Ørkener og semi-ørkener av Afrikas fauna. Tropiske ørkener og semi-ørkener i Afrika: geografisk plassering på kartet, jord og klima, dyr og planter

Arkitekturen i Vest-Europa i middelalderen var dominert av to hovedstiler: romansk (under tidlig middelalder) og gotisk - fra 1100-tallet.

Grunnlaget for den romanske syntesen var kultarkitektur, som forente kunstneriske, ideologiske, funksjonelle og konstruktive prinsipper til en helhet. Den dominerende religiøse bygningstypen var klosterkirken, der tidsånden kom mest til uttrykk. Dette reflekterte helheten i det åndelige og materielle livet i Vest-Europa under den romanske perioden, hvor kirken var den ideologiske hovedkraften, og klosteret var det kulturelle sentrum med en dyktig etablert økonomi, som hadde de kreftene og midlene som var nødvendige for bygging. Det langstrakte tempelet av basilika-typen ble dominerende i Vesten. Den var basert på ideen om en vei som en hentydning til " korsets vei"," lidelsens og forløsningens vei, som et uttrykk for den grunnleggende ideen om katolisismen.[s.246, 8]

Et nytt ord i kunsten fra den vestlige middelalder ble talt i Frankrike på midten av 1100-tallet. Samtidige kalte innovasjonen "fransk måte" etterkommere begynte å kalle den gotisk. Tidspunktet for fremveksten og blomstringen av gotikken - andre halvdel av 1100- og 1200-tallet - falt sammen med perioden da det føydale samfunnet nådde toppen av sin utvikling.

Gotikk som stil var et produkt av et sett av sosiale endringer i tiden, dens politiske og ideologiske ambisjoner, som handlet i dynamisk samhandling, oppsto som et resultat av deres resulterende. Ikke et eneste fenomen fra den tiden, uansett hvor betydningsfullt det var, det være seg «fellesrevolusjoner» eller kampen for å styrke sentralmakten, pavelig teori, skolastikk eller ridderkultur, massebevegelser, endringer i romlige konsepter eller veksten av byggeferdigheter , kan individuelt forklare opprinnelsen og utviklingen av gotikken. Gotisk stil oppsto i domenene til de franske kongene. Og herskerne i andre land - England, Spania, Tsjekkia - introduserte gotisk stil som et symbol på det kristne monarkiet.

Katedralen var den viktigste offentlig plass by og forble personifiseringen av det "guddommelige univers". I forholdet mellom delene er det en likhet med konstruksjonen av skolastiske "summer", og i bildene er det en forbindelse med ridderkulturen. Essensen av gotikken ligger i sammenstillingen av motsetninger, i evnen til å forene i åndelig forbrenning en abstrakt idé og livets levende spenning, universets kosmiske uendelighet og detaljens uttrykksfulle konkrethet, i evnen til å gjennomsyre jordisk kjød med bevegelsen av åndelig energi. Denne balanseringen på kanten av to kontrasterende sfærer ga gotisk kunst en spesiell gripende og betagende gripekraft. I motsetningenes enhet, i det gotiske fenomenets polysemi, bør man lete etter årsaken til de motstridende vurderingene som gotikken har blitt tildelt gjennom århundrene.

21.Heroisk middelalderepos.

oic episk- en type folkediktning. sjanger - et langt dikt, komponert av sangere blant krigerne, det geistlige miljøet, fremført - av Huglars · består av en rekke strofer av ulik lengde, forbundet med assonans (som fransk), skrevet på folkemusikk - "feil". størrelse - vers med et ubestemt antall stavelser (8-16)

Temaer: forsvar fra ytre fiender (maurere = saracenere, normannere, saksere) · trofast tjeneste for herren, kongen · føydalfeider · ble kalt "chanson de gesture" (sang om gjerninger).

"Song of Cid" 1140. og spansk helteepos.

1. Det spanske eposet reflekterte sterkt politiske hendelser: · kampen med maurerne med det formål å reconquista (fange av maurerne - 711) · splid mellom føydalherrer - fremstilt som et stort onde, som forræderi · kampen for friheten til Castilla (fra kongeriket Leon, den eneste som ikke gjorde det ble tatt til fange)

Sid er en historisk skikkelse (Rodrigo Díaz de Bivar), helten i to dikt: "PoS" (tidlig, nær historien - den ble skrevet "foran vitner"; Sid døde i 1099) og "Rodrigo" + mange romanser . Levde XI. Kallenavn sid = "Mr." Alfonso VI - kongen av Castilla, favoriserte Leon og hatet Sid, utviste ham. I diktet drar vasallene hans med ham, i virkeligheten forblir flertallet av vasalene, og alle som generelt er misfornøyde med Alphonses politikk slutter seg til ham.

Han var leiesoldat i lang tid, så gjenerobret han Valencia. Så sluttet Sid fred med Alphonse, og de kjempet mot maurerne. Reconquistaens store skikkelse er en folkehelt, «min Cid». Diktet inneholder 3735 vers og er delt i to deler: · om utvisning · om bryllup og om å fornærme døtre. Egenskaper:· formulerthet, repetisjon · en tørrere og mer forretningsmessig presentasjonsmåte enn i Roland

• en overflod av hverdagslige funksjoner, familietemaer. Sid er 50 år, kone, 2 døtre. det er ingen hyperbolisme og et element av det overnaturlige (verken eventyr eller kristent det er ingen eksklusivitet av ridderlige følelser - jordlighet, Sid er først og fremst en klok mester - det sies at han er en "; infanson" (eier av vasaller), (var en stormann)

"The Song of Roland" (1100). assosiert med bildet av Karl den Store. I diktet fremstår han i idealisert form.

