Eksempler på evige temaer i kunsten. Stilarter og bevægelser i billedkunst

Kunstbevægelser repræsenterer et system kunstneriske teknikker, udtryksmidler, der er designet til at udtrykke en bestemt idé, verdensbillede, dominerende i et bestemt fællesskab på et givet tidsrum. Styles har udviklet sig i løbet af det sidste årtusinde, og har successivt erstattet hinanden. Undertiden ny stil opstod som en fortsættelse og udvikling af den forrige, nogle gange blev den en konsekvens af kampen med forgængerens ideer.

I nogle tilfælde er det så vanskeligt at skelne en stil, at den temmelig klassificeres som en retning. Således kan symbolisme og kubisme klassificeres som en selvstændigt dannet stil, eller de kan betragtes som retninger for omfattende modernisme.

Hver epoke fødte mere end én kunstnerisk stil. Ved at studere kunstværker kan du lære bedre at kende den tid, hvor en bestemt kunstnerisk stil blev dannet og domineret.

De vigtigste retninger i kunsten i X - XIX århundreder

Romansk stil (X - XIII århundreder)

Gotisk stil (XIII - XVI århundreder)

Barok (XVI - XVIII århundreder)

Klassicisme (XVII - XIX århundreder)

Sentimentalisme (XVIII århundrede)

Romantikken (XVIII - XIX århundreder)

Realisme (XIX århundrede)

Hovedtendenser i det 20. århundredes kunst

Modernisme

Symbolik

impressionisme

Surrealisme

Den udviklede sig i 1920'erne af forrige århundrede og er en stil med paradoksale former og hentydninger, der afspejler kombinationen af drømme og virkelighed. I maleriet afspejles surrealismen tydeligt i malerierne af Magritte, Ernst, Dali, Matta...

Evige temaer

Kunstnerisk og pædagogisk idé:

Ægte kunst aldrig
er ikke kun tilfreds med sig selv;
det er ikke et mål i sig selv,
med det formål at lyde er produktion,
mål - virker - musik,
Musikkens formål er spiritualitet.
Og en ægte vare
og kunstens emne er Mennesket.
A. Schnittke.

Mål med lektionen:

Skolebørns opfattelse og bevidsthed om musik som en figurativ legemliggørelse af universelle menneskelige værdier, sociale og spirituelle erfaringer fra generationer.

Opgaver:

At konsolidere viden om syntesen af musikgenrer (Rock Opera);

Udvikle en følelsesmæssig bevidst opfattelse af musik.

At dyrke evnen til at se skønheden i åndens styrke og kærlighedens kraft, evnen til at sympatisere og sympatisere.

Musikalsk materiale:

E. L. Webber "Jesus Christ Superstar."

Aria "Prayer for the Cup" (på engelsk og russisk)

K. Kelmi "At lukke cirklen".

Kunstmateriale:

I. Kramskoy "Kristus i ørkenen".

N. Ge "Kristus og Pilatus".

Dionysius "Korsfæstelsen".

L. Da Vinci "Den sidste nadver".

Slidepræsentation af lektionen.

Lektionsplan:

	Lektionens trin
	Oprettelse af en problemsøgningssituation
	Lytter til Jesu Aria i Getsemane Have på engelsk.
	Diskussion af musikalsk billede
	Konsolidering af viden om syntesen af genrer i musik
	Lytter til Jesu Aria i Getsemane Have på russisk.
	Analyse af legemliggørelsen af det kunstneriske billede af Jesus Kristus i litteratur, maleri, musik.

	Fremførelse af K. Kelmis sang "Closing the Circle"
	Afspejling

Vær ikke bange for at give varme ord

Og gør gode gerninger

Jo mere træ kommer du på bålet

Jo mere varme kommer tilbage

Omar Khayyam

Lektionens fremskridt

U: - God eftermiddag. Gutter, hvad ser du på dette billede?

U: - Hvad er en skål, giv en definition på dette objekt.

D: - Noget der kan fyldes, som man kan drikke af mv.

U: - Ozhegovs ordbog siger: "En kop er et kar til at drikke." (Dias nr. 2)

Lad os huske de udsagn, hvor dette ord bruges. (Når børnene har givet deres eksempler, kom med de udsagn, der er anført på slide nr. 3).

U: - Hvordan forstår du udsagn nedenfor?

Drik en bitter kop (oplev uheld).

Tålmodighedens bæger er fuld (det er umuligt at holde ud længere).

Hus - fuld skål(der er overflod i huset, der er meget af det hele).

Drik den dødelige kop (dø).

Vægten vippes i én retning (den ene eller anden beslutning er truffet).

Ud fra disse udsagn kan vi komme til den konklusion, at skålen ikke er fyldt med væske, men livsindhold.

Der er meget én ting i Indien klogt ordsprog:

Hvis du vil kende en person, så slå ham

Mennesket er et fartøj

hvad den er fyldt med vil begynde at vælte ud af den

Lyt til et stykke musik. Hvad er denne persons kop fyldt med?

(Lyder "Jesu Aria i Getsemane Have" (på engelsk). 5.20)

U: - Hvordan ser du billedet af en person i musikken?

D; (Manden lider, hans sjæl er urolig, han ser ud til at skrige fortvivlet).

U: - Synes du, at denne musik er klassisk eller moderne? Hvilken stil kan det klassificeres som?

D: Mest sandsynligt er denne musik skrevet i vores tid. Stilmæssigt kan det fremførte stykke klassificeres som rockmusik.

U: - Du har ret. Et fragment af en rockopera blev spillet.

Virker denne kombination ikke mærkelig for dig? Rock opera. Hvad kan efter din mening forene to så forskellige retninger i musikken? (Slide nummer 4).

D: - Komponisters ønske om at gøre operakunsten tilgængelig for moderne lyttere.

