Leader del movimento estetico. William Morris e il movimento Arts and Crafts: un "rinascimento" per le arti e i mestieri

Il preraffaellismo (inglese: preraffaellismo) è un movimento della poesia e della pittura inglese della seconda metà del XIX secolo, formatosi all'inizio degli anni '50 con l'obiettivo di combattere contro le convenzioni dell'era vittoriana, le tradizioni accademiche e l'imitazione cieca dei modelli classici.
Il nome “Preraffaelliti” avrebbe dovuto denotare un rapporto spirituale con gli artisti fiorentini del primo Rinascimento, cioè gli artisti “prima di Raffaello” e Michelangelo: Perugino, Beato Angelico, Giovanni Bellini.
I membri più importanti del movimento preraffaellita furono il poeta e pittore Dante Gabriel Rossetti, i pittori William Holman Hunt, John Everett Millais, Madox Brown, Edward Burne-Jones, William Morris, Arthur Hughes, Walter Crane e John William Waterhouse. .

Confraternita dei Preraffaelliti

La prima tappa nello sviluppo del Preraffaellismo fu l'emergere della cosiddetta “Fratellanza dei Preraffaelliti”, che inizialmente era composta da sette “fratelli”: J. E. Millais, Holman Hunt (1827-1910), Dante Gabriel Rossetti, il suo il fratello minore Michael Rossetti, Thomas Woolner e i pittori Stevens e James Collinson.
La storia della Confraternita inizia nel 1848, quando gli studenti dell'Accademia Holman Hunt e Dante Gabriel Rossetti, che in precedenza avevano visto e ammirato il lavoro di Hunt, si incontrarono in una mostra alla Royal Academy of Arts. Hunt aiuta Rossetti a finire il dipinto "La giovinezza della Vergine Maria"(Inglese: Girlhood of Mary Virgin, 1848-49), che fu esposto nel 1849, e presenta anche Rossetti a John Everett Millais, un giovane genio entrato all'Accademia all'età di 11 anni.

Non solo divennero amici, ma scoprirono di condividere le reciproche opinioni sull'arte moderna: in particolare, credevano che la pittura moderna inglese fosse giunta a un vicolo cieco e stesse morendo, e nel miglior modo possibile a farla rivivere sarà un ritorno alla sincerità e alla semplicità della prima arte italiana (cioè all'arte prima di Raffaello, che i preraffaelliti consideravano il fondatore dell'accademismo).
Nacque così l'idea di creare una società segreta chiamata Confraternita dei Preraffaelliti, una società in opposizione ai movimenti artistici ufficiali. Al gruppo furono invitati fin dall'inizio anche James Collinson (studente dell'Accademia e fidanzato di Christina Rossetti), lo scultore e poeta Thomas Woolner, il giovane artista diciannovenne e poi critico Frederick Stephens e fratello minore Rossetti William Michael Rossetti, che, seguendo le orme del fratello maggiore, entrò alla scuola d'arte, ma non mostrò una particolare vocazione per l'arte e, alla fine, divenne un famoso critico d'arte e scrittore. Madox Brown era vicino ai Nazareni tedeschi, quindi, condividendo le idee della Fratellanza, rifiutò di unirsi al gruppo.
Nel dipinto di Rossetti “La giovinezza della Vergine Maria” compaiono per la prima volta le tre lettere convenzionali P. R. B. (Fratellanza dei Preraffaelliti), le stesse iniziali contrassegnate “Isabella” da Milles e “Rienzi” da Hunt; I membri della Confraternita crearono anche una propria rivista, chiamata Rostock, sebbene esistesse solo da gennaio ad aprile 1850. Il suo editore era William Michael Rossetti (fratello di Dante Gabriel Rossetti).

Preraffaelliti e accademismo

Prima dell'avvento della Confraternita dei Preraffaelliti, lo sviluppo dell'arte britannica era determinato principalmente dalle attività della Royal Academy of Arts. Come ogni altra istituzione ufficiale, era molto gelosa e cauta nei confronti delle innovazioni, [preservando le tradizioni dell'accademismo. Hunt, Millais e Rossetti hanno dichiarato sulla rivista Rostock di non voler ritrarre le persone e la natura come astrattamente belle, e gli eventi come lontani dalla realtà, e, infine, erano stanchi della convenzione di mitologici, storici ufficiali, "esemplari" e opere religiose.
I preraffaelliti abbandonarono i principi accademici del lavoro e credevano che tutto dovesse essere dipinto dal vero. Hanno scelto amici o parenti come modelli. Ad esempio, nel dipinto “La giovinezza della Vergine Maria”, Rossetti ha raffigurato sua madre e sua sorella Christina, e guardando la tela “Isabella”, i contemporanei hanno riconosciuto gli amici e i conoscenti di Milles della Confraternita. Durante la creazione del dipinto "Ofelia", costrinse Elizabeth Siddal a giacere in una vasca piena per diverse ore. Era inverno, quindi Siddal prese un grave raffreddore e in seguito inviò a Millais una fattura medica di 50 sterline. Inoltre, i preraffaelliti cambiarono il rapporto tra artista e modello: divennero partner alla pari. Se gli eroi dei dipinti di Reynolds sono quasi sempre vestiti secondo il loro status sociale, allora Rossetti potrebbe dipingere una regina da una commessa, una dea dalla figlia di uno sposo. La prostituta Fanny Cornforth ha posato per lui per il dipinto Lady Lilith.
I membri della Confraternita furono fin dall'inizio irritati dall'influenza sull'arte moderna di artisti come Sir Joshua Reynolds, David Wilkie e Benjamin Haydon. Hanno persino soprannominato Sir Joshua (presidente dell'Accademia delle arti) "Sir Sloshua" (dall'inglese slosh - "schiaffo nel fango") per la sua tecnica pittorica sciatta e il suo stile, come credevano, completamente preso in prestito dal manierismo accademico. La situazione era aggravata dal fatto che a quel tempo gli artisti usavano spesso il bitume e questo rende l'immagine torbida e scura. Al contrario, i preraffaelliti volevano tornare ai dettagli elevati e ai colori profondi dei pittori del Quattrocento. Abbandonarono la pittura “di gabinetto” e iniziarono a dipingere nella natura, apportando anche modifiche alla tecnica pittorica tradizionale. I preraffaelliti delineavano una composizione su una tela preparata, applicavano uno strato di calce e rimuovevano l'olio da esso con carta assorbente, quindi scrivevano sopra la calce con colori traslucidi. La tecnica scelta ha permesso loro di ottenere toni luminosi e freschi e si è rivelata così durevole che le loro opere sono state conservate nella loro forma originale fino ai giorni nostri.

Affrontare le critiche

All'inizio, il lavoro dei preraffaelliti fu accolto piuttosto calorosamente, ma presto caddero critiche severe e ridicoli. Il dipinto eccessivamente naturalistico di Millais "Cristo nella casa dei genitori", esposto nel 1850, provocò una tale ondata di indignazione che la regina Vittoria chiese di essere portata a Buckingham Palace per un'ispezione indipendente.
Il dipinto di Rossetti suscitò attacchi anche da parte dell'opinione pubblica. "Annunciazione", realizzato con deviazioni dal canone cristiano.

