen Romeo og Julie. Innbyggerne i denne berømte byen sier:

«Her har vi kjærlighet i luften, og hvis du varmt blod"Ømt hjerte og i det minste litt fantasi, gå ned den mørkeste, smaleste smug, og du vil helt sikkert møte to sjarmerende spøkelser der, som har vandret rundt i Verona i mange århundrer: Romeo og Julie!"

Lysbilde nummer 5.

Og derfor vil Verona alltid være full av romantikere og elskere fra hele verden som leter etter og finner her steder assosiert med den ufalske legenden om kjærlighet.

Det er ikke overraskende at en så vakker og trist historie ble videreført i andre kunstsjangre: symfonisk og ballettmusikk, opera, teater, kino, musikaler.

Lysbilde nummer 6.

Den berømte fantasyovertyren «Romeo og Julie» av P.I. Tsjaikovskij er komponistens første appell til den kreative arven til den store engelske dramatikeren.

La oss huske hva som kalles en ouverture i musikk?

Barn:

Orkesterintroduksjon til opera, ballett, film. Noen ganger er det et selvstendig verk og har en programtittel.

Lysbilde nummer 7.

Ideen om å lage et symfonisk verk ble foreslått av komponisten Balakirev. Handlingen ble et komplott for Tsjaikovskij for resten av livet. De beste orkestrene i verden inkluderer dette verket i sine konsertprogrammer. Tsjaikovskij reviderte ouverturen tre ganger. Det er i den siste utgaven den er godt kjent i dag.

Musikken til ouverturen er basert på temaer som personifiserer hovedbildene og kollisjonene i Shakespeares tragedie.

Lysbilde nr. 8 (videofragment starter automatisk)

Feide tema: et vanvittig angrep av sinne og hat. Korte sverdslag vil ringe, de alarmerende, energiske lydene av en gatekamp mellom de ukuelige Montagues og Capulets, med deres splid og gjensidige hevn som gjør de fredelige gatene i Verona til en blodig slagmark.

Lysbilde nr. 9 (videofragment starter automatisk)

Kjærlighets tema: fra den følsomme stillheten er temaet kjærlighet født. Den inneholder en slik fylde av ømhet, slik sløvhet og lykksalighet ... en vidt spredende lys melodi. En myk, nesten lummende bevegelse, sukkende lyder av hornet, og melodien vokser, blir mer livlig og søt.

Og etter heltenes død, etter fortvilelsesropet, ringer temaet for kjærligheten til Romeo og Julie i fiolinenes høye, opplyste stemme.

Lysbilde nr. 10 (teksten i setningen utvides automatisk)

Temaet kjærlighet ble spesielt beundret av N.A. Rimsky-Korsakov, han skrev: "Hvor inspirert! For en uforklarlig skjønnhet, hvilken brennende lidenskap! Dette er en av beste temaer all russisk musikk!

I komponistens levetid var ouvertyren «Romeo og Julie» populær stor suksess både publikum og kritikere. Som en av Tsjaikovskijs mest kjente og elskede komposisjoner, ble denne ouverturen fremført på Tsjaikovskijs minnekonserter etter hans alt for tidlige død.

Lysbilde nr. 11 (videofragment starter automatisk)

I september 1935 fullførte Sergei Prokofiev (1891-1953) sitt arbeid med musikken til balletten Romeo og Julie. Dette verket er anerkjent som strålende og veldig populært over hele verden.

Ballett i tre akter, tretten scener, med prolog og epilog. I rollen som Juliet - Galina Ulanova; Romeo - Konstantin Sergeev.

La oss huske de karakteristiske trekkene til ballettsjangeren i musikk.

Barn:

Ballett er en teaterforestilling hvor karakterene uttrykker alt gjennom sang. Til balletten lages kulisser og sys kostymer. Balletten fremføres av et symfoniorkester under ledelse av en dirigent.

Lysbilde nr. 12 (minnetekst utvides automatisk)

Juliet hadde en spesiell rolle i livet til Galina Ulanova. Hun husket: "I lang tid kunne jeg ikke begynne å forberede delen av Juliet med noen av elevene mine. Å si farvel til henne er det samme som å si farvel til en levende person. En gang jeg var i Italia, ble vi tatt med til Verona. I Verona sto jeg foran Julies balkong, ved monumentet over krypten. Og her, ved Julies krypt, følte jeg at jeg aldri ville danse igjen, det var veldig trist. Det var som om jeg hadde gått gjennom noe... Det var kveld da jeg ringte Katya Maximova: i morgen begynner vi å øve Juliet.»