U: Opera er en musikalsk forestilling, der udvikler sig efter sine egne love. På trods af at operaen dukkede op i det 16. århundrede, var den i konstant forandring, den var varieret og komisk, satirisk og tragisk. Med frodige dekorationer og beskedne kostumer på gadescenen. For ikke længe siden lyttede vi til operaen "Rigoletto", hvor historien handlede om den opløselige, forfængelige, useriøse hertug og hans følge. Og rockmusik er en måde at udtrykke samfundets problemer på.

Rock er faktisk blevet en måde at udtrykke visse stemninger hos den yngre generation, deres holdning til det omgivende liv og dets problemer. Mange lyse individer, poetisk og musikalsk begavede mennesker kom for at rocke. De søgte at finde musikalske muligheder for at afsløre indhold i rocken.

Søgen efter nye udtryksmidler førte musikere til kreativ brug af andre retninger fra fortiden og nutiden, herunder musikalske klassikere. Et særligt sted optager en forbindelse med opera. Opera er jo et teater, en handling, og rocken, med sin opførelsesmåde og forskellige dekorative og lyseffekter, drager mod teatret. Den vigtigste kvalitet rockoperaer er den indre enhed af musik og dramatisk handling.

T: I dag i klassen hørte vi et fragment af rockoperaen "Jesus Christ Superstar." Iscenesat i 1971 på Broadway blev det en ægte sensation af New Yorks teatersæson, der fuldt ud markerer fødslen af en ny genre. (Dias nr. 5)

U: - Hvilken helt tror du, denne arie tilhører?

Jesus Kristus - som har til formål at redde mennesker fra det onde, men i sidste ende viser det sig at være et offer

Judas – en forræder, men som forråder for at frelse Kristus selv og hans sag

Pontius Pilatus - som straffer mod sin vilje

Kong Herodes- som legemliggør alle mulige laster.

D: - Mest sandsynligt, Jesus Kristus. I musikken kan du høre historien om et lidende menneske, musikken er fuld af smerte og fortvivlelse.

U: - Hvad ved du om denne persons liv? Hvordan ser han ud for dig?

D: - Dette er en mand - Guds søn, som kom til jorden for at redde mennesker.

T: - Hvilke begivenheder tror du, der fortælles i dette værk?

D: - Åh sidste dage Jesu Kristi liv.

T: - Hvor gammel var Jesus, da disse begivenheder skete?

D: - 33 år gammel. Han var en ung mand, fuld af energi, og det var måske derfor, han ikke ønskede at dø.

Jesu drama, der går til tortur og henrettelse i menneskers lykkes navn, Judas forræderi, forsagelsen af hans elskede discipel - Peter, Pilatus' skikkelse - den romerske guvernør i Judæa, der udfører en uretfærdig retssag, skaren, der forkastede deres profet og dømte ham til døden. Alle disse begivenheder og billeder af evangelietraditionen, fyldt med høj tragedie og dyb menneskelig betydning, har længe tiltrukket og tiltrækker fortsat opmærksomhed fra komponister og forfattere.

U: - Mange kunstnere afbildede Jesus Kristus på deres lærreder. Her er et billede:

1. Dionysius. Korsfæstelse.1512

2.N.N. Ge Kristus og Pilatus 1890

3.Leonardo da Vinci. sidste nadver

4.I.Kramskoy. Kristus i ørkenen

U: Lad os lytte til scenen "Praying for the Cup" igen og finde ud af, hvilket billede denne musik stemmer overens med? Hør, hvilke følelser og tanker er fyldt med Kristi arie? (Aria "Prayer for the Cup" lyder på russisk). (Mappe "Musik") 5.20.

U: - Hvilke følelser er det fyldt med? Hvordan er Jesu arie opbygget?

D: - Først lyder musikken stille, lyrisk, så vokser spændingen, nogle gange når det op til et skrig af fortvivlelse, men så fryser alt, og den originale melodi lyder igen. Men hun er fuld af selvtillid, Jesus har taget en beslutning, og denne tillid mærkes i musikken, lyden bliver højere.

U: - Hvem henvender han sig til?

D: - Til Gud, til far. Kristus spørger: "Hvorfor skulle jeg dø?" Han vil ikke dø, men forstår, at han skal opfylde det, som skæbnen bestemmer.

U: - Se godt efter. Hvilket billede er musikken konsonant med? (Dias nr. 6)

Analyse af den kunstneriske legemliggørelse af billedet af Kristus i musik, maleri og Bibelen. Fyrene kommer til den konklusion, at I. Kramskoys maleri "Christ in the Desert" er mere i harmoni med musik. (Dias nr. 7)

Dybt alene, siddende på baggrund af et øde, klippefyldt landskab, ankommet i dybe tanker, opfattes Kristus som et symbol på parathed til at ofre sig selv i navnet på et højere mål.

U: - Skaberne af operaen, (Dias nr. 8) var meget unge (komponisten Lloyd Weber er 23 år, librettoforfatteren Tim Rice er 26).

Hvorfor tror du i midten af det 20. århundrede, i en tidsalder med hurtige teknologiske fremskridt, rumteknologi, videnskabelige opdagelser, meget unge mennesker henvendte sig til dette emne?

D: - Vi fandt i kristne bønner idealet om renhed, uselviskhed og broderkærlighed. Vejen til den åndelige fornyelse af et samfund bundet i grådighed, egoisme og egoisme. (Slide nr. 9).

"Vi ser Jesus ikke som Gud, men som en mand, der var på det rigtige sted på det rigtige tidspunkt," sagde Tim Rice i et interview med Time. Vores opgave er at fortælle historien om manden Jesus fra denne vinkel hans storhed tiltager kun" .

Den sidste scene antyder, at en teaterforestilling har udspillet sig foran os. En forestilling om et tema, der i kunsten kaldes "evig" - om kærlighed, venskab, forræderi, offer. Dette emne kaldes "evig", fordi det får mennesker i alle epoker og alle aldre til at tænke og reflektere.