• Han deltar aktivt i noen dikt og utfører personlig bragder. I sin ungdom, på flukt fra forrædere, flykter han til Spania, kjemper tappert, vinner kjærligheten til datteren til den sarasenske kongen, vender tilbake til Frankrike og blir kronet.
• I andre forsvinner han i bakgrunnen, han forener all handlingen, men gir rollen til paladinene, spesielt de 12 jevnaldrende (lik), viktigst av alt Roland. Ukjent forfatter: lagret dyp betydning og uttrykksevnen til den gamle legenden koblet den med levende modernitet, fant en strålende kunstnerisk form Kilde - historiske fakta, men forvrengt:
• VIII -Har Charles grepet inn i den sivile striden mellom muslimer? beleiret Zaragoza? baktroppen ble beseiret av baskerne (ikke muslimske maurere, men kristne baskere)
• der var Hruotland - Roland - døde i dette slaget. Funksjoner: hyperbolisering (skala av hendelser), (R.s templer sprekker) idealisering av hovedpersonene (R., Karl, erkebiskop Turpin, Olivier)
• ideen om religiøs kamp og Frankrikes spesielle rolle i denne kampen (himmelske tegn, religiøse kall, nedverdigelse av "hedninger", beskyttelse av "våre" av Gud, R. - en vasal av Charles og Gud, bildet av Turpin - samtidig velsigner franskmennene for kamp og kjemper seg selv) døden til R. er symbolsk (det er ingen sår, og på grunn av indre nødvendighet - omvendelse), blir tragedien ved R.s død mildnet - han går til himmelen og. overrekker hansken til Gud, som en himmelsk herre. Innflytelse: "PoP" ble skrevet kort før det første korstoget - påvirkningen av dens propaganda, sosiopolitiske motsetninger - episoden med Ganelons svik er sterk. Konfrontasjoner: Karl - Ganelon: som hjemlandet (vanlig sak) - forræder R. - Ganelon - personlig
• R. - Olivier - 2 varianter av ett positivt prinsipp, R. - umåtelig modig, O. - klok.

"The Song of the Nibelungs" heroisk epos, men i eiendommer er det nær ridderromaner.

· det er definitivt noen som kompilerte forurensningen, ikke bare en kopist - fra Sør-Tyskland (moderne Østerrike)

• er dette en hoffmann? snakker om etikettens forviklinger med kjennskap til saken, ikke med rykter. komposisjon:
• 2 deler (grense - en krangel mellom to dronninger): om matchmaking, om hevn 39 deler - avenurer (etter hendelse)
• nådd i 33 eksemplarer, 1 - original, publisert i XIX 3. Handlingen går tilbake til tre lag:
• det første laget - det eldste - mytologiske - satt ut i Eddas - V, nederlaget til burgunderne fra hunerne - moderniteten til den foreslåtte forfatteren;

4. trekk ved det heroiske eposet:

• apsykologisk krangel mellom dronninger - hierarki, vasalasje er viktig
• det som er viktig er fiksjon, fargerikhet, det enestående, ikke historisk begivenhet. kronologi og geografi spiller ingen rolle, det som betyr noe er det vertikale helvete? vi? himmelen, det som betyr noe er resultatet, hvor du ender opp
• menneskets liv er midlertidig, sannheten er i evigheten, bilder av helter og geografi spiller ingen rolle

5. trekk ved en ridderroman

• helten er en ridder, en prins av en edel familie som begynner ("jomfruen ... vakrere og edel enn alle ...), helten blir umiddelbart forelsket i henne, ganske enkelt fordi hun eksisterer motiver for å tjene en dame, ekteskapelig kjærlighet og hevn, føydal ære og troskap, ferier, turneringer, jakt, kamper, militær tapperhet, ridderstyrke
• detaljert fortelling, detaljer, beskrivelser, episoder, opplevelser av karakterene

6. særegenheter

• "Nibelung line", strofer på 4 vers med parrim, konstante repetisjoner, brøk, rytmisk repetisjon av rytmen - tonic (i henhold til antall påkjenninger) men lett oppfattet
• mellom-øvre tysk(?mange språk ble bevart til 1500-tallet)

7. vanlige steder:· helten dreper dragen · brødrenes tvist · motivet til kjempetrollkvinnen og frieri til henne

representerte enheten mellom arkitektur, skulptur og maleri. Allerede på avstand, da de skulle tilbe, så troende den ytre skulpturelle utformingen av fasaden til tempelet. De gikk inn gjennom hovedportalen - en inngang rikt dekorert med steinutskjæringer, plassert på vestsiden av bygget. Dens massive bronseporter ble ofte dekorert med relieffer som skildrer bibelske scener.

Meisel og stein

Inne i templet gikk den troende til alteret forbi hvelv, søyler, kapitler, vegger, også dekorert med steinutskjæringer og fresker. Bildene var basert på scener fra Den hellige skrift, men hovedfiguren forble alltid den allmektige guds skikkelse, nådeløs mot uangrende syndere og triumferende over fiender. Det er akkurat slik middelalderens mennesker forestilte seg Skaperen. Det er ingen tilfeldighet at kirker bygget i romansk stil ble kalt «bibelen i stein».

I skulpturen fra den perioden, som i maleriet, ble den menneskelige figurens rolle i den dekorative og dekorative komposisjonen styrket. Imidlertid ble monumental skulptur, arvet fra antikken, fullstendig underordnet arkitektoniske former. Derfor ble en stor rolle i å dekorere basilikaer gitt til steinskulptur, vanligvis laget mot bakgrunnen av relieffer. Som regel dekorerte de ikke bare interiøret, men også ytterveggene til basilikaene. I friser - dekorative komposisjoner dominerte figurer av knebøy proporsjoner, og på søyler og søyler - langstrakte.

Funksjoner ved skulptur

I tillegg ble det plassert skulpturelle relieffer over hovedportalen. Oftest var det et bilde av den siste dommen. Sannsynligvis den mest kjente er scenen som dekorerer inngangen til katedralen Saint-Lazare i byen Autun (Bourgogne). Dette er et sjeldent tilfelle når navnet på mesteren som skapte relieffet har nådd oss ​​- Gislebert. I midten av bildet er figuren av Kristus som forkynner dommen. Av høyre hånd Fra ham står de jublende rettferdige, til venstre er skjelvende syndere. Det mest bemerkelsesverdige med denne lettelsen er mangfoldet av menneskelige følelser. Frykt eller håp gjenspeiles i bevegelser, positurer og ansikter. Det viktigste for mesteren var ikke å skape troverdige figurer, men å skildre hele spekteret av erfarne følelser.

I hvert land hadde skulpturen sin egen nasjonale kjennetegn. For eksempel, i Tyskland, i motsetning til Frankrike, var fasadene og ytterveggene til kirkene nesten ikke dekorert. Tysk romansk skulptur er streng og asketisk, alvorlig og ganske abstrakt. Et eksempel på dette er Laach Abbey Church of St. Mary.

