Leder af den æstetiske bevægelse. William Morris and the Arts and Crafts Movement: En "renæssance" for kunst og håndværk

Pre-Raphaelitism (engelsk: Pre-Raphaelitism) er en bevægelse inden for engelsk poesi og maleri i anden halvdel af det 19. århundrede, dannet i begyndelsen af ​​50'erne med det formål at kæmpe mod konventionerne fra den victorianske æra, akademiske traditioner og blind efterligning af klassiske modeller.
Navnet "Pre-Raphaelites" skulle angive et åndeligt forhold til de florentinske kunstnere fra den tidlige renæssance, det vil sige kunstnerne "før Raphael" og Michelangelo: Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini.
De mest fremtrædende medlemmer af den prærafaelitiske bevægelse var digteren og maleren Dante Gabriel Rossetti, malerne William Holman Hunt, John Everett Millais, Madox Brown, Edward Burne-Jones, William Morris, Arthur Hughes, Walter Crane og John William Waterhouse .

Det prærafaelitiske broderskab

Det første trin i udviklingen af ​​prærafaelitismen var fremkomsten af ​​det såkaldte "prærafaelitiske broderskab", som oprindeligt bestod af syv "brødre": J. E. Millais, Holman Hunt (1827-1910), Dante Gabriel Rossetti, hans yngre bror Michael Rossetti, Thomas Woolner og malerne Stevens og James Collinson.
Broderskabets historie begynder i 1848, da akademistuderende Holman Hunt og Dante Gabriel Rossetti, som tidligere havde set og beundret Hunts arbejde, mødtes på en udstilling på Det Kongelige Kunstakademi. Hunt hjælper Rossetti med at færdiggøre maleriet "Jomfru Marias ungdom"(Engelsk: Girlhood of Mary Virgin, 1848-49), som blev udstillet i 1849, og han introducerer også Rossetti for John Everett Millais, et ungt geni, der kom ind på Akademiet i en alder af 11.

De blev ikke kun venner, men fandt ud af, at de delte hinandens syn på moderne kunst: især troede de, at moderne engelsk maleri var nået en blindgyde og var ved at dø, og på den bedst mulige måde at genoplive den vil være en tilbagevenden til den tidlige italienske kunsts oprigtighed og enkelhed (det vil sige kunst før Rafael, som prærafaelitterne betragtede som grundlæggeren af ​​akademiskisme).
Sådan blev ideen om at skabe et hemmeligt selskab kaldet Pre-Raphaelite Brotherhood født - et samfund i opposition til officielle kunstneriske bevægelser. Også inviteret til gruppen lige fra begyndelsen var James Collinson (elev ved akademiet og Christina Rossettis forlovede), billedhuggeren og digteren Thomas Woolner, den unge nittenårige kunstner og senere kritiker Frederick Stephens og lillebror Rossetti William Michael Rossetti, som fulgte i sin ældre brors fodspor, begyndte på kunstskolen, men ikke viste et særligt kald for kunst og til sidst blev en berømt kunstkritiker og forfatter. Madox Brown var tæt på de tyske nazaræere, så han, som delte Broderskabets ideer, nægtede at slutte sig til gruppen.
I Rossettis maleri "The Youth of the Virgin Mary" optræder de tre konventionelle bogstaver P. R. B. (Pre-Raphaelite Brotherhood) for første gang de samme initialer mærket "Isabella" af Milles og "Rienzi" af Hunt. Medlemmer af Broderskabet skabte også deres eget blad, kaldet Rostock, selvom det kun eksisterede fra januar til april 1850. Dens redaktør var William Michael Rossetti (bror til Dante Gabriel Rossetti).

