Storia dell'artigianato popolare. Cos'è la pesca? Cosa sono i mestieri popolari

L’artigianato popolare è esattamente ciò che rende la nostra cultura ricca e unica. I turisti stranieri portano con sé oggetti dipinti, giocattoli e prodotti tessili in memoria del nostro Paese.

Quasi ogni angolo della Russia ha il suo tipo di ricamo e in questo materiale abbiamo raccolto i più brillanti e famosi.

Giocattolo Dymkovo


Il giocattolo Dymkovo è un simbolo della regione di Kirov, sottolineandone la ricchezza e storia antica. Viene modellato dall'argilla, quindi essiccato e cotto in un forno. Successivamente viene dipinto a mano, creando ogni volta una copia unica. Non possono esistere due giocattoli identici.

Dipinto di Zhostovo


All'inizio del XIX secolo, i fratelli Vishnyakov vivevano in uno dei villaggi vicino a Mosca dell'ex Trinity volost (ora distretto di Mytishchi), ed erano impegnati nella pittura di vassoi di metallo laccato, zuccheriere, pallet, scatole di cartapesta , portasigarette, teiere, album e altre cose. Da allora, la pittura artistica in stile Zhostovo ha iniziato a guadagnare popolarità e ad attirare l'attenzione in numerose mostre nel nostro paese e all'estero.

Khokhloma


Khokhloma è uno dei più bei mestieri russi, nato nel XVII secolo vicino a Nizhny Novgorod. Questo è un dipinto decorativo di mobili e utensili in legno, amato non solo dagli intenditori dell'antichità russa, ma anche dai residenti di paesi stranieri.

I motivi erbacei intricati e intrecciati di bacche scarlatte luminose e foglie dorate su uno sfondo nero possono essere ammirati all'infinito. Pertanto, anche i tradizionali cucchiai di legno, presentati nell'occasione più insignificante, lasciano a chi lo riceve il ricordo più gentile e duraturo del donatore.

Dipinto di Gorodets


Il dipinto di Gorodets esiste dalla metà del XIX secolo. Motivi luminosi e laconici riflettono scene di genere, figurine di cavalli, galli e motivi floreali. Il dipinto è realizzato con un tratto libero con un contorno grafico bianco e nero; decora filatoi, mobili, persiane e porte.

Filigrana


La filigrana è una delle forme più antiche di lavorazione artistica dei metalli. Gli elementi di un motivo in filigrana possono essere molto diversi: sotto forma di corda, pizzo, tessitura, spina di pesce, percorso, punto pieno. Le trame sono realizzate con fili d'oro o d'argento molto sottili, quindi sembrano leggere e fragili.

Malachite degli Urali


Giacimenti noti di malachite si trovano negli Urali, in Africa, nell'Australia meridionale e negli Stati Uniti, tuttavia, in termini di colore e bellezza dei motivi, la malachite proveniente da paesi stranieri non può essere paragonata a quella degli Urali. Pertanto, la malachite degli Urali è considerata la più preziosa sul mercato mondiale.

Cristallo Gusev


I prodotti realizzati nella fabbrica di cristalli Gus-Khrustalny si trovano nei musei di tutto il mondo. Souvenir tradizionali russi, articoli per la casa, set per tavola festiva, gioielli eleganti, scatole fatte a mano e figurine riflettono la bellezza della nostra natura nativa, i suoi costumi e i valori primordialmente russi. I prodotti realizzati in cristallo colorato sono particolarmente apprezzati.

Matrioska


Una ragazza allegra paffuta e paffuta con un velo e un abito popolare russo ha conquistato il cuore degli amanti dei giocattoli popolari e dei bellissimi souvenir in tutto il mondo.

Ora la bambola che nidifica non è solo un giocattolo popolare, un custode della cultura russa: è un souvenir memorabile per i turisti, sul cui grembiule sono finemente disegnate scene di gioco, trame fiabesche e paesaggi con attrazioni. La bambola nidificante è diventata un prezioso oggetto da collezione che può costare centinaia di dollari.

Smalto


Spille, bracciali, ciondoli vintage, che sono rapidamente "entrati" nella moda moderna, non sono altro che gioielli realizzati con la tecnica dello smalto. Questo tipo di arte applicata ebbe origine nel XVII secolo nella regione di Vologda.

I maestri hanno raffigurato motivi floreali, uccelli e animali su smalto bianco utilizzando una varietà di colori. Poi l'arte dello smalto multicolore cominciò a perdersi e lo smalto monocromatico cominciò a soppiantarlo: bianco, blu e verde. Ora entrambi gli stili sono combinati con successo.

Tula samovar


IN tempo libero Un dipendente della fabbrica di armi di Tula, Fyodor Lisitsyn, amava creare qualcosa dal rame e una volta realizzò un samovar. Quindi i suoi figli aprirono uno stabilimento di samovar, dove vendevano prodotti in rame, che ebbero un enorme successo.

I samovar di Lisitsyn erano famosi per la loro varietà di forme e finiture: botti, vasi con ceselli e incisioni, samovar a forma di uovo, con rubinetti a forma di delfino, con manici ad ansa e dipinti.

Miniatura Palekh


La miniatura Palekh è una visione speciale, sottile e poetica del mondo, caratteristica delle credenze e delle canzoni popolari russe. Il dipinto utilizza toni marrone-arancio e verde-bluastro.

La pittura Palekh non ha analoghi in tutto il mondo. Viene eseguito su cartapesta e solo successivamente trasferito sulla superficie di scatole di varie forme e dimensioni.

Gzhel

Gzhel Bush, un'area di 27 villaggi situata vicino a Mosca, è famosa per la sua argilla, che qui viene estratta dalla metà del XVII secolo. Nel 19° secolo, gli artigiani di Gzhel iniziarono a produrre semi-maiolica, terracotta e porcellana. Di particolare interesse sono ancora gli oggetti dipinti in un unico colore: vernice blu con smalto applicato a pennello, con dettagli grafici.

Scialli di Pavlovo Posad


Luminosi e leggeri, gli scialli femminili Pavloposad sono sempre alla moda e attuali. Questo mestiere popolare apparve alla fine del XVIII secolo in un'impresa contadina nel villaggio di Pavlovo, da cui successivamente si sviluppò una manifattura di scialli. Produceva scialli di lana con motivi stampati, molto popolari a quel tempo.

Al giorno d'oggi, i design originali sono completati da vari elementi come le frange, sono creati in diversi colori e rimangono un ottimo accessorio per quasi tutti i look.

Merletto di Vologda


Il pizzo Vologda è tessuto su bastoncini e fuselli di legno. Tutte le immagini sono realizzate con una treccia di lino densa, continua, di larghezza uniforme e arricciata uniformemente. Si stagliano chiaramente sullo sfondo di reticoli fantasia, decorati con elementi a forma di stelle e rosette.

Corteccia di betulla scolpita da Shemogodskaya


L'intaglio di Shemogodskaya è un'arte popolare russa tradizionale che prevede l'intaglio della corteccia di betulla. Gli ornamenti degli intagliatori Shemogod sono chiamati "merletti di corteccia di betulla" e sono utilizzati nella produzione di scatole, teiere, astucci, astucci, piatti, piatti e portasigarette.

Il modello simmetrico dell'intaglio di Shemogod è costituito da motivi floreali, cerchi, rombi e ovali. Il disegno può includere immagini di uccelli o animali, motivi architettonici e talvolta anche scene di passeggiate in giardino e bevute di tè.

Pan di zenzero di Tula




Il pan di zenzero di Tula è una prelibatezza russa. Senza questi prodotti dolci e profumati, nella Rus' non si è verificato un solo evento, né felice né triste. Il pan di zenzero veniva servito sia alla tavola reale che a quella contadina. La forma tradizionale viene data al pan di zenzero utilizzando una tavola con un ornamento intagliato.

Scialle lanuginoso di Orenburg

Le sciarpe sono lavorate a maglia in piuma di capra naturale e sono sorprendentemente morbide, belle, calde e pratiche. Le sciarpe a rete traforate sono così sottili e aggraziate che possono essere infilate fede. Sono apprezzati dalle donne di tutto il mondo e sono considerati un regalo meraviglioso.

L'emergere dell'artigianato avviene all'inizio delle attività produttive umane. Gli inizi sono conosciuti fin dall'antichità

Concetto di artigianato

L'artigianato è un'attività produttiva basata sulla produzione di oggetti industriali utilizzando il lavoro manuale su piccola scala, che prevaleva prima dello sviluppo della produzione meccanica e vi rimase.

Una persona che realizza oggetti professionalmente si chiama artigiano.

Cos'è l'artigianato popolare

L'artigianato popolare si riferisce a oggetti realizzati utilizzando materiali comuni disponibili e design semplici. L'artigianato popolare è vario nella sua attività creativa; i prodotti sono realizzati a mano e molto spesso con materiali naturali o vicini ad essi (legno, tessuto, metallo, ecc.). Questo tipo di attività si è formata dall'artigianato domestico, quando venivano realizzati gli articoli per la casa necessari. Come l'arte, l'artigianato popolare si è sviluppato in base alla cultura, alla religione e talvolta alle opinioni politiche.

Storia del mestiere

L'artigianato ha una lunga storia. Le comunità primitive molto spesso si dedicavano all'artigianato domestico, realizzando oggetti in pietra, ossa, argilla, legno, ecc. L'artigianato domestico è la produzione di prodotti necessari per la gestione di una famiglia. In alcuni luoghi, ancora oggi, questa attività riveste una grande importanza.

Successivamente, le persone iniziarono a guidare l'emergere di artigiani. Molti artigiani lavoravano nelle terre agricole di re, templi, monasteri e proprietari di schiavi (Antico Egitto, Antica Roma, Antica Grecia e paesi della Mesopotamia). Inizialmente l'artigiano lavorava da solo, ma poiché questo dava poco reddito, gli artigiani cominciarono a unirsi in gruppi. Questi gruppi erano chiamati artel e prendevano ordini dalla popolazione. Alcuni maestri giravano per città e villaggi, mentre altri vivevano e lavoravano nello stesso posto. Il commercio e l'artigianato su ordinazione hanno dato origine alla nascita e allo sviluppo delle città come centri di artigianato e commercio. Ancora oggi in molti aree popolate sono stati conservati i nomi delle strade che indicano il luogo di lavoro dell'uno o dell'altro maestro. Ad esempio, Goncharnaya - lì veniva organizzata la produzione; Concia - lavorazione della pelle, produzione di prodotti in pelle, riparazione di scarpe Brick - produzione di mattoni;

Nel Medioevo apparve una forma di artigianato professionale. Nelle città è apparso un nuovo strato sociale: gli artigiani urbani. I rami principali dell'artigianato urbano erano: la produzione di oggetti in metallo, la produzione di tessuti, la produzione di prodotti in vetro, ecc. Gli artigiani urbani avevano privilegi come il diritto cittadino, i laboratori artigianali e la propria libertà.

Con l'avvento di molti tipi di artigianato, persero il loro primato nella produzione e le macchine iniziarono ad essere utilizzate nelle fabbriche e nelle fabbriche. Oggi gli artigiani sopravvivono in industrie che servono i bisogni personali dei clienti e nella produzione di prodotti artistici costosi (calzolai, sarti, gioiellieri, artisti, ecc.).

Storia dello sviluppo dell'artigianato in Russia

La popolazione delle città russe era composta principalmente da artigiani. La maggior parte di loro era impegnata nel fabbro. Successivamente, la lavorazione dei metalli si è evoluta dal fabbro. I suoi prodotti erano molto richiesti in Europa. La produzione di armi individuava artigiani per la realizzazione di archi, pistole, faretre, ecc. L'armatura degli artigiani russi era considerata un ordine di grandezza superiore a quella turca, siriana e italiana.

Secondo le cronache, nel 1382 nella Rus' c'erano già dei cannoni. Nel XIV secolo fu costituita la fonderia (fusione di campane). Con l'invasione dei Mongoli la produzione subì un declino.

L'artigianato dei gioielli soddisfaceva le esigenze dell'aristocrazia. I prodotti sopravvissuti (icone, cinture d'oro, piatti, rilegature di libri) testimoniano l'alta professionalità degli artigiani del gioiello nel campo dell'incisione, della fusione artistica, della forgiatura, del niello e del conio. Nel XIV secolo iniziò in diversi principati russi, che formarono l'arte monetaria. L'artigianato della pelletteria, della calzatura e della ceramica è stato progettato per il mercato e per una vasta gamma di clienti. Una varietà di piatti, giocattoli e materiali da costruzione erano realizzati con l'argilla. Inoltre, a Mosca e in altre città furono costruite chiese in pietra (per lo più in pietra bianca) e furono installati orologi da torre con rintocchi.

Le opere dei maestri hanno dato un grande contributo al ripristino della distruzione dopo le conquiste tataro-mongole. L'artigianato russo ha influenzato la preparazione dei prerequisiti economici per la creazione di uno stato centralizzato russo.

Dal 1917, il numero degli artigiani in Russia è diminuito drasticamente; Tuttavia, anche adesso l’artigianato russo comprende diverse arti e mestieri popolari di fama mondiale.

Vari tipi e tipi di artigianato

I tipi di artigianato sono formati dal materiale con cui è realizzato l'oggetto. Da molto tempo le persone conoscono mestieri come:

mestiere del fabbro

Questa è una delle prime occupazioni ad apparire nella Rus'. Le persone rimanevano sempre sorprese guardando un fabbro lavorare. Non riuscivano a capire come il maestro realizzasse oggetti così sorprendenti dal metallo grigio. Per molti popoli i fabbri erano considerati quasi dei maghi.

In precedenza, l'attività del fabbro richiedeva conoscenze specifiche e un'officina appositamente attrezzata con molti strumenti. Il metallo da cui veniva estratto veniva fuso in primavera e in autunno. Gli antichi fabbri russi fabbricavano falci, vomeri e falci per i contadini e lance, spade, asce e frecce per i guerrieri. Inoltre, la famiglia aveva sempre bisogno di coltelli, chiavi e serrature, aghi, ecc.

Al giorno d'oggi, il progresso tecnologico ha in qualche modo cambiato e migliorato il mestiere del fabbro, ma è ancora richiesto. La forgiatura artistica viene utilizzata per decorare uffici, appartamenti, case di campagna, parchi, piazze, è particolarmente richiesto nella progettazione del paesaggio.