Abbey of St. Mary (Tyskland)

Den skulpturelle utsmykningen av romanske kirker avslørte ikke bare en kjærlighet til det åndelige, men også for det ekstraordinære og fantastiske. Her kan du se steinsmykker av sjelden skjønnhet og kompleksitet: kentaurer, bevingede drager, aper som spiller sjakk, etc. Figurer eventyrlige skapninger, lånt fra tradisjonene til germanske stammer, dekorerte ofte fasadene og hovedstedene til søyler av romanske basilikaer.

"fransk stil"

Den romanske stilen og den gotiske stilen, som erstattet den på 1200-tallet, satte et stort avtrykk på utviklingen av europeisk kultur i middelalderen. Hvis romansk var en kombinasjon av alvorlighet og monumentalitet (ingen fantasier, bare klar geometri og en bønnaktig stemning), så ble gotikken preget av letthet og opphøyelse.

Den oppsto på 1100-tallet. i Nord-Frankrike, og deretter spredt over nesten hele kontinentet: fra Portugal til Litauen. På den tiden ble det kalt "fransk stil", og senere ble den nye retningen kalt "gotisk". På mange måter har arkitekturen til den gotiske katedralen bevart tradisjonene til den romanske stilen. Nesten alle elementene forble, men i en endret form: i stedet for tykke søyler dukket det opp tynne hauger med grasiøse søyler, halvsirkelformede buer strukket oppover, små vinduer ble enorme og fylte tempelet med lys.

Funksjoner av gotisk skulptur

Gotisk skulptur. Bath Abbey, England.
Overgangen fra romansk stil til gotisk stil i skulpturen skjedde noe senere enn i arkitekturen, men så skjedde utviklingen i en uvanlig høyt tempo, og gotisk skulptur nådde sin største blomstring innen ett århundre.
Gotisk skulptur var en organisk del av katedralens arkitektur. Prinsippet om enhet av alle typer kunst og deres underordning til arkitektur fant en lys og fullstendig legemliggjøring i gotisk. Utviklingen av plastisk kunst er uløselig knyttet til gotisk arkitektur. Hun har førsteplassen i kunst denne gangen. Selv om gotisk kjente relieff og hele tiden vendte seg til det, var hovedtypen gotisk skulptur statuen. Fremveksten av gotisk skulptur er assosiert med byggingen av katedralene Chartres, Reims og Amiens, som teller opptil to tusen skulpturelle verk.


Skulptur i det indre av Chartres katedral.
Gotikken er storhetstiden til monumental skulptur, hvor betydningen av statuære skulpturer øker, og i relieff dukker det opp et sug etter høy relieff - høy relieff.

Gotiske figurer oppfattes, spesielt på fasader, som elementer i en enkelt gigantisk dekorativ og monumental komposisjon. Individuelle statuer eller grupper av statuer, uløselig knyttet til fasadeveggen eller med pilarene i portalen, er så å si deler av et stort flerfigursrelieff.

Michel Colom Saint George dreper dragen Gayon Castle, Frankrike
Ikke desto mindre, da en byboer på vei til templet nærmet seg nær portalen, forsvant den generelle dekorative integriteten til komposisjonen fra synsfeltet hans, og oppmerksomheten hans ble tiltrukket av den plastiske og psykologiske uttrykksevnen til de individuelle statuene som rammet inn portalen. , og portrelieffer, som forteller i detalj om en bibelsk eller evangelisk begivenhet. I interiøret var skulpturelle figurer, hvis de ble plassert på konsoller som stakk ut fra søylene, synlige fra flere sider. Fulle bevegelser, de skilte seg i rytme fra de slanke søylene rettet oppover og hevdet sin spesielle plastiske uttrykksevne.

Andrea Pisano Frelserens fødsel, dåpskapellet, Firenze
Det komposisjonelle og ideologiske konseptet til den skulpturelle dekorasjonen ble underordnet programmet utviklet av teologer. Fokus for de skulpturelle komposisjonene var portalene, der store statuer av apostler, profeter og helgener fulgte i linjer, som om de hilste besøkende. Tympanumer, portalbuer, mellomrom mellom dem, gallerier i de øvre lagene, nisjer med tårn og vimpergi ble dekorert med relieffer og statuer. Mange små figurer og scener ble plassert i arkivvolter, transepter, på konsoller, sokler, sokler, støtteben og tak.

Hans Mulcher
Den hellige treenighet, 1430, Ulm katedral, Tyskland
Kapitalene var flettet sammen med blader og frukter (krabber) som løp raskt langs gesimslistene, ribbenene på tårnene og spirene ble kronet med en blomst (krusifret). Vindusrammene var fylt med utskårne gjennombruddsmønstre. I templet, en partikkel av universet, forsøkte de å legemliggjøre det religiøse konseptet om menneskets historie med dets sublime og basale sider.
Skulptur av portalen til katedralen i Chartres
Katedralen som helhet var som et religiøst transformert bilde av verden samlet i et enkelt fokus. Men interessen for virkeligheten og dens motsetninger invaderte umerkelig religiøse emner. Riktignok dukket livskonflikter, kamp, ​​lidelse og sorg for mennesker, kjærlighet og sympati, sinne og hat opp i de forvandlede bildene av evangelielegenden: forfølgelsen av den store martyren av grusomme hedninger, ulykkene til patriarken Job og sympatien til vennene hans, Guds mors rop for sin korsfestede sønn, osv.

Andrea Pisano Campanile av katedralen Santa Maria del Fiore 1337-1343, Firenze
Når det gjelder valg av emner, så vel som i distribusjon av bilder, var de gigantiske gotiske skulpturkompleksene underlagt reglene fastsatt av kirken. Komposisjonene på fasadene til katedraler i sin helhet ga et bilde av universet i henhold til religiøse ideer. Det er ingen tilfeldighet at gotikkens storhetstid var tiden da katolsk teologi utviklet seg til et strengt dogmatisk system, uttrykt i de generaliserende kodene for middelalderens skolastikk - "Summa Theology" av Thomas Aquinas og "The Great Mirror" av Vincent av Beauvais.

Klaus Sluter Profeten Jeremiah Well of the Prophets
Den sentrale portalen til den vestlige fasaden var som regel dedikert til Kristus, noen ganger til Madonnaen; den høyre portalen er vanligvis til Madonnaen, den venstre - til en helgen, spesielt æret i et gitt bispedømme. På søylen som delte dørene til den sentrale portalen i to halvdeler og støttet arkitraven, var det en stor statue av Kristus, Madonna eller helgen. På bunnen av portalen ble det ofte avbildet "måneder", årstider osv. På sidene, i skråningene av portalens vegger, var det monumentale skikkelser av apostler, profeter, helgener, gammeltestamentlige karakterer og engler. plassert.