Prærafaelitter og akademiskhed

Før fremkomsten af ​​det prærafaelitiske broderskab blev udviklingen af ​​britisk kunst hovedsageligt bestemt af aktiviteterne i Royal Academy of Arts. Som enhver anden officiel institution var den meget jaloux og forsigtig med hensyn til innovationer, [bevarede akademismens traditioner. Hunt, Millais og Rossetti udtalte i magasinet Rostock, at de ikke ønskede at fremstille mennesker og natur som abstrakt smukke, og begivenheder så langt fra virkeligheden, og endelig var de trætte af konventionen om officielle, "eksemplariske" mytologiske, historiske og religiøse værker.
Prærafaelitterne opgav de akademiske principper for arbejde og mente, at alt skulle males fra livet. De valgte venner eller slægtninge som modeller. For eksempel i maleriet "Jomfru Marias ungdom" skildrede Rossetti sin mor og søster Christina, og ved at se på lærredet "Isabella" genkendte samtidige Milles venner og bekendte fra broderskabet. Under skabelsen af ​​maleriet "Ophelia" tvang han Elizabeth Siddal til at ligge i et fyldt bad i flere timer. Det var vinter, så Siddal blev alvorligt forkølet og sendte Millais senere en lægeregning på 50 £. Desuden ændrede prærafaelitterne forholdet mellem kunstner og model - de blev ligeværdige partnere. Hvis heltene i Reynolds' malerier næsten altid er klædt efter deres sociale status, så kunne Rossetti male en dronning fra en sælger, en gudinde fra en brudgoms datter. Den prostituerede Fanny Cornforth stillede op for ham til maleriet Lady Lilith.
Medlemmer af Broderskabet var fra starten irriterede over indflydelsen på moderne kunst fra kunstnere som Sir Joshua Reynolds, David Wilkie og Benjamin Haydon. De gav endda tilnavnet Sir Joshua (præsident for Kunstakademiet) "Sir Sloshua" (fra engelsk slosh - "slap i mudderet") for hans sjuskede maleteknik og stil, som de troede, fuldstændig lånt fra akademisk manérisme. Situationen blev forværret af det faktum, at kunstnere på det tidspunkt ofte brugte bitumen, og det gør billedet uklart og mørkt. I modsætning hertil ønskede prærafaelitterne at vende tilbage til de høje detaljer og dybe farver fra Quattrocento-æraens malere. De opgav "skabsmaleriet" og begyndte at male i naturen og lavede også ændringer i den traditionelle maleteknik. Prærafaelitterne skitserede en sammensætning på et grundet lærred, påførte et lag hvidvask og fjernede olien fra det med strøpapir og skrev derefter oven på kalken med gennemskinnelige malinger. Den valgte teknik gjorde det muligt for dem at opnå lyse, friske toner og viste sig at være så holdbare, at deres værker er blevet bevaret i deres oprindelige form den dag i dag.

Håndtering af kritik

Til at begynde med blev prærafaelitternes arbejde modtaget ganske varmt, men snart faldt alvorlig kritik og latterliggørelse. Millais' alt for naturalistiske maleri "Christ in the Parental House", udstillet i 1850, forårsagede en sådan bølge af indignation, at dronning Victoria bad om at blive taget til Buckingham Palace til uafhængig inspektion.
Rossettis maleri forårsagede også angreb fra den offentlige mening. "Bebudelse", lavet med afvigelser fra den kristne kanon.

På en udstilling på Royal Academy i 1850 lykkedes det Rossetti, Hunt og Millais ikke at sælge et eneste maleri. I en anmeldelse offentliggjort i det ugentlige Athenaeum skrev kritikeren Frank Stone:
"Ignorerer alle de store ting, som blev skabt af de gamle mestre, trasker denne skole, som Rossetti tilhører, med usikre skridt mod sine tidlige forgængere. Dette er arkæologi, blottet for enhver nytte og forvandlet til doktrinær. Folk, der tilhører denne skole, hævder, at de følger naturens sandhed og enkelhed. Faktisk efterligner de på slavisk vis kunstnerisk udugelighed."
Broderskabets principper blev kritiseret af mange respekterede malere: Præsidenten for Kunstakademiet, Charles Eastlake, og gruppen af ​​kunstnere "Clique", ledet af Richard Dadd. Som et resultat gav James Collinson endda afkald på Broderskabet, og hans forlovelse med Christina Rossetti blev brudt. Hans plads blev efterfølgende overtaget af maleren Walter Deverell.
Situationen blev til en vis grad reddet af John Ruskin, en indflydelsesrig kunsthistoriker og kunstkritiker i England. På trods af at han i 1850 kun var 32 år gammel, var han allerede forfatter til kendte kunstværker. I flere artikler publiceret i The Times gav Ruskin prærafaelitternes værker en smigrende vurdering og understregede, at han ikke personligt kendte nogen fra Broderskabet. Han proklamerede, at deres arbejde kunne "danne grundlaget for en kunstskole, der er større end noget, verden har kendt i de foregående 300 år. Derudover købte Ruskin mange af Gabriel Rossettis malerier, som støttede ham økonomisk, og tog Millais under hans." fløj, i hvem jeg straks så fremragende talent.