In una mostra alla Royal Academy nel 1850, Rossetti, Hunt e Millais non riuscirono a vendere un solo dipinto. In una recensione pubblicata sul settimanale Athenaeum, il critico Frank Stone ha scritto:
“Ignorando tutte le grandi cose create dagli antichi maestri, questa scuola, alla quale Rossetti appartiene, arranca con passi incerti verso i suoi primi predecessori. Questa è archeologia, privata di ogni utilità e trasformata in dottrinaria. Le persone appartenenti a questa scuola affermano di seguire la verità e la semplicità della natura. In effetti, imitano pedissequamente l’inettitudine artistica”.
I principi della Confraternita furono criticati da molti pittori rispettati: il presidente dell'Accademia delle arti, Charles Eastlake, e il gruppo di artisti "Clique", guidato da Richard Dadd. Di conseguenza, James Collinson rinunciò addirittura alla Confraternita e il suo fidanzamento con Christina Rossetti fu interrotto. Il suo posto fu successivamente preso dal pittore Walter Deverell.
La situazione è stata in una certa misura salvata da John Ruskin, un influente storico dell'arte e critico d'arte in Inghilterra. Nonostante nel 1850 avesse solo trentadue anni, era già autore di opere d'arte ampiamente conosciute. In diversi articoli pubblicati sul Times, Ruskin ha dato alle opere dei preraffaelliti una valutazione lusinghiera, sottolineando di non conoscere personalmente nessuno della Confraternita. Proclamò che il loro lavoro avrebbe potuto "costituire la base di una scuola d'arte più grande di qualsiasi cosa il mondo avesse conosciuto negli ultimi 300 anni". Inoltre, Ruskin acquistò molti dei dipinti di Gabriel Rossetti, che lo sostenne finanziariamente, e prese Millais sotto il suo ala, nel quale ho subito visto un talento eccezionale.

John Ruskin e la sua influenza

Il critico inglese John Ruskin ha messo in ordine le idee dei preraffaelliti riguardo all'arte, formalizzandole in un sistema logico. Tra le sue opere, le più famose sono “Fiction: Fair and Foul”, “The Art of England”, “Modern Painters”. È anche autore dell'articolo “Preraffaellismo”, pubblicato nel 1851.
“Gli artisti di oggi”, ha scritto Ruskin in “Modern Artists”, “rappresentano [la natura] in modo troppo superficiale o troppo abbellito; non cercano di penetrare nella [sua] essenza”. Come ideale, Ruskin proponeva l'arte medievale, maestri del primo Rinascimento come Perugino, Beato Angelico, Giovanni Bellini, e incoraggiava gli artisti a "dipingere con con cuore puro, senza concentrarsi su nulla, senza scegliere nulla e senza trascurare nulla”. Allo stesso modo, Madox Brown, che influenzò i preraffaelliti, scrisse del suo dipinto The Last of England (1855): "Ho cercato di dimenticare tutti i movimenti artistici esistenti e di riflettere questa scena come avrebbe dovuto essere". . Madox Brown ha dipinto appositamente questo quadro sulla costa per ottenere l'effetto di "illuminazione da tutti i lati" che si verifica in mare in giornate nuvolose. La tecnica pittorica preraffaellita prevedeva l'elaborazione di ogni dettaglio.
Ruskin proclamò anche il “principio di fedeltà alla Natura”: “Non è forse perché amiamo le nostre creazioni più delle Sue, che apprezziamo il vetro colorato piuttosto che le nuvole luminose... E, costruendo fonti battesimali ed erigendo colonne in suo onore... immaginiamo che saremo perdonati per la nostra vergognosa negligenza nei confronti delle colline e dei ruscelli di cui Egli ha dotato la nostra dimora: la terra." Pertanto, l'arte avrebbe dovuto contribuire alla rinascita della spiritualità nell'uomo, della purezza morale e della religiosità, che divenne anche l'obiettivo dei preraffaelliti.
Ruskin ha una chiara definizione degli obiettivi artistici del preraffaellismo:
È facile controllare il pennello e dipingere erbe e piante con sufficiente fedeltà alla vista; Chiunque può raggiungere questo obiettivo dopo diversi anni di lavoro. Ma rappresentare tra le erbe e le piante i segreti della creazione e le combinazioni con cui la natura parla alla nostra comprensione, trasmettere la dolce curva e l'ombra ondulata della terra sciolta, trovare in tutto ciò che sembra il più piccolo, una manifestazione dell'eterno divino nuova creazione di bellezza e grandezza, mostrarla a chi non pensa e non vede: questo è l'impegno dell'artista.
Le idee di Ruskin toccarono profondamente i preraffaelliti, in particolare William Holman Hunt, che contagiò Millais e Rossetti con il suo entusiasmo. Nel 1847, Hunt scrisse di Ruskin's Modern Artists: "Sentivo, come nessun altro lettore, che il libro fosse stato scritto appositamente per me". Nel definire il suo approccio al lavoro, Hunt ha anche osservato che per lui era importante partire dal soggetto, “non solo perché la completezza del soggetto esercita un fascino, ma per comprendere i principi del design che esistono in Natura."

Decadimento

Dopo che il Preraffaellismo ricevette l'appoggio di Ruskin, i Preraffaelliti furono riconosciuti e amati, fu loro concesso il diritto di "cittadinanza" nell'arte, divennero di moda e ricevettero un'accoglienza più favorevole alle mostre della Royal Academy, e ebbe successo all'Esposizione Mondiale del 1855 a Parigi.
Oltre al già citato Madox Brown, anche Arthur Hughes (meglio conosciuto per il dipinto “April Love”, 1855-1856), Henry Wallis, Robert Braithwaite Martineau, William Windus si interessarono allo stile preraffaellita) e altri.
Tuttavia, la Confraternita si disintegra. A parte un giovane spirito romantico rivoluzionario e un fascino per il Medioevo, poco univa queste persone, e dei primi preraffaelliti solo Holman Hunt rimase fedele alla dottrina della Confraternita. Quando Millais divenne membro della Royal Academy of Arts nel 1853, Rossetti dichiarò questo evento la fine della Confraternita. «La tavola rotonda è ormai sciolta», conclude Rossetti. A poco a poco anche i restanti membri se ne vanno. Holman Hunt, ad esempio, andò in Medio Oriente, lo stesso Rossetti, invece di paesaggi o temi religiosi, si interessò alla letteratura e creò molte opere su Shakespeare e Dante.
I tentativi di far rivivere la Confraternita come Hogarth Club, che esisteva dal 1858 al 1861, fallirono.

Ulteriore sviluppo del preraffaellismo

Nel 1856 Rossetti incontrò William Morris e Edward Burne-Jones. Burne-Jones era entusiasta del dipinto di Rossetti "Primo anniversario della morte di Beatrice"(Inglese: Il primo anniversario della morte di Beatrice), e successivamente lui e Morris chiesero di diventare suoi studenti.

Burne-Jones trascorreva intere giornate nello studio di Rossetti e Morris si univa nei fine settimana. Inizia così una nuova fase nello sviluppo del movimento preraffaellita, la cui idea principale è l'estetismo, la stilizzazione delle forme, l'erotismo, il culto della bellezza e del genio artistico. Tutte queste caratteristiche sono inerenti all'opera di Rossetti, che inizialmente era il leader del movimento. Come scrisse in seguito l’artista Val Princep, Rossetti “era il pianeta attorno al quale ruotavamo. Abbiamo persino copiato il suo modo di parlare”. Tuttavia, la salute di Rossetti (compresa la salute mentale) sta peggiorando e Edward Burne-Jones, le cui opere sono realizzate nello stile dei primi preraffaelliti, assume gradualmente la leadership. Divenne estremamente popolare e ebbe una grande influenza su pittori come William Waterhouse, Byam Shaw, Cadogan Cooper, e la sua influenza è evidente anche nelle opere di Aubrey Beardsley e altri illustratori degli anni Novanta dell'Ottocento. Nel 1889, all'Esposizione Mondiale di Parigi, ricevette l'Ordine della Legion d'Onore per il dipinto "Il re Cofetua e la mendicante".
Tra gli ultimi preraffaelliti si possono evidenziare anche pittori come Simeon Solomon ed Evelyn de Morgan, nonché gli illustratori Henry Ford ed Evelyn Paul.