Hans Mulcher Madonna og barn, 1440, Landsberg, Tyskland
Noen ganger ble emner av narrativ eller allegorisk karakter presentert her: Bebudelsen, Mariabesøket til Elizabeth, de rimelige og tåpelige jomfruer, kirken og synagogen, etc.

Andrea Pisano Santa Reparata Museo del Duomo, Firenze
Feltet til porttympanen var fylt med høyt relieff. Hvis portalen var dedikert til Kristus, ble den siste dommen avbildet i følgende ikonografiske versjon: Kristus sitter på toppen og peker på sårene hans, på sidene er Madonnaen og evangelisten Johannes (noen steder ble han erstattet av Johannes Baptist), rundt er engler med instrumentene til Kristi pine og apostlene; i et eget område, under dem, er en engel avbildet som veier sjeler; til venstre (fra betrakteren) er de rettferdige som kommer inn i himmelen; til høyre er demoner som fanger sjelene til syndere og scener med pine i helvete; enda lavere - åpningen av kister og de dødes oppstandelse.

Profetenes brønn K. Sluter 1395-1406 Chanmol Monastery Dijon, Frankrike
Når man avbildet Madonnaen, var tympanon fylt med scener: antagelsen, englers inntak av Madonna til himmelen og hennes himmelske kroning. I portalene dedikert til helgenene utspiller det seg episoder fra deres liv på tympanene. På portalens arkivvolter, som dekker tympanen, ble det plassert figurer som utviklet hovedtemaet gitt i tympanen, eller bilder som på en eller annen måte var ideologisk relatert til portalens hovedtema.

"Tåpe jomfruer." Skulpturer i katedralen til Saints Mauritius og Catherine i Magdeburg
Statuene forble koblet til veggen, til støtten. Størrelsene deres var i nøyaktig forhold til de arkitektoniske formene. De langstrakte proporsjonene til figurene understreker de vertikale inndelingene i arkitekturen. Gotisk plast, harmonisk kombinert med arkitektur, adlyder det ikke lenger blindt, slik tilfellet var i romansk stil, men lever så å si sitt eget liv i hoveddelen av katedralen.

Hans MulcherAngel, 1456-1459 Museum Ferdinandium Tirol, Astria
Rollen til rund plastisk kirurgi har økt. Statuene, som ble runde, skilt fra veggen, ble ofte plassert i nisjer på separate piedestaler, og disse var ikke lenger frosne søylefigurer, ikke bilde-symboler, deformert i arkitektonisk rom. Lette bøyninger, svinger i overkroppen, overfører vekten av kroppen til ett ben, karakteristiske positurer og gester fyller figurene med bevegelse, noe som forstyrrer den vertikale arkitektoniske rytmen til katedralen.


Kjennetegnet til gotisk skulptur er dens subtile refleksjon av menneskelig individualitet. Figurene er fulle av uendelig variasjon og livsfylde. Menneskelighet og mildhet vises i egenskapene til helgener. Bildene deres blir høyst individuelle, konkrete, det sublime kombineres med det hverdagslige.

Michel Colomme Gravstein til Margritte de Foy, 1502 Nantes katedral, Frankrike
Ansikter er animert av tanker eller opplevelser, de er vendt til andre og til hverandre, som om de snakker med hverandre, fulle av åndelig enhet. Nå snakket de ærbødige, nå åndelig åpne, nå lukkede og arrogante ansiktene til de hellige om en ny forståelse av den menneskelige personlighet. Menneskets komplekse, konfliktfylte eksistens i den føydale verden ble oppfattet som forholdet mellom Guds universelle vilje og menneskenes individuelle ambisjoner.

Ved å gjenopplive grekernes plastiske erobringer (profilbilde av ansiktet og trekvart omdreining av figuren), følger gotiske mestere en uavhengig vei. Deres holdning til verden rundt dem er av en mer personlig, emosjonell natur de følger direkte observasjon, henvender seg til individet, til unike egenskaper, og beriker deres plastisitet med mange livsdetaljer. I uttrykksevnen til gotisk skulptur spiller linjen og dens dynamiske rytme en viktig rolle. Han åndeliggjør figurene, forener dem med arkitektur.

Gotisk skulptur
Den gotiske kunstneren mestrer uttrykket av subtile åndelige bevegelser. Det formidler glede og angst, medfølelse, sinne, lidenskapelige følelser og smertefulle tanker. Ønsket om introspeksjon, å reprodusere utseendet til ens samtid - karakteristisk Gotisk kunst. Gotiske madonnaer er legemliggjørelsen av vakker femininitet og moralsk renhet; sterke apostler er fulle av uforgjengelig mot og edle impulser. Grupper vises, forent av dramatisk handling, varierte i komposisjon. Kunstneren får kvinner til å gråte over Frelserens grav, engler gleder seg, apostlene i nattverden bekymrer seg og syndere lider. Stor uttrykksfullhet ligger i draperiene til klær, og understreker plastisiteten og fleksibiliteten til menneskekroppen.

Fra andre halvdel av 1200-tallet ble plastisiteten til katedraler mer dynamisk, figurene ble mer mobile, brettene av klær ble formidlet i et komplekst spill av chiaroscuro. Bildene er noen ganger utført med ekte perfeksjon, med beundring for skjønnheten til en person. Således, på statuene av Reims-katedralen, er den økte egenskapen til kroppen allerede manifestert i en buet linje, merkbar i de brede foldene som går fra låret til føttene.

Denne linjen gir en grasiøs kurve til hofter, bryst og knær. Foldene får en naturlig tyngde; synker dypt, gir de opphav til et rikt spill av lys og skygge, noen ganger blir de som fløyter av søyler, noen ganger danner de anspente brudd, noen ganger flyter med nervøse strømmer, noen ganger faller de i stormfulle frie kaskader, som om de gir ekko av menneskelige erfaringer. Ofte er kroppen synlig gjennom tynne klær, hvis skjønnhet begynner å bli gjenkjent og følt av poeter og skulptører på denne tiden.