John Ruskin og hans indflydelse

Den engelske kritiker John Ruskin bragte prærafaelitternes ideer om kunst i orden og formaliserede dem til et logisk system. Blandt hans værker er de mest berømte "Fiction: Fair and Foul", "The Art of England", "Modern Painters". Han er også forfatter til artiklen "Pre-Raphaelitism", udgivet i 1851.
"Dagens kunstnere," skrev Ruskin i "Moderne kunstnere", "skildrer [naturen] enten for overfladisk eller for pyntet; de forsøger ikke at trænge ind i [dens] essens." Som et ideal fremførte Ruskin middelalderkunst, sådanne mestre fra den tidlige renæssance som Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini, og opfordrede kunstnere til at "male med med et rent hjerte, ikke fokusere på noget, ikke vælge noget og ikke forsømme noget." Tilsvarende skrev Madox Brown, der påvirkede prærafaelitterne, om sit maleri The Last of England (1855): "Jeg har forsøgt at glemme alle eksisterende kunstneriske bevægelser og at afspejle denne scene, som den burde have set ud." . Madox Brown har specielt malet dette billede på kysten for at opnå effekten af ​​"belysning fra alle sider", der sker på havet i overskyede dage. Den prærafaelitiske maleteknik involverede udarbejdelse af hver detalje.
Ruskin proklamerede også "princippet om troskab mod naturen": "Er det ikke fordi vi elsker vores kreationer mere end hans, at vi værdsætter farvet glas frem for lyse skyer... Og at lave skrifttyper og rejse søjler til ære for ham... . vi forestiller os, at vi vil blive tilgivet for vores skammelige forsømmelse af de bakker og vandløb, som han har udstyret vores bolig med - jorden." Kunsten skulle således bidrage til genoplivningen af ​​spiritualiteten i mennesket, moralsk renhed og religiøsitet, hvilket også blev prærafaelitternes mål.
Ruskin har en klar definition af prærafaelitismens kunstneriske mål:
Det er let at kontrollere penslen og male urter og planter med tilstrækkelig troskab for øjet; Alle kan opnå dette efter flere års arbejde. Men blandt urterne og planterne at skildre skabelsens hemmeligheder og kombinationer, med hvilke naturen taler til vores forståelse, at formidle den løsnede jords blide kurve og bølgende skygge, at finde i alt, hvad der synes det mindste, en manifestation af det evige guddommelige nyskabelse af skønhed og storhed, for at vise dette til de utænkende og usynlige - sådan er kunstnerens udnævnelse.
Ruskins ideer rørte dybt prærafaelitterne, især William Holman Hunt, som inficerede Millais og Rossetti med sin entusiasme. I 1847 skrev Hunt om Ruskins moderne kunstnere: "Jeg følte, som ingen anden læser, at bogen var skrevet specielt til mig." Ved at definere sin tilgang til sit arbejde bemærkede Hunt også, at det var vigtigt for ham at tage udgangspunkt i emnet, "ikke kun fordi der er en charme ved emnets fuldstændighed, men for at forstå de designprincipper, der findes i Natur."

Henfald

Efter at prærafaelitismen fik støtte fra Ruskin, blev prærafaelitterne anerkendt og elsket, de fik ret til "borgerskab" i kunsten, de kom på mode og fik en mere gunstig modtagelse på udstillingerne på Det Kongelige Akademi, og nød succes på verdensudstillingen i 1855 i Paris.
Ud over den allerede nævnte Madox Brown blev Arthur Hughes (mest kendt for maleriet "April Love", 1855-1856), Henry Wallis, Robert Braithwaite Martineau, William Windus også interesseret i den prærafaelitiske stil ) og andre.
Broderskabet går dog i opløsning. Bortset fra en ungdommelig revolutionær romantisk ånd og en fascination af middelalderen, forenede kun lidt disse mennesker, og af de tidlige prærafaelitter var kun Holman Hunt tro mod broderskabets doktrin. Da Millais blev medlem af Royal Academy of Arts i 1853, erklærede Rossetti denne begivenhed for slutningen på Broderskabet. "Det runde bord er nu opløst," slutter Rossetti. Efterhånden forlader de resterende medlemmer også. Holman Hunt tog for eksempel til Mellemøsten, Rossetti selv blev i stedet for landskaber eller religiøse temaer interesseret i litteratur og skabte mange værker om Shakespeare og Dante.
Forsøg på at genoplive Broderskabet som Hogarth Club, der eksisterede fra 1858 til 1861, mislykkedes.

Videreudvikling af prærafaelitismen

I 1856 mødtes Rossetti med William Morris og Edward Burne-Jones. Burne-Jones var henrykt over Rossettis maleri "Første årsdagen for Beatrices død"(engelsk: The First Anniversary of the Death of Beatrice), og efterfølgende bad han og Morris om at blive hans elever.