"Arti e mestieri"

Il preraffaellismo in questo momento penetrava in tutti gli aspetti della vita: mobili, arti decorative, architettura, decorazione d'interni, design di libri, illustrazioni.
William Morris è considerato una delle figure più influenti nella storia delle arti decorative del XIX secolo. Ha fondato il "Movimento Arti e Mestieri" - "Arti e Mestieri"), la cui idea principale era il ritorno all'artigianato manuale come ideale dell'arte applicata, nonché l'elevazione al rango di arti a pieno titolo di stampa, fonderia e incisione. Questo movimento, ripreso da Walter Crane, Mackintosh, Nelson Dawson, Edwin Lutyens, Wright e altri, si manifestò successivamente nell’architettura inglese e americana, nell’interior design e nella progettazione del paesaggio.

Poesia

La maggior parte dei preraffaelliti era impegnata nella poesia, ma, secondo molti critici, ha valore proprio periodo tardivo sviluppo del preraffaellismo. Dante Gabriel Rossetti, sua sorella Christina Rossetti, George Meredith, William Morris e Algernon Swinburne hanno lasciato un segno significativo nella letteratura inglese, ma il contributo maggiore è stato dato da Rossetti, affascinato dalle poesie del Rinascimento italiano e soprattutto dalle opere di Dante. Il principale risultato lirico di Rossetti è considerato il ciclo di sonetti "La casa della vita". Christina Rossetti era anche una famosa poetessa. Anche l'amata di Rossetti, Elizabeth Siddal, studiò poesia, le cui opere rimasero inedite durante la sua vita. William Morris non era solo un maestro riconosciuto del vetro colorato, ma era anche attivo nell'attività letteraria, inclusa la scrittura di molte poesie. La sua prima raccolta, La difesa di Ginevra e altre poesie, fu pubblicata nel 1858, quando l'autore aveva 24 anni.
Sotto l'influenza della poesia preraffaellita, negli anni '80 si sviluppò la decadenza britannica: Ernst Dawson, Lionel Johnson, Michael Field, Oscar Wilde. Un desiderio romantico per il Medioevo si rifletteva nei primi lavori di Yeats.
Il famoso poeta Algernon Swinburne, famoso per i suoi audaci esperimenti di versificazione, fu anche drammaturgo e critico letterario. Swinburne dedicò il suo primo dramma, La regina madre e Rosamond, scritto nel 1860, a Rossetti, al quale era associato rapporti amichevoli. Tuttavia, sebbene Swinburne abbia dichiarato il suo impegno nei confronti dei principi del preraffaellismo, va certamente oltre questa direzione.

Attività editoriali

Nel 1890, William Morris fondò la Kelmscott Press, dove pubblicò diversi libri con Burne-Jones. Questo periodo è chiamato il culmine della vita di William Morris. Basandosi sulle tradizioni degli scribi medievali, Morris, così come l'artista grafico inglese William Blake, cercarono di trovare uno stile unificato per il design della pagina del libro, del frontespizio e della rilegatura. La migliore edizione di Morris è stata The Canterbury Tales di Geoffrey Chaucer; i campi sono decorati con piante rampicanti, il testo è ravvivato da copricapi in miniatura e lettere maiuscole ornate. Come ha scritto Duncan Robinson,
Al lettore moderno, abituato ai caratteri tipografici semplici e funzionali del XX secolo, le edizioni della Kelmscott Press sembrano lussuose creazioni dell'era vittoriana. Ricchi ornamenti, motivi a forma di foglie, illustrazioni su legno: tutto ciò divenne gli esempi più importanti di arte decorativa del XIX secolo; tutto realizzato dalle mani di un uomo che ha contribuito a questo campo più di chiunque altro.
Morris ha disegnato tutti i 66 libri pubblicati dall'editore e Burne-Jones ha realizzato la maggior parte delle illustrazioni. La casa editrice durò fino al 1898 ed ebbe una forte influenza su molti illustratori della fine del XIX secolo, in particolare Aubrey Beardsley.

Movimento estetico

Alla fine degli anni '50, quando le strade di Ruskin e dei Preraffaelliti divergevano, c'era bisogno di nuove idee estetiche e di nuovi teorici per dare forma a queste idee. Lo storico dell'arte e critico letterario Walter Horatio Pater divenne un tale teorico. Walter Pater credeva che la cosa principale nell'arte fosse l'immediatezza della percezione individuale, quindi l'arte dovrebbe coltivare ogni momento dell'esperienza della vita: "L'arte non ci dà altro che la consapevolezza del valore più alto di ogni momento che passa e la conservazione di tutti loro". In larga misura, attraverso Pater, le idee di “arte per l'arte”, tratte da Théophile Gautier, Charles Baudelaire, si trasformano nel concetto di estetismo (movimento estetico inglese), che si diffonde tra gli artisti e poeti inglesi: Whistler, Swinburne, Rosseti, Wilde. Oscar Wilde ha avuto anche una forte influenza sullo sviluppo del movimento estetico (incluso il lavoro successivo di Rossetti), conoscendo personalmente sia Holman Hunt che Burne-Jones. Lui, come molti dei suoi coetanei, leggeva libri di Pater e Ruskin, e l'estetismo di Wilde deriva in gran parte dal preraffaellismo, che portava con sé un'accusa di aspra critica alla società moderna dal punto di vista della bellezza. Oscar Wilde ha scritto che “l'estetica è al di sopra della critica”, che considera l'arte la realtà più alta e la vita una sorta di finzione: “Scrivo perché scrivere è per me il più alto piacere artistico. Se il mio lavoro piace a pochi eletti, ne sono felice. In caso contrario, non sono arrabbiato. Anche i preraffaelliti erano appassionati della poesia di Keats e accettavano pienamente la sua formula estetica secondo cui “la bellezza è l’unica verità”.

Soggetti

All'inizio, i preraffaelliti preferivano soggetti evangelici, evitavano il carattere ecclesiastico nella pittura e interpretavano il Vangelo simbolicamente, attribuendo particolare importanza non alla fedeltà storica degli episodi evangelici raffigurati, ma al loro significato filosofico interno. Quindi, ad esempio, in "Luce del mondo" Khanta sotto forma di Salvatore con una lampada brillante tra le mani raffigura la misteriosa luce divina della fede, che si sforza di penetrare chiusa cuori umani come Cristo che bussa alla porta di una casa umana.

I Preraffaelliti richiamano l'attenzione sul tema della disuguaglianza sociale in epoca vittoriana, dell'emigrazione (le opere di Madox Brown, Arthur Hughes), della posizione degradata delle donne (Rossetti), Holman Hunt ha toccato addirittura il tema della prostituzione nel suo dipinto "Woke timidezza"(Inglese: Il risveglio della coscienza, 1853).