I den gotiske æra begynte en nytenkning av Kristi bilde. Han har mistet mye av sin supervirkelige natur. Samtidige kalte velsignelsen Kristus presenterte i Amiens-katedralen for «Amiens gode Gud». Hans trekk er preget av moralsk, jordisk skjønnhet. Hele hans fremtoning utstråler åndsfasthet, pastoral overbevisning og veiledningskrav. Statuen skildrer bildet av Kristus, en snill og samtidig modig mann som beskytter mennesker og lider for dem.
I «Velsignelsen Kristus» i Amiens-katedralen er trekk merket med et stempel av moralsk, jordisk skjønnhet. Den rolige og samtidig kommanderende håndbevegelsen stopper definitivt betrakteren, og ber om oppfyllelse av plikten, for et verdig, rent liv. Rolig, store linjer, oppsummerende øverste del figurer, understreker den beherskede adelen til bildet hans; Kaskaden av klesdraperi, som suser oppover, fremhever uttrykksevnen til gesten.
Scener fra Kristi jordiske liv er avbildet, der hans nærhet til lidende menneskehet avsløres. Dette er bildet av «Kristus vandreren» (Rheims katedral), selvopptatt, sørgmodig, forsonet med skjebnen.
Blant statuene på Reims skiller de mektige figurene til to kvinner drapert i lange kapper seg ut. Dette er Mary og Elizabeth. Hver av dem har en uavhengig plastisk betydning og er plassert på en separat pidestall, samtidig som de er internt forent. Litt vendt mot hverandre er kvinnene fordypet i dype tanker. Unge Maria, som venter på Kristi fødsel, ser ut til å lytte til oppvåkningen av nytt liv. Åndelig spenning kommer ikke til uttrykk i hennes rolige, vakre trekk, men i den komplekse bevegelsen av kroppen hennes, i den dirrende vibrasjonen av draperiene i klærne hennes, og i de fleksible, buktende linjene i konturene hennes. Mary, med sin indre opplysning og åndelige oppløfting, står i kontrast til bildet av den eldre Elizabeth, hengende, med et utslitt, rynket ansikt, fylt med tragiske forvarsel.
Bildene er skapt av Reims-mestere, og tiltrekker seg med moralsk styrke, høyde av åndelige impulser og samtidig livsviktig enkelhet og karakter. Anna er omtenksom med delikate trekk, det glitrende galliske sinnet og temperamentets iver skinner gjennom i den hånende Saint Joseph. Individuelle detaljer er uttrykksfulle: et skarpt, muntert utseende, en smart krøllet bart, vilt krøllete hår, et krøllete skjegg, en rask vending av hodet mot samtalepartneren. Kraftig lys- og skyggemodellering forbedrer skarpheten til funksjonene og livligheten i uttrykket. Brede linjer som oppsummerer formene gir dem monumentalitet.
Blant folket elsker vi spesielt bildet av Madonnaen med en baby i armene, som legemliggjør jenteaktig renhet og mors ømhet. Portaler er ofte dedikert til henne. Hun er avbildet med en fleksibel figur, med hodet forsiktig bøyd mot babyen, smilende grasiøst, med halvt lukkede øyne. Feminin sjarm og mykhet markerer den "forgyldte madonnaen" på sørfasaden til Amiens katedral (ca. 1270-1288). Bred buede linjer, som løper fra hoften til foten, allerede merkbar i Reims-statuene, utvikler seg her til en bevegelse full av edel rytme. En jevn linje avslører nåden til kurven til torso, hofter og knær.
Verden av sublime bilder av gotisk skulptur inkluderer ofte hverdagslige motiver: groteske figurer av munker, sjangerfigurer av slaktere, farmasøyter, drueplukkere og kjøpmenn. Subtil humor hersker i scenene til den siste dommen, som har mistet sin harde karakter. Blant de stygge synderne er ofte konger, munker og rike mennesker. "Steinkalendere" (Amiens-katedralen) er avbildet, og forteller om arbeidet og aktivitetene til bøndene som er karakteristiske for hver måned.
Og motivene for å vende seg til hverdagen var blandet med abstrakte symboler og allegorier. Dermed er temaet arbeid nedfelt i en rekke måneder av året, gitt både i form av stjernetegn som dateres tilbake til antikken, og gjennom skildringen av arbeid som er karakteristisk for hver måned. Arbeid er grunnlaget for folks virkelige liv, og disse scenene ga den gotiske kunstneren muligheten til å gå utover religiøs symbolikk. Allegoriske bilder av den såkalte liberale kunsten (grammatikk, dialektikk, retorikk, aritmetikk, geometri, astronomi og musikk), vanlig siden senromertiden, er også forbundet med ideer om arbeid. Tallrike bilder av konger, riddere, prelater, håndverkere og bønder reflekterte den hierarkiske strukturen i det føydale samfunnet.

Gotisk skulptur. Graven til hertugene av Burgund. Dijon, Frankrike.
Sengotisk skulptur, så vel som denne tidens arkitektur, er preget av fragmentering og fragmentering av former, men det er en utvilsom interesse for portrettbilder, som generelt sett ikke er karakteristisk for fransk middelalderkunst.
En viktig del av den gotiske skulpturen i Frankrike siden Ludvig IXs tid var bygd opp av gravsteiner, men minneskulpturen opplevde sin sanne storhetstid på 1300-tallet. Bekymret for å styrke kongelig prestisje beordret Ludvig IX ikke mindre enn seksten gravsteiner av franske monarker som skulle fornyes og gjenreises i Saint-Denis. Dette var komplekse strukturer enten i form av en baldakin, som minner om en gotisk katedral, eller sarkofager med helgenfigurer rundt omkretsen. Motivet til et gravfølge ble ofte brukt her. Figurer av døde på 1200-tallet. stereotype i sin idealiserte, elegante ungdommelighet; på 1300-tallet de blir mer individualiserte, portretttrekk vises i utseendet. I graven til Filip IV den fagre (1327) er kongens ansikt med tynne øyenbryn og en bred, flat nese ikke uten originalitet.
Jo mer det dekorative elementet utvikler seg i arkitekturen, jo friere blir plastisiteten. Sengotisk, etter å ha henvist følelsen av hensiktsmessighet til bakgrunnen med sin dekorativitet, brakte fullstendig frigjøring for plastisk kunst og skapte gratis skulptur.
I andre tredjedel av 1200-tallet. monumental skulptur, som hittil hadde strebet etter romlig frihet, fant seg igjen forbundet med veggen - statuer begynte å bli plassert i nisjer med en tre-bladsramme, som gjentok omrisset av den øvre delen av figuren. Votiv plast, tvert imot, ved begynnelsen av 1300-tallet. tok form av en frittstående statue. På dette tidspunktet hadde kunsten å dekorere portaler gått ned, og hovedoppmerksomheten var fokusert på skulptur inne i katedraler. Blant monumentene i denne sirkelen er de mest bemerkelsesverdige Madonnaen av Jeanne d'Evreux (1339, Louvre, Paris) - en dyrebar figur laget av støpt forgylt sølv, og Madonnaen og barnet fra Saint-Aignan (ca. 1330, Notre). Dame-katedralen i Paris), der trekkene til en vanlig stereotypi ble tydeligst uttrykt. Sammen med disse votive statuene, fikk minneplast og smykker kirkeredskaper en betydelig rolle.