Lysbilde nr. 13 (videofragment starter automatisk)

Bildet av Shakespeares heltinne er kanskje den lyseste og mest gjennomtrengende fargen i den kreative paletten til ballerinaen Ulanova. I St. Petersburg, på Alley of Heroes of Victory Park, ble det installert en bronsebyste som viser kunstneren i den berømte rollen.

Lysbilde nummer 14.

Senere opptrådte mange kjente ballettdansere i denne produksjonen: Raisa Struchkova, Marina Kondratyeva, Maya Plisetskaya, Natalia Bessmertnova, Ekaterina Maksimova, Valentina Kozlova. Det er to kjente filmversjoner av Prokofievs ballett. Musikken i Prokofievs ballett formidler de mest subtile psykologiske bevegelser menneskelig sjel, rikdommen til Shakespearesk tanke, lidenskap og drama. Prokofiev klarte å gjenskape Shakespeare-karakterer i balletten i deres mangfold og fullstendighet, dype poesi og vitalitet.

Lysbilde nr. 15 (videofragment starter automatisk)

Humoren og rampete til Juliet er jentene og sykepleierens enkelhet.

Lysbilde nr. 16 (videofragment starter automatisk)

Pater Lorenzos visdom.

Lysbilde nr. 17 (videofragment starter automatisk)

Den festlige og sprudlende fargen på italienske gater.

Lysbilde nr. 18 (videofragment starter automatisk)

Poesi av kjærlighet til Romeo og Julie.

Lysbilde nr. 19 (videofragment starter automatisk)

Og også dramaet i dødsscenene - alt dette er legemliggjort av Prokofiev med dyktighet og enorm uttrykkskraft. Å vende seg til Shakespeare var et dristig skritt for sovjetisk koreografi, siden det etter alt å dømme ble antatt at legemliggjørelsen av slike komplekse filosofiske og dramatiske temaer var umulig ved hjelp av ballett. Prokofiev, som viste innovasjon, beviste det motsatte.

Lysbilde nummer 20.

Det ville være rart om den berømte Shakespeare-historien ikke ble reflektert i i masseform kunst - kino. Det finnes flere filmversjoner av Romeo og Julie. Men kanskje den mest populære filmen «Romeo og Julie» er filmen av den italienske regissøren Franco Zeffirelli, utgitt i 1968. Hovedrollene ble spilt av veldig unge skuespillere - Olivia Hussey og Leonard Whiting. Filmen til Franco Zeffirelli inneholder vakker musikk av komponisten Nino Rota, som er mest kjent innen kinomusikk for sin uforlignelige kreativitet. En av vinterhagene i Italia er navngitt til hans ære. Han samarbeidet med mange regissører. I 1974 mottok Rota en Oscar for beste musikk for filmen «The Godfather» og skrev musikk til alle Federico Fellinis filmer.

Lysbilde nr. 21 (videofragmenter av filmen starter automatisk)

Det mest kjente motivet i filmen "Romeo og Julie" var temaet kjærlighet - det varierer gjennom filmen og følger med alle hovedscenene til Romeo og Julie. Harmonisk sammenvevd med filmfortellingen fungerer musikk som en forteller. Denne musikken er anerkjent som klassisk og har til og med blitt en slags musikal visittkort Romeo og Julie. I året filmen ble utgitt, tok sangen "What is a Youth" førsteplassen i popularitet, og fortrengte til og med Beatles-hitene. Arrangementer av denne sangen har gått inn i repertoaret til mange sangere og orkestre. Siste utgave presenterer musikken til Nino Rota fremført av Praha filharmoniske orkester.

Jeg vil avslutte historien min med ord fra sangen:

Den bekymringsløse stammen av første kjærlighet!
I et gammelt skuespill, hvor det er gift og en dolk
En uopprettelig handling blir utført.
Gud, frels meg og beskytt meg fra katastrofer
Kjærlighetens trofaste slaver.