Burne-Jones tilbragte hele dage i Rossettis studie, og Morris kom med i weekenden. Således begynder en ny fase i udviklingen af ​​den prærafaelitiske bevægelse, hvis hovedidé er æstetik, stilisering af former, erotik, skønhedsdyrkelse og kunstnerisk geni. Alle disse træk er iboende i Rossetti's arbejde, som oprindeligt var leder af bevægelsen. Som kunstneren Val Princep senere skrev, var Rossetti "den planet, som vi kredsede om. Vi kopierede endda hans måde at tale på." Rossettis helbred (inklusive mentale helbred) er dog forværret, og Edward Burne-Jones, hvis værker er lavet i stil med de tidlige prærafaelitter, overtager gradvist ledelsen. Han blev ekstremt populær og havde en stor indflydelse på malere som William Waterhouse, Byam Shaw, Cadogan Cooper, og hans indflydelse er også mærkbar i værker af Aubrey Beardsley og andre illustratorer fra 1890'erne. I 1889 modtog han på verdensudstillingen i Paris Æreslegionens orden for maleriet "Kong Cofetua og tiggerkvinden".
Blandt de sene prærafaelitter kan man også fremhæve malere som Simeon Solomon og Evelyn de Morgan samt illustratorerne Henry Ford og Evelyn Paul.

"Kunst og kunsthåndværk"

Prærafaelitismen trængte på dette tidspunkt ind i alle livets aspekter: møbler, dekorativ kunst, arkitektur, boligindretning, bogdesign, illustrationer.
William Morris betragtes som en af ​​de mest indflydelsesrige personer i det 19. århundredes dekorative kunsts historie. Han grundlagde "Arts and Crafts Movement" - "Arts and Crafts"), hvis hovedidé var en tilbagevenden til manuelt håndværk som ideal for brugskunst, såvel som ophøjelsen til rang af fuldgyldig kunst af trykning, støberi og gravering. Denne bevægelse, som blev taget op af Walter Crane, Mackintosh, Nelson Dawson, Edwin Lutyens, Wright og andre, manifesterede sig efterfølgende i engelsk og amerikansk arkitektur, interiørdesign og landskabsdesign.

Poesi

De fleste af prærafaelitterne var engageret i poesi, men ifølge mange kritikere har den værdi netop sen periode udvikling af prærafaelitisme. Dante Gabriel Rossetti, hans søster Christina Rossetti, George Meredith, William Morris og Algernon Swinburne satte et betydeligt præg på engelsk litteratur, men det største bidrag blev ydet af Rossetti, betaget af den italienske renæssances digte og især Dantes værker. Rossetti's vigtigste lyriske præstation anses for at være sonettercyklussen "Livets hus". Christina Rossetti var også en berømt digter. Rossettis elskede Elizabeth Siddal studerede også poesi, hvis værker forblev uudgivet i hendes levetid. William Morris var ikke kun en anerkendt mester i farvet glas, men var også aktiv i litterær aktivitet, herunder at skrive mange digte. Hans første samling, The Defense of Guinevere and Other Poems, udkom i 1858, da forfatteren var 24 år gammel.
Under indflydelse af prærafaelitisk poesi udviklede den britiske dekadence sig i 1980'erne: Ernst Dawson, Lionel Johnson, Michael Field, Oscar Wilde. En romantisk længsel efter middelalderen blev afspejlet i Yeats' tidlige værk.
Den berømte digter Algernon Swinburne, berømt for sine dristige eksperimenter med versificering, var også dramatiker og litteraturkritiker. Swinburne dedikerede sit første drama, The Queen Mother and Rosamond, skrevet i 1860, til Rossetti, som han var tilknyttet venskabelige forbindelser. Men selvom Swinburne erklærede sin forpligtelse til prærafaelismens principper, går han bestemt ud over denne retning.