Gotisk relieff
Sengotisk relieff er preget av utseendet til ornament, som ikke lenger nøyer seg med plantemotiver, men består av søyler som krøller seg rundt sin akse, bøyd og dekket med dentikler. I Frankrike snakket de på den tiden om den flammende stilen. Alt som før sto fritt brukes nå som ramme alt som før fungerte som støtte henger nå fra topp til bunn. Dekorativ rikdom vises, fantastisk i skjønnheten til dekorative motiver, som imidlertid er blottet for enhver intern forbindelse, bare tjener som dekorasjon og ødelegger nådeløst enhver form med deres veksling på portaler, vinduer og dører. Ornamentell rikdom har blitt selvforsynt skjønnhet.
Ornamentet som dekorerer hovedstedene har også gjennomgått store endringer. De geometriske formene til hovedstedenes utsmykning, som dateres tilbake til det "barbariske" kurvverket, og akantusen, som er gammel i opprinnelse, forsvinner nesten helt. Gotiske mestere vender seg frimodig til motivene til deres opprinnelige natur: hovedstedene i gotiske søyler er dekorert med frodig modellerte blader av eføy, eik, bøk og ask. Plantehovedstaden er en viktig nyvinning av Reims-skulpturen, som hadde stor europeisk resonans. Stiliserte akantusblader og ornamental veving ble erstattet av motiver av lokal flora, gjengitt med ekstraordinær presisjon.


Utskårne steindekorasjoner var også av stor betydning: korsblomstrede fleuroner; steintorner som vokser som blomster og blader på grenene steinskog støtteben, flygende støtteben og tårnspir.

Sivilisasjonen i senantikken dannet en kobling mellom kristendommen og den klassiske arven og inntok en plass mellom det sene romerriket og middelalderen. Denne perioden begynte med Diokletians (284-305) og Konstantins (307-337) lange regjeringstid og varte i to til tre århundrer, og varigheten varierte fra region til region. Etter at Diokletian etablerte en tetrarkisk regjering med to «Augustus» og to «Cæsarer», ble systemet et diarki i 313, og så, i 324, erobret Konstantin Licinius, og forente imperiet under kristendommen. Denne religionsfriheten ble snart uttrykt i monumental kristen kunst gjennom byggingen av de tidligste kristne basilikaene og introduksjonen av de første monumentale dekorasjonene. I byer dekorerte kommuneeliter og store eiendomsbesittere, som ofte eide landsteder, hjemmene sine ypperlig. Offentlig arkitektur forsøkte å overgå fortidens modeller. Basilica Nova i Roma ble startet av Maxentius i 308 og fullført av Konstantin. De tre monumentale gangene sto på toppen av en bred plattform og ble kronet av en enorm vestlig apsis som inneholdt en kolossal statue av keiseren.

Symbolet på byen, triumfbuen til Konstantin, bygget av senatet og det romerske folket i 315, står nær Palatinerhøyden. Monumentet består av tre midtganger med frittstående søyler og en gruppe skulpturer, inkludert gjenbrukte elementer fra tidligere kjente monumenter, for å anerkjenne den keiserlige arven. Den historiske frisen, i en fremtredende posisjon midtveis, illustrerer både den keiserlige ideologien og stilen til den konstantinske tiden. I tillegg til skildringer av taler foran innbyggere og scener av subsidier som blir distribuert, er et spesielt bemerkelsesverdig trekk iscenesettelsen av et hieratisk domstolsritual der keiseren inntar en strengt frontalposisjon. Denne konvensjonen, understreket av innbydende figurer vist i profil, ble adoptert av konsuler i elfenbensdiptyker, villaeiere i mosaikker, og til og med i representasjonen av Kristus blant apostlene under kuplene til kirkens apsis.

En stil som er vanlig for skulptur og farget billedkunst dukker opp i første halvdel av det fjerde århundre. Dette er grunnen til at den ekstremt lineære og grafiske fremstillingen av figurene på frisen til Konstantinbuen og på moderne sarkofager er nær designene på mosaikkene på Piazza Armerina på Sicilia, Santa Costanza i Roma, Aquileia i Nord-Italia og Centzella nær Tarragona i Catalonia. Hovedelementene i et portrett med vid utsikt med åpne øyne Og kort hår, som understreker hodets rundhet, er allerede observert i verk laget under tetrarkiet, hvorav den mest kjente er porfyrgruppen på fire suverene, gjenbrukt i middelalderen på sidefasaden til Markuskirken i Venezia.

Tidlig kristen skulptur

Når de ble skåret ut av marmor eller porfyr, ble sarkofagene dekorert med skulpturerte paneler som på alle måter kan sammenlignes med frisene til store offentlige monumenter. Disse karakteristiske gjenstandene fra senantikken ble noen ganger "masseprodusert" og kunne kjøpes som standardiserte produkter av alle som ønsket å forevige sitt eget minne mens de levde eller minnet om nære slektninger som nettopp hadde dødd. Som inskripsjonen i Arles vitner om: "På de 17 kalenderdagene i april hviler Marcia Celsa, den mest fremragende kvinnen som levde 38 år, 2 måneder og 11 dager, i fred her." Det var også mulig å designe sarkofagene etter individuelle krav. I andre kvartal av det 4. århundre beordret Flavius ​​​​Januarius at hans avdøde kone ble avbildet som en bedende figur, plassert i midten av hovedpanelet til sarkofagen mellom de to apostlene og scener fra evangeliet.