Mere end 40 år er gået siden oprettelsen af rockoperaen "Jesus Christ Superstar", men selv i dag er dette værk stadig efterspurgt af lyttere.

Lad os gå tilbage til vores første dias, og alle vil prøve at fylde deres kop med følelser, følelser, der opstod i dig.

D: - venlighed, medfølelse, kærlighed, medlidenhed

Det er sandsynligvis derfor, vi stadig vender os mod billedet af Jesus Kristus i dag.

Zabelin Vladislav "Gud give os"

1.Gud give mig lidt mere
Lykke og kærlighed
Og gode venner også
For ikke at svigte os

Eks: brede vinduer om natten
Jeg åbner den og beder
Stjernerne vil smile fra himlen
Og sorg vil forsvinde
Stjernerne vil smile fra himlen
Og sorg vil forsvinde

2. Må Gud give os at blive klogere
Og vær stærkere
Lad hinanden være venligere
Lær at elske

Liste over referencer og internetressourcer.

Gavrilov A. Hvad er rock? //Music and You nr. 8, 1989.

Zakirova G.Ya. Moderne musikgenrer. //Musik på skolen nr. 1, 2005.

Koltsova O.M. Rockopera "Jesus Christ Superstar". //Musik på skolen nr. 3, 2004.

Konovalov I. Ved rockoperaens oprindelse. // Musik og dig nr. 3, 1990.

Orlova E. V. Om problemet med forholdet mellem østlige og vestlige kunstneriske traditioner i det 20. århundredes musik. //Musik på skolen nr. 6, 2004.

Prokoshin Yu.S. Amerikansk opera fra 80'erne af det XX århundrede. //Musik på skolen nr. 3, 2004.

Raigorodsky B.D. Hvad musik kan. //Musik på skolen nr. 4, 2004.

Encyklopædi "Kunst". M.: Avanta, 2001. bind 7, del 3.

CD "Cyril and Mythodiy"

Bevarelsen af menneskehedens kulturarv er utvivlsomt en af de vigtigste aktiviteter for mennesker, der på den ene eller anden måde er involveret i kulturområdet. Bevaring af kulturarven kan dog ifølge artiklens forfatter ikke være et mål i sig selv; kultur som en slags levende organisme, et dynamisk system - indebærer kontinuerlige forandrings- og fornyelsesprocesser. I løbet af disse processer observeres ofte "nodale" øjeblikke af konflikt mellem innovative og beskyttende tendenser. Den navngivne konflikt tager fuldstændig forskellige former, fra "fredelig" polemik til chokerende chokerende slogans. Hver æra finder sine egne varianter af forholdet og etableringen af balance mellem kanonitet og eksperimentering.

Både kanonens absolutte diktat og dens absolutte forkastelse bidrager dog ikke til udviklingen af kulturen som helhed eller dens enkelte områder. Efterfølgende, som tidsperioden øges, "udjævnes" konflikten, og nye integrationsprocesser begynder; efter konflikten forløber integrationen anderledes, på en ny "spiraldrejning." For flere detaljer, se... Denne fase aktiverer søgningen i den "gamle" efter den "evige" zone, i traditionen - den invariante zone. Vi taler om "zonen", da der er mere "gammel" end ". evig”, og en vis udvælgelsesmekanisme virker her .. Det er denne zone, der går ud over omfanget af udelukkende historisk interesse og bliver, om ikke grundlaget, så et nødvendigt element i de nye systemer, der opstår.

Det er ganske rimeligt at betragte de såkaldte "evige temaer" i kunsten som en af disse zoner. "Evige temaer" involverer lag af psyken og tænkningen, som ikke har mistet relevans gennem menneskehedens historie; man kan for eksempel ikke kalde temaet for kampen mellem godt og ondt, temaet søgen efter sandhed, temaet offer, temaet kærlighed osv. for forældet. Disse spørgsmål er blevet overvejet mere end én gang fra forskellige vinkler: det er nok at minde om arven fra K.G. Jung, K. Lévi-Strauss, Y. Lotman, L. Gumilyov osv. I hvert fald observerer vi en søgen efter en tidløs invariant - i indholdet eller det strukturelle aspekt af en kunstnerisk tekst eller bevidsthed generelt. Ofte fungerer mytologiske motiver og billeder, som er elementer i netop den zone af det "evige" i det "gamle", som invarianter. Således dannes en stabil "gylden fond" af de hyppigst gentagne billeder og situationer, der passer ind i enhver historisk kontekst og eventuelle specifikke omstændigheder. Ligesom gentagelses- og intonationsbuer tjener som de vigtigste ankre for poetisk eller musikalsk form, tjener "evige temaer" sandsynligvis som "fastgørelseselementer" for den menneskelige civilisation.

På denne ejendom"Evige temaer" er grundlaget for mange nyskabelser af moderne "instruktørteater". Tvister om nødvendigheden og tilstrækkeligheden af at "modernisere" mesterværker fra to eller tre århundreder siden stopper ikke; Der er meninger om, at der på den måde "spændes" en tråd mellem epoker, der er meninger om, at moderne kunst på den måde demonstrerer sin egen magtesløshed. Begge meninger er kontroversielle, men har en ubestridelig ret til at eksistere. Men en moderne kunstner har ikke ret til at give sin æra skylden for "undersåttenes fattigdom". Gentagne billeder og situationer observeres overalt, du skal bare kunne "genkende" dem. For eksempel strækker temaet om selvopofrelse sig langt ind i århundrederne: det kunne være myten om Iphigenia, der gik med til at gå op til alteret for at sejre for sine landsmænd; måske en historie om digterinden Juana Ines de la Cruz, der behandlede mennesker, der led af pesten og døde af den; måske en historie om Alexander Matrosovs bedrift; historien om Shavarsh Karapetyan, verdensmesteren i dykning, som reddede snesevis af liv, da en trolleybus faldt fra Jerevan-dæmningen, på bekostning af hans eget handicap; måske - læs bare nyhedsstrømmen i Yandex - en historie om præstationen af Novgorod-sygeplejersken Yulia Onufrieva, som reddede flere dusin liv for egen regning. Disse er blot nogle få tilfælde ud af tusinder, der har fundet sted i historien, der udgør det store "evige tema" for selvopofrelse. Der er meninger om blasfemien ved at betragte sådanne sager som et "komplot". men ved at blive et plot, tager historien på evigt liv, og dette kan være endnu vigtigere for at bevare menneskehedens hukommelse om helte end konstruktionen af en obelisk.