Artigianato di gioielleria

L'artigianato orafo è uno dei più antichi della storia dell'umanità. I prodotti in oro, argento e pietre preziose sono stati a lungo considerati un segno di potere e ricchezza della classe aristocratica. Già nei secoli X e XI gli artigiani della gioielleria erano famosi per il loro talento in tutta Europa. Le persone sono appassionate fan dei gioielli fin dai tempi antichi. Le perle erano realizzate con metalli preziosi o vetro colorato, pendenti con vari disegni (di solito animali), anelli d'argento del tempio che venivano appesi a un copricapo o intrecciati in un'acconciatura, anelli, kolta, ecc.

Nel XVIII secolo in Russia fiorì l'artigianato dei gioielli. Fu in questo periodo che la professione di “orafo e argentiere” cominciò a chiamarsi “gioielliere”. Nel 19° secolo, gli artigiani russi svilupparono il proprio stile, grazie al quale i gioielli russi rimangono unici anche oggi. Le famose aziende dei fratelli Grachev, Ovchinnikov e Faberge iniziarono il loro lavoro.

Al giorno d'oggi, a causa della crescente prosperità, la popolazione ha sempre più bisogno di gioielli altamente artistici.

Ceramica

È noto che sin dal X secolo nella Rus' veniva prodotta la ceramica. Questo veniva fatto manualmente e principalmente dalle mani delle donne. Per aumentare la resistenza e la durata del prodotto, nell'argilla venivano mescolati piccoli conchiglie, sabbia, quarzo, granito e talvolta piante e frammenti di ceramica.

Poco dopo apparvero, il che rese più facile il lavoro dei vasai. Il cerchio veniva messo in moto prima con le mani e poi con i piedi. Allo stesso tempo, gli uomini iniziarono a dedicarsi alla produzione della ceramica.

La ceramica raggiunse la scala industriale nel XVIII secolo. Le fabbriche di ceramica apparvero a San Pietroburgo e poco dopo a Mosca.

Gli oggetti realizzati dai ceramisti moderni sono ancora affascinanti. Oggi la lavorazione della ceramica è un'attività popolare in molte regioni della Russia e la domanda di prodotti ceramici fatti a mano è in costante aumento.

Le arti e i mestieri popolari risalgono all'antichità, all'artigianato domestico e all'artigianato di villaggio. Successivamente si formarono artigiani che lavoravano per il mercato e laboratori privati, coinvolti nel sistema di mercato capitalista e spesso incapaci di resistere alla concorrenza dei prodotti di fabbrica. Tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. In molti paesi è iniziata una rinascita dell'artigianato artistico popolare, inclusa la Russia. Nel nostro paese esiste un programma statale speciale per sostenere e far rivivere l'artigianato popolare russo originale, tra cui: Khokhloma, Gzhel, vassoi Zhostovo, corteccia di betulla, scatole di Fedoskino, Samovar, Balalaika, dipinti di Gorodets.

Ma prima di tutto vale la pena scoprire da dove provengono, giustamente, queste opere d'arte della Rus', che hanno attraversato secoli e tante difficoltà, tramandate di generazione in generazione, da maestro a maestro, da padre a padre. figliolo, l'artigianato popolare è arrivato ai nostri tempi!

Sul fiume Uzola, nelle antiche foreste della regione del Trans-Volga, ci sono antichi villaggi russi: Novopokrovskoye, Khryashi, Kuligino, Semino. È qui che ripercorre la sua storia la famosa pesca Khokhloma. In questi villaggi vivono ancora oggi maestri artisti, che dipingono piatti in legno, continuando le tradizioni dei loro padri, nonni e bisnonni.

Tuttavia, i ricercatori non sono ancora riusciti a stabilire l'ora in cui è apparso il dipinto di Khokhloma. Dopotutto, i piatti di legno e altri utensili non venivano conservati per molto tempo. A causa dell'uso frequente si è usurato ed è diventato inutilizzabile. È stato buttato via o bruciato, sostituito con uno nuovo. I prodotti dei maestri Khokhloma ci sono pervenuti principalmente solo dal XIX secolo. Ma diverse informazioni documentarie indicano che l'attività di pesca ebbe origine in tempi più antichi, forse nel XVII secolo.

La tecnica originale caratteristica di Khokhloma, dove la pittura con cinabro e vernice nera veniva eseguita su uno sfondo dorato, trova analogie nell'antica arte russa.

I documenti menzionano che alla fine del XVI e all'inizio del XVII secolo nella Trinità-Sergio Lavra, durante il ricevimento cerimoniale degli ospiti, furono presentati mestoli di legno decorati con oro e cinabro, oltre a tazze.

All'inizio del XVII secolo, le terre del Trans-Volga furono assegnate alla Trinità-Sergio Lavra, tra cui Khokhloma. I contadini non solo vedevano questi piatti dorati, ma sapevano anche come dipingerli. Ma i maestri Khokhloma avevano il loro metodo di "doratura". I piatti venivano strofinati con polvere di stagno, ricoperti con olio essiccante e riscaldati in forni intagliati e dorati. L'olio essiccante divenne giallo a causa dell'alta temperatura e lo stagno che lo attraversava divenne dorato.

Uno dei migliori maestri della pittura Khokhloma ha parlato di questo mestiere: (La natura stessa del dipinto, imitando piatti d'oro e d'argento, è stata suggerita dall'arte decorativa Antica Rus'...Khokhloma fu probabilmente solo un riflesso tardivo di questa grande arte...)

Nel 19° secolo, la pesca crebbe così tanto da fornire i suoi prodotti in grandi quantità non solo al mercato interno, ma anche all'estero, nei paesi dell'Asia centrale e dell'Europa occidentale. Diversi villaggi dei distretti di Semenovsky e Balakninsky della provincia di Nizhny Novgorod, Makarinsky e Varnavinsky - provincia di Kostroma erano impegnati nella produzione di piatti e altri articoli per la casa. Tra loro c'era qualcosa come una divisione del lavoro. In un villaggio veniva lavorato il legno, in un altro veniva applicato un disegno.

Le prime opere di Khokhloma nella collezione del Museo Russo risalgono alla seconda metà del XIX secolo. Contano circa 170 articoli per la casa di vari scopi. I piatti sono rappresentati da ciotole e tazze di ogni dimensione: da quelle piccole, simili a coccarde da dessert, a quelle enormi di 70-80 centimetri di diametro; vari fornitori e barili di saliera e una varietà di cucchiai.

I piatti economici di tutti i giorni potevano essere distinti da semplici motivi applicati con timbri speciali realizzati in tessuto di feltro o con un fungo impermeabile. Queste sono spirali, diamanti, piccole rosette e foglie.

Gli oggetti più costosi venivano dipinti a mano con un pennello, creando varie composizioni di motivi erboristici, dove sottili ramoscelli rossi e neri leggermente ricurvi con lussureggianti fili d'erba piumati erano ritmicamente combinati.

A volte l'erba soffice rossa e nera completava il motivo ornamentale principale di un grande stelo riccio, ogni ricciolo terminava con una bacca rossa.

Negli anni '60 iniziarono a essere prodotti set e servizi multiarticolo.

Il moderno Khokhloma ha giustamente ricevuto un ampio riconoscimento non solo nel nostro paese, ma anche ben oltre i suoi confini. Set di posate, tazze, cucchiai e mobili dai colori vivaci sono esposti in molte importanti mostre internazionali. E quest'arte unica e allegra trova sempre amore e comprensione tra persone di tutte le nazionalità.

C'è un villaggio chiamato Zhostovo nella regione di Mosca, i cui abitanti da più di un secolo e mezzo padroneggiano l'arte di decorare solo una cosa: un vassoio. Sotto il pennello dei pittori popolari, questo oggetto ha acquisito le qualità di un'opera d'arte. Raccolti in mazzi o liberamente stesi su uno sfondo nero lucido, giardino e fiori di campo decorano il vassoio e trasmettono alle persone un sentimento di gioia dell'anima, la poesia dell'eterna fioritura della natura. Dopotutto, difficilmente c'è una persona che non ama la natura, che è indifferente ai fiori, alla loro bellezza, al loro aroma e al grande potere della vita in essi contenuto. Questo argomento è vicino a tutti, motivo per cui ci sono così tanti ammiratori del talento di Zhostovo non solo nel nostro paese, ma anche all'estero.

E una volta, all'inizio del XIX secolo, quando aprì il primo laboratorio a Zhostovo per la produzione di prodotti in cartapesta, il commerciante Philip Nikitievich Vishnyakov non aveva idea di aver fondato un nuovo mestiere, che alla fine sarebbe diventato uno dei centri unici della cultura popolare russa. Qui si è sviluppata l'arte originale della pittura decorativa, incorporando le tradizioni della pittura popolare su oggetti domestici e della pittura da cavalletto di natura morta, intese e rielaborate dagli artisti popolari a modo loro. I primi vassoi erano realizzati in cartapesta, così come le scatole, le tabacchiere, le scatole vintage e le scatole con esse prodotte. All'inizio, i dipinti che li adornavano erano gli stessi: paesaggi dipinti da incisioni e dipinti, sesso a tre di cavalli estivo e invernale, tea party a tavola. Poste su uno sfondo nero al centro del campo, le sagome delle figure e le macchie di colore locale erano chiaramente leggibili.

Negli anni '30 dell'Ottocento, i vassoi di Zhostovo iniziarono ad essere realizzati in metallo. Sull’idea di sostituire la cartapesta con altra materiale durevole Gli abitanti di Zhostovo portarono vassoi da Nizhny Tagil, il famoso centro della loro produzione nel XVIII secolo. Nel 19 ° secolo, a Tagil furono realizzati vassoi, decorati con motivi floreali caratteristici degli utensili dipinti popolari degli Urali.

Un altro famoso centro per la produzione di vassoi era San Pietroburgo. Qui erano di moda vassoi di forme ricci e motivi complessi raffiguranti fiori, frutti, uccelli tra varie conchiglie e riccioli stravaganti.

I maestri di Zhostovo hanno tenuto conto dell'esperienza dei pittori di Nizhny Tagil e San Pietroburgo, ma non hanno solo utilizzato gli stili e le tecniche che gli piacevano, ma sulla base di essi hanno creato il proprio stile e carattere unici per decorare i vassoi. Si è sviluppato negli anni 1870-1880.

Durante questo periodo, la richiesta di vassoi è aumentata nelle città. Nelle taverne, nei locali per bere e negli alberghi i vassoi venivano utilizzati per lo scopo previsto e come decorazione d'interni. La produzione di vassoi a Zhostovo si separò gradualmente dalle miniature laccate su cartapesta. Sorsero molti laboratori che producevano vassoi in vendita a Mosca, San Pietroburgo e in altre zone. Da allora e fino ad oggi, Zhostovo e i villaggi circostanti sono stati una sorta di riserva di quest'arte unica.

Collezione Vassoi Zhostovo nel Museo Russo è piccolo. Ma contiene opere di prima classe eseguite in periodi diversi vita del mestiere e riflette chiaramente le caratteristiche e il livello dell'arte del loro tempo.

Tra le opere più famose c'è un vassoio ovale decorato con pittura in madreperla.

Quasi ogni vassoio antico porta il marchio del laboratorio in cui è stato realizzato. Da questo marchio puoi scoprire il nome del proprietario del laboratorio e da esso puoi determinare l'ora di creazione del vassoio.

A una distanza di 50-60 chilometri a nord-est di Mosca, nel distretto di Ramensky, lungo l'autostrada Yegoryevskoye, ci sono due dozzine di bellissimi villaggi e frazioni che si fondono tra loro.

Gzhel è il nome di uno dei villaggi, l'ex centro volost, che è diventato un collettivo per l'intera regione, un simbolo di arte unica e artigianato popolare.

Gzhel è il nome dato ai prodotti in porcellana di alto valore artistico prodotti in questi luoghi, dipinti con cobalto su fondo bianco.

Gzhel fu menzionato per la prima volta in fonti scritte nel 1339 nella lettera spirituale di Ivan Danilovich Kalita. Da allora, nel corso dei secoli, come uno dei volost più redditizi, Gzhel fu ereditato dalla famiglia dei grandi principi e zar di Mosca, apportando loro notevoli entrate.

Già nel XVI secolo gli abitanti di Gzhel trasportavano gli utensili domestici in eccedenza a Mosca, e alcuni ceramisti della Yauzskaya Sloboda rimanevano lì per lavorare. Sono andati anche alle fiere e alle aste di Mosca. All'asta abbiamo conosciuto prodotti importati di artigiani da altri luoghi della Russia, da altri paesi.

Sulla base dell'artigianato e del commercio contadino, emerse gradualmente un nuovo tipo di popolazione contadina di Gzhel.

Negli anni '70 -'80 del XVIII secolo, Gzhel divenne il centro di produzione della maiolica artistica in Russia. Il fatto è che dall'apertura della manifattura di Afanasy Grebenshchikov nel 1724, molti residenti di Gzhel lavorarono lì come ceramisti. Esperti ed efficienti, afferrarono rapidamente i segreti della nuova produzione di prodotti in maiolica e, tornati in patria, avviarono le loro primitive, ma numerose nuove fucine, crearono i loro prodotti non solo con le normali argille rosse, come prima, ma usarono la nuova tecnologia delle masse bianche con aggiunte di altre varietà di argille e additivi minerali.

I prodotti originali Gzhel erano costantemente richiesti. I contadini artigiani lavoravano dall'alba al tramonto, trattando l'argilla e creando da essa le cose necessarie per la vita di tutti i giorni. Ognuno di loro aveva il proprio stile e, durante la creazione dei prodotti, ha introdotto la propria visione del mondo che lo circonda. Il valore dei piatti e dei giocattoli era determinato dai gusti degli acquirenti e controllato dalla loro domanda. La popolarità dei prodotti Gzhel significava che soddisfacevano i requisiti che soddisfacevano gli obiettivi utilitaristici e i gusti artistici delle persone di quel tempo. A metà del XVIII secolo, la produzione di ceramiche iniziò a svilupparsi abbastanza rapidamente in Russia, ma i prodotti Gzhel erano costantemente richiesti. Da qui la produzione della ceramica si diffonde a Kolomenskaya, Serpukhovskaya e in altri distretti della provincia di Mosca.

La fine del XVIII secolo fu il periodo di massimo splendore della maiolica di Gzhel; Gli artigiani locali raggiunsero un'abilità particolarmente elevata nella produzione di brocche, kumgan e kvas. Il lavoro ha richiesto grande pazienza e abilità. Il dipinto non ha consentito correzioni o alterazioni, poiché è stato eseguito su un coccio morbido, crudo e ricoperto di smalto bianco. Gli abitanti di Gzheliti producevano separatamente piccole sculture in maiolica, che spesso riflettevano scene tipiche della loro vita, composizioni piene di umorismo, soldati, contadine, modaioli e dandy, impegnati in una cosa o nell'altra. Le trame erano espressive e comprensibili, accattivanti con la chiarezza dei loro piani e l'ingenuità dei loro creatori: semplici artigiani popolari.