Nella foto vediamo una donna caduta che improvvisamente si rese conto che stava peccando e, dimenticandosi del suo amante, si libera dal suo abbraccio, come se sentisse una sorta di chiamata attraverso una finestra aperta. L'uomo non capisce i suoi impulsi spirituali e continua a suonare il pianoforte. Qui i preraffaelliti non furono pionieri: furono anticipati da Richard Redgrave con il suo famoso dipinto La governante (1844). E più tardi, negli anni '40, Redgrave creò molte opere simili dedicate allo sfruttamento delle donne.
I preraffaelliti trattavano anche argomenti storici, raggiungendo la massima accuratezza nel rappresentare i dettagli reali; si rivolse alle opere di poesia e letteratura classica, alle opere di Dante Alighieri, William Shakespeare, John Keats. Idealizzavano il Medioevo e amavano il romanticismo e il misticismo medievali.
I preraffaelliti crearono un nuovo tipo di belle arti bellezza femminile- distaccato, calmo, misterioso, che sarà poi sviluppato dagli artisti dell'Art Nouveau. Donna su dipinti preraffaelliti - immagine medievale bellezza perfetta e femminilità, è ammirata e venerata. Ciò è particolarmente evidente in Rossetti, che ammirava la bellezza e il mistero, così come in Arthur Hughes, Millais e Burne-Jones. La bellezza mistica e distruttiva, la femme fatale, trovò poi espressione in William Waterhouse. A questo proposito, il dipinto “La Signora di Shalott” (1888), che rimane ancora una delle mostre più apprezzate della Tate Gallery, può essere definito iconico]. È basato su una poesia di Alfred Tennyson. Molti pittori (Holman Hunt, Rossetti) hanno illustrato le opere di Tennyson, in particolare “The Lady of Shalott”. La storia racconta di una ragazza che deve restare in una torre, isolata dal mondo esterno, e nel momento stesso in cui decide di scappare firma la propria condanna a morte.
Immagine amore tragico esercitava attrazione sui preraffaelliti e sui loro seguaci: in fine XIX-All'inizio del XX secolo furono creati più di cinquanta dipinti sul tema "La Signora di Shalott" e il titolo della poesia si trasformò in un'unità fraseologica. I preraffaelliti erano particolarmente attratti da temi come la purezza spirituale e l'amore tragico, l'amore non corrisposto, la ragazza irraggiungibile, una donna morente per amore, segnata dalla vergogna o dalla dannazione, e una donna morta di straordinaria bellezza.
Il concetto vittoriano di femminilità fu ridefinito. Ad esempio, in Ofelia di Arthur Hughes o nella serie di dipinti Past and Present, 1837-1860 di Augustus Egg, una donna viene mostrata come una persona capace di provare desiderio e passione sessuale, che spesso portano a una morte prematura. Augustus Egg ha creato una serie di opere che mostrano come il focolare familiare viene distrutto dopo la scoperta dell'adulterio della madre. Nel primo dipinto, una donna giace sul pavimento, con il viso sepolto nel tappeto, in una posa di completa disperazione, e i braccialetti sulle sue mani ricordano le manette usate da Dante Gabriel Rossetti Proserpina dall'antica mitologia greca e romana: una giovane donna rapita da Plutone negli inferi e disperata nel tornare sulla terra.

Mangia solo pochi semi di melograno, ma un piccolo pezzo di cibo è sufficiente perché una persona rimanga per sempre negli inferi. Proserpina Rossetti – non solo bella donna con uno sguardo pensieroso. È molto femminile e sensuale e la melagrana che tiene tra le mani è un simbolo della passione e della tentazione a cui ha ceduto.
Uno dei temi principali nelle opere dei Preraffaelliti è una donna sedotta, distrutta da un amore non corrisposto, tradita dai suoi amanti, vittima di un amore tragico. Nella maggior parte dei dipinti c'è un uomo, esplicitamente o implicitamente, responsabile della caduta della donna. Gli esempi includono “Woke Shyness” di Hunt o il dipinto di Millais “Mariana”.
Un tema simile può essere visto nella poesia: in “The Defense of Guenevere” di William Morris, nella poesia di Christina Rossetti “Light Love” (inglese: Light Love, 1856), nella poesia di Rossetti “Jenny” (1870), che mostra un una donna decaduta, una prostituta, che non è affatto turbata dalla sua situazione e gode persino della libertà sessuale.

Scenario

Holman Hunt, Milles e Madox Brown hanno progettato il paesaggio. Anche i pittori William Dyce, Thomas Seddon e John Brett godettero di una certa fama. I pittori paesaggisti di questa scuola sono particolarmente famosi per la loro rappresentazione delle nuvole, ereditata dal loro famoso predecessore, William Turner. Hanno cercato di rappresentare il paesaggio con la massima autenticità. Hunt espresse così il suo pensiero: “Voglio dipingere un paesaggio... raffigurante ogni dettaglio che posso vedere”. E del dipinto di Millais "Foglie d'autunno" Ruskin ha detto: "Questa è la prima volta che il crepuscolo è stato rappresentato in modo così perfetto".

I pittori hanno realizzato meticolosi schizzi di toni della natura, riproducendoli nel modo più luminoso e chiaro possibile. Questo lavoro microscopico richiedeva enorme pazienza e lavoro; nelle loro lettere o diari, i preraffaelliti si lamentavano della necessità di stare per ore sotto il sole cocente, la pioggia e il vento per dipingere, a volte, una parte molto piccola del quadro; . Per questi motivi il paesaggio preraffaellita non si diffuse e fu poi sostituito dall’impressionismo.

Arte fotografica

Ruskin scrisse anche, ammirando i dagherrotipi: "Era come se un mago avesse rimpicciolito l'oggetto... in modo che potesse essere portato via con sé". E quando nel 1850 fu inventata la carta fotografica all’albume, il processo fotografico divenne più semplice e accessibile.
I preraffaelliti diedero un grande contributo allo sviluppo della fotografia, ad esempio utilizzando le fotografie durante la pittura. Nelle fotografie dei Preraffaelliti vediamo la stessa attenzione alla concezione letteraria dell'opera, gli stessi tentativi di visualizzare mondo interiore modelli (cosa quasi impossibile per la fotografia di quegli anni), le stesse caratteristiche compositive: spazio bidimensionale, concentrazione sul personaggio, amore per il dettaglio [Particolarmente famose sono le fotografie di Jane Morris scattate da Dante Gabriel Rossetti nel luglio 1865 .
Molti fotografi famosi successivamente si ispirarono alla creatività preraffaellita: come, ad esempio, Henry Peach Robinson.

Stile di vita

Il preraffaellismo è uno stile culturale che è penetrato nella vita dei suoi creatori e, in una certa misura, ha determinato questa vita. I preraffaelliti vivevano nell'ambiente da loro creato e rendevano tale ambiente estremamente alla moda. Come nota Andrea Rose nel suo libro, alla fine dell'Ottocento, “la fedeltà alla natura cede il posto alla fedeltà all'immagine. L’immagine diventa riconoscibile e quindi abbastanza pronta per il mercato”.
Lo scrittore americano Henry James, in una lettera del marzo 1969, raccontò a sua sorella Alice della sua visita ai Morris.
“Ieri, mia cara sorella”, scrive James, “è stata una specie di apoteosi per me, poiché ho trascorso la maggior parte del tempo a casa del signor W. Morris, il poeta. Morris vive nella stessa casa dove ha aperto il suo negozio, a Bloomsbury... Vedi, la poesia è un'occupazione secondaria per Morris. Prima di tutto, è un produttore di vetrate, maioliche, arazzi medievali e ricami religiosi - in generale, tutto preraffaellita, antico, insolito e, devo aggiungere, incomparabile. Naturalmente, tutto questo viene fatto su scala modesta e può essere fatto a casa. Le cose che realizza sono straordinariamente eleganti, preziose e costose (superano il prezzo dei più grandi articoli di lusso), e poiché la sua fabbrica non può averne abbastanza di grande importanza. Ma tutto quello che ha creato è straordinario ed eccellente...si avvale anche dell'aiuto della moglie e delle piccole figlie.”
Henry James prosegue descrivendo la moglie di William Morris, Jane Morris (nata Jane Burden), che in seguito divenne l'amante e modella di Rossetti e può essere vista spesso nei dipinti dell'artista:
“Oh, mio ​​caro, che donna è questa! È bella in tutto. Immagina una donna alta e magra, vestito lungo fatto di tessuto color viola tenue, fatto di materiale naturale fino all'ultimo pizzo, con una massa di capelli neri e ricci che cadono in grandi onde lungo le tempie, un viso piccolo e pallido, grandi occhi scuri, profondi e abbastanza Swinburne , con folte sopracciglia arcuate nere... Collo alto aperto in perle e, alla fine, la perfezione stessa. Alla parete era appeso un suo ritratto quasi a grandezza naturale, realizzato da Rossetti, così strano e irreale che se l'avessi visto lo avresti preso per una visione sofferta, ma di straordinaria somiglianza e fedeltà ai lineamenti. Dopo cena... Morris ci ha letto una delle sue poesie inedite... e sua moglie, sofferente di mal di denti, si è riposata sul divano, con una sciarpa sul viso. Mi sembrava che ci fosse qualcosa di fantastico e di lontano dalla nostra vita reale in questa scena: Morris, che leggeva in un liscio metro antico una leggenda di miracoli e orrori (era la storia di Bellerofonte), intorno a noi i pittoreschi mobili di seconda mano dell’appartamento (ogni oggetto è un esempio di qualcosa... o), e, nell’angolo, questa donna cupa, silenziosa e medievale con il suo mal di denti medievale.”
I preraffaelliti erano circondati da donne di diverso status sociale, amanti e modelle. Così scrive di loro un giornalista: “... donne senza crinoline, con i capelli fluenti... insolite, come un sogno febbrile in cui si muovono lentamente immagini magnifiche e fantastiche”.
Dante Gabriel Rossetti visse in un'atmosfera raffinata e bohémien, e la sua stessa immagine eccentrica entrò a far parte della leggenda preraffaellita: Rossetti visse con i più persone diverse, tra cui il poeta Algernon Swinburne e lo scrittore George Meredith. Le modelle si succedettero, alcune di loro divennero le amanti di Rossetti, particolarmente famosa fu la volgare e avara Fanny Cornforth. La casa di Rossetti era piena di oggetti d'antiquariato, mobili antichi, porcellane cinesi e altri ninnoli, che acquistava dai rigattieri. Nel giardino c'erano gufi, vombati, canguri, pappagalli, pavoni e un tempo viveva persino un toro i cui occhi ricordavano a Rossetti gli occhi della sua amata Jane Morris.