Således kaldes "evige temaer" for evige, fordi de har vedvarende relevans. Samtidig udgør de et vist begrebsmæssigt og følelsesmæssigt lag, der eksisterer i menneskehedens bevidsthed som en uløselig helhed; sammen med emnets relevans mister kunstneriske tekster ikke deres relevans. En kunstnerisk tekst forstås i dette tilfælde som en lokal dannelse baseret på enhver sprogkodeks (det være sig maleri, musik, litteratur, teater osv.). legemliggør det. Dette forklarer i høj grad tilgængeligheden af kunstneriske tekster fra enhver æra for den moderne seer/lytter. I dette tilfælde kulturarv forskellige epoker viser sig ikke kun at være bevaret, men også efterspurgt, organisk vævet ind i det integrerede system af moderne kulturrum.

At forstå fonden af "evige temaer" i kunsten som en mekanisme til at bevare kulturarven forudsætter arbejde med deres systematisering, hvilket er nødvendigt, da det i øjeblikket er fraværende.

Det, der er vigtigt, er perspektivet, og ikke kun den retrospektive betydning af "evige temaer." De er ikke kun en mekanisme til at bevare kulturarven, men også til at øge kulturelle værdier og videreudvikle kulturen. "Evige temaer" i kunsten tjener som en slags "bro", der forbinder fortid, nutid og fremtid, en garanti for udødeligheden af kunstneriske billeder, menneskelig kreativitet og hele kulturen som helhed.

Tilbage Frem

Opmærksomhed! Forhåndsvisninger af dias er kun til informationsformål og repræsenterer muligvis ikke alle funktionerne i præsentationen. Hvis du er interesseret dette arbejde, download venligst den fulde version.

Mål: For at bevise, at kærlighed er skønheden i menneskelige følelser og relationer et af hovedtemaerne i forskellige typer kunst i alle tider og tidsaldre.

Opgaver:

Fortæl om musikalske mesterværker i forskellige genrer, skabt på grundlag af et litterært værk af W. Shakespeare "Romeo og Julie".
At konsolidere teoretisk viden om ouverturen og balletten ved hjælp af eksempler på musikken af P.I. Tchaikovsky og S.S. Prokofiev.

Lektionens fremskridt.

Slide nr. 1. (titel)

Lærer:

Temaet kærlighed har altid tiltrukket kunstnere. Verden kender mange litterære og poetiske historier om kærlighed, musikalske mesterværker og malerier af store kunstnere. I dag i vores klasse vil vi fremføre musikalske værker af forskellige genrer og epoker, men de er alle skabt på grundlag af en litterær skabelse af W. Shakespeare - "Romeo og Julie".

Slide nummer 2.

Shakespeare (1564-1616) sang i poesi historien om en ung mand og en pige fra Verona. Hans kreation er et internationalt anerkendt mesterværk. Takket være Shakespeare er navnene på Romeo og Julie så velkendte for alle, efter at de er blevet et symbol på ægte, ægte kærlighed.

Slide nummer 3.

Det er ikke let for kærlige hjerter til enhver tid at forsvare deres valg mod menneskelig træghed, krigsførelse og alle former for ulighed. Men kærlighed kender ingen grænser eller begrænsninger. Plottet i "Romeo og Julie" er et af eksemplerne på kærlighed, der døde under datidens forhold.

Slide nr. 4 (teksten i erklæringen udvides automatisk)

Shakespeares tragedie bragte Verona herligheden af byen Romeo og Julie. Indbyggerne i denne berømte by siger:

”Her har vi kærlighed i luften, og hvis du varmt blod"Ømt hjerte og i det mindste lidt fantasi, gå ned ad den mørkeste, smalleste gyde, og du vil helt sikkert møde to charmerende spøgelser der, som har vandret rundt i Verona i mange århundreder: Romeo og Julie!"

Slide nummer 5.

Og derfor vil Verona altid være fuld af romantikere og elskere fra hele verden, som leder efter og her finder steder, der er forbundet med den uudslettede legende om kærlighed.

Det er ikke overraskende, at sådan en smuk og trist historie blev videreført i andre kunstgenrer: symfonisk og balletmusik, opera, teater, biograf, musicals.

Slide nummer 6.

Den berømte fantasy ouverture "Romeo og Julie" af P.I. Tjajkovskij er komponistens første appel til den store engelske dramatikers kreative arv.

Lad os huske, hvad der kaldes en ouverture i musik?

Børn:

Orkesterintroduktion til opera, ballet, film. Nogle gange er det et selvstændigt værk og har en programtitel.

Slide nummer 7.

Ideen til at skabe et symfonisk værk blev foreslået af komponisten Balakirev. Plottet blev et plot for Tjajkovskij for resten af hans liv. De bedste orkestre i verden inkluderer dette værk i deres koncertprogrammer. Tjajkovskij reviderede ouverturen tre gange. Det er i den seneste udgave, at den er velkendt i dag.

Ouverturens musik er baseret på temaer, der personificerer hovedbillederne og sammenstødene i Shakespeares tragedie.