Antallet stiler og trender er enormt, om ikke uendelig. Nøkkeltrekket for å gruppere verk i stiler er de vanlige prinsippene for kunstnerisk tenkning. Erstatningen av noen metoder for kunstnerisk tenkning av andre (veksling av typer komposisjoner, metoder for romlig konstruksjon, fargetrekk) er ikke tilfeldig. Vår oppfatning av kunst har også historisk endret seg.
Ved å bygge et system av stiler i en hierarkisk rekkefølge, vil vi holde oss til den eurosentriske tradisjonen. Det viktigste begrepet i kunsthistorien er begrepet tidsalder. Hver epoke er preget av et visst "verdensbilde", som består av filosofiske, religiøse, politiske ideer, vitenskapelige ideer, psykologiske egenskaper verdensbilde, etiske og moralske standarder, estetiske livskriterier, der en epoke skilles fra en annen. Dette er den primitive epoken, epoken Antikkens verden, Antikken, middelalder, renessanse, moderne tid.
Stiler i kunst har ikke klare grenser de forvandles jevnt til hverandre og er i kontinuerlig utvikling, blanding og motsetning. Innenfor rammen av én historisk kunstnerisk stil blir det alltid født en ny, og som igjen går over i den neste. Mange stiler eksisterer samtidig, og derfor er det ingen "rene stiler" i det hele tatt.
Samtidig historisk epoke Flere stiler kan eksistere side om side. For eksempel klassisisme, akademisisme og barokk på 1600-tallet, rokokko og nyklassisisme på 1700-tallet, romantikk og akademisisme på 1800-tallet. Stilarter som klassisisme og barokk kalles store stiler fordi de gjelder alle typer kunst: arkitektur, maleri, dekorativ og brukskunst, litteratur, musikk.
Det er nødvendig å skille: kunstneriske stiler, retninger, trender, skoler og funksjoner i individuelle stiler til individuelle mestere. Innenfor en stil kan det være flere kunstneriske bevegelser. En kunstnerisk retning består både av typiske kjennetegn ved en gitt tidsalder og unike metoder for kunstnerisk tenkning. Art Nouveau-stil inkluderer for eksempel en rekke trender fra århundreskiftet: postimpresjonisme, symbolisme, fauvisme, etc. På den annen side er begrepet symbolikk som kunstnerisk bevegelse godt utviklet i litteraturen, mens det i maleriet er svært vagt og forener kunstnere som er så forskjellige stilmessig at de ofte tolkes kun som et verdensbilde som forener dem.

Nedenfor vil det bli gitt definisjoner av tidsepoker, stiler og trender som på en eller annen måte gjenspeiles i moderne kunst og dekorativ kunst.