Per molti decenni, i residenti di Gzhel hanno creato piastrelle di straordinaria bellezza e varietà di dipinti per decorare stufe e caminetti. L'Hermitage ora conserva oltre 500 dei loro campioni nella sua collezione.

Molti maestri Gzhel hanno partecipato alla creazione di ceramiche in altri luoghi della Russia.

Hanno cercato di restituire la semi-maiolica di Gzhel negli ultimi anni del XVIII secolo. Gli oggetti realizzati con questo materiale importati dall'estero erano così costosi che solo pochi potevano acquistarli, ma spingevano involontariamente i residenti di Gzhel a padroneggiare la tecnologia della loro produzione.

La semi-maiolica aveva già un coccio bianco, anche se spesso, e la pittura veniva eseguita non su smalto grezzo, come sui prodotti in maiolica, ma dopo cottura, su un coccio duro, il che facilitava notevolmente, velocizzava il lavoro e accelerava i difetti.

La semi-maiolica è diventata un fenomeno artistico meraviglioso quanto la maiolica. Gli abitanti di Gzhel riuscirono ad ottenere stoviglie bianche, simili alla terracotta, all'inizio del XIX secolo. Aggiungendo calce alla loro argilla, il popolo Gzhel ottenne un materiale chiamato maiolica semplice o semi-maiolica e durante il XIX secolo creò con esso decine di migliaia di articoli domestici necessari.

Ci è voluto un po' di tempo prima che il popolo Gzhel sviluppasse il proprio stile unico di pittura sul cobalto, ma gradualmente ha raggiunto la perfezione nella semi-maiolica. Il colore blu diventa classico, inseparabile dalla semi-maiolica Gzhel. Si tratta di un nuovo linguaggio pittorico visivo che sostituisce il disegno di contorno con la colorazione policroma, precedentemente utilizzata nella maiolica. La vernice blu si combina meglio con lo smalto, produce meno difetti durante la cottura ed emette uno splendore senza tempo. Il dipinto contiene anche elementi di umanizzazione e spiritualizzazione delle cose.

Entro la metà del 19° secolo, Gzhel era il più grande fornitore di prodotti ceramici del paese.

Nella seconda metà del XIX secolo si verificarono cambiamenti significativi nella produzione ceramica russa. Le grandi fabbriche meccanizzate sono ora in testa. La produzione economica, i prodotti di alta qualità e i prezzi moderati hanno permesso di vincere la battaglia sui mercati di vendita.

Nel 1926, il numero dei lavoratori nell'industria della porcellana e della maiolica nella regione di Gzhel era di 506 persone.

La Gzhel Partnership è stata creata nel 1972 dalla fusione di sei piccoli laboratori di diversi villaggi.

Nel villaggio di Zhirovo producono caminetti in ceramica, nei villaggi di Troshkovo e Fenino - ceramiche e piatti in maiolica. Nel villaggio di Fenino, insieme ad un'azienda italiana, sta nascendo un impianto produttivo per la produzione di piastrelle e piastrelle. Nel villaggio di Kolomino-Fryazino producono giocattoli di porcellana e produzione moderna nei villaggi di Turygino e Bakhteevo - i principali centri per la produzione di porcellana artistica.

I maestri Gzhel preservano profondamente e sacralmente le tradizioni dei loro antenati, le sviluppano e le moltiplicano in modo creativo. Nel mondo semi-fiabesco creato dai ceramisti dell'odierna Gzhel, è difficile tracciare una linea netta tra l'arte del passato e quella del presente. La sorgente nata secoli fa nell'animo del popolo russo non si secca; Dopo aver attraversato lo spessore dei secoli, rimane ancora una potente forza estetica e non perde la sua purezza. La continuità delle tradizioni degli artigiani popolari e la lealtà nei loro confronti è il seme del successo e della popolarità della ceramica Gzhel nel nostro tempo.

La storia di Gzhel risale a secoli fa e la sua arte popolare è destinata lunga vita, oggi il famoso artigianato popolare sta acquisendo nuova forza. Gli uccelli azzurri di Gzhel volano in diverse parti del pianeta per decorare la vita delle persone e coltivare un senso di bellezza.

corteccia di betulla

Corteccia di betullaPer molto tempo nella Rus', la corteccia di betulla veniva utilizzata per realizzare oggetti domestici e utili: si intrecciavano cestini e scatole. E in contenitori di corteccia di betulla conservavano miele e frutti di bosco, panna acida e burro... In tale “confezione” tutto rimaneva fresco per lungo tempo.

Hanno anche realizzato scatole e cofanetti con corteccia di betulla, tutti i tipi di scatole, piatti e persino scarpe di rafia. Erano dipinti con colori vivaci e allegri: dipingevano fiori e bacche, ramoscelli verdi e uccelli favolosi, animali sconosciuti o molto conosciuti. A volte sotto il pennello del maestro nasceva una vera e propria immagine: buffoni burloni suonavano balalaika, orsi danzavano... Non puoi distogliere lo sguardo dal bellissimo motivo, dall'ornamento colorato...

La corteccia di betulla è un materiale eccellente per tagliare sottili motivi di pizzo con un coltello affilato. Sembra che questa bellezza sia stata tessuta da un'abile merlettaia. Tale "pizzo" di corteccia di betulla traforato veniva utilizzato per decorare cofanetti, cofanetti, portacipria e scatole, vasi e tazze. E per enfatizzare il modello e il design stravaganti, gli artigiani a volte posizionavano fogli colorati o pezzi di mica sotto il “pizzo” di corteccia di betulla.

Hanno anche stampato motivi sulla corteccia di betulla con timbri speciali. Questo si chiama goffratura. Questo metodo rendeva i prodotti realizzati con esso particolarmente eleganti.

La corteccia di betulla è stata a lungo utilizzata per realizzare vari prodotti domestici e artistici. Le lettere di corteccia di betulla trovate durante gli scavi a Veliky Novgorod e in altre città russe sono sopravvissute fino ad oggi. I prodotti in corteccia di betulla erano decorati con pittura, intaglio e goffratura.

Il commercio della corteccia di betulla era diffuso in tutto il nostro Paese. Le tradizioni di realizzare prodotti artistici con la corteccia di betulla sono state preservate nel nord, regioni nord-orientali la parte europea della Russia, nella regione del Volga, Siberia, Yakutia.

E oggi, nel 21° secolo, l'interesse per gli antichi mestieri popolari e l'arte dei nostri antenati non è svanito. Ammiriamo il talento dei maestri che ci hanno regalato la bellezza. E non importa affatto che non sia fatto di oro e argento, ma di corteccia di betulla ordinaria, modesta, ma anche magica.

L'origine della pittura Mezen rimane ancora un mistero. Alcuni ricercatori lo confrontano con il dipinto della Repubblica dei Komi, altri credono che abbia avuto origine da antiche immagini greche. Il ricercatore di pittura V.S. Voronov, ad esempio, ha detto al riguardo: "Questo ornamento, che ha conservato nei suoi elementi i resti più profondi degli stili arcaici dell'antica Grecia, copre le superfici degli oggetti in legno con uno spesso pizzo". È molto problematico stabilirlo ai nostri giorni, perché forse sono passati più di cento anni dalla comparsa del dipinto Mezen. Se ne seppe nel 1904, ma, ovviamente, la pittura ebbe origine molto prima. La natura insolita del dipinto, la sua natura grafica e l'interpretazione primitivo-convenzionale delle immagini di cavalli e uccelli incoraggiano i ricercatori a cercare le origini della pittura Mezen nell'arte dei vicini popoli del nord e nelle pitture rupestri. V.S. Voronov, studiando gli stili della pittura popolare su legno in diverse regioni della Russia, ha individuato Mezen come “misterioso e curioso”, sottolineando i suoi legami con gli stili dell’antica Grecia.

Le origini di questo tipo di pittura portano al corso inferiore del fiume Mezen nella regione di Arkhangelsk. Con esso furono dipinti vari utensili domestici: filatoi, mestoli, scatole, cassapanche, cofanetti. Dalla fine del XIX secolo, il villaggio di Palashchelye divenne il centro della pittura Mezen, motivo per cui la pittura su legno Mezen è conosciuta anche come “pittura Palashelye”.

L'area della pittura Mezen è molto estesa. Oltre al bacino di Mezen con Vashka, comprende a ovest le aree di Pinega e il corso inferiore della Dvina settentrionale fino alla penisola di Onega, e ad est i bacini di Izhma e Pechora. Qui puoi trovare ruote che girano con il dipinto Mezen non solo di Palashchelye, ma anche di altri villaggi.

Molto spesso, i dipinti di Mezen raffiguravano figure di cervi, cavalli e meno spesso persone, ma veniva dipinta solo la sagoma di una persona. Nonostante tutto in questo dipinto sia semplice e conciso, puoi scrivere un intero saggio con disegni, trasmettere qualche tipo di messaggio con l'aiuto dei segni. Dopotutto, ci sono molti segni degli elementi, dei luminari, della terra, nonché della protezione e del rifornimento della famiglia. Conoscendo la loro decodificazione, puoi leggere ogni opera.

Fondamentalmente ai vecchi tempi si dipingevano filatoi. I filatoi Mezen erano davvero unici. In primo luogo, se i normali filatoi erano costituiti da tre parti: un fondo, un montante e una lama, allora in Mezen i filatoi venivano realizzati in un unico pezzo, per il quale venivano selezionati alberi le cui radici potevano diventare il fondo.

E in secondo luogo, i disegni stessi erano unici. Gli scienziati ritengono che la parte anteriore del filatoio, raffigurata in modo molto rigoroso, sia divisa in tre parti utilizzando motivi geometrici: cielo, terra e inferi. Nel cielo erano raffigurati gli uccelli e la cosiddetta “finestra”, con l'aiuto della quale si poteva comunicare con Dio. Quindi venivano raffigurate file dopo file di cavalli e cervi o un albero, spesso con un uccello seduto sulla sommità della testa. Negli inferi venivano dipinti anche cervi e cavalli, ma sfumati con vernice nera. E sul retro, l'artista, mantenendo rigorosamente i livelli, potrebbe fare iscrizioni, ad esempio: "A chi amo, do". Gli arcolai con messaggi simili venivano regalati dal marito alla moglie per un matrimonio o per la nascita di un figlio. A proposito, solo gli uomini erano impegnati nella pittura, tramandando quest'arte di generazione in generazione.

Tradizionalmente, gli oggetti dipinti con la pittura Mezen hanno solo due colori: rosso e nero (fuliggine e ocra, successivamente minio). Il dipinto veniva applicato su legno non primerizzato con uno speciale bastone di legno (morsa), una piuma di gallo cedrone o di gallo cedrone o una spazzola per capelli umani. Quindi il prodotto si è asciugato, conferendogli un colore dorato. Attualmente, in generale, la tecnologia e la tecnica della pittura Mezen sono state preservate, ad eccezione del fatto che i pennelli hanno cominciato ad essere usati più spesso. Si avverte anche una certa differenza interna tra la pittura Mezen moderna e quella antica, perché inizialmente la pittura veniva eseguita solo da uomini, mentre ai nostri giorni è più eseguita da donne.

Ora la pittura Mezen è praticata in quasi tutta la Russia e in alcune scuole è inclusa nel programma arti visive.

La pittura su legno di Gorodets, un'attività artistica tradizionale sviluppatasi a metà del XIX secolo nei villaggi lungo il fiume Uzole nelle vicinanze di Gorodets, nella regione di Nizhny Novgorod.null

L'origine della pittura deriva dalla produzione dei filatoi Gorodets, intarsiati con quercia di palude e decorati con intagli di contorno. A differenza dei diffusi filatoi, ricavati da un unico monolite di legno, i filatoi Gorodets erano costituiti da due parti: il fondo e il pettine. Il fondo era una tavola larga, rastremata verso una testa con una “punta” a forma di piramide, nel foro della quale era inserito il gambo del pettine. Quando non si lavorava al filatoio, il pettine veniva tolto dal pettine e la parte inferiore veniva appesa al muro, diventando una sorta di pannello decorativo.

A metà del secolo scorso gli artigiani cominciarono a far rivivere i fondi intarsiati, prima solo tingendo il fondo, poi intagliando, e successivamente introducendo disegni a trama colorata. Il primo fondo simile sopravvissuto fino ad oggi è stato realizzato dal maestro Lazar Melnikov nel 1859. A poco a poco, la pittura, tecnologicamente più semplice, ha finalmente sostituito l'intarsio ad alta intensità di manodopera. I maestri Gorodets trasferirono nella pittura non solo i soggetti precedentemente utilizzati nell'intarsio, ma anche un'interpretazione generalizzata delle immagini suggerite dalle tecniche di intaglio. Il dipinto utilizzava colori vivaci e ricchi di rosso, giallo, verde, nero, mescolati con colla liquida per legno. Nel tempo la gamma si è ampliata; Oltre ai tradizionali filatoi, i Donet iniziarono a produrre e dipingere scatole di pennelli, giocattoli di legno, mobili, persino parti della casa, persiane, porte e cancelli. Nel 1880 furono coinvolte nella pesca circa 70 persone provenienti da sette villaggi vicini. Tra i maestri più antichi che divennero i fondatori della pittura di Gorodets, furono conservati i nomi dei fratelli Melnikov e G. Polyakov, successivamente si unirono ai pittori che conservarono i segreti dell'arte all'inizio del XX secolo I. A. Mazin, F. S. Krasnoyarov; , T. Belyaev, I. A. Sundukov.

A poco a poco furono sviluppate le tecniche originali della pittura di Gorodets, che nella loro natura a più fasi erano vicine alla pittura professionale. Inizialmente viene dipinto lo sfondo, che funge anche da primer. Sulla base dello sfondo colorato, il maestro realizza un “underpainting”, applicando le principali macchie di colore con un pennello grande, dopodiché modella la forma con pennelli più sottili. Il dipinto si completa “vivendo” con il bianco e il nero, unendo il disegno in un tutt’uno. La trama finita è solitamente racchiusa in una cornice o contorno grafico. Nella pittura di Gorodets ci sono molti semplici motivi ornamentali di rose, boccioli ed erba.

Con lo sviluppo dell'artigianato, anche i soggetti della pittura, apparentemente presi in prestito da stampe popolari, si arricchirono notevolmente. Oltre ai cavalli tradizionali, apparvero tea party, feste, scene di vita cittadina, personaggi di racconti popolari e scene di battaglia ispirate alla guerra russo-turca.