Slide nr. 8 (videofragment starter automatisk)

Fejde tema: et vanvittigt angreb af vrede og had. Korte slag af sværd vil ringe, de alarmerende, energiske lyde af en gadekamp mellem de ukuelige Montagues og Capulets, med deres splid og gensidige hævn, der gør Veronas fredelige gader til en blodig slagmark.

Slide nr. 9 (videofragment starter automatisk)

Kærlighedstema: fra den følsomme stilhed er temaet kærlighed født. Den indeholder en sådan fylde af ømhed, sådan sløvhed og lyksalighed... en vidt udbredt lys melodi. En blød, næsten lummende bevægelse, sukkende lyde af hornet, og melodien vokser, bliver mere livlig og sød.

Og efter heltenes død, efter fortvivlelsens råb, klinger temaet for kærligheden til Romeo og Julie i violinernes høje, oplyste stemme.

Slide nr. 10 (teksten i erklæringen udvides automatisk)

Temaet kærlighed blev især beundret af N.A. Rimsky-Korsakov, skrev han: "Hvor inspireret! Hvilken uforklarlig skønhed, hvilken brændende lidenskab! Dette er en af dem bedste temaer al russisk musik!

I komponistens levetid var ouverturen "Romeo og Julie" populær stor succes både publikum og kritikere. Som en af Tjajkovskijs mest berømte og elskede kompositioner blev denne ouverture opført ved Tjajkovskijs mindekoncerter efter hans alt for tidlige død.

Slide nr. 11 (videofragment starter automatisk)

I september 1935 afsluttede Sergei Prokofiev (1891-1953) sit arbejde med musikken til balletten Romeo og Julie. Dette værk er anerkendt som genialt og meget populært over hele verden.

Ballet i tre akter, tretten scener, med prolog og epilog. I rollen som Juliet - Galina Ulanova; Romeo - Konstantin Sergeev.

Lad os huske de karakteristiske træk ved balletgenren i musik.

Børn:

Ballet er en teaterforestilling, hvor karaktererne udtrykker alt gennem sang. Til balletten laves der kulisser og sys kostumer. Balletten fremføres af et symfoniorkester under ledelse af en dirigent.

Slide nr. 12 (hukommelsestekst udvides automatisk)

Juliet havde en særlig rolle i Galina Ulanovas liv. Hun huskede: "I lang tid kunne jeg ikke begynde at forberede delen af Juliet med nogen af mine elever. At sige farvel til hende er det samme som at sige farvel til en levende person. Da jeg var i Italien, blev vi taget til Verona. I Verona stod jeg foran Julies balkon, ved monumentet over krypten. Og her, ved Julies krypt, følte jeg, at jeg aldrig ville danse igen, det var meget trist. Det var, som om jeg havde været igennem noget... Det var aften, da jeg ringede til Katya Maximova: i morgen begynder vi at øve Juliet.”

Slide nr. 13 (videofragment starter automatisk)

Billedet af Shakespeares heltinde er måske den lyseste og mest gennemtrængende farve i ballerina Ulanovas kreative palet. I St. Petersborg, på Alley of Heroes of Victory Park, blev der installeret en bronzebuste, der forestiller kunstneren i den berømte rolle.

Slide nummer 14.

Senere optrådte mange berømte balletdansere i denne produktion: Raisa Struchkova, Marina Kondratyeva, Maya Plisetskaya, Natalia Bessmertnova, Ekaterina Maksimova, Valentina Kozlova. Der er to berømte filmversioner af Prokofievs ballet. Musikken i Prokofievs ballet formidler de mest subtile psykologiske bevægelser menneskelig sjæl, rigdommen af Shakespeares tankegang, lidenskab og drama. Prokofiev formåede at genskabe Shakespeares karakterer i balletten i deres mangfoldighed og fuldstændighed, dybe poesi og vitalitet.

Slide nr. 15 (videofragment starter automatisk)

Julies humor og fortræd er pigerne og sygeplejerskens enkelhed.

Slide nr. 16 (videofragment starter automatisk)

Pater Lorenzos visdom.

Slide nr. 17 (videofragment starter automatisk)

Den festlige og sprudlende farve på italienske gader.

Slide nr. 18 (videofragment starter automatisk)

Poesi af kærlighed til Romeo og Julie.

Slide nr. 19 (videofragment starter automatisk)

Og også dramaet i dødsscenerne - alt dette er legemliggjort af Prokofiev med dygtighed og enorm udtrykskraft. At henvende sig til Shakespeare var et modigt skridt for sovjetisk koreografi, da man efter alt at dømme mente, at legemliggørelsen af så komplekse filosofiske og dramatiske temaer var umulig gennem balletten. Prokofiev, der viste innovation, beviste det modsatte.

Slide nummer 20.

Det ville være mærkeligt, hvis den berømte Shakespeare-historie ikke blev afspejlet i i masseform kunst - biograf. Der er flere filmversioner af Romeo og Julie. Men den måske mest populære film "Romeo og Julie" er filmen af den italienske instruktør Franco Zeffirelli, udgivet i 1968. Hovedrollerne blev spillet af meget unge skuespillere - Olivia Hussey og Leonard Whiting. Filmen af Franco Zeffirelli byder på smuk musik af komponisten Nino Rota, som er mest berømt inden for filmmusikken for sin uforlignelige kreativitet. En af konservatorierne i Italien er navngivet til hans ære. Han samarbejdede med mange instruktører. I 1974 modtog Rota en Oscar for bedste musik til filmen "The Godfather" og skrev musik til alle Federico Fellinis film.