Il significato del preraffaellismo

Il preraffaellismo come movimento artistico è ampiamente conosciuto e popolare in Gran Bretagna. È anche definito il primo movimento britannico a raggiungere la fama mondiale, tuttavia, tra i ricercatori, il suo significato è valutato diversamente: da una rivoluzione nell'arte a pura innovazione nelle tecniche pittoriche. Si ritiene che il movimento sia iniziato con un tentativo di aggiornare la pittura e successivamente abbia avuto una grande influenza sullo sviluppo della letteratura e dell'intera cultura inglese nel suo insieme. Secondo la Literary Encyclopedia, grazie alla sua raffinata aristocrazia, retrospettività e contemplazione, il loro lavoro ebbe scarso impatto sulle grandi masse.
Nonostante l’apparente attenzione al passato, i Preraffaelliti contribuiscono all’affermazione dello stile Art Nouveau nelle belle arti, inoltre sono considerati i predecessori dei Simbolisti, a volte addirittura identificandoli entrambi; Ad esempio, la mostra "Il simbolismo in Europa", che si è spostata dal novembre 1975 al luglio 1976 da Rotterdam attraverso Bruxelles e Baden-Baden a Parigi, ha preso come data di inizio il 1848, l'anno di fondazione della Confraternita. La poesia preraffaellita lasciò il segno sui simbolisti francesi Verlaine e Mallarmé, e la pittura su artisti come Aubrey Beardsley, Waterhouse e altri meno conosciuti come Edward Hughes o Calderon. Alcuni addirittura notano l'influenza della pittura preraffaellita sugli hippy inglesi e di Burne-Jones sul giovane Tolkien. È interessante notare che in gioventù Tolkien, che insieme ai suoi amici organizzò una società semisegreta chiamata Tea Club, li paragonò alla confraternita dei preraffaelliti.
In Russia, organizzata la prima mostra di opere dei Preraffaelliti casa d'aste Christie's si è svolta dal 14 al 18 maggio 2008 presso la Galleria Tretyakov.

In Europa, l’inizio del XIX secolo fu segnato dall’acquisizione di proporzioni globali da parte della rivoluzione industriale. Ci fu una transizione dal lavoro manuale al lavoro meccanico, una trasformazione della società in una società industriale e un rapido processo di urbanizzazione. Tutti questi fenomeni sono stati accompagnati da rapidi crescita economica e un aumento del tenore di vita.

Insieme ai cambiamenti positivi si sono verificate anche metamorfosi negative. A risentirne maggiormente sono soprattutto le arti decorative e applicate. La creatività originaria degli artigiani è stata sostituita dai beni di consumo di massa nella vita quotidiana degli europei. Il movimento Arts and Crafts è nato come contrapposizione alle cose senza volto che riempiono la vita e la quotidianità.

Le origini e l'ideologia del movimento Arts and Crafts

Il riconoscimento assoluto della superiorità dei prodotti fatti a mano rispetto al prodotto dello stampaggio meccanico di fabbrica costituisce la base del movimento Arts and Crafts. Proviene da una piccola comunità di persone che la pensano allo stesso modo. Il concetto del movimento artistico emergente si basa sulla creazione di un ambiente estetico nella vita quotidiana e nella vita umana. A questo proposito, il suo obiettivo è far rivivere le arti decorative e applicate. Nell'ambito del movimento Arts and Crafts, in quasi tutta Europa si stanno formando laboratori e corporazioni artigianali separati.

Il movimento artistico è sostenuto dalle tradizioni dell'artigianato medievale e dalla creatività originale dei maestri di quel periodo. Il movimento si riflette in oggetti provenienti da tutti i settori dell'arte decorativa e applicata. Gli artisti partecipanti creano carte da parati e mobili unici, prodotti originali nel campo della tessitura e della tessitura di arazzi, vetrate e decorazioni in ceramica. La preferenza è data a motivi naturali, forme laconiche e purezza dei colori.

Sala in quercia con camino in maiolica progettato da William Morris, Whitewick Manor, Inghilterra

L’ideologia assume caratteristiche reali in una villa londinese chiamata “Red House”. La costruzione stessa e l'intero arredamento della casa sono realizzati secondo i principi del movimento artistico, volto alla fusione Vita di ogni giorno con l'alta arte. La Casa Rossa apparteneva al fondatore del movimento Arts and Crafts, scrittore, artista, designer, politico e filosofo inglese William Morris, ed era destinata alla sua famiglia e alla sua azienda di arti e mestieri.

Interno di una sala della Casa Rossa con mobili, carta da parati e piastrelle in ceramica fatte a mano, Londra

Vetrate della Casa Rossa, Londra

William Maurice come mente creativa e creatore del movimento Arts and Crafts

Lo sviluppo creativo del maestro Morris inizia con lo studio dell'architettura presso George Edmund Street, che in questo periodo aveva un nome molto famoso in questo campo. Ma la pittura assorbe l'artista e presto diventa la sua manifestazione principale. potenziale creativo. Il percorso artistico di William Morris è stato guidato dalla sua conoscenza delle opere dei preraffaelliti. L'ammirazione per il movimento, che rifiutava le convenzioni e l'accademismo della poesia e della pittura inglese, diede origine alla visione speciale di William Morris dell'estetica e dell'arte.

William Morris intraprende la strada del rilancio dell'armonia tra natura, uomo e arte, basandosi sui trattati filosofici di John Ruskin. L’affermazione del critico d’arte secondo cui gli oggetti che circondano una società testimoniano il suo stato morale ha spinto Morris a guarire una generazione “paralizzata” sotto questo aspetto dalla Rivoluzione Industriale. Secondo lui l'unico strumento per farlo poteva essere l'artigianato, che riempiva l'ambiente quotidiano di bellissimi oggetti fatti a mano. Pertanto, la pittura dell’artista viene trasferita dalle tele agli interni: alla ceramica, ai tessuti, al legno, al metallo e ad altri materiali.

Piastrelle in ceramica dipinta disegnate da William Morris, 1875.