	- en kunstnerisk stil som utviklet seg i landene i Vest- og Sentral-Europa på 1100-1400-tallet. Det var et resultat av den århundrelange utviklingen av middelalderkunst, dens høyeste scene og samtidig den første pan-europeiske, internasjonale kunstneriske stilen i historien. Han dekket alle typer kunst - arkitektur, skulptur, maleri, glassmalerier, bokdesign, kunst og Håndverk. Grunnlaget for den gotiske stilen var arkitektur, som er preget av spisse buer rettet oppover, flerfargede glassmalerier og visuell dematerialisering av form. Elementer av gotisk kunst kan ofte finnes i moderne interiørdesign, spesielt i veggmalerier, og sjeldnere i staffelimalerier. Siden slutten av forrige århundre har det vært en gotisk subkultur, tydelig manifestert i musikk, poesi og klesdesign.
	(Renessanse) - (fransk renessanse, italiensk Rinascimento) En epoke i den kulturelle og ideologiske utviklingen av en rekke land i Vest- og Sentral-Europa, samt noen land av Øst-Europa. De viktigste særtrekkene ved renessansekulturen: sekulær karakter, humanistisk verdensbilde, appellerer til den gamle kulturarven, en slags "gjenoppliving" av den (derav navnet). Renessansens kultur har spesifikke trekk ved overgangstiden fra middelalderen til moderne tid, der det gamle og det nye, flettet sammen, danner en unik, kvalitativt ny legering. Spørsmålet om de kronologiske grensene for renessansen (i Italia - 14-16 århundrer, i andre land - 15-16 århundrer), dens territorielle fordeling og nasjonale kjennetegn. Elementer av denne stilen i moderne kunst brukes ofte i veggmalerier, sjeldnere i staffelimaling.
	- (fra italiensk maniera - teknikk, måte) en bevegelse i europeisk kunst på 1500-tallet. Representanter for manerisme beveget seg bort fra renessansens harmoniske oppfatning av verden, det humanistiske konseptet om mennesket som en perfekt skapelse av naturen. En skarp oppfatning av livet ble kombinert med et programmatisk ønske om ikke å følge naturen, men å uttrykke den subjektive "indre ideen" om et kunstnerisk bilde født i kunstnerens sjel. Det manifesterte seg tydeligst i Italia. For italiensk manerisme på 1520-tallet. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) er preget av dramatisk skarphet i bilder, tragisk verdensbilde, kompleksitet og overdrevne uttrykk for positurer og bevegelsesmotiver, langstrakte proporsjoner av figurer, koloristiske og lys- og skyggedissonanser. I I det siste begynte å bli brukt av kunsthistorikere for å betegne fenomener i moderne kunst knyttet til transformasjonen av historiske stiler.
	- en historisk kunstnerisk stil som ble utbredt til å begynne med i Italia i midten. XVI-XVII århundrer, og deretter i Frankrike, Spania, Flandern og Tyskland i XVII-XVIII århundrer. Mer generelt brukes dette begrepet for å definere de stadig fornyende tendensene til en rastløs, romantisk holdning, tenkning i uttrykksfulle, dynamiske former. Til slutt, i hver tid, i nesten alle historiske kunstneriske stiler, kan man finne sin egen "barokkperiode" som et stadium av det høyeste kreative oppsvinget, spenningen i følelser, eksplosiviteten til former.
	- kunstnerisk stil i vesteuropeisk kunst fra det 17. - tidlige år. XIX århundre og inn Russisk XVIII- begynnelse XIX, som henvendte seg til den gamle arven som et ideal å følge. Det manifesterte seg i arkitektur, skulptur, maleri, dekorativ og brukskunst. Klassiske kunstnere anså antikken som den høyeste prestasjonen og gjorde den til sin standard innen kunst, som de forsøkte å etterligne. Over tid utartet det til akademiskisme.
	- en retning i europeisk og russisk kunst fra 1820-1830-årene, som erstattet klassisismen. Romantikerne fremhevet individualitet, og kontrasterte den ideelle skjønnheten til klassisistene med en "ufullkommen" virkelighet. Kunstnere ble tiltrukket av lyse, sjeldne, ekstraordinære fenomener, så vel som bilder av en fantastisk natur. I romantikkens kunst spiller akutt individuell oppfatning og erfaring en stor rolle. Romantikken frigjorde kunsten fra abstrakte klassisistiske dogmer og vendte den mot nasjonal historie og bilder av folklore.
	- (fra latin sentiment - følelse) - en retning i vestlig kunst fra andre halvdel av 1700-tallet, som uttrykker skuffelse over "sivilisasjonen" basert på idealene om "fornuft" (opplysningstidsideologi). S. forkynner følelsen, ensom refleksjon og enkelhet i det landlige livet til den «lille mannen». J. J. Rousseau regnes som ideologen til S.