Slide nr. 21 (videofragmenter af filmen starter automatisk)

Det mest berømte motiv i filmen "Romeo og Julie" var temaet kærlighed - det varierer gennem hele filmen og ledsager alle hovedscenerne i Romeo og Julie. Harmonisk sammenflettet med filmfortællingen fungerer musikken som fortæller. Denne musik er anerkendt som klassisk og er endda blevet en slags musical visitkort Romeo og Julie. I det år, filmen blev udgivet, indtog sangen "What is a Youth" førstepladsen i popularitet og fortrængte selv Beatles-hits. Arrangementer af denne sang er kommet ind i repertoiret for mange sangere og orkestre. Seneste udgave præsenterer Nino Rotas musik fremført af Prags Filharmoniske Orkester.

Jeg vil afslutte min historie med ord fra sangen:

Den ubekymrede stamme af første kærlighed!
I et gammelt teaterstykke, hvor der er gift og en dolk
En uoprettelig handling udføres.
Gud, frels mig og beskyt mig mod katastrofer
Kærlighedens trofaste slaver.

Antallet af stilarter og trends er enormt, hvis ikke uendeligt. Nøgletræk, hvorved værker kan grupperes i stilarter, er de fælles principper for kunstnerisk tænkning. Udskiftningen af en metode til kunstnerisk tænkning med en anden (veksling af typer af kompositioner, metoder til rumlig konstruktion, farvetræk) er ikke tilfældig. Vores opfattelse af kunst har også historisk ændret sig.
Ved at opbygge et system af stilarter i en hierarkisk orden, vil vi holde os til den eurocentriske tradition. Det vigtigste begreb i kunsthistorien er begrebet æra. Hver æra er karakteriseret ved et bestemt "verdensbillede", som består af filosofiske, religiøse, politiske ideer, videnskabelige ideer, psykologiske egenskaber verdenssyn, etiske og moralske standarder, æstetiske livskriterier, hvorved en æra adskilles fra en anden. Det er den primitive æra, æraen Oldtidens verden, antikken, middelalder, renæssance, moderne tid.
Stilarter i kunsten har ikke klare grænser, de forvandler sig jævnt til hinanden og er i kontinuerlig udvikling, blanding og modsætning. Inden for rammerne af én historisk kunstnerisk stil fødes der altid en ny, og den går igen over i den næste. Mange styles sameksisterer på samme tid, og derfor er der slet ingen "rene styles".
På samme tid historisk æra Flere stilarter kan eksistere side om side. For eksempel klassicisme, akademiskisme og barok i 1600-tallet, rokoko og nyklassicisme i 1700-tallet, romantik og akademiskhed i 1800-tallet. Stilarter som klassicisme og barok kaldes store stilarter, fordi de gælder for alle typer kunst: arkitektur, maleri, dekorativ og brugskunst, litteratur, musik.
Det er nødvendigt at skelne mellem: kunstneriske stilarter, retninger, tendenser, skoler og funktioner i individuelle mesters individuelle stilarter. Inden for en stilart kan der være flere kunstneriske bevægelser. En kunstnerisk retning består både af typiske karakteristika for en given æra og unikke metoder til kunstnerisk tænkning. Art Nouveau-stil omfatter for eksempel en række tendenser fra århundredeskiftet: postimpressionisme, symbolisme, fauvisme mv. På den anden side er begrebet symbolisme som kunstnerisk bevægelse veludviklet i litteraturen, mens det i maleriet er meget vagt og forener kunstnere, der stilmæssigt er så forskellige, at de ofte kun tolkes som et verdensbillede, der forener dem.

Nedenfor vil der blive givet definitioner af epoker, stilarter og tendenser, der på den ene eller anden måde afspejles i moderne kunst og dekorativ kunst.