La pesca Gorodets esiste da circa cinquant'anni. Il suo periodo di massimo splendore fu nel 1890, quando la produzione di Donets raggiunse i 4mila all'anno, ma all'inizio del XX secolo la pesca era caduta in declino. Dopo la prima guerra mondiale la produzione pittorica cessò completamente e anche i pittori più famosi furono costretti a cercare altri redditi.

La rinascita della pittura di Gorodets è associata al nome dell'artista I. I. Oveshkov, arrivato nella regione di Gorkij nel 1935 da Zagorsk. Grazie ai suoi sforzi, nel villaggio di Koskovo è stato aperto un laboratorio pubblico, che riunisce i vecchi pittori. Oveshkov non solo ha assunto la direzione del laboratorio, ma ha anche organizzato la formazione professionale degli artisti. Con la sua partecipazione diretta inizia l'ampliamento della gamma dei prodotti verniciati: scatole, pensili per stoviglie, seggioloni e paraventi. Nel 1937, gli artigiani Gorodets parteciparono alla mostra "Folk Art", tenutasi presso la Galleria Tretyakov di Mosca, dove furono mostrati prodotti moderni accanto al popolo del Don del XIX secolo

Nel 1951, nel villaggio di Kurtsevo, fu aperto l'artel di falegnameria e mobili Stakhanovets, guidato dal pittore ereditario Gorodets A.E. Konovalov. L'artel iniziò a produrre mobili con motivi di pittura tradizionale su armadi, comodini, sgabelli e tavoli; la gamma era in continua espansione. Nel 1960, l'artel fu trasformato nella fabbrica di pittura Gorodets.

Attualmente la fabbrica produce giocattoli a dondolo dipinti, mobili per bambini, pannelli decorativi, piatti e utensili per tornire. Sebbene lo scopo funzionale dei prodotti Gorodets sia cambiato, i motivi e le immagini tradizionali, i cavalli dalle gambe lunghe, i cavalieri, gli uccelli magici e i fiori sono stati preservati nei loro dipinti.

Storia della balalaika

La Balalaika è uno strumento musicale popolare russo a tre corde con un corpo triangolare in legno. La balalaika è diventata un simbolo musicale integrale della Russia. La storia dell'origine della balalaika risale a secoli fa e non è chiara. Alcuni credono che questo strumento sia stato inventato nella Rus', mentre altri storici sostengono che la storia della balalaika abbia origine dallo strumento popolare kirghiso-kaisak: la dombra. Inoltre, la stessa parola “balalaika” provoca molte speculazioni e controversie. L'ipotesi più elementare è che la parola “balalaika” abbia la stessa radice di parole come balacat, balabonit, balabolit, balagurit, che significa chiacchierare, anello vuoto. Tutte queste parole trasmettono l'unicità di questo strumento popolare: leggero, divertente, "strimpellato", non molto serio.

La maggior parte degli storici ritiene che la balalaika sia stata inventata intorno al 1715, ma ci sono molti documenti storici che parlano della storia precedente della creazione della balalaika. La prima menzione scritta della balalaika è contenuta in un documento datato 13 giugno 1688 - "Memoria dello Streletsky Prikaz al piccolo russo Prikaz", in cui viene menzionato il contadino Ivashko Dmitriev che suona la balalaika. Il successivo documento che traccia la storia della balalaika risale al 1715. Si tratta di un “Registro” firmato da Pietro I, risalente al 1715: a San Pietroburgo, durante la celebrazione delle nozze clownesche del “principe-papà” N.M. Zolotov, oltre ad altri strumenti portati dai mummers, quattro balalaika sono stati nominati.

Fino ad ora, la balalaika ha vissuto diversi periodi della sua storia. O questo strumento popolare fu dimenticato, oppure con rinnovato vigore divenne popolare in tutti i villaggi e frazioni. Perché i russi sono così attratti dai suoni di questo strumento? Forse questi suoni allegri, strimpellati, leggeri e divertenti hanno aiutato i nostri antenati a dimenticare tutte le difficoltà della vita contadina, o forse questi suoni hanno trasmesso tutta l'essenza della vita nella Rus' e ora, dopo aver ascoltato il suono della balalaika, possiamo facilmente guardare alla storia attraverso gli occhi dei nostri antenati. Chissà quali alti e bassi attendono questo strumento popolare russo unico, ma ora possiamo dire con sicurezza che la balalaika è lo strumento popolare russo più riconoscibile in tutto il mondo.

L'uso di materiali naturali è una delle tradizioni generali e fondamentali dell'arte popolare. È nella materia che è contenuto caratteristiche artistiche. Intaglio e pittura del legno, tessitura, ricamo, tessitura del pizzo, lavorazione della corteccia e della radice di betulla, ceramica, forgiatura del metallo - con tutta la varietà di tecniche e materiali, i moderni artigiani popolari di queste antiche arti aderiscono a elementi, forme e soggetti tradizionali.

La lavorazione artistica del legno e della corteccia di betulla occupa un posto eccezionale nella storia della creatività contadina russa.È strettamente connesso con tutta l'arte dell'antica Rus': con l'architettura in legno intagliato, la falegnameria e l'artigianato. Il materiale e la tecnica di lavorazione sono inscindibili dalla natura degli oggetti realizzati. Dettano sia la loro affiliazione generica, lo scopo funzionale e le caratteristiche della forma. Un germoglio di pianta dolcemente curvato con riccioli ripidi è uno dei motivi più comuni nell'arte moderna della corteccia di betulla. A volte il disegno si estende liberamente lungo il piano, sviluppandosi in più direzioni, a volte è dato sotto forma di rami-spirali o steli che si ripetono ritmicamente, estendendosi simmetricamente dal centro a destra e a sinistra con molte foglie e rami, sormontati da trifogli dalla forma elegante , rosette, mele, fiori stilizzati e bacche. I maestri usano anche altre tecniche, posizionando, ad esempio, tra un rigoglioso motivo floreale un'immagine di uccelli interpretata ornamentalmente, che funge da talismano.

La famosa miniatura in lacca di Mstera proviene dalla scuola di pittura di icone XVII secolo. Per più di 200 anni, utilizzando una tecnica pittorica unica, qui sono stati creati capolavori conosciuti ben oltre i confini della regione: scatole, portacipria, astucci per aghi, cofanetti. Creare un prodotto in miniatura laccato non è facile. Ci vuole grande abilità come artista. La terra di Mstera sorprende con i suoi artigiani. Il ricamo di Mstera, conosciuto fin dal XVII secolo, è stato ampiamente sviluppato nelle moderne arti decorative e applicate. Uno dei ricami più belli ed eleganti è il punto pieno bianco con eleganti piccoli motivi floreali su tessuti di cotone sottile. Superficie bianca - ricamo con fili bianchi su campo bianco - famoso per le sue maglie traforate, i tagli, l'alta qualità, non ha né fronte né retro, sembra ugualmente bello su entrambi i lati. Le artigiane creano abilmente gli ornamenti più complessi, riproducono forme architettoniche e immagini di figure umane. Si ritiene che solo le ricamatrici Mstera conoscano bene questa complessa tecnica (che comprende fino a 200 tagli diversi).

Artigiani del Nord russo fin dall'antichità sono famosi per l'arte della lavorazione del legno, dal XVIII secolo - per i prodotti di Arkhangelsk con ricami in oro, tessitura a mano con motivi, lavoro a maglia a mano e dal XIX secolo - per un meraviglioso giocattolo di argilla chiamato "Giocattolo di Kargopol". I maestri popolari dell'intaglio artistico del legno realizzano mestoli tradizionali: anatre, cofanetti, saliere, candeika, assi da cucina, decorati con motivi di ornamenti popolari del nord della Russia. I maestri del ricamo decorano i prodotti con perline, pizzi, ricami a mano, applicazioni e orli a giorno. Le tradizioni dei giocattoli Kargopol modellati in argilla sono incarnate nelle composizioni a più figure “Gatherings” e “Carts”. “Boscaioli”, “Troika”, uccelli, animali, fischietti dipinti, che riflettono l'antica cultura di Kargopol.

Su una pittoresca collina sulle rive del fiume Kunya, l'affluente sinistro del Dubna, si trova il villaggio di Bogorodskoye, il luogo di nascita del meraviglioso artigianato popolare di giocattoli e sculture in legno intagliato. . Bogorodskoye è un antico villaggio. A metà del XV secolo il villaggio apparteneva al boiardo di Mosca M.B. Già nei secoli XV-XVI i contadini di Bogorodsk, a quel tempo servi del monastero, gettarono le basi per l'artigianato artistico della lavorazione del legno che successivamente si sviluppò. Il villaggio è diventato uno dei centri dell'arte popolare nella storia dell'arte applicata russa. A Sergiev Posad esiste una leggenda su come a metà del XVIII secolo un residente dell'insediamento scolpì una bambola di 9 vershok (40 cm) e la vendette al mercante Erofeev, che commerciava alla Lavra. Lo mise come decorazione nel negozio. Il giocattolo fu immediatamente acquistato con grande profitto per il commerciante. Successivamente, Erofeev ha ordinato un intero lotto di tali giocattoli. Particolarmente interessanti sono i giocattoli con movimento: su sbarre, con bilancia, con pulsante. Questi dispositivi semplici, ma sempre spiritosi nel design, rendono il giocattolo vivace, espressivo e particolarmente attraente.

Il souvenir di Vyatka risale al luglio 1930, quando nella città di Nolinsk, nella provincia di Vyatka, fu creato un artel chiamato "Libertà". I prodotti principali dell'artel erano vari prodotti in legno necessari nella fattoria e giocattoli per bambini su base girevole. L'assortimento tradizionale è stato ampliato. Sono stati prodotti i prodotti di tornitura "Barile-salvadanaio", un set da casalinga e un fischietto "Usignolo". Le qualifiche dei tornitori del legno hanno permesso loro di creare i prodotti di tornitura più complessi: originali bambole nidificanti in legno. Il segreto principale dell'attrattiva della bambola da nidificazione in legno è che la sua immagine esterna di una grande donna-madre russa è completata da struttura interna, nelle sue ripetizioni-inserti, compresi gli uni negli altri.

Dipinto di Gorodets - un fenomeno unico della cultura nazionale russa, uno dei mestieri artistici più famosi in Russia, il fenomeno più brillante dell'arte “ingenua”. Questa arte popolare combina le caratteristiche dell'originalità artistica della pittura popolare, le cui radici risalgono a secoli fa. La storia della trama unica del dipinto risale a più di un secolo e mezzo fa. Nelle loro composizioni, gli artisti contadini hanno scoperto un mondo figurativo unico. Tra i soggetti più comuni della pittura ci sono le feste, i tea party, il famoso cavallo e cavaliere Gorodets e le feste popolari. I motivi nordici sono vividamente incarnati in samovar, cofanetti, cassapanche e scatole di rafia dipinti con motivi di Mezen, Pinezh, Severodvinsk, pittura Shenkur, scacchi regalo e utensili da cucina, le cui tecnologie tradizionali e tecniche di produzione sono accuratamente preservate e tramandate dagli artigiani dell'impresa. L'antico mestiere popolare di realizzare un giocattolo di legno dipinto sotto forma di una bellezza luminosa ed elegante con le guance rosee e rose scarlatte sul grembiule ha avuto origine nella talentuosa terra di Nizhny Novgorod all'inizio del XX secolo. Pittura della casa commerciale Semyonovskaya - una delle fabbriche più antiche della Russia che produce giocattoli per bambini, souvenir e tradizionali bambole russe.

Le origini dell'artigianato Untsukul delle incisioni metalliche su legno risalgono a un lontano passato: XVII-XVIII secolo. Il primo prodotto artistico tipico degli artigiani di quel tempo era il manico di una frusta, fatto di corniolo, decorato con intagli artistici. Successivamente, gli artigiani iniziarono a decorare le canne decorative con incisioni ornamentali in metallo e iniziarono ad apparire pipe artistiche e tabacchiere. Il motivo ornamentale Untsukul si basa su una struttura compositiva stabile e chiaramente fissata, chiamata “ishan” (modello, segno). Il materiale principale oggi, come prima, è il corniolo e il legno di albicocca. Il legno degli arbusti di corniolo, caratterizzato da buona densità, durezza e viscosità, viene utilizzato per realizzare canne e calzascarpe. L'albicocca viene utilizzata per realizzare vasi, brocche, ecc.

Per diversi secoli, l'artigianato Khokhloma è stato una parte importante della cultura popolare russa. La doratura con polvere di stagno veniva utilizzata nella pittura di icone. Un prodotto in legno, rivestito con un sottile strato di metallo e olio essiccante, è stato riscaldato in un forno, da cui ha acquisito una tonalità dorata. Questo metodo è stato adottato dagli artigiani della Trans-Volga e migliorato. Dal XVII secolo i piatti in legno dipinto erano famosi in tutta la Russia: i piatti “cerimoniali” venivano realizzati su ordini speciali in piccoli lotti. Era consuetudine presentare agli ospiti illustri e agli ambasciatori stranieri piatti realizzati con diversi tipi di legno, diverse forme e decorazioni artistiche. Il metodo della tecnologia Khokhloma nelle sue origini è associato alla pittura di icone. Fu da lì che l'artigianato ereditò la tecnica della pittura sull'oro Khokhloma. Nel corso del tempo, la tecnica della pittura di icone sull'oro di Khokhloma andò perduta e solo tre secoli dopo, alla fine del nostro secolo, quest'arte fu ripresa. I maestri della pittura Khokhloma svilupparono tre tipi principali di pittura: erba, pittura “sotto lo sfondo” e Kudrina. Il calore, l'originalità, la poesia e la favolosa bellezza del modello tradizionale rendono i prodotti Khokhloma straordinariamente belli. Ogni prodotto è dipinto dall'inizio alla fine da un artista senza utilizzare alcun modello, ovvero ogni prodotto, infatti, è individuale dell'autore. La pittura di Khokhloma oggi è diventata insolitamente sottile, virtuosistica ed emotiva. Alla ricerca di forme espressive di prodotti, i loro creatori aderiscono alle migliori tradizioni degli utensili e dei mobili in legno russi. L'arte delle miniature Palekh è relativamente giovane. È nato durante l'era sovietica. Dopo la laurea guerra civile, i maestri Palekh hanno inventato il nuovo tipo applicazione della tua arte. Letteralmente nel giro di cinque o sei anni nacque una nuova arte del grande Palekh: miniature laccate su tutti i tipi di oggetti usati nella vita di tutti i giorni: scatole, portasigarette, spille, quaderni, portacipria e altre piccole cose necessarie fatte di cartapesta . La nuova arte presentava anche nuovi temi: furono aggiunte scene della vita di villaggio, scene di racconti popolari russi e scene tratte dalle opere di scrittori e poeti russi. Il desiderio dei pittori di icone Palekh di glorificare la bellezza della loro natura nativa, di trasmettere alle nuove generazioni la loro ricca esperienza e i segreti della pittura, custoditi per secoli, hanno portato alla creazione di un linguaggio artistico speciale. Tra i soggetti della pittura Palekh, insieme a danze rotonde, troiche di cavalli, musicisti e scene di caccia, ci sono gli eroi delle favole di Krylov, le fiabe di Pushkin e magnifici paesaggi di luoghi pittoreschi della loro terra natale. I maestri Palekh hanno padroneggiato nuove transizioni di colore, concentrandosi su relazioni più sottili tra i toni. Con lo sviluppo dell'arte Palekh, la modellazione tradizionale del volume delle figure raffigurate con spazi dorati divenne una soluzione per altri problemi della pittura in miniatura: gli artisti iniziarono a usare l'oro per riempire lo spazio dell'immagine con luce e calore. Nella poliedrica e diversificata arte decorativa, applicata e popolare russa, la pittura in miniatura laccata è preferita per la sua unicità, bellezza, talento degli artisti e le loro “mani d'oro”. Le miniature in lacca sono realizzate a mano, molto laboriose e complesse, sia nell'esecuzione che nella comprensione.