Barbarsk skulptur og metallbearbeiding

Fra begynnelsen av det 5. århundre førte ankomsten av forskjellige germanske folk i Vesten og deres bosetting i territoriene til det gamle romerriket til fremveksten av en original kultur med romerske og germanske komponenter. Den første invasjonen skjedde i 401, da vestgoterne, ledet av Alaric, gikk inn i Italia. Etter å ha kommet til Romas porter, trakk dette folket, ledet av Ataulf, seg tilbake til det sørlige Gallia i 412. Litt tidligere, på slutten av 406, krysset vandalene, Alans og Suevi Rhinen ved Mainz eller Worms og dro til den iberiske halvøy. Historien om kampanjene til disse folkene, deres erobringer og progressive sedentarisering dekket hele 500-tallet. Deres eventuelle bosetting i visse områder utgjorde den første sammenslåingen i middelalderens historiske geografi. Frankerne i Gallia, vestgoterne på den iberiske halvøy og østgoterne i Italia skapte originale kunstverk som nesten utelukkende tilhørte metallbearbeiding og smedarbeid. Arkitektonisk sett verdsatte de det de fant i romaniserte land. Dette er grunnen til at mens nekropolene avslører begravelsesmiljøer av germansk opprinnelse, avslører villaene som er gravd ut av arkeologer arkitektur og mosaikkkunst i den reneste romerske tradisjonen. Symbiosen mellom disse ulike kunstneriske kulturene markerte begynnelsen på en ny middelaldersivilisasjon.

Verkene til gullsmeder fra perioden med barbariske invasjoner var mange. De besto av liturgiske gjenstander, fat, våpen og personlige smykker. Arbeidet til Saint Eligius, gullsmed ved det merovingerske hoff og skaper av liturgiske gjenstander som Saint Denis-korset, er velkjent. Men smykkefremstillingen i denne perioden er hovedsakelig studert fra begravelsesfunn. Sutton Hoo Treasure er den mest kjente av de kongelige eller fyrstelige begravelsene fra den tidlige angelsaksiske perioden. Innholdet, nå i British Museum, ble gravd opp fra det nedgravde skipet i 1939. Gjenstandene som utgjorde denne skatten inkluderer import fra det østlige Middelhavet (sølv- og bronsefat), Sverige (skjold), Merovinger Gallia (mynter) og Rheinland (rustning). Datoen for begravelse ble fastsatt av bysantinske sølvgjenstander som inspeksjonsstempler av keiser Anastasius ble funnet på.

De angelsaksiske gjenstandene i Sutton Hoo-skattkammeret består hovedsakelig av våpen, dyrebare steiner og hverdagslige ting. Gull er rikelig og emaljen - for det meste cloisonne - er fordelt i små flerfargede celler som artikulerer overflaten. Men mens vi legger vekt på teknikk, må vi ikke neglisjere det dekorative repertoaret som vises på moderne produkter. Geometriske former og figurativ dekor er tett sammenvevd i et virvar av kurver som ofte beskriver kontinuerlige vekslinger. Disse motivene spredte seg så utover Vest-Europa gjennom distribusjon av gjenstander og manuskripter.

Blant merovingerne ble disse gullsmedens verk funnet i gravene til de rikeste. Noen av dem foretrakk fortsatt begravelse i sarkofager i den klassiske tradisjonen. Ofte ble trapesformede sarkofager, som gikk ut av bruk i løpet av 800-tallet, dekorert med kors eller geometriske motiver. Gipssarkofager funnet i store mengder i Paris-regionen utgjorde spesiell gruppe og deres distribusjonsområde strekker seg fra Rouen til Yonne og fra Loire til Marne. I Sør-Frankrike fortsatte produksjonen av marmorsarkofager frem til 500-tallet, om ikke senere, mens spesielt i Aquitaine, en gruppe sarkofager med saldekker og allestedsnærværende dekorert med løvverk fortsatte å produseres helt til slutten av merovingertiden. periode. Disse prestisjetunge gjenstandene reiste over hele Europa, men utskjæringene deres ble sannsynligvis utført i de urbane verkstedene i Aquitaine. De møtte kravene til de store grunneierne i det sørvestlige Gallia, for hvem jakt fortsatt var et yndet tidsfordriv, som demonstrert av sakrofagen i Augustinians museum i Toulouse.

Blant de privilegerte gravene er et begravelseskapell som ble åpnet sørøst for byen Poitiers i 1878, hvis skulpturelle utsmykning er spesielt viktig. Dette hypogeumet, kjent som Dune Hypogeum, besto av et "minnerom" omgitt av flere religiøse strukturer og lå i en nekropolis. Monumentet, som kan dateres til slutten av 700- eller første tredjedel av 800-tallet, var et slags familiehvelv med flere graver; en lang inskripsjon på høyre dørkarm lyder: «Mellebaudi, Kristi skyldner og tjener, jeg har skapt for meg selv denne lille hulen der min uverdige grav ligger. Jeg gjorde dette i Herren Jesu Kristi navn, som jeg elsker, som jeg har trodd på..."

En trapp med ti trinn fører til bod. Monumentet består av et rom forstørret med to laterale arcosoliums. I tillegg til søylene og kapitlene som rammer inn inngangen, strekker arkitektonisk skulptur seg på tvers av de tre trinnene i trappen, dørkarmene og trinnet foran alterplattformen. Denne dekorasjonen i meget fint relieff består av omentum-løvverk, fisk og en firetappet flette med slangehoder på lemmene. Monumentet bevarer også elementer av utskårne møbler, som beviser eksistensen av velorganiserte verksteder. Bevingede figurer dekorerer platene som brukes til å dekke sarkofagene som står nær alteret. En av dem skildrer symbolene til evangelistene Matteus og Johannes og erkeenglene Rafael og Rakel. Ved siden av alteret var en skulpturert søylebase, dekorert med to figurer spikret til kors, som kan tolkes som to tyver som flankerer Kristi korsfestelse, som nå er savnet. Et annet skulpturert fragment representerer den nedre delen, betegnet i inskripsjonen som Simeon.

Stilistisk sett minner disse skulpturene om vestgotiske verk og monumenter fra 700-tallet i Nord-Italia. Sosiologisk illustrerer Hypogeum of the Dunes at Poitiers fenomenet "aristokratisering" av en del av nekropolis: en privilegert kirkelig grav som opprinnelig kan ha vært et kapell og i alle fall var i privat bruk. Et fragment av lokket har følgende inskripsjon: «Memoria of Mellebaudis (memoria), abbed, debtor of Christ. De fromme kommer fra alle kanter til Ham (Kristus) for å gi offer, og de kommer tilbake hvert år." Den skulpturelle utsmykningen ved hypogeumet til Poitiers viser, i likhet med inskripsjoner og spor etter maleri, at de merovingeriske elitene hadde en hybridkultur som kombinerte klassisk kultur, som bevist av østlige elementer, og vekslingskunsten som så tydelig definerer de plastiske nyvinningene til tidlig middelalder i vest.