	- en kunstnerisk stil, der udviklede sig i landene i Vest- og Centraleuropa i det 12.-15. århundrede. Det var resultatet af den århundreder lange udvikling af middelalderkunst, dens højeste scene og samtidig den første paneuropæiske, internationale kunstneriske stil i historien. Han dækkede alle typer kunst - arkitektur, skulptur, maleri, farvet glas, bogdesign, kunst og håndværk. Grundlaget for den gotiske stil var arkitektur, som er kendetegnet ved spidse buer rettet opad, flerfarvede glasmosaikvinduer og visuel dematerialisering af formen. Elementer af gotisk kunst kan ofte findes i moderne indretning, især i vægmalerier, og sjældnere i staffeli malerier. Siden slutningen af forrige århundrede har der været en gotisk subkultur, tydeligt manifesteret i musik, poesi og tøjdesign.
	(Renæssance) - (fransk renæssance, italiensk Rinascimento) En æra i den kulturelle og ideologiske udvikling af en række lande i Vest- og Centraleuropa, samt nogle lande Østeuropa. De vigtigste karakteristiske træk ved renæssancekulturen: sekulær karakter, humanistisk verdenssyn, appel til den gamle kulturarv, en slags "genoplivning" af den (deraf navnet). Renæssancens kultur har særlige træk fra overgangstiden fra middelalderen til moderne tid, hvor det gamle og det nye, flettede sammen, danner en unik, kvalitativt ny legering. Et vanskeligt spørgsmål handler om renæssancens kronologiske grænser (i Italien - 14-16 århundreder, i andre lande - 15-16 århundreder), dens territoriale fordeling og nationale karakteristika. Elementer af denne stil i moderne kunst bruges ofte i vægmalerier, sjældnere i staffeli maleri.
	- (fra italiensk maniera - teknik, måde) en bevægelse i europæisk kunst fra det 16. århundrede. Repræsentanter for manerisme bevægede sig væk fra renæssancens harmoniske opfattelse af verden, det humanistiske begreb om mennesket som en perfekt skabelse af naturen. En skarp opfattelse af livet blev kombineret med et programmatisk ønske om ikke at følge naturen, men at udtrykke den subjektive "indre idé" om et kunstnerisk billede født i kunstnerens sjæl. Det viste sig tydeligst i Italien. For italiensk manerisme fra 1520'erne. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) er karakteriseret ved dramatisk skarphed af billeder, tragisk verdensbillede, kompleksitet og overdrevne udtryk for positurer og bevægelsesmotiver, aflange proportioner af figurer, koloristiske og lys- og skygge-dissonanser. I på det seneste begyndte at blive brugt af kunsthistorikere til at henvise til fænomener i moderne kunst forbundet med transformationen af historiske stilarter.
	- en historisk kunstnerisk stil, der blev udbredt i begyndelsen i Italien i midten. XVI-XVII århundreder, og derefter i Frankrig, Spanien, Flandern og Tyskland i XVII-XVIII århundreder. Mere bredt bruges dette udtryk til at definere de stadigt fornyende tendenser til en rastløs, romantisk holdning, der tænker i ekspressive, dynamiske former. Endelig, i hver tid, i næsten enhver historisk kunstnerisk stil, kan man finde sin egen "barokperiode" som et stadie af det højeste kreative opsving, spænding af følelser, eksplosivitet af former.
	- kunstnerisk stil i vesteuropæisk kunst fra det 17. - tidlige år. XIX århundrede og ind russisk XVIII- begyndelse XIX, som henvendte sig til den antikke arv som et ideal at følge. Det manifesterede sig i arkitektur, skulptur, maleri, dekorativ og brugskunst. Klassiske kunstnere betragtede antikken som den højeste præstation og gjorde den til deres standard inden for kunst, som de søgte at efterligne. Med tiden udartede det til akademiskisme.
	- en retning i europæisk og russisk kunst fra 1820-1830'erne, som erstattede klassicismen. Romantikerne fremhævede individualitet og kontrasterede klassicisternes ideelle skønhed med en "uperfekt" virkelighed. Kunstnere blev tiltrukket af lyse, sjældne, ekstraordinære fænomener såvel som billeder af en fantastisk natur. I romantikkens kunst spiller akut individuel opfattelse og erfaring en vigtig rolle. Romantikken frigjorde kunsten fra abstrakte klassicistiske dogmer og vendte den mod national historie og billeder af folklore.
	- (fra latin sentiment - følelse) - en retning i vestlig kunst i anden halvdel af det 18. århundrede, der udtrykker skuffelse over "civilisation" baseret på idealerne om "fornuft" (oplysningstidens ideologi). S. forkynder følelsen, den ensomme refleksion og enkelheden i den "lille mands" landlige liv. J. J. Rousseau betragtes som ideologen af S.
	- en retning i kunsten, der stræber efter med største sandhed og pålidelighed at skildre både den ydre form og essensen af fænomener og ting. Hvordan en kreativ metode kombinerer individuelle og typiske træk, når man skaber et billede. Den længste retning i tilværelsen, udviklet fra den primitive æra til i dag.
	- retning i europæisk kunstnerisk kultur i slutningen af det 19. og begyndelsen af det 20. århundrede. Symbolismen, der opstod som en reaktion på dominansen af normerne for borgerlig "sund fornuft" på den humanitære sfære (i filosofi, æstetik - positivisme, i kunst - naturalisme), tog først og fremmest form i fransk litteratur i slutningen af 1860-70'erne og senere blev udbredt i Belgien og Tyskland, Østrig, Norge, Rusland. Symbolismens æstetiske principper gik i høj grad tilbage til romantikkens ideer, såvel som til nogle doktriner i A. Schopenhauers idealistiske filosofi, E. Hartmann, dels F. Nietzsche, til den tyske komponist R. Wagners kreativitet og teoretisering. . Symbolismen kontrasterede levende virkelighed med en verden af visioner og drømme. Et symbol genereret af poetisk indsigt og udtrykker det overjordiske, skjult for almindelig bevidsthed betydningen af fænomener. Den skabende kunstner blev set som en mægler mellem det virkelige og det oversanselige, hvor han overalt fandt "tegn" på verdensharmoni, profetisk gættede tegn på fremtiden både i moderne fænomener og i fortidens begivenheder.
	- (fra det franske indtryk - indtryk) en retning i kunsten fra den sidste tredjedel af det 19. - begyndelsen af det 20. århundrede, som opstod i Frankrig. Navnet blev introduceret af kunstkritikeren L. Leroy, der nedgjorde udstillingen af kunstnere i 1874, hvor blandt andet maleriet "Sunrise" af C. Monet blev præsenteret. Indtryk". Impressionisme fremmede skønhed virkelige verden, der understreger friskheden af det første indtryk og miljøets variation. Den overvejende opmærksomhed på at løse rent billedmæssige problemer reducerede den traditionelle idé om tegning som hovedkomponenten i et kunstværk. Impressionismen havde en stærk indflydelse på kunsten i europæiske lande og USA og vakte interesse for emner fra det virkelige liv. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley osv.)