La miniatura laccata di Fedoskino ha più di due secoli. Questo è un fenomeno unico nell'arte russa e mondiale. Apparse in Russia dall'estero e guadagnate popolarità anche grazie a una cosa passeggera come la moda di fiutare il tabacco, le miniature in lacca Fedoskino divennero un fenomeno indipendente della vita artistica, incorporando l'esperienza degli artigiani popolari, le influenze artistiche della pittura da cavalletto e le delizie decorative della tecnologia dei gioielli, l'ingenua sincerità del folklore, la magia delle fiabe russe. Questo mestiere ha acquisito un'anima veramente russa. Le fabbriche all'estero che hanno dato origine alla scrittura in miniatura laccata russa sono scomparse da tempo, ma essa stessa esiste e si sviluppa oggi, rimanendo fedele alle antiche tradizioni e aprendo nuovi orizzonti alla creatività. La storia dell'artigianato inizia nel 1795, quando il commerciante Pyotr Ivanovich Korobov, mentre si trovava nella città tedesca di Braunschweig, presso la fabbrica di Johann Stobwasser, conobbe i prodotti in lacca di cartapesta ivi prodotti. Queste erano tabacchiere con miniature pittoresche sui coperchi. Gli piacevano così tanto che acquistò una produzione del genere, assunse diversi maestri laccatori di Brunswick e li portò in Russia. Cinque o sei anni dopo, nella fabbrica lavoravano già una cinquantina di artigiani e nella scuola di disegno studiavano fino a venti studenti. L'assortimento della fabbrica si espanse: ora c'erano una varietà di tabacchiere, portafogli, portafiammiferi, portasigarette, scatole e teiere con dipinti su cinque lati, occhiali da viaggio speciali (diversi pezzi uno nell'altro), e strumenti per scrivere, tavoli per scacchi e vassoi. È bello prendere in mano una cosa del genere, è comoda e funzionale. I prodotti Lukutin portano lo stemma imperiale, a testimonianza degli eccezionali meriti dei maestri laccatori. Le miniature in lacca Fedoskino sono realizzate con colori ad olio in tre o quattro strati: ombreggiatura (schizzo generale della composizione), pittura o ridipintura (lavoro più dettagliato), smaltatura (modellazione dell'immagine con vernici trasparenti) ed evidenziazione (finitura del lavoro con vernici leggere che trasmettono evidenziazioni sugli oggetti) vengono eseguiti in successione. La tecnica originale di Fedoskino è quella della “scrittura attraverso”: sulla superficie prima della verniciatura viene applicato un materiale riflettente: vengono realizzati inserti in polvere metallica, foglia d'oro o potale, oppure madreperla. Traslucidi attraverso strati trasparenti di vernici smaltate, questi rivestimenti conferiscono all'immagine profondità e uno straordinario effetto luminoso. Oltre ai dipinti in miniatura, i prodotti sono decorati con "filigrana" (un ornamento di pezzi di lamina in miniatura della forma desiderata disposti su vernice bagnata), "tsirovanka" (graffiando un disegno utilizzando un motivo su vernice posta sopra un foglio di metallo sulla superficie del prodotto), “tartan” (una rete complessa, applicata con vernici liquide utilizzando un pennarello utilizzando un righello), ecc. Nelle miniature in lacca Fedoskino, le immagini sono realistiche e tridimensionali. Scene quotidiane e di genere, fiabe russe, paesaggi, ritratti, umorismo spontaneo e bonario, trame ispirate a opere letterarie, antiche "troika" e "tea party", motivi folcloristici: un'enorme varietà di temi nelle miniature Fedoskino. La pittura in miniatura in lacca è un'arte da camera; è molto difficile vederla nelle sale espositive, dove è impossibile esaminarne attentamente i dettagli, solo un attento esame consente di comprenderla e apprezzarla.

Il dipinto in miniatura di Kholuy è esattamente così, ma ha le sue caratteristiche distintive. È realistico e allo stesso tempo decorativo, motivo per cui è comprensibile. A Kholuy, come da nessun'altra parte, l'attenzione principale è rivolta all'immagine di una persona. La persona è iperbolicamente monumentale, sia che si tratti dell'immagine del severo “Profetico Oleg” o dell'aggraziata “Fanciulla di neve”, del disperato “Stepan Razin” o del potente “Svyatogor l'Eroe”. Questa caratteristica è specificamente russa e può essere chiaramente vista in tutta l'arte nazionale. Anche la bellezza del dipinto in miniatura di Kholuy è unica, discreta, ma convincentemente gentile e attraente, a partire dalla forma e dalle proporzioni del prodotto stesso e terminando con il motivo ornamentale. Alla fine del XIX secolo, sul territorio del moderno distretto di Chkalovsky, si sviluppò un tipo speciale di ricamo “per tiro”, cioè utilizzando una larga maglia formata estraendo i fili longitudinali e trasversali del tessuto, noto come “guipure”. Con la sua trasparenza e morbidezza, questo ricamo ricorda il pizzo. L'elemento principale del motivo caratteristico della "guipure di Nizhny Novgorod" sono i rombi e i "fiori". Esistono circa 50 tipi di cuciture - tagli con cui vengono riempiti i "fiori". Il ricamo artistico diventa oggetto di commercio e tutta la popolazione femminile dei villaggi sedeva al telaio dall'alba al tramonto, ricoprendo la tela bianca con un motivo traforato. Il ricamo in oro di Gorodets è uno dei tipi più antichi e unici di arte popolare altamente artistica in Russia. Le artigiane di Gorodets erano eccellenti nel padroneggiare il mestiere più difficile del ricamo in oro e avevano un acuto senso delle possibilità decorative dei fili metallici di diverse trame e torsioni. Le migliori artigiane conoscevano più di 100 versioni complicate di ricamo utilizzando solo la tecnica degli attacchi a motivi, così come l'antico punto ad anello ("per lavoro axamite"), costituito da anelli elastici d'oro o d'argento, che riempivano densamente i motivi principali dell'ornamento e molte altre tecniche di ricamo uniche. Tutto il distretto conosceva il proprietario del piatto d'oro; ciò aumentava il prestigio della sposa. Spesso persone provenienti da tutta la zona venivano dalle artigiane di Gorodets per ordinare tali sciarpe. Anche i mercanti di Gorodets amavano farsi fotografare con costumi antichi.

Il ricamo Kadom ebbe origine nell'era di Pietro il Grande, che ordinò ai boiardi e ad altri nobili di indossare abiti riccamente decorati con pizzi . La nobiltà russa dovette pagare in oro per Bruxelles e i merletti veneziani. E affinché il tesoro statale non scarseggiasse, lo zar proibì l'acquisto di merletti all'estero e ordinò che alle suore russe venisse insegnato a fare i merletti. Diverse artigiane furono portate al Monastero di Kadoma da Venezia, che insegnarono alle donne ricamatrici locali l'arte di creare meravigliosi modelli. Dopo aver imparato rapidamente la tecnica del ricamo dei gioielli, le ricamatrici iniziarono prima a tessere meravigliosi pizzi veneziani, e presto sulla base di esso crearono un ricamo ad ago unico - "veniz", lasciando il nome basato sulla parola "veneziano".

Questo tipo di artigianato popolare, sorto durante il regno di Pietro 1, è stato in grado di sopravvivere e ricevere ulteriore sviluppo ai nostri tempi. La fabbrica di ricamo artistico Tarusa fu originariamente fondata come artel di ricamatori da uno dei maggiori specialisti di arti e mestieri popolari N.Ya Davydova con la partecipazione attiva di M.N Gumilevskaya, che nel 1924 la registrò ufficialmente come artel. Lo scopo dell'organizzazione dell'artel era quello di rafforzare e sviluppare l'artigianato popolare del ricamo, che aveva ricche tradizioni sul suolo di Kaluga. Campioni di motivi furono portati all'artel da contadine della regione di Tarusa. Nel ricamo furono utilizzati motivi tradizionali del ricamo popolare di Kaluga: geometrici, floreali, zoomorfi, antropomorfi; Già nel primo periodo casalingo, gli artigiani dell'artel lavoravano su campioni di ricamo popolare di Kaluga, sviluppando ornamenti e tecniche tradizionali (tessitura colorata e cuciture bianche) in un contesto tematico diverso. Il ricamo in oro è uno degli antichi mestieri artistici tradizionali della Russia. Esistente dall'VIII secolo, si è evoluto costantemente, ogni epoca introducendo qualcosa di nuovo, pur preservando le tradizioni che si sono sviluppate nel corso dei secoli. I motivi tradizionali russi sono utilizzati nelle composizioni di ricami in oro: motivi geometrici e floreali, figurine di uccelli e animali, motivi architettonici. Il filo d'oro, obbediente alla mano della ricamatrice, è un filo trasparente di memoria, tradizione, cultura, che riporta indietro nei secoli. Nella Rus', i ricami in oro venivano usati per decorare vestiti, scarpe e oggetti di decorazione d'interni di significato cultuale. E oggi c'è bisogno della bellezza, che ha plasmato la vita dei nostri antenati e che viene abilmente ricreata dalle artigiane Torzhok. I prodotti ricamati in oro sono realizzati con fili placcati in oro, argentati e metallizzati su pelle, pelle scamosciata, velluto, seta, lana e altri materiali. Il ricamo viene eseguito con perline, paillettes, perle e trombe. Graziosi ricami dorati aspetto complesso ricamo. Richiede molta attenzione, pazienza, precisione e molto tempo. La tecnica del ricamo in oro differisce notevolmente dal ricamo convenzionale. Il ricamo viene eseguito su un telaio di legno scorrevole. La base è di cotone o tessuto di lino, a cui è attaccato il materiale di fondo (pelle, pelle scamosciata, velluto, ecc.) La cucitura principale è una cucitura "forgiata" (liscia), realizzata secondo un modello di cartone attaccando un filo dorato disposto in file regolari lungo la superficie del modello e fissato in un certo ordine con punti precisi al materiale con filo di cotone. Per creare una maggiore varietà di trame di ricamo, le ricamatrici utilizzano vari tipi di cuciture “forgiate”. La varietà e la combinazione delle cuciture tradizionali è uno dei principi della variazione creativa dei prodotti di ricamo in oro. Artisti e ricamatori sono creativi nella creazione di prodotti di ricamo in oro. L'uso di diversi tipi di cucitura crea un gioco unico di luci e ombre sulla superficie del ricamo. La lavorazione del merletto in Rus' era conosciuta molto prima del XV secolo. Caratteristiche stilistiche Il pizzo di Vologda, a giudicare dagli esempi sopravvissuti di pizzo misurato, si formò all'inizio del XVIII secolo e nella prima metà del XIX secolo iniziarono a essere prodotti per un'ampia vendita pizzi accoppiati e accoppiati dei maestri di Vologda. A metà del XIX secolo, soprattutto dopo la riforma del 1861, nella provincia di Vologda c'erano oltre 40mila merlettaie che lavoravano non solo nei laboratori, ma anche a casa su ordine di acquirenti che cercavano di prendere il controllo della vendita di grandi elementi. Il pizzo Vologda è diventato famoso in tutto il mondo. La domanda cresceva ogni anno e il commercio raggiungeva proporzioni significative.

A metà degli anni '80 del secolo scorso, S.A. Davydova dedicò molti sforzi allo sviluppo dell'industria del merletto in Russia, contribuendo all'apertura della Scuola Pratica Mariinsky a San Pietroburgo nel 1883, uno dei cui compiti era formare artisti professionisti del merletto affinché lavorino nella provincia di Vologda. Tra i primi diplomati di questa scuola c'era S.P. Bryantseva, che, insieme a sua madre A.P. Bryantseva, ha introdotto nuove tecniche di lavorazione del merletto che differivano significativamente dalle tecniche di altri centri. Nel 1919 fu emanato il primo decreto del governo sovietico sull'industria artigianale. Quest'anno è associato all'emergere della cooperazione tra artigiani, comprese le merlettaie di Vologda. Il pizzo Yelets, un tipo di pizzo russo tessuto a fuselli. Si distingue per il morbido contrasto di un piccolo motivo elegante (floreale e geometrico) e un sottile sfondo traforato. Il pizzo Yelets è conosciuto in Russia dalla fine del XVIII secolo. Fu allora che qui, a Yelets, sorse uno dei centri, dove i russi iniziarono a padroneggiare attivamente quest'arte che ci è arrivata dall'Europa. È noto che nel distretto di Yelets, in un raggio fino a 25 verste, già all'inizio del secolo scorso, il mestiere tutt'altro che facile del merletto era padroneggiato da centinaia di persone. Inizialmente, i disegni per i modelli venivano consegnati ai residenti di Yelets dall'estero, ma col passare del tempo qui sono apparsi i loro artisti originali, il loro stile unico, che distingue il pizzo Yelets fino ad oggi. Il pizzo Ryazan nel suo insieme è un fenomeno importante nell'arte applicata russa. Ha acquisito un carattere particolarmente originale e distintivo nella città di Mikhailov e nel distretto Mikhailovsky della provincia di Ryazan. Nel XVI secolo, con l'emergere della linea difensiva dello stato di Mosca, un numero significativo di militari fu reinsediato qui, come testimoniano i nomi degli antichi insediamenti urbani Streletskaya, Pushkari, Plotniki. Liberi dalla servitù, i coloni di Mosca erano attivamente impegnati in vari mestieri. Fu in mezzo a loro, probabilmente nella prima metà del XIX secolo, che nacque l'attività artigianale del merletto.