	- en retning i kunsten som streber etter å skildre med den største sannhet og pålitelighet både den ytre formen og essensen av fenomener og ting. Hvordan en kreativ metode kombinerer individuelle og typiske egenskaper når du lager et bilde. Den lengste retningen som eksisterer, utviklet fra den primitive epoken til i dag.
	- retning i europeisk kunstnerisk kultur på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. Symbolismen dukket opp som en reaksjon på dominansen av normene for borgerlig "sunn fornuft" i den humanitære sfæren (i filosofi, estetikk - positivisme, i kunst - naturalisme), og tok først og fremst form i fransk litteratur på slutten av 1860-70-tallet, og senere. ble utbredt i Belgia og Tyskland, Østerrike, Norge, Russland. Symbolismens estetiske prinsipper gikk i stor grad tilbake til romantikkens ideer, så vel som til noen doktriner i den idealistiske filosofien til A. Schopenhauer, E. Hartmann, delvis F. Nietzsche, til den tyske komponisten R. Wagners kreativitet og teoretisering. . Symbolismen kontrasterte levende virkelighet med verden av visjoner og drømmer. Et symbol generert av poetisk innsikt og uttrykker det overjordiske, skjult for vanlig bevissthet betydningen av fenomener. Den kreative kunstneren ble sett på som en formidler mellom det virkelige og det oversanselige, og fant overalt "tegn" på verdensharmoni, profetisk gjette tegn på fremtiden både i moderne fenomener og i fortidens hendelser.
	- (fra det franske inntrykket - inntrykk) en bevegelse i kunsten fra siste tredjedel av 1800-tallet - begynnelsen av 1900-tallet, som oppsto i Frankrike. Navnet ble introdusert av kunstkritikeren L. Leroy, som nedvurderte utstillingen av kunstnere i 1874, hvor blant annet maleriet «Sunrise» av C. Monet ble presentert. Inntrykk". Impresjonisme fremmet skjønnhet virkelige verden, som understreker friskheten til førsteinntrykket og variasjonen i miljøet. Den overveiende oppmerksomheten på å løse rent billedlige problemer reduserte den tradisjonelle ideen om tegning som hovedkomponenten i et kunstverk. Impresjonismen hadde en kraftig innvirkning på kunsten i europeiske land og USA og vekket interesse for emner fra det virkelige liv. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley, etc.)
	- en bevegelse i maleriet (synonymt med divisjonisme), som utviklet seg innenfor rammen av nyimpresjonismen. Nyimpresjonismen oppsto i Frankrike i 1885 og spredte seg også til Belgia og Italia. Nyimpresjonister prøvde å søke i kunsten siste prestasjoner innen optikk, ifølge hvilket maleri laget med separate prikker av primærfarger i visuell persepsjon gir en sammensmelting av farger og hele fargespekteret. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Post-impresjonisme- et betinget samlenavn for hovedretningene til fransk maleri i XIX - 1. kvartal. XX århundre Postimpresjonismens kunst oppsto som en reaksjon på impresjonismen, som fokuserte på å formidle øyeblikket, på følelsen av maleriskhet og tapt interesse for gjenstanders form. Blant postimpresjonistene er P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh og andre.
	- stil i europeisk og amerikansk kunst på begynnelsen av 1800- og 1900-tallet. Modernismen omtolket og stiliserte trekk ved kunst fra ulike tidsepoker, og utviklet sine egne kunstneriske teknikker basert på prinsippene om asymmetri, ornamentalitet og dekorativitet. Naturlige former blir også gjenstand for modernitetsstilisering. Dette forklarer ikke bare interessen for blomsterdekorasjoner i modernistiske verk, men også deres svært komposisjonelle og plastiske struktur - overfloden av krumlinjede konturer, svevende nerver, nye konturer som minner om planteformer. Nært knyttet til moderniteten er symbolismen, som fungerte som det estetiske og filosofiske grunnlaget for moderniteten, og stolte på moderniteten som en plastisk realisering av ideene. Art Nouveau hadde i forskjellige land forskjellige navn, som i hovedsak er synonyme: Art Nouveau - i Frankrike, Secession - i Østerrike, Art Nouveau - i Tyskland, Liberty - i Italia.
	- (fra fransk moderne - moderne) vanlig navn en rekke kunstbevegelser fra første halvdel av 1900-tallet, som er preget av fornektelse av tradisjonelle former og estetikk fra fortiden. Modernismen er nær avantgardisme og i motsetning til akademisisme.
	- et navn som forener en rekke kunstneriske bevegelser som er vanlige på 1905-1930-tallet. (fauvisme, kubisme, futurisme, ekspresjonisme, dadaisme, surrealisme). Alle disse retningene forenes av ønsket om å fornye kunstens språk, revurdere dets oppgaver og få frihet til kunstnerisk ytringsfrihet.