Karolingisk kunst: elfenben og gull

Den karolingiske kulturelle vekkelsen kom ikke plutselig, verken med Karl den stores fremvekst eller hans kroning som pave i 800. Det begynte på slutten av 700-tallet i Italia, Gallia og de britiske øyer. Fra denne perioden begynte den klosterlige vekkelsen av Vesten. Corby, Laon, Tours, Fleury-sur-Loire og Saint-Denis var kultursentre lenge før den karolingiske vekkelsen, kjent for sine scriptoria og biblioteker, det samme var de tyske klostrene Echternach, Saint-Galle og Fulda. (Se: Tysk middelalderkunst ca. 800-1250.) Regjeringen til Karl den Store og hans sønn Ludvig den fromme (768 til 855) førte til byggingen av hundrevis av klostre, nesten tretti nye katedraler og rundt hundre kongelige residenser. Se karolingisk kunst (ca. 750-900).

Ønsket om å konkurrere med prestisjen til Roma og Byzantium lå bak Karl den Stores beslutning om å velge fast plass bolig hvor hans domstol, skattkammer og bibliotek kunne etableres. Karl den Stores palass i Aachen og teltpalasset, bygget der etter modell av Ravennatus helt på slutten av 800- og begynnelsen av 900-tallet, dannet et senter for religiøs kunst og for studiet av bokstaver, der kjente mestere som Alcuin deltok. Rettsverksteder produserte illustrerte manuskripter, som var en av de mest effektive midler bevare gammel kultur og formidle moderne kunstnerisk smak. Blant de første bøkene som ble illustrert ved hoffet før slutten av 800-tallet, var Godescalcus' evangeliebok, som avslører den økende betydningen av italienske og bysantinske modeller. Manuskripter fra School of Hell signert av klosterets abbedisse, antagelig søster Charlemagne, markerte et øyeblikk av diversifisering i skolene i Palatine, tilsvarende rekkefølgen av Alcuin av Eginhard.

Nye kunstneriske trender som dukket opp under Ludvig den fromme etter hans kroning kan spores i evangeliene (Old Imperial Treasury, Wien), dette er den hellenistiske eller aleksandrinske stilen. På Reims, under erkebiskop Ebbo, ble manuskripter illustrert i en stil dominert av bevegelse som ser ut til å ryste figurene og deres klær. Utrecht-psalteren, skrevet og illustrert ved Abbey of Utvilliers på slutten av første tredjedel av 900-tallet, karakteriserer spesielt denne karolingiske renessansen og Reims-skolen med sin raske, skarpe, lyse og nervøse penn. Etter Karl den Stores død og Ebbos fall i Reims gjenopplivet flere kunstnere skolen til Saint-Martin of Tours, preget av abbed Vivian (843-851) ved å illustrere bibler med narrative scener arrangert i anvendte registre.

Produksjonen av manuskripter, skapt i ulike spesialiserte verksteder, krevde arbeid fra gullsmeder og håndverkere som spesialiserte seg på elfenbensskjæring, hovedsakelig for produksjon av dyrebare smykker. Dette forklarer det nære stilistiske forholdet mellom illuminerte manuskripter og elfenbensutskjæringer. Det ble til og med antatt at verkstedene var utstyrt for å produsere begge sjangrene. Dermed er elfenbenet til School of Hell veldig lik manuskripter fra samme krets. Omslagene til Lorsch-evangeliene, laget helt på slutten av 800-tallet, er basert på bysantinske modeller fra Justinians periode, mens omslagene til Dagulf-psalteren finner sin kilde i vestlige tidlige kristne verk. Denne rikdommen av kilder viser også hvilken rolle disse verkstedene spilte i overføringen av modeller fra senantikken. På Metz, under bispedømmet Drogo (825-855), reflekterte elfenbenspanelene ("Communion of Drago") en bevegelse som gjenopplivet manuskriptene til den samme skolen, der kontraster med Reims-skolen kan sees.

Utviklingen av relikvikulten og økningen i størrelsen på de store kirkene ble kilden til gullsmedenes luksuriøse arbeid under den karolingiske perioden: urner, statuer av alle slag, relikvier av alle slag, bokomslag og andre gjenstander for liturgiske bruk utgjorde en vesentlig del av produksjonen, bestemt til å spille en viktig rolle i utviklingen av monumental skulptur. Godt eksempel Vi finner dette i et relikvieskrin kalt Eginhards triumfbue, kun kjent fra en tegning. Den fungerte utvilsomt som korsets fot, og dens rike utsmykning henter sin inspirasjon fra romerske og tidligkristne triumfgjenstander, samtidig som den forkynner det monumentale ikonografiske bildet av de store romanske kirkeportalene.

Karolingisk gullarbeid nøt godt av fremgangen som ble gjort i løpet av den merovingerske perioden og kombinerte den eldgamle praksisen med skillevegger med mynting og innlegg. Blant de mest kjente verkene er innbindingen av München-kodeksen med dekorasjon delt inn i fem felt og ciboriumet til kong Arnulf. Også enestående i størrelse, prestisje og innflytelse på skulptur er gull- og sølvaltertavlen til fronten av Milano, bestilt av gullsmeden Volvinius fra bispedømmet til Anguilbert II. På forsiden er religiøse scener og på baksiden er scener fra livet til Ambrose, en milanesisk helgen. Forskjellene i stil observert mellom de to sidene samsvarer nøyaktig med situasjonen til karolingisk kunst, revet mellom blendende antikken og ny estetikk. Bronseskulpturen og figuren til Charlemagne (Louvre, Paris) indikerer tydelig denne doble dimensjonen, og bekrefter den keiserlige ideen. Dette er en refleksjon av verkstedene til grunnleggerne av bronse, som etterlot andre kjente verk i Aachen-kapellet, for eksempel gitteret til galleriene og dørene. Se også: Ottonisk kunst (ca. 900-1050).

For en annen innflytelsesrik, men senere skole for middelalderkunst i Vest-Europa, sterkt påvirket av karolingisk kultur, les Art of Mosan, som dukket opp rundt Liège, eksemplifisert ved metallarbeid og gullsmedarbeid