William Morris elevò l'immagine combinata di tecnologo, designer e artista, che lui stesso era in realtà, all'alto rango di creatore. William Morris diventa il primo concetto moderno progettista in Inghilterra. Il maestro disegna schizzi di stampe, traendo ispirazione dalla natura, trasferisce ornamenti su carta da parati, arazzi, mobili, piastrelle di ceramica, vetrate e persino libri, combinando tutto in interni completi. Per realizzare le sue creazioni, William Morris lavora a stretto contatto con Philip Speakman Webb, Dante Gabriel Rossetti, Elizabeth Eleanor Siddal, Edward Burne-Jones e altri artisti e architetti dell'epoca.

Salotto di William Morris, Thomas Carlyle House, Londra

Nel 1861, William Morris fondò la società Morris, Marshall, Faulkner and Co. per produrre articoli per interni e decorazioni. Da quasi un secolo l'azienda mantiene il suo status di manifattura leader in Europa nel campo delle arti decorative e applicate. Lavoro manuale, materiali naturali, composizione naturale diventano i tre pilastri su cui poggia il processo produttivo dell’azienda. Inoltre, l'azienda funge da sorta di scuola per artisti e artigiani. Ciò contribuisce alla diffusione delle idee del movimento Arts and Crafts e alla creazione di nuove associazioni creative sotto la guida dei seguaci di Morris, anche in altri paesi.

L'influenza del movimento Arts and Crafts sull'arte ceramica

A questo punto, la ceramica in Europa stava attraversando un declino. La porcellana, che salì sul piedistallo, assorbì quasi completamente le più antiche tecnologie per la creazione di prodotti in argilla. I rivestimenti decorativi in ​​ceramica stanno svanendo nell'oblio e gli oggetti domestici unici fatti a mano vengono sostituiti da stampi senza volto di porcellana e terracotta. In un certo senso, i prodotti ricevono decorazioni colorate, separandosi dal candore e dalla fragilità precedentemente molto apprezzati. La profonda connessione e l'armonia tra materiale e forma, essenza e immagine artistica sono perdute.

William Morris e il movimento Arts and Crafts hanno fatto rivivere il valore della ceramica fatta a mano. Il materiale naturale soddisfa tutte le esigenze del movimento creativo e trova nelle case inglesi una seconda vita nella sua incarnazione più altamente artistica. Negli interni dell'artista e designer ricompaiono piastrelle su caminetti e decorazioni, decorazioni in ceramica e piatti dipinti a mano. La maggior parte delle ceramiche decorative per i progetti William Morris sono realizzate da William Friend de Morgan.

Decorazioni in ceramica e vasi all'interno di William Morris

Indubbiamente, gli oggetti fatti a mano avevano un costo elevato, quindi un simile lusso non era alla portata di tutti. A questo proposito, l’idea di creare un ambiente di vita esteticamente progettato per ogni persona contraddiceva le opinioni dello stesso William Morris come socialista. Ma nonostante ciò, una piccola comunità di artisti crebbe nel movimento Arts and Crafts, che si diffuse non solo in Inghilterra, ma in quasi tutta l'Europa e negli Stati Uniti.

Il movimento Arts and Crafts ha innanzitutto presentato al mondo una teoria sulla stretta relazione tra gli standard estetici e lo stato morale della società. Gli articoli per la casa fatti a mano occupano ancora oggi un posto importante nell'interior design e sono molto apprezzati per la loro individualità e unicità. Il movimento Arts and Crafts fu un potente impulso per l'emergere dello stile Art Nouveau e servì come base per la formazione dei principi del design. Inoltre, il movimento ha contribuito alla rinascita degli stili nazionali grazie al crescente prestigio e approvazione status elevato artigianato.

Arti e Mestieri - “Arti e mestieri”. Questo movimento artistico emerse in Inghilterra negli anni '60 dell'Ottocento come reazione all'era dell'industrializzazione e della rivoluzione industriale. Comprendeva artisti, designer, architetti, artigiani e scrittori. L'ispiratore del movimento e il suo leader non ufficiale era William Morris, in cui convivono un artista romantico e un uomo d'affari, un sognatore e un politico. Il potente carisma di Morris fornì energia vitale all'intero movimento Arts and Crafts.

La cosa principale contro cui i membri si sono ribellati Arti e mestieri- questa è una produzione di macchine senz'anima che priva il lavoratore della gioia del suo lavoro. Dalla catena di montaggio con cui le persone riempivano le loro case uscivano cose goffe e insipide: mobili, tessuti, stoviglie. L’industrializzazione portò con sé un generale declino del gusto artistico, quando la bellezza e l’armonia furono sostituite dalla “bellezza”.

L'obiettivo di Arts and Crafts sono le cose fatte dalle persone e per le persone, soddisfacendo sia chi le crea sia chi le usa. Gli articoli per la casa fatti a mano sono molto migliori in termini di qualità e gusto e non possono essere paragonati a quelli fatti a macchina. L'organizzazione ideale della produzione per Arts and Crafts erano le corporazioni medievali, quando l'intero processo di produzione di una cosa, dall'idea alla finitura finale, passava attraverso le mani di un artigiano.

Questo movimento trasse idee artistiche dall'arte europea del Medioevo, dall'arte islamica e dall'arte giapponese recentemente scoperta dagli europei. Coloro che condividevano i principi delle Arti e dei Mestieri si cimentavano in vari settori: realizzavano mobili, arazzi, carta da parati, tendaggi, lavorazione dei metalli, vetro e ceramica.

Caratteristiche di base dello stile Arts and Crafts:

• Fatto a mano.
• Forme semplici, moderazione delle decorazioni e ornamenti premurosi. I mobili erano semplici, senza pretese e quasi privi di decorazioni, ma la carta da parati e i tessuti erano, al contrario, molto decorativi.
• Sottolineando la bellezza e la consistenza dei materiali naturali.
• Lieve incompletezza delle forme, della loro verticalità e allungamento.
• Ornamento di piante o animali.

Nel 1860, William Morris fondò la società di arti decorative Morris and Co, che comprendeva i suoi amici: gli artisti preraffaelliti Dante Gabriel Rosetti, Edward Burne-Jones, Ford Madox Brown

e l'architetto Philip Webb. Questa azienda, per la quale Morris lavorò fino alla fine della sua vita, incoraggiò e sponsorizzò la rinascita dei mestieri tradizionali: pittura su vetro colorato, ricamo a mano, produzione di tessuti stampati per pareti e mobili e tintura di seta e lana con coloranti naturali. . Lo stesso Morris ha inventato modelli straordinariamente belli: per carta da parati, per tessuti stampati e di lana, per ricami. Da solo fece rivivere la produzione di arazzi e gli arazzi basati sui suoi disegni sono ancora prodotti e venduti in Gran Bretagna.

Il sogno di Morris era una casa come opera d'arte. "Non sono mai stato in una sola casa ricca che non sarebbe stata migliorata se i nove decimi di ciò che vi era nascosto fossero andati in fiamme", ha detto Morris. Il suo sogno si è avverato quando, in collaborazione con l'architetto Philip Webb, ha costruito la Red House vicino a Londra - Red House

(ricevette questo nome perché, a differenza di tutte le case di quell'epoca, non era intonacata - i muri rimasero di mattoni rossi), che presentò come regalo di nozze a sua moglie Jane. Il design di tutte le decorazioni interne e degli interni è stato realizzato secondo gli schizzi di Morris.

Sebbene l'idea principale di Arts and Crafts fosse quella di portare la bellezza nella vita quotidiana della gente comune, presto si scoprì che non potevano permettersi i prodotti dei laboratori di Morris: il maestro artista doveva essere pagato un salario dignitoso per il suo lavoro, quindi non era possibile competere con la produzione di fabbrica in termini di disponibilità del prodotto. Tuttavia, i prodotti Morris godettero di un successo continuo tra i clienti facoltosi.