	- retning i kunst fra XIX - AD. XX århundre, basert på kreative leksjoner Den franske kunstneren Paul Cezanne, som reduserte alle former i bildet til de enkleste geometriske former, og farge - til kontrasterende konstruksjoner av varme og kalde toner. Cezanne fungerte som et av utgangspunktene for kubismen. I stor grad påvirket Cézanneismen også den hjemlige realistiske malerskolen.
	- (fra fauve - vill) avantgardebevegelse i fransk kunst. XX århundre Navnet "vill" ble gitt av moderne kritikere til en gruppe artister som opptrådte i 1905 på Paris Salon of Independents, og var ironisk. Gruppen inkluderte A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen og andre av former og intense koloristiske løsninger, jakten på impulser i primitiv kreativitet, middelalderens og østens kunst.
	- bevisst forenkling visuell kunst, imitasjon av de primitive stadiene i kunstutviklingen. Dette begrepet refererer til den såkalte. naiv kunst av kunstnere som ikke fikk spesialundervisning, men var involvert i den generelle kunstneriske prosessen sent XIX - tidlig. XX århundre. Verkene til disse kunstnerne - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov og andre - er preget av en særegen barnslighet i tolkningen av naturen, en kombinasjon av en generalisert form og små bokstavlighet i detalj. Formens primitivisme forutsetter slett ikke innholdets primitivitet. Det fungerer ofte som en kilde for fagfolk som låner former, bilder og metoder fra folkekunst, hovedsakelig primitiv kunst. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse hentet inspirasjon fra primitivismen.
	- en retning i kunsten som utviklet seg på grunnlag av å følge antikkens og renessansens kanoner. Det var vanlig i mange europeiske kunstskoler fra 1500- til 1800-tallet. Akademiismen forvandlet klassiske tradisjoner til et system av "evige" regler og forskrifter som begrenset kreative søk, og prøvde å kontrastere ufullkommen levende natur med "høy" forbedrede, ikke-nasjonale og tidløse former for skjønnhet brakt til perfeksjon. Akademiismen er preget av en preferanse for emner fra gammel mytologi, bibelske eller historiske temaer fremfor emner fra kunstnerens samtidsliv.
	- (fransk kubisme, fra kube - kube) retning i kunsten fra det første kvartalet av 1900-tallet. Kubismens plastiske språk var basert på deformasjon og dekomponering av objekter på geometriske plan, et plastisk formskifte. Kubismens fødsel skjedde i 1907-1908 - kvelden før første verdenskrig. Den ubestridte lederen av denne trenden var poeten og publisisten G. Apollinaire. Denne bevegelsen var en av de første som legemliggjorde de ledende trendene i videreutviklingen av kunst på det tjuende århundre. En av disse trendene var konseptets dominans over maleriets kunstneriske verdi. J. Braque og P. Picasso regnes som kubismens fedre. Fernand Leger, Robert Delaunay, Juan Gris og andre ble med i den fremvoksende bevegelsen.
	- en bevegelse innen litteratur, maleri og kino som oppsto i 1924 i Frankrike. Det bidro betydelig til dannelsen av bevisstheten til det moderne mennesket. Hovedfigurene i bevegelsen er Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro og mange andre artister fra hele verden. Surrealismen uttrykte ideen om eksistens utover det virkelige, det ubevisste, drømmer og dagdrømmer spiller en spesielt viktig rolle her. En av de karakteristiske metodene til den surrealistiske kunstneren er tilbaketrekningen fra bevisst kreativitet, som gjør den til et verktøy, forskjellige måter trekke ut bisarre bilder av underbevisstheten, beslektet med hallusinasjoner. Surrealismen har overlevd flere kriser, overlevd den andre verdenskrig og gradvis, smeltet sammen med massekulturen, krysset med trans-avantgarden, gikk den inn i postmodernismen som en integrert del.
	- (fra latin futurum - fremtidig) litterært-kunstnerisk bevegelse i 1910-tallets kunst. Futurismen tildelte seg selv rollen som en prototype av fremtidens kunst, og fremmet som hovedprogram ideen om å ødelegge kulturelle stereotyper og tilbød i stedet en unnskyldning for teknologi og lavhet som hovedtegnene på nåtiden og fremtiden . En viktig kunstnerisk idé om futurisme var søket etter et plastisk uttrykk for bevegelseshastigheten som hovedtegnet på tempoet i det moderne liv. Den russiske versjonen av futurisme ble kalt kubofuturisme og var basert på en kombinasjon av de plastiske prinsippene til fransk kubisme og europeiske generelle estetiske installasjoner av futurisme izma.