	- en bevægelse i maleriet (synonym med divisionisme), som udviklede sig inden for rammerne af neo-impressionismen. Neo-impressionismen opstod i Frankrig i 1885 og spredte sig også til Belgien og Italien. Neo-impressionister forsøgte at anvende i kunsten seneste præstationer inden for optik, hvorefter maleri lavet med separate prikker af primærfarver i visuel perception giver en sammensmeltning af farver og hele maleriets farveskala. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Post-impressionisme- et betinget samlenavn for hovedretningerne i fransk maleri i XIX - 1. kvartal. XX århundrede Post-impressionismens kunst opstod som en reaktion på impressionismen, der fokuserede på overførsel af øjeblikket, på følelsen af maleriskhed og mistet interesse for genstandes form. Blandt post-impressionisterne er P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh og andre.
	- stil i europæisk og amerikansk kunst ved overgangen til det 19.-20. århundrede. Modernismen nyfortolkede og stiliserede træk ved kunst fra forskellige tidsaldre og udviklede sine egne kunstneriske teknikker baseret på principperne om asymmetri, ornamentalitet og dekorativitet. Naturlige former bliver også genstand for modernitetsstilisering. Dette forklarer ikke kun interessen for blomsterornamenter i modernistiske værker, men også deres meget kompositoriske og plastiske struktur - overfloden af krumlinjede konturer, svævende nerver, nye konturer, der minder om planteformer. Tæt forbundet med moderniteten er symbolismen, der tjente som det æstetiske og filosofiske grundlag for moderniteten, idet den stolede på moderniteten som en plastisk realisering af dens ideer. Art Nouveau havde i forskellige lande forskellige navne, som i det væsentlige er synonyme: Art Nouveau - i Frankrig, Secession - i Østrig, Art Nouveau - i Tyskland, Liberty - i Italien.
	- (fra fransk moderne - moderne) almindeligt navn en række kunstbevægelser fra første halvdel af det 20. århundrede, som er præget af fornægtelse af fortidens traditionelle former og æstetik. Modernismen er tæt på avantgardeismen og i modsætning til akademiismen.
	- et navn, der forener en række kunstneriske bevægelser, der var almindelige i 1905-1930'erne. (Fauvisme, kubisme, futurisme, ekspressionisme, dadaisme, surrealisme). Alle disse retninger er forenet af ønsket om at forny kunstens sprog, gentænke dets opgaver og opnå kunstnerisk ytringsfrihed.
	- retning i kunsten fra XIX - AD. XX århundrede, baseret på kreative lektioner Den franske kunstner Paul Cezanne, som reducerede alle former i billedet til de simpleste geometriske former, og farve - til kontrasterende konstruktioner af varme og kolde toner. Cezanne fungerede som et af udgangspunkterne for kubismen. Cézanneismen påvirkede i vid udstrækning også den hjemlige realistiske malerskole.
	- (fra fauve - vild) avantgardebevægelse i fransk kunst AD. XX århundrede Navnet "vild" blev givet af moderne kritikere til en gruppe kunstnere, der optrådte i 1905 på Paris Salon of Independents, og var ironisk. Gruppen omfattede A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen og andre. Fauvisterne blev bragt sammen af deres tiltrækning til lakonisk udtryksfuldhed af former og intense koloristiske løsninger, søgen efter impulser i primitiv kreativitet, middelalderens og østens kunst.
	- bevidst forenkling billedkunst, efterligning af de primitive stadier af kunstens udvikling. Dette udtryk refererer til den såkaldte. naiv kunst af kunstnere, der ikke modtog specialundervisning, men var involveret i den generelle kunstneriske proces sent XIX - tidligt. XX århundrede. Disse kunstneres værker - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov og andre - er karakteriseret ved en ejendommelig barnlighed i fortolkningen af naturen, en kombination af en generaliseret form og smålig bogstavelighed i detaljer. Formens primitivisme forudbestemmer slet ikke indholdets primitivitet. Det tjener ofte som en kilde for fagfolk, der låner former, billeder og metoder fra folkemusik, i det væsentlige primitiv kunst. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse hentede inspiration fra primitivismen.
	- en retning i kunsten, der udviklede sig på baggrund af at følge antikkens og renæssancens kanoner. Det var almindeligt i mange europæiske kunstskoler fra det 16. til det 19. århundrede. Akademiismen forvandlede klassiske traditioner til et system af "evige" regler og forskrifter, der lænkede kreative søgninger og forsøgte at kontrastere ufuldkommen levende natur med "høj" forbedrede, ikke-nationale og tidløse former for skønhed bragt til perfektion. Akademiismen er kendetegnet ved en præference for emner fra gammel mytologi, bibelske eller historiske temaer frem for emner fra kunstnerens nutidige liv.
	- (fransk kubisme, fra terning - terning) retning i kunsten i første fjerdedel af det 20. århundrede. Kubismens plastiske sprog var baseret på deformation og nedbrydning af objekter til geometriske planer, et plastisk formskifte. Kubismens fødsel fandt sted i 1907-1908 - tærsklen til Første Verdenskrig. Den ubestridte leder af denne tendens var digteren og publicisten G. Apollinaire. Denne bevægelse var en af de første til at legemliggøre de førende tendenser i den videre udvikling af kunst i det tyvende århundrede. En af disse tendenser var konceptets dominans over maleriets kunstneriske værdi. J. Braque og P. Picasso betragtes som kubismens fædre. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris og andre sluttede sig til den nye bevægelse.
	- en bevægelse inden for litteratur, maleri og film, der opstod i 1924 i Frankrig. Det bidrog væsentligt til dannelsen af det moderne menneskes bevidsthed. Bevægelsens hovedpersoner er Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro og mange andre kunstnere fra hele verden. Surrealismen udtrykte ideen om eksistens hinsides det virkelige, det ubevidste, drømme og dagdrømme spiller en særlig vigtig rolle her. En af den surrealistiske kunstners karakteristiske metoder er tilbagetrækningen fra bevidst kreativitet, hvilket gør den til et værktøj, på forskellige måder at udtrække bizarre billeder af underbevidstheden, beslægtet med hallucinationer. Surrealismen har overlevet adskillige kriser, overlevet den anden verdenskrig og gradvist, fusioneret med massekulturen, krydsende med trans-avantgarden, trådte den ind i postmodernismen som en integreret del.
	- (fra lat. futurum - fremtidig) litterær og kunstnerisk bevægelse i 1910'ernes kunst. Futurismen tildelte sig selv rollen som en prototype af fremtidens kunst, og fremsatte som hovedprogram ideen om at ødelægge kulturelle stereotyper og tilbød i stedet en undskyldning for teknologi og lavhed som de vigtigste tegn på nutiden og fremtiden . En vigtig kunstnerisk idé om futurisme var søgen efter et plastisk udtryk for bevægelseshastigheden som hovedtegnet på tempoet i det moderne liv. Den russiske version af futurisme blev kaldt cubofuturisme og var baseret på en kombination af den franske kubismes plastiske principper og europæiske generelle æstetiske installationer af futurisme.