I membri del movimento Arts and Crafts sostenevano fortemente l'artigianato non solo a livello professionale ma anche amatoriale. L'Associazione delle arti e dei mestieri domestici, creata nel 1880 (che comprendeva membri della famiglia reale), teneva corsi di perfezionamento in tutto il paese e organizzava mostre.

Il grande merito di Arts and Crafts è quello di essere stati i primi a proclamare lo stretto legame tra design e qualità della vita. Molte caratteristiche di questo movimento furono preservate negli stili artistici che lo sostituirono: estetismo e modernismo.

La chiave per comprendere Arts and Crafts risiede nello slogan, coniato da un altro membro di spicco del movimento, l'architetto e artista Charles Voysey: "Head Hand and Heart" - "Testa, mani e cuore". “Testa” è la capacità di creare e immaginare, “mani” è abilità e abilità, “cuore” è amore e sincerità.

Fondata nel 1848, la Confraternita dei Preraffaelliti può essere considerata a buon diritto il primo movimento d'avanguardia in Europa. Le misteriose lettere "R.K.V.", che apparivano nei dipinti di artisti giovani e sconosciuti, confondevano il pubblico inglese: gli studenti della Royal Academy of Arts di Londra volevano cambiare non solo i principi dell'arte moderna, ma anche il suo ruolo nell'arte vita sociale società.

Durante la rivoluzione industriale, i soggetti elevati e l’austera pittura accademica nello spirito di Raffaello caddero in disgrazia presso la classe media vittoriana, lasciando il posto al kitsch artistico e alle scene sentimentali. Rendendosi conto della crisi degli ideali dell'Alto Rinascimento, i membri della Confraternita dei Preraffaelliti si dedicarono all'arte italiana del XV secolo. Gli esempi erano le opere di eccezionali pittori del Quattrocento: una tavolozza luminosa e ricca, l'enfatizzata decoratività delle loro opere erano combinate con la vitale veridicità e il senso della natura.

I leader della Confraternita dei Preraffaelliti erano gli artisti D.E. Millais (1829-1896), D.G Rossetti (1828-1882), W.H. Hunt, così come F.M. Marrone. Alla fine degli anni '50 dell'Ottocento, attorno a Rossetti si formò un nuovo gruppo, che comprendeva W. Morris, E. Burne-Jones (1833-1898), E. Siddal e S. Solomon.

Gli artisti della cerchia di Rossetti erano impegnati nella pittura e nella grafica, scrivevano poesie e progettavano libri, sviluppavano decorazioni d'interni e design di mobili. Già a metà del XIX secolo i preraffaelliti iniziarono a lavorare all'aria aperta, sollevando la questione dei diritti delle donne nella società e contribuendo alla formazione dello stile più importante della fine del secolo: l'Art Nouveau.

I compiti dei preraffaelliti

I giovani artisti che fondarono la Confraternita dei Preraffaelliti si resero conto di appartenere a una cultura in cui non esistevano tradizioni di pittura religiosa, distrutte nel XVI secolo, durante la Riforma. I preraffaelliti dovettero affrontare un compito difficile: far risorgere l'arte religiosa senza ricorrere alle immagini ideali-convenzionali della pala d'altare cattolica.

A differenza dei maestri del Rinascimento, la base per la composizione dei dipinti preraffaelliti non era l'immaginazione, ma osservazioni e volti presi dalla vita quotidiana. I membri della Confraternita rifiutavano le forme morbide e idealizzate caratteristiche degli artisti dell'Alto Rinascimento, preferendo linee dinamiche e colori brillanti e ricchi.

Nessuno dei preraffaelliti cercò particolarmente di enfatizzare le verità teologiche nel contenuto dei loro dipinti. Si avvicinavano piuttosto alla Bibbia come fonte del dramma umano e cercavano in essa un significato letterario e poetico. Inoltre queste opere non erano destinate alla decorazione delle chiese.

Il cristiano più devoto del gruppo era Hunt, un eccentrico intellettuale religioso. Il resto degli artisti preraffaelliti hanno cercato di rappresentare la vita delle persone più comuni, individuando contemporaneamente temi sociali, morali ed etici acuti della società moderna. Dipinti su temi religiosi sono giustapposti a immagini rilevanti e urgenti. Le trame dedicate a questioni sociali, interpretate dai preraffaelliti, assumono la forma di parabole moderne.

Dipinti su temi storici

I dipinti su temi storici svolgono un ruolo chiave nell'opera dei preraffaelliti. Tradizionalmente, gli inglesi non erano interessati alle scene eroiche spettacolari e alle composizioni classiche idealizzate piene di modelle nude apatiche. Preferivano studiare la storia attraverso le opere di William Shakespeare e i romanzi di Walter Scott, e apprendere la biografia di grandi personaggi del passato nelle immagini teatrali di attori eccezionali come Garrick e Sarah Siddons.

I preraffaelliti rifiutavano la storia classica con le sue idee intrinseche di virtù esemplare, potere militare e conquiste monarchiche. Rivolgendosi a soggetti letterari e storici, raffiguravano accuratamente i costumi e gli interni dell'epoca prescelta, ma allo stesso tempo rafforzavano l'aspetto di genere, rendendolo relazioni umane il motivo principale della composizione. Prima di riempire l'immagine con le persone, gli artisti hanno dipinto con cura tutti i dettagli degli interni o del paesaggio sullo sfondo per enfatizzare l'atmosfera rilassata e realistica attorno alla scena centrale. Nel tentativo di creare una composizione credibile, hanno trovato esempi di costumi e ornamenti in manoscritti miniati e libri di consultazione storica. I lineamenti di ogni personaggio sono un volto meticolosamente disegnato di un modello scelto tra i membri della Confraternita. Questo approccio rifiutava le convenzioni accettate del genere elevato, ma rafforzava l'effetto di autenticità.

Atteggiamento preraffaellita nei confronti della natura

L'atteggiamento preraffaellita nei confronti della natura costituisce uno degli aspetti più importanti di questo movimento sia in termini di teoria artistica che di stile. L'appello di John Ruskin a "rivolgersi alla natura con tutto il cuore e camminare mano nella mano con lei con fiducia e operosità, ricordando le sue istruzioni e pensando solo a comprenderne il significato, senza rifiutare, senza scegliere, senza ridicolizzare" ha avuto un'indubbia influenza sul Pre -Raffaelliti. I giovani membri della Confraternita dei preraffaelliti studiarono con entusiasmo le opere di Ruskin sull'eredità di Turner, ma il loro stile è una sintesi unica di pittura plein air, emozionanti trame shakespeariane e temi di attualità dell'opera moderna. Le opere di maggior successo combinano una composizione dettagliata con una rappresentazione magistrale delle figure e un design complesso che unisce tutti gli elementi in un insieme coerente.

John Everett Millais. Valle della Pace Eterna ("Gli stanchi troveranno la pace")

Allo stesso tempo, i preraffaelliti erano appassionati le ultime scoperte nel campo delle scienze naturali, che a metà del secolo era seguito con grande interesse da tutta la società britannica. Gli artisti continuarono a competere con la fotografia, che da un lato completava le immagini della natura da loro create e dall'altro li incoraggiava a dipingere con ancora più emozione, utilizzando una tavolozza luminosa e ricca. Combinando figure e paesaggi in una composizione intricata, i preraffaelliti enfatizzavano l'elemento narrativo, facendo appello ai sensi dello spettatore e creando atmosfera nel dipinto. Così la pittura custodiva i suoi confini.

Movimento Estetismo, lo scopo dell'arte

All'inizio degli anni Sessanta dell'Ottocento iniziò una nuova fase nell'opera di Rossetti e dei suoi collaboratori. I giovani pittori che si unirono alla cerchia degli ex preraffaelliti cercarono di realizzare il loro talento in vari campi dell'arte. Tuttavia, le opere create nuovo gruppo artisti e scrittori si sono rivelati non meno innovativi. Verso la metà degli anni '60 dell'Ottocento, il preraffaellismo si era trasformato nel movimento dell'estetismo. Le opere di questa sezione sono dedicate alla bellezza in quanto tale.