IN tempo diverso Qui dominavano anche vari tipi di tessitura del pizzo. All'inizio era il miglior pizzo multipaia "stile Ryazan" e "erba", così come l'accoppiamento. Il terzo metodo di tessitura è collegato alla vita dei comuni cittadini di Mikhailov e dei suoi dintorni: numerico . Fu il pizzo numerico locale a diventare ampiamente noto con il nome "Mikhailovskoe". Nella seconda metà del XIX secolo, il pizzo Mikhailovsky divenne un oggetto di scambio non solo in Russia, ma anche all'estero. Da nessuna parte, ad eccezione della città, di Mikhailov e del suo quartiere, il pizzo ha ricevuto una tale originalità di disegni e colori. Non per niente è diventato così diffuso nel costume contadino in diverse zone. Denso, luminoso, si abbinava perfettamente agli abiti realizzati con tessuti pesanti della tecnica incorporata e lino grezzo, combinati con motivi luminosi di tessuto e ricami.

Più di 150 anni fa, nell'antico villaggio montano di Gotsatl, ebbe origine l'arte della lavorazione dei metalli (argento, rame, cupronichel). A fine del 19° secolo secolo, una rara donna di montagna si sposò senza una brocca d'acqua Gotsatlin con un motivo inciso. Il maestro Gotsatlinsky, come il maestro Kubachi, ha diverse professioni: deve conoscere la fusione, il montaggio, la cesellatura, l'incisione, l'annerimento. Ma se i processi lavorativi dei maestri sono simili, allora le loro opere differiscono nell’ornamentazione. A differenza di Kubachi, Gotsatlinsky non occupa l'intera area della superficie del prodotto, ma viene eseguito in una rigorosa forma grafica. I principali prodotti fabbricati sono kumgan, posate, set da vino, corni da vino, piatti decorativi, cucchiai e cucchiaini da tè e una varietà di gioielli da donna.

Uno dei tipi più antichi di lavorazione artistica dei metalli è la filigrana (dall'antico russo - torcere), o, come viene anche chiamato questo tipo di tecnica di gioielleria, la filigrana (dall'italiano filigrana, a sua volta questa parola deriva dal latino filum ( filo) e granum (grana), poiché il disegno a volte è costituito non solo da filo ritorto, ma da minuscole sfere di metallo). Nella Rus' la filigrana è conosciuta da molto tempo. Oggetti in filigrana si trovano negli scavi di tumuli del IX secolo. In Russia, il villaggio di Kazakovo, nella regione di Nizhny Novgorod, sta diventando uno dei maggiori centri di produzione di filamenti. Le tradizioni dello smalto di Rostov (smalto) hanno un pronunciato riconoscimento nazionale. È particolarmente importante che gli artisti dello smalto di Rostov il Grande abbiano preservato le abilità classiche della tecnica artistica della scrittura in miniatura su smalto e la cultura della lavorazione dello smalto come prezioso materiale specifico dell'artigianato artistico fatto a mano. L'arte della pittura su smalto apparve a Rostov nella seconda metà del XVIII secolo. Si conservano informazioni sull'esistenza in questo periodo di un laboratorio di smalti presso la corte vescovile di Rostov e di singoli artigiani che lavoravano su ordine dei monasteri e delle chiese della città. Secondo alcune fonti, il fondatore del dipinto in miniatura “Finifti” è il metropolita Arseniy Motseevich . Gli artigiani erano impegnati nella produzione di palline di smalto per decorare oggetti da chiesa. Dal 1770, a Rostov apparvero laboratori che univano gli artigiani secondo le loro specialità. Tra gli altri, fu organizzato un laboratorio di pittori di icone, che comprendeva maestri dello smalto.

Il Chern, come tipo di lavorazione artistica dei metalli, è noto nella Rus' sin dal X secolo. L'arte di Chernov ricevette uno sviluppo diffuso nella seconda metà del XVII secolo nel nord, a Veliky Ustyug. Dalla seconda metà del XVII secolo e soprattutto nel XVIII secolo, Veliky Ustyug fu uno dei più grandi centri commerciali e artigianali della Rus' medievale. In termini di dimensioni, Veliky Ustyug si è classificata settima tra 125 città russe, seconda solo a Mosca, Kazan, Yaroslavl, Nizhny Novgorod, Vologda e Kostroma. Per Veliky Ustyug, il XVIII secolo fu il periodo di massima fioritura dell'arte del fabbro. Entro la metà del XVIII secolo, i maestri fabbri di Veliky Ustyug erano in grado di padroneggiare una serie di tecniche artistiche e tecniche che conferivano al loro lavoro caratteristiche di originalità unica. Grazie ad artigiani di talento, la folla di Ustyug ha acquisito una propria identità, diversa dall'arte di altri centri d'arte.

La storia dell'artigianato Zhostovo risale all'inizio del XIX secolo, quando in un certo numero di villaggi e frazioni vicino a Mosca dell'ex Troitskaya volost (ora distretto di Mytishchi della regione di Mosca) - Zhostovo, Ostashkovo, Khlebnikovo, Troitsky - sorsero laboratori per la produzione di oggetti laccati dipinti in cartapesta. L'aspetto del vassoio dipinto Zhostovo è associato al cognome dei fratelli Vishnyakov. Nel 1830 la produzione di vassoi a Zhostovo e nei villaggi circostanti aumentò. Apparvero i primi vassoi in metallo forgiato, decorati con dipinti floreali. I vassoi di ferro sostituirono gradualmente le tabacchiere e altri prodotti di cartapesta. La posizione vantaggiosa vicino alla capitale ha fornito alla pesca un mercato di vendita costante e ha permesso di fare a meno dell'intermediazione degli acquirenti. Tutti i materiali necessari per la produzione sono stati acquistati a Mosca. Il motivo principale del dipinto di Zhostovo è un bouquet di fiori. Nell'arte originale dei maestri Zhostovo, il senso realistico della forma vivente di fiori e frutti è combinato con la generalità decorativa, simile alla pittura popolare russa a pennello su cassapanche, scatole di corteccia di betulla, ruote che girano, ecc. Sin dai tempi antichi, la regione di Nizhny Novgorod è stata famosa per le sue tradizioni nella lavorazione dei metalli.

L'antica città di Pavlovo, situata sulle rive del bellissimo fiume Oka, era e rimane uno dei centri del fabbro e della produzione di coltelli. Alla fine del XVII secolo a Pavlovo c'erano fino a 50 fucine. Uno dei più famosi era l'industria delle armi. Successivamente l'industria metalmeccanica trovò il suo sviluppo nella produzione di articoli per la casa: coltelli, serrature, forbici. La mostra del Museo delle tradizioni locali di Pavlovsk conserva con cura i prodotti unici degli artigiani di Pavlovsk: posate in acciaio inglese, lucidate a specchio e decorate con incisioni fini, coltelli per aprire ostriche, coltelli da formaggio, serrature di dimensioni variabili da 0,7 grammi a 50 chilogrammi e una varietà di forme: sotto forma di galli, orologi, stemmi, automobili e altri. I reperti moderni includono un coltello invisibile e un'abile pulce meccanica dorata. La ricerca creativa degli artigiani ha influenzato anche la produzione di prodotti artistici in metallo di orientamento ecclesiastico ortodosso utilizzando smalti artistici e altre tecnologie tradizionali per questi prodotti. Questo aspetto unico L'arte decorativa e applicata nasce come arte di decorare le armi da taglio all'inizio del XIX secolo, quando fu aperta la fabbrica di armi Zlatoust. Specialisti tedeschi di Solingen e Klingenthal furono invitati a lavorare nella fabbrica, tra cui il famoso decoratore di lame Wilhelm Schaf e i suoi figli. Ha decorato le prime lame Zlatoust. Ma in seguito questo è già stato fatto dagli artisti Zlatoust, che non solo hanno padroneggiato le tecniche di disegno su metallo di Shaf, ma hanno anche migliorato questa tecnica, creando composizioni di trama complesse e scene di battaglia a più figure. L'utilizzo del famoso acciaio damascato di P.P. L'acciaio di Anosov e Obukhov, l'alta maestria nella loro decorazione hanno glorificato le armi decorate con Zlatoust non solo in Russia, ma anche ben oltre i suoi confini. Ciò è dimostrato da numerose mostre industriali nazionali ed estere, in cui queste armi sono state costantemente presentate e hanno ricevuto voti alti, e migliori campioni sono conservati nell'Ermitage di Stato, nella Camera dell'Armeria del Cremlino di Mosca, nel Museo storico statale, nel Museo centrale della Marina e nel Museo dell'artiglieria. I temi decorativi sono molto diversi: ornamenti in stile russo, europeo occidentale, arabo e altri, dipinti naturalistici, scene di caccia o di battaglia, ritratti, simboli (monogrammi, insegne personali, stemmi). Le lame decorate possono essere realizzate con acciai per utensili rivestiti di alta qualità, acciai inossidabili o acciai di Damasco. Il fodero può essere in cuoio, legno, metallo o una combinazione.

La maiolica di Semikarakorsk è un fenomeno sorprendente della cultura artistica popolare della terra del Don . Ha assorbito tutti i colori di questa bellissima e potente regione, la sua cultura spirituale locale, le tradizioni dell'arte del Don, ispirate dallo spirito amante della libertà dei cosacchi. L'artigianato ha origine dalle secolari tradizioni della ceramica nel villaggio cosacco di Semikarakorskaya. Numerosi studi archeologici nelle vicinanze dell'attuale città di Semikarakorsk confermano che fin dall'epoca precristiana qui sorsero spontaneamente ovunque laboratori artigianali di ceramica, che utilizzavano ricche risorse di materie prime locali: varie argille e sabbie. La maiolica dipinta di bianco come la neve con ornamenti in pizzo traforato, sculture di genere in stucco in combinazione con forme sono una nuova direzione nell'arte applicata del Don. Per uso indipendente, piccole sculture in plastica di varie composizioni di soggetti vengono realizzate mediante fusione e scultura a mano.

Le caratteristiche distintive dei prodotti in porcellana Gzhel sono la decoratività, l'eleganza, l'espressività estetica e funzionale, nonché una varietà di forme . La verniciatura dei prodotti si distingue per la brillantezza e il contrasto della vernice cobalto con fondo bianco grazie all'utilizzo della verniciatura sottosmalto fatta a mano con cobalto su scarto. Come risultato della cottura del nero, il cobalto diventa brillante e blu. Il prodotto è dipinto con un pennello scoiattolo con un certo set di vernice su un solo lato del pennello (il cosiddetto “tratto con ombre”), dove ogni tratto successivo è diverso dal precedente e ha un'ampia gamma tonale: dai toni profondi e scuri al chiaro e alla luce. Insieme agli elementi tradizionali della pittura (ornamenti floreali, soggetti), vengono utilizzati anche viticci contorti, riccioli a spirale, riempimenti punteggiati e tratteggiati, reti e strisce di semplici motivi geometrici. La scala dell'ornamento corrisponde alla dimensione dei prodotti e la natura della disposizione del motivo enfatizza la bellezza della forma. Una tecnologia specifica garantisce che la brillantezza e la freschezza dei colori rimangano per sempre. Nel 1766, l'inglese Franz Gardner iniziò a produrre prodotti in porcellana a Verbiltsy (e ora Verbiltsy). Alta qualità, superando il candore dei manti nevosi dell'inverno russo. Dopo aver completato con successo l'ordine della corte imperiale per la produzione di 4 servizi d'ordine: San Giorgio, Sant'Andrea, Alessandro e Vladimir nel 1778-1785, il marchio di porcellana Verbilkovsky divenne ampiamente conosciuto e riconosciuto incondizionatamente. Nel 1892 la fabbrica fu acquistata da M.S. Kuznetsov. Dopo la rivoluzione del 1917 l'impresa fu nazionalizzata e divenne nota come Fabbrica di porcellana Dmitrov.

La tecnica della scultura a mano era destinata a definire il volto della produzione di porcellana di Kislovodsk per un quarto di secolo. . A ragione possiamo dire che in questo caso la padronanza virtuosa della tecnica si è trasformata in una direzione creativa. Sotto le mani dorate dei maestri, nascono davanti ai nostri occhi rose delicate, graziose margherite e mughetti e altri fiori che ricordano sorprendentemente quelli veri. Oltre a brillanti esempi di modellismo, recentemente sono stati utilizzati altri tipi noti di decorazione della porcellana. Vengono utilizzate tecnologie complesse di ingobbio, sottosmalto, miniatura e pittura a lustro. La porcellana di Kislovodsk rappresenta nuove possibilità decorative di un materiale antico, una varietà di forme plastiche, una combinazione organica dei vantaggi dell'arte e della funzionalità.

È evidenziata la profonda antichità della ceramica di Balkhar, insieme ai resti del matriarcato nella sua organizzazione (solo donne artigiane) e ai motivi più antichi nella decorazione. I Balkhariani sono in un processo di lungo sviluppo e miglioramento pittura su ceramica nelle forme ornamentali sono state sviluppate peculiarità molto interessanti, inerenti solo a questo tipo di arte. L'intero dipinto, partendo dalle cinture orizzontali e terminando con i dettagli del disegno, viene applicato su un tornio, facendolo ruotare lentamente senza alcun progetto o pensiero preliminare. Questo, a sua volta, predetermina l'assoluta unicità e l'infinita mutevolezza delle composizioni ornamentali dei pittori Balkhar. La cottura viene effettuata in forni a cupola fatti in casa utilizzando sterco. Il suo carattere redox misto, ottenuto grazie a tale combustibile, si è rivelato la ragione della particolare colorazione dei frammenti dei vasi Balkhar: dal rosa-terracotta al nero opaco. Questo caratteristica La ceramica Balkhar in combinazione con la legatura del pizzo e la pittura con ingobbio esalta la sensazione di artigianalità e unicità di ogni articolo. Attualmente vengono prodotti più di 30 tipi di prodotti diversi. Ognuno è unico per la sua bellezza unica e completezza di forma, che corrisponde al suo scopo nella vita di tutti i giorni. Le più comuni sono le grandi brocche domestiche senza manici, le brocche speciali per l'acqua, le brocche per il burro, le ciotole per il latte, le brocche con il naso per lavarsi, le brocchette per l'acqua, le ciotole aperte per i latticini, i piatti decorativi, le tazze, i vasi, le originali sculture in stucco di animali ed esseri umani, dipinti con ornamenti tradizionali dei Balkhar.

Il giocattolo di argilla Dymkovo è uno dei mestieri d'arte popolare più sorprendenti e originali della regione di Vyatka. Per più di quattro secoli, il giocattolo Dymkovo ha personificato la vita e lo stile di vita di molte generazioni di residenti di Vyatcha. L'imbarcazione ha avuto origine nell'insediamento di Dymkovo, nella provincia di Vyatka (ora regione di Kirov), da cui il nome del giocattolo. I primi giocattoli Dymkovo erano fischietti, scolpiti per l'annuale vacanza primaverile"Fischio", tenuto "in onore degli uccisi" nella battaglia del 1418 tra Vyatchan e Ustyuzhan vicino alle mura del Cremlino Khlynovsky. Dalla metà del XX secolo, la pesca è vissuta e sviluppata solo nella città di Kirov (regione di Kirov) sulla sponda opposta del fiume Vyatka rispetto all'insediamento di Dymkovo. La città di Kirov è l'unico luogo tradizionale in cui esiste questa arte popolare. Intere famiglie hanno realizzato il giocattolo a Dymkovo. In estate scavavano e impastavano l'argilla, pestavano a mano i pezzi di gesso e macinavano i pezzi di gesso in smerigliatrici di vernice, dall'autunno alla primavera scolpivano, asciugavano, cuocevano i prodotti, più vicino a "Svistunya" imbiancavano con gesso diluito in latte vaccino scremato, dipingevano con colori all'uovo, decorati con diamanti in foglia d'oro, dorati. Nel corso dei quattrocento anni di esistenza e sviluppo dell'artigianato Dymkovo, in esso si sono sviluppati, riflessi e consolidati temi, trame e immagini tradizionali mezzi di espressione, inerente all'argilla ceramica rossa molto plastica, semplici motivi pittorici (motivi geometrici), in cui predominano i colori rosso, giallo, arancione, blu, verde. I mezzitoni e le transizioni impercettibili sono estranei al giocattolo Dymkovo. Tutto è una pienezza traboccante del sentimento della gioia di vivere.

L'industria della ceramica di Pskov (Lukovsky) risale a più di 300 anni fa. La prima descrizione dettagliata di questa attività di pesca fu pubblicata nei “Saggi statistici” del Comitato statistico provinciale di Pskov per il 1884. L'esistenza sostenibile a lungo termine della pesca in un luogo è spiegata, in parte, dal fatto che in questi luoghi (lungo le rive del fiume Cherekha) ci sono depositi significativi di argilla adatti alla realizzazione di prodotti ceramici. Durante l'esistenza dell'artigianato si sono sviluppate una serie di caratteristiche artistiche e stilistiche caratteristiche della ceramica di Pskov. Si tratta innanzitutto della pittura a ingobbio, ampiamente utilizzata già nel XVII secolo. Esistono vari metodi per applicare l'ingobbio sui prodotti: con un pennello, con un soffiatore o a spruzzi. Motivi pittorici tradizionali sia dei maestri antichi che di quelli moderni: composizioni vegetali, stile animale, motivi geometrici, che si basano su immagini convenzionali del sole, degli alberi, ecc. Il metodo di pittura con ingobbio offre al maestro possibilità di variazione quasi illimitate. La pittura con ingobbio è particolarmente utilizzata nella decorazione delle stoviglie. La combinazione dell'argilla rossa con gli ingobbi bianchi e neri è unica. Una delle tendenze tradizionali è un ornamento in rilievo con colore. Le origini di questa tendenza sono le piastrelle Pskov su stufe e caminetti, le ceramidi Pechersk. Questa è una delle tradizioni più antiche della ceramica di Pskov.

L'artigianato della ceramica Skopinsky è un centro tradizionale di arte popolare sulla terra di Ryazan. La pesca deve la sua origine all'argilla che vi si trova grandi quantità nelle vicinanze della città di Skopin. La ceramica nei luoghi in cui in seguito apparve la città di Skopin fu realizzata ai tempi di Kievan Rus. In questo recipiente sbattevano il burro, facevano fermentare la pasta e conservavano latte, acqua e kvas. L'anno di nascita della ceramica Skopinsky è considerato il 1640. Quest'anno, il primo nome del vasaio Skopinsky è apparso nel censimento della popolazione: Demka Kireev, figlio di Berdnikov. La ceramica Skopinsky si sviluppò, come molte altre in Russia, producendo ceramiche per la vita contadina, tubi di stufe, mattoni e piastrelle. Ma nella seconda metà del XIX secolo, a Skopin apparve un'industria che la glorificò ben oltre i suoi confini, la produzione di vasi e candelabri smaltati, a più livelli, decorati con stucchi complessi, realizzati sotto forma di uno strano animale o con figure di uccelli, pesci e animali.

La Montagna di Torino è una pesca insolita. La base dei prodotti che produce non è una tradizione preservata e tramandata di generazione in generazione, come, ad esempio, in Palekh o Khokhloma, ma l'originalità creativa della visione artistica e del pensiero di ogni maestro. Ciò però non significa che non esistano tradizioni nella Montagna torinese. Pur mantenendo l’individualità, la maggior parte degli artisti concentra il proprio lavoro sui fondamenti visivi delle culture arcaiche. In nome dell'attività di pesca associata cultura antica l'umanità riflette il suo orientamento stilistico di base, che si inserisce organicamente nel processo artistico moderno. Gli abitanti di Torinogorsk traggono ispirazione dal simbolismo dell'arte dell'Antico Oriente, dalla cultura pagana dell'antica Rus' e dai popoli della Siberia, e si rivolgono ai motivi e alle forme dei classici antichi. Per interesse per le culture arcaiche, l'arte degli antichi turchi, gli Sciti Altai, così come l'arte tradizionale dei moderni Altaiani, che preservarono le radici arcaiche, si formò gradualmente un credo artistico dell'artigianato, che conferì ai suoi prodotti unicità e riconoscimento. Il giocattolo Filimonov è chiamato la “perla dell’arte popolare”. Stupisce per la sua semplicità e, allo stesso tempo, per l'eleganza delle sue forme, la bellezza e l'espressività dell'ornamento e l'unicità del suo suono. Un'immagine monolitica, avara di dettagli: una stretta gonna a campana si trasforma dolcemente in un corpo corto e stretto e termina con una testa a forma di cono, solidale al collo. Nelle mani ci sono un fischietto per uccelli e un bambino. L'avarizia della forma è meravigliosamente compensata dall'eleganza e dall'allegria del semplice ornamento: tratti multicolori, macchie, ramoscelli, rosette... Davanti a noi c'è l'immagine della giovane donna Filimonovskaya, una discendente di una delle più anziane ( secondo alcune fonti ha circa settecento anni) giocattoli in Russia. L'età del miracolo Filimonov è piuttosto arbitraria. Gli esperti affermano che l'arte di scolpire e dipingere intricate filastrocche in argilla arrivò nella regione di Odoevskij dal lontano Paleolitico e durante gli scavi dei tumuli Zhemchuzhnikovsky e Snedkovsky e degli insediamenti a Odoev furono scoperti frammenti di ceramica risalenti ai secoli IX-XI, con disegni e segni che vengono utilizzati per dipingere oggi il giocattolo Filimonovskaya. La serie tradizionale di trame del giocattolo Filimonov è una donna, un cavaliere, un cavallo, un cervo. Sono caratterizzati da proporzioni allungate associate alle proprietà plastiche dell'argilla locale nero-blu - "sinika", che si trova esclusivamente nelle vicinanze di Filimonovo. Di colore blu-nero, grasso, viscoso, non assomiglia affatto all'argilla ceramica o all'argilla con cui vengono realizzati i giocattoli a Kirov, Kargopol e in altri luoghi. La stessa "Sinika" suggerisce un metodo per lavorarci, tecniche di scultura a mano. La massa viscosa, omogenea, come l'impasto, si raggrinzisce facilmente, si modella, consente di allungare liberamente l'intera forma del giocattolo e non è necessario scolpirlo in parti, spalmandolo l'uno sull'altro. E ora, in mani familiari, in movimenti memorizzati, un pezzo di questa argilla diventa prima il campanello di una gonna e da esso si alza la graziosa figura della dama, si allunga abilmente in una piccola testa e nello stesso momento termina con una punta schiacciata cappello. Non c'è un solo pezzo in più nelle mani dell'artigiano: tutto è calcolato con precisione. Solo il fischietto sotto l’ascella della dama è sempre scolpito separatamente. Altri giocattoli sono realizzati allo stesso modo. Se un'artigiana vuole realizzare un fischietto - un cavallo o una mucca - separa il pezzo di argilla richiesto e, come al solito, lo piega abilmente in una spessa corda. E poi da una metà tira fuori quattro robuste zampe di sostegno e un fischietto, e dall'altra un collo lungo, molto lungo con una minuscola testa di uno strano animale.

La tessitura dei licci a motivi, un antico tipo di artigianato popolare, è stata sviluppata in molti villaggi della regione di Nizhny Novgorod, soprattutto nella periferia settentrionale. Le contadine decoravano tappeti, vestiti, copriletti, tovaglie, tavoli e asciugamani con motivi tessuti in casa. I materiali utilizzati per la tessitura erano lino, lana e cotone. La tessitura di Nizhny Novgorod si distingueva per i suoi grandi motivi geometrici a motivi geometrici e la sottigliezza dei colori. Il numero di colori nel tessuto è piccolo, armonioso e nobile nelle sfumature. Questi sono principalmente i colori bianco, rosso, blu. Grazie alla soluzione compositiva finemente trovata di colore e ornamento, i prodotti dei tessitori avevano una raffinatezza speciale. Si tratta di tovaglie, tende, tovaglioli, copriletti per divani e poltrone, asciugamani, grembiuli di alto valore artistico realizzati in filati di cotone e lino, viscosa, misto lana con filati sintetici. Tutti i prodotti realizzati sono certificati. Le persone hanno bisogno dei prodotti belli e pratici dei tessitori Shakhun per la vita di tutti i giorni, le vacanze e soddisferanno tutti i gusti. Ravvivano l'interno, gli conferiscono un'attrattiva speciale e un carattere nazionale, lo riempiono di calore e comfort.

La storia del taglio della pietra risale a un lontano passato ed è indissolubilmente legata alla misteriosa grotta “di marmo”, situata sulle rive del fiume Piana in paese. Bornukovo, distretto di Buturlinsky. Questa grotta è stata a lungo famosa per la sua pietra ornamentale: l'anidrite o come veniva chiamato "marmo di Nizhny Novgorod". Era disponibile in una varietà di tonalità: rosa, bianco, bluastro, marrone, grigio e verdastro, con una varietà di disegni e modelli. Al tempo di Caterina II, la pietra estratta nella grotta fu inviata a San Pietroburgo per la decorazione dei palazzi. Il periodo di massimo splendore dell'arte del taglio della pietra di Bornuko avvenne negli anni '30 del XX secolo, quando si trovava nel villaggio. A Bornukovo è stata creata una fabbrica di prodotti artistici per il taglio della pietra “Bornukovskaya Cave”. All'inizio ha lavorato come filiale dell'Associazione dei gioielli Kazakovsky, poi in modo indipendente. Alcuni anni dopo, adottando l'esperienza dei maestri degli Urali, gli intagliatori di pietra di Bornukovo raggiunsero l'apice dell'abilità e ricevettero più volte i più alti riconoscimenti in mostre russe e internazionali, inclusa la mostra del 1937 a Parigi. Quando si lavora la pietra, la tornitura viene utilizzata in combinazione con intagli e incisioni volumetriche e in rilievo. I campioni di animali e uccelli si distinguono per il loro laconicismo e allo stesso tempo “personaggi” unici che ci permettono di rivelare la bellezza naturale del materiale. La silhouette espressiva, la morbida plasticità, il lirismo e l'ingenuità dei campioni creati trasmettono la bellezza e l'originalità del mondo animale e la gentilezza dell'anima russa. Oltre alle sculture di uccelli e animali, gli artigiani dell'azienda producono un'ampia gamma di articoli per la casa: eleganti candelieri, vasi, scatole, set da scrittura.

L'artigianato dell'intaglio delle ossa di Tobolsk, uno dei quattro mestieri tradizionali dell'intaglio delle ossa in Russia, nacque all'inizio del XVII secolo durante il regno del primo governatore di Tobolsk, Matvey Gagarin. L'emergere della scultura ossea a Tobolsk fu dovuto all'abbondanza di avorio di mammut, che fu trovato lungo le rive dei fiumi settentrionali. Nel XIX secolo, la scultura delle ossa a Tobolsk fu eseguita da polacchi in esilio, che negli anni '60 dell'Ottocento iniziarono a realizzare spille, tabacchiere, forcine per capelli e immagini della Madonna. Verso la fine degli anni '60 dell'Ottocento, un gruppo di intagliatori di ossa locali lavorava in città e nel 1874 fu aperto il laboratorio siberiano di prodotti a base di ossa di mammut di S. I. Oveshkova. I tagliatori di ossa di Tobolsk erano richiesti a San Pietroburgo, Mosca, Kazan, Kiev, Nizhny Novgorod. Verso la metà degli anni '70 dell'Ottocento, la scultura delle ossa di Tobolsk divenne praticamente un mestiere, con tutte le sue caratteristiche inerenti all'organizzazione della produzione e delle vendite. La principale linea di sviluppo dell'artigianato di Tobolsk era la scultura tridimensionale in miniatura. Le figure si distinguono per la loro plasticità generalizzata; si rivela la trama della materia, la cui superficie è lasciata liscia e accuratamente levigata. Il tema settentrionale è dichiarato tradizionale per l'osso scolpito di Tobolsk. Il laboratorio di scultura di ossa di Uelen, creato nel 1931, univa gli intagliatori di ossa Chukchi ed Eschimesi appassionati di scultura o specializzati nella decorazione delle ossa con incisioni a colori. Il laboratorio è uno dei più grandi centri al mondo di belle arti delle popolazioni indigene dell'Artico.

Una tecnica unica di incisione a colori su una zanna di tricheco è stata creata a Uelen all'inizio del secolo ed è utilizzata solo dagli intagliatori di ossa locali Chukchi ed Eschimesi. Le sculture, realizzate in modo laconico ed espressivo, sono composizioni a più figure raffiguranti scene della vita dei popoli del Nord: caccia, cattura di cervi, renne e slitte trainate da cani. Le opere di talentuosi maestri dell'intaglio sono profondamente individuali, combinano il lirismo con l'espressione, le tradizioni con le tendenze moderne nello sviluppo dell'arte dell'intaglio delle ossa.