L'aspirazione ad esso, questo “unico scopo assoluto” dell'arte, secondo Rossetti, caratterizza il secondo decennio della pittura preraffaellita.

Anche Rossetti si batteva per la bellezza, ma il suo obiettivo era creare un nuovo ideale estetico. Durante questo periodo, l'artista ha eseguito una serie di opere che glorificano la bellezza femminile purosangue, sana, decisamente sensuale.

L'elaborata pennellata e le ampie pennellate applicate con pennelli duri imitano deliberatamente la pittura veneziana del XVI secolo e, in particolare, la tecnica di Tiziano e Veronese.

Verdi profondi e ricchi, blu e rossi scuri sostituirono la trasparenza delle vetrate gotiche della prima tavolozza preraffaellita.

Nonostante il loro rapporto con i dipinti degli antichi maestri, i dipinti scioccarono i contemporanei, che accusarono furiosamente Rossetti di immoralità. Allo stesso tempo, l'interpretazione artistica delle immagini e il contenuto semantico di queste opere hanno avuto un'influenza significativa sulla formazione della stilistica dell'arte Art Nouveau.

Pittura poetica dei Preraffaelliti

A metà degli anni '50 dell'Ottocento Rossetti smise temporaneamente di dipingere e, dedicandosi alla tecnica dell'acquerello, creò una serie di composizioni colorate e complesse. In queste opere, la passione dell'artista per il Medioevo è stata particolarmente chiaramente dimostrata: molti acquerelli sono stati creati sotto l'impressione di manoscritti miniati.

Nell'aspetto delle eroine alte, pallide e snelle degli acquerelli di Dante Gabriel Rossetti, si possono spesso discernere la figura e i lineamenti di Elizabeth Siddal.

Gli acquerelli di un rappresentante della nuova generazione di artisti della cerchia di Rossetti, Edward Burne-Jones, assomigliano allo smalto cloisonne, riflettendo l'interesse del loro autore per varie tecniche e tipi di arte.

Quasi tutti gli acquerelli sono stati ispirati da romanzi poetici cavallereschi, ballate o dalle opere di poeti romantici. Allo stesso tempo, il carattere indipendente di queste opere non ci consente di vedere in esse solo un'illustrazione opera letteraria. Tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60 dell'Ottocento, Rossetti creò una serie di opere su soggetti religiosi. La ricca tavolozza di colori e la disposizione generale delle figure riflettono l’influenza dell’arte veneziana, che durante questo periodo sostituì la passione iniziale dell’artista per la pittura fiorentina del Quattrocento.

Utopia preraffaellita, design

Grazie a William Morris e alla ditta Morris, Marshall, Faulkner and Co., da lui fondata insieme a E. Burne-Jones, D. G. Rossetti e F. M. Brown, le opere d’arte applicata hanno avuto un impatto significativo sullo sviluppo del design europeo nella seconda metà del XIX secolo, hanno influenzato lo sviluppo dell’estetismo britannico e hanno dato origine al movimento Arts and Crafts.

Morris e i suoi collaboratori cercarono di elevare lo status del progetto allo stesso livello di altri tipi arti visive. Inizialmente, enfatizzarono la natura collettiva e corporativa del lavoro, prendendo come modello idee idealizzate sugli artigiani medievali. L'azienda produceva arredi e decorazioni per interni domestici e ecclesiastici: piastrelle, vetrate, mobili, tessuti stampati, tappeti, carte da parati e arazzi. Burne-Jones era considerato l'artista principale e Morris era responsabile del design degli ornamenti. Gli eroi delle opere successive di Burne-Jones non mostrano alcuna emozione, le loro figure sono congelate in un'impassibilità immobile, così che il significato della trama non è chiaro e, per così dire, nascosto in densi strati di vernice.

Edward Burne-Jones. Sidonia von Bork, 1560. 1860

Le immagini sognanti e le composizioni astratte di questo artista forniscono un'alternativa fantasiosa al materialismo estremo della Gran Bretagna vittoriana. In questo la sua arte sembrava senza dubbio un'utopia, ma un'utopia del tutto astratta. Come lui stesso ha affermato: “Sono un ribelle nato, ma le mie idee politiche sono superate di mille anni: queste sono le opinioni del primo millennio e, quindi, non hanno significato”.

Linley Sambourne, Caricatura di Oscar Wilde, Punch Magazine, volume 80, 1881
Oh, mi sento felice come un brillante girasole!
Esteta degli esteti!
Cosa c'è in un nome?
Il poeta è WILDE,
Ma la sua poesia è docile.

Il movimento estetico è un termine che descrive il movimento degli anni '70 e '80 dell'Ottocento che si manifestò nelle arti belle e decorative e nell'architettura della Gran Bretagna e successivamente degli Stati Uniti. Una reazione contro ciò che sembrava pudico nell'arte e nel design, il Movimento era caratterizzato da un culto della bellezza e da un'enfasi sul puro piacere che dava. Nella pittura c'era un'idea dell'autonomia dell'arte, così come il concetto di "arte per l'arte", che ebbe origine in Francia nella letteratura e fu portato in Gran Bretagna negli anni '60 dell'Ottocento.

Il movimento estetico è stato sostenuto dagli scrittori e critici Walter Pater, Algernon Charles Swinburne e Oscar Wilde. Aderendo alla teoria di Pater, gli artisti associati al Movimento dipingevano dipinti senza trama o privi di una trama significativa. Dante Gabriel Rossetti trasse ispirazione dall'arte veneziana per la sua enfasi sul colore e sulle qualità decorative di un dipinto. Il risultato delle sue ricerche furono diverse immagini a mezzo busto figure femminili, come "Blue Boudoir" (1865, Istituto Belle arti Barbera).

D. Whistler “La principessa dal paese della porcellana”

Le pareti sotto le elaborate partizioni di Jekyll erano ricoperte di pelle spagnola, che Whistler aveva dipinto in oro su uno sfondo blu con motivi di occhi e piume di pavone nel 1877; Di fronte al suo dipinto appeso sopra il camino, raffigurava due pavoni dal piumaggio lussuoso. Nel camino c'è una coppia di alari in ferro battuto che Jekyll ha realizzato a forma di girasoli e pavoni. Il girasole era un motivo distintivo del Movimento Estetico, che appariva nelle piastrelle di William de Morgan, nei ricami di C. Ashby, nei mobili in chintz e nella carta da parati di Bruce Talbert, e sul davanti dipinto di un orologio (1880, Londra, Victoria and Albert Museum ), forse basato su un progetto di Lewis Foreman Day .

Un orologio, presumibilmente basato su uno schizzo di L.F. Giorno (1880, Londra, Victoria and Albert Museum)

William de Morgan, piastrelle di ceramica

Una caratteristica comune dei mobili “artistici”, delle ceramiche, della forgiatura artistica e dei tessuti del “Movimento Estetico” e dello stile architettonico Queen Anne, tanto amato da Godwin e Richard Norman Shaw, era il desiderio dei loro creatori (manifestato nella raffinatezza dei loro progetti) per elevare lo status delle loro opere allo status di opere di arti visive. Hanno creato oggetti ed edifici interni “artistici”. Entrambi riformarono e plasmarono il gusto: un'importante preoccupazione di William Morris, le cui opinioni, sebbene in contrasto con la filosofia del movimento estetico, contribuirono a diffondere la sua influenza in tutti gli Stati Uniti. Nel 1870, la carta da parati di Morris veniva venduta a Boston e due anni dopo Hints on Household Taste di Charles Locke Eastlake fu pubblicato in un'edizione americana.
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