Traguardi e obbiettivi:

1. Introdurre gli studenti al mondo delle professioni e mostrarne le caratteristiche.
2. Sviluppare sentimenti morali ed estetici, creare collegamenti interdisciplinari con la storia, la letteratura, la musica.
3. Promuovere lo sviluppo dell'interesse per l'argomento e la coltivazione di un sentimento di amore per la Patria.

Attrezzatura:

• campioni di prodotti e illustrazioni - "Zhostovo", "Living Gzhel", "Haze", "Pizzi e ricami russi", "Scialli russi", "Pittura Gorodets", "Bambole russe che nidificano".
• mappa della Russia, tavole-disegni, registratore, mostra di libri,
• CD con la presentazione “Artigianato popolare russo”.

Epigrafi per la lezione:

“Il lavoro è buono se ha beneficio e anima.

Non è l’oro quello che costa e luccica,

Ma qualcosa che nasce dalle mani di un maestro è prezioso”.

La musica è tranquilla.

Puoi amare la Russia solo quando vedi tutta la bellezza della natura russa, lasci che la storia tragica ed eroica del popolo russo passi attraverso la tua anima, ammiri la bellezza dei complessi architettonici, ascolti musica meravigliosa e tocchi le vere creazioni del Popolo russo.

Da tempo immemorabile, la nostra terra russa è famosa per i suoi gentili artigiani, persone che hanno creato e creano una bellezza favolosa con le proprie mani.

Per amare bisogna vedere e conoscere tutto questo.

Ci sono moltissimi mestieri di arte popolare in Russia e oggi ne conosceremo alcuni.

Quest'anno ti stai diplomando alla scuola elementare e devi scegliere il tuo percorso futuro: dove andare a studiare, chi essere?

Cosa significa la parola “professione”?

Ufficio Inchiesta. Una professione è un tipo di attività lavorativa che include un insieme di conoscenze teoriche, esperienza pratica e abilità lavorative.

Un altro termine strettamente correlato a questo è l’istruzione professionale.

Educazione professionale– un insieme di conoscenze, competenze, abilità che ti consentono di lavorare come specialista in uno dei settori dell’economia del nostro Paese.

La scelta di una professione è un momento molto importante nella vita di ogni persona. La maggior parte dei diplomati sceglie le professioni di economisti e avvocati. Quali professioni sono richieste oggi nel nostro Paese e nella nostra città?

Ufficio Inchiesta.

Oggi nell'economia del nostro Paese mancano specialità lavorative come tornitori, installatori, meccanici. Non ci sono abbastanza specialità ingegneristiche, tecniche e di costruzione.

Nella nostra città puoi continuare la tua formazione e ottenere una professione presso la scuola professionale n. 28, presso la Zeya Medical School, presso il Trade and Economic College, presso il Polytechnic College.

Un tempo le persone si guadagnavano il pane quotidiano svolgendo vari mestieri. Scopriremo cos'è il "mestiere" al banco informazioni.

Ufficio Inchiesta.

L'artigianato è la produzione su piccola scala di prodotti finiti, dove la base è il lavoro manuale. Una delle caratteristiche è la produzione di prodotti su ordinazione dal consumatore.

Ragazzi, cosa ne pensate, l'artigianato è sopravvissuto oggi?

L'artigianato è stato preservato e ha acquisito una delle forme dell'arte popolare artistica.

Da dove viene il nome “mestieri”?

Molto tempo fa, quando la tecnologia agricola era ancora troppo semplice e le terre sterili non davano buoni raccolti di grano, la popolazione era costretta a dedicarsi a vari mestieri. Quindi i prodotti commerciali venivano scambiati con pane e altri beni necessari. Le persone osservavano la natura e riflettevano queste osservazioni nelle opere d'arte popolare. A poco a poco, le capacità lavorative si consolidarono. Lo sviluppo più attivo dell'artigianato popolare in tutte le regioni della Russia iniziò nella seconda metà del XIX secolo, insieme a loro nacque l'industria artistica, dove le cose venivano prodotte in grandi quantità.

L'arte dell'artigianato popolare è un collegamento tra passato e presente, presente e futuro.

La terra russa è ricca di vari mestieri popolari.

E ora faremo un tour dei centri di arte popolare più famosi e unici.

Oggi voglio cantare e lodare
“Un cuore gentile, generosità e intelligenza,
Le abili mani del popolo russo”.

Ora ti invitiamo nella regione di Mosca, nel villaggio di Gzhel, dove conosceremo un mestiere conosciuto in tutta la Russia: la porcellana Gzhel, menzionata anche da Lomonosov MV. disse: "Non c'è quasi la terra più pura al mondo come la nostra Gzhel, che non ho mai visto con un candore più bello".

Gzhel.

I prodotti di Gzhel sono così belli, così insoliti che la loro fama si è diffusa non solo nel nostro paese, ma anche all'estero.

Probabilmente hai visto piatti dall'aspetto insolito in cui la bellezza della combinazione di bianco e colori blu. I segreti della bellezza sono nascosti nella natura stessa. A sud-est di Mosca ci sono circa tre dozzine di villaggi e villaggi, uno di questi è il villaggio di Gzhel. Gli storici locali associano l'origine di questo nome alla parola "bruciare", che è direttamente correlata all'artigianato: i prodotti in argilla venivano necessariamente cotti in un forno ad alte temperature. Quindi questo nome si diffuse in tutto il distretto, dove si sviluppò la ceramica popolare.

Alla produzione degli oggetti partecipano persone provenienti da 40 professioni. Quasi tutte le operazioni vengono eseguite manualmente. Le artigiane dipingono i prodotti con grande amore, mettendovi un pezzo del loro cuore e della gentilezza dell'anima.

Cosa stanno facendo a Gzhel? Tazze, brocche, servizi, boccali, vasi, figurine di persone e animali. Guarda quanto è bello questo miracolo di porcellana bianca e blu. Il pittore russo B.M. Kustodiev ha detto che le teiere e le tazze di Gzhel sbocciano con “fiori blu di stregoneria”.

E in effetti, c'è una sorta di mistero nel fatto che il colore blu freddo si trasforma in loro, diventando quasi caldo.

Teiere in porcellana, candelieri, orologi,
Animali e uccelli di una bellezza senza precedenti.
Il villaggio nella regione di Mosca è ormai diventato famoso.
Tutti conoscono il suo nome: Gzhel.
Gli abitanti di Gzhel sono orgogliosi del cielo azzurro,
Non incontrerai mai tanta bellezza al mondo.
L'azzurro del cielo, che è tanto caro al cuore,
Il pennello del maestro lo trasferì facilmente nella tazza.
Ogni artista ha il suo modello preferito
E ognuno di loro riflette il suo lato più caro.

Nei campioni moderni di Gzhel c'è una tinta bluastra. Come il cielo, la superficie azzurra dei fiumi e dei laghi della nostra patria discendeva sul candore di questo piatto.

Ma il giocattolo Dymkovo è venuto a trovarci!

Giocattolo Dymkovo.

A proposito dell'antico Giocattolo Dymkovo Raccontiamo la storia adesso.
A Dymkovo amavano i canti e i balli e nel villaggio nacquero meravigliose fiabe.
Le sere sono lunghe in inverno e lì scolpiscono l'argilla.
Tutti i giocattoli non sono semplici, ma dipinti magicamente.
E la fama si diffuse su Dymka, essendosi guadagnato il diritto di farlo.

Un'altra straordinaria professione a cui le persone dedicano tutta la vita è la creazione di giocattoli. Nei tempi antichi, i giocattoli di argilla non venivano creati per divertimento: erano partecipanti ad antichi rituali. A loro veniva attribuito un potere speciale: proteggere, proteggere le persone da ogni male. Tutti i giocattoli riflettono immagini che vivono nella memoria delle persone e portano avanti le loro tradizioni.

I giocattoli Dymkovo sono molto diversi: ci sono cavalieri su cavalli, uccelli dipinti ed eleganti signorine. La forma dei giocattoli è monolitica, la silhouette delle figure è liscia. La tavolozza dei colori è brillante, i motivi decorativi sono creativi; riflettono non solo i rappresentanti delle fiabe, ma anche la vita stessa delle persone.

Il giocattolo in ceramica è un'arte popolare tradizionale.

Fino ad oggi, vasi figurati, giocattoli e piatti in ceramica vengono realizzati in molte città e villaggi (Filimonovo, Torzhok, Sergiev Posad, ecc.).

Bambole matrioska.

Ora indovina l'indovinello: otto bambole di legno, dalla faccia tonda e rubiconde, in prendisole multicolori, verranno a trovarci. Indovina qual è il nome?

Non so chi abbia realizzato la bambola da nidificazione.
Ma lo so da centinaia di anni
Insieme a Vanka-Vstanka, come se fosse vivo,
La bambola conquista la luce bianca.
Dove ha preso i colori, l'abile artigiano,
In campi rumorosi, in una foresta da favola?
Creato un'immagine di passione irrefrenabile,
La vera bellezza russa.
L'alba le fece arrossire le guance,
L'azzurro del cielo le entrò negli occhi
E la bambola che nidifica in tutto il pianeta
Sta ancora andando forte.
Si erge fiero, maestoso,
Con un sorriso audace sul viso,
E la sua fama vola in giro per il mondo
A proposito del maestro creatore sconosciuto!

Esistono diversi tipi di bambole nel mondo: fatte di legno, argilla e tessuti. E ci sono bambole speciali: bambole che nidificano. Sono conosciuti in tutte le città e villaggi: questo è un souvenir russo originale per gli stranieri. La prima bambola da nidificazione è apparsa quasi 100 anni fa. Un produttore di giocattoli (V. Zvezdochkin) di Sergiev Posad ha realizzato un giocattolo smontato e lo ha dipinto. Il risultato fu una bambola russa da nidificazione, prototipo di Matryona (un nome molto comune a quel tempo). Tutte le bambole nidificanti sono diverse l'una dall'altra; oggi portano immagini di personaggi famosi.

Il lavoro è buono se porta beneficio e anima.

Sciarpe dipinte.

E ora gli artigiani dell'antica città russa di Pavlovsky Posad ti salutano. Per molto tempo nella Rus' la sciarpa è stata un accessorio dell'abbigliamento femminile. I contadini tessevano sciarpe, le decoravano con ricami e vi mettevano dei motivi. La produzione di sciarpe e scialli è nata in Russia nel XIX secolo, la moda è venuta dalla Francia, ma anche oggi quest'arte artigianale è richiesta. Ci sono mestieri che si possono trovare in ogni angolo della Russia: ricami e merletti. Il pizzo veniva utilizzato per decorare costumi e oggetti per la casa. Sotto Pietro 1, indossare il pizzo era obbligatorio per tutti i nobili. Il pizzo Vologda, Kirov, Yelets è noto e popolare a tutti. Il pizzo viene realizzato utilizzando i fuselli: questo lavoro richiede creatività e molta pazienza.

Zhostovo.

E ora andremo nel villaggio di Zhostovo vicino a Mosca, dove vengono realizzati vassoi di metallo verniciato. Questa arte unica iniziò alla fine del XVIII secolo. La pittura viene eseguita su uno sfondo nero; vengono utilizzati il ​​rosso e il blu e altri colori. Mazzi luminosi, composizioni di rose, peonie e tulipani stupiscono con la loro bellezza e suscitano un sentimento di rispetto per gli artigiani.

E il nostro tour dell'artigianato popolare sarà completato da oggetti artistici di pittura laccata in miniatura, sorprendenti per bellezza e originalità.

Palekh, Gorodets, pittura Khokhloma: le miniature in lacca riflettono la vita delle persone, l'epica russa, la natura.

Dipinto di Gorodets: come potremmo non saperlo?
Ci sono cavalli caldi qui, ben fatto.
Ci sono tali mazzi qui che è impossibile descriverli.
Ci sono trame tali che non le troverai in una fiaba.
Guarda il dipinto: la ricchezza dei colori attira.
Il dipinto di Gorodets piace alle nostre anime.

Nelle loro opere, i maestri creano la bellezza della loro regione. Alla fine del XIX secolo si diffuse la pittura di icone. Sulla sua base sono nate miniature in lacca nera: si tratta di scatole di lacca, mobili e utensili.

Pennello Khokhloma! Grazie mille!
Racconta una fiaba per la gioia della vita!
Tu, come l'anima delle persone, sei bella,
Tu, come le persone, servi la Patria!

Nel corso dei secoli le forme dell'arte applicata si sono sviluppate e perfezionate.

Viviamo in Estremo Oriente, famoso per i suoi artigiani. Gli artigiani cuciono vestiti, scarpe e cappelli, decorandoli con ornamenti, perline e ricami. Producono prodotti con pellicce, pelli e creano souvenir. Nella nostra scuola abbiamo anche i nostri maestri - artigiani; nelle classi dei club puoi trovare qualcosa che ti piace: perline, ricamo, intaglio del legno, bruciatura, plastica in radice e altri tipi..

I popoli della Russia sono famosi per i loro artigiani talentuosi e laboriosi. Il mondo delle professioni è ricco e diversificato, la cosa principale nella vita è fare ciò che ami.

Arti e mestieri popolari della Russia.

Località	Dov'è.	Tipo di imbarcazione.	Tempo di fondazione.
Con. Gzhel	La regione di Mosca	Ceramica. Ceramiche artistiche. Piatti.
Gorodets	Regione di Nižnij Novgorod	Intaglio e pittura del legno. Giocattoli.	XIV secolo
Con. Dimkovo	Regione di Kirov	Argilla dipinta	XIX secolo
Con. Filimonovo	Regione di Tula	Giocattoli in argilla dipinta.
Semenov Sergeev Posad	La regione di Mosca La regione di Mosca	Bambole matrioska. Pittura su legno. (cucchiai, piatti). Pittura su legno.	XV secolo
Pavlovsky Posad	La regione di Mosca	Sciarpe dipinte.	XIX secolo
Con. Zhostovo	La regione di Mosca	Verniciatura del metallo.	XVIII secolo
Con. Khokhloma	Regione di Nižnij Novgorod	Pittura su legno. Pittura a lacca.	XVII secolo
villaggio Palekh	Regione di Ivanovo	Pittura su legno. Pittura a lacca.	XVII secolo
Diatkovo Gus-Khrustalny	Regione di Brjansk Regione di Vladimir	Cristallo. Cristalleria	XVII secolo
Torzhok	Regione di Tver'	Cucitura del pizzo. Giocattolo di argilla.	XII secolo
Tula	Regione di Tula	Produzione di samovar e pan di zenzero. Produzione di armi.	XII secolo