Udgivelsesaktiviteter

I 1890 grundlagde William Morris Kelmscott Press, hvor han udgav flere bøger med Burne-Jones. Denne periode kaldes kulminationen på William Morris' liv. Med udgangspunkt i middelalderens skriftlærdes traditioner forsøgte Morris, såvel som den engelske grafiker William Blake, at finde en samlet stil til udformningen af ​​bogsiden, dens titelblad og indbinding. Morris' bedste udgave var The Canterbury Tales af Geoffrey Chaucer; markerne er dekoreret med klatreplanter, teksten oplives af miniaturehovedbeklædninger og ornamenterede versaler. Som Duncan Robinson skrev,
For den moderne læser, der er vant til de enkle og funktionelle skrifttyper fra det 20. århundrede, virker Kelmscott Press-udgaver som luksuriøse kreationer fra den victorianske æra. Rig ornamentik, mønstre i form af blade, illustrationer på træ - alt dette blev de vigtigste eksempler på dekorativ kunst i det 19. århundrede; alt sammen lavet af hænderne på en mand, der har bidraget mere til dette felt end nogen anden.
Morris designede alle 66 bøger udgivet af forlaget, og Burne-Jones lavede de fleste illustrationer. Forlaget bestod indtil 1898 og havde en stærk indflydelse på mange illustratorer i slutningen af ​​det 19. århundrede, især Aubrey Beardsley.

Æstetisk bevægelse

I slutningen af ​​50'erne, da Ruskins og prærafaelitternes veje divergerede, var der behov for nye æstetiske ideer og nye teoretikere til at forme disse ideer. Kunsthistorikeren og litteraturkritikeren Walter Horatio Pater blev sådan en teoretiker. Walter Pater mente, at det vigtigste i kunsten er umiddelbarheden af ​​individuel perception, derfor bør kunsten dyrke hvert øjeblik af at opleve livet: "Kunst giver os intet andet end bevidsthed om den højeste værdi af hvert forbigående øjeblik og bevarelsen af ​​dem alle." I vid udstrækning, gennem Pater, bliver ideerne om "kunst for kunstens skyld", hentet fra Theophile Gautier, Charles Baudelaire, omdannet til begrebet æsteticisme (English Aesthetic movement), som bliver udbredt blandt engelske kunstnere og digtere: Whistler, Swinburne, Rosseti, Wilde. Oscar Wilde havde også en stærk indflydelse på udviklingen af ​​den æstetiske bevægelse (inklusive det senere værk af Rossetti), idet han personligt kendte både Holman Hunt og Burne-Jones. Han læste, ligesom mange af hans jævnaldrende, bøger af Pater og Ruskin, og Wildes æstetik voksede stort set ud af prærafaelitismen, som bar en anklage om skarp kritik af det moderne samfund fra et skønhedssynspunkt. Oscar Wilde skrev, at "æstetik er hævet over kritik", som betragter kunst som den højeste virkelighed, og livet som en slags fiktion: "Jeg skriver, fordi skrivning er den højeste kunstneriske fornøjelse for mig. Hvis mit arbejde kan lide af nogle få udvalgte, er jeg glad for det. Hvis ikke, er jeg ikke ked af det." Prærafaelitterne var også opsatte på Keats' poesi og accepterede fuldt ud hans æstetiske formel om, at "skønhed er den eneste sandhed."

Emner

Til at begynde med foretrak prærafaelitterne evangeliets emner og undgik kirkens karakter i maleriet og fortolkede evangeliet symbolsk, idet de tillagde særlig betydning ikke den historiske troskab af de afbildede evangelieepisoder, men til deres indre filosofiske betydning. Så for eksempel i "Verdens lys" Khanta i form af Frelseren med en lys lampe i hænderne skildrer troens mystiske guddommelige lys, der stræber efter at trænge ind i lukket menneskelige hjerter som Kristus, der banker på døren til et menneskeligt hjem.

Prærafaelitterne henleder opmærksomheden på temaet social ulighed i den victorianske æra, emigration (værker af Madox Brown, Arthur Hughes), kvinders forringede stilling (Rossetti), Holman Hunt berørte endda emnet prostitution i sit maleri. "Vågnede generthed"(Engelsk: The Awakening Conscience, 1853).

På billedet ser vi en falden kvinde, der pludselig indså, at hun syndede, og glemmer sin elsker, frigør sig fra hans omfavnelse, som om hun hører en form for kald gennem et åbent vindue. Manden forstår ikke hendes åndelige impulser og fortsætter med at spille klaver. Her var prærafaelitterne ikke pionerer, de var forudset af Richard Redgrave med hans berømte maleri Guvernanten (1844). Og senere, i 40'erne, skabte Redgrave mange lignende værker dedikeret til udnyttelse af kvinder.
Prærafaelitterne beskæftigede sig også med historiske emner og opnåede den største nøjagtighed i at skildre faktuelle detaljer; henvendte sig til værker af klassisk poesi og litteratur, til værker af Dante Alighieri, William Shakespeare, John Keats. De idealiserede middelalderen og elskede middelalderromantik og mystik.
Prærafaelitterne skabte en ny type kunst kvindelig skønhed- løsrevet, rolig, mystisk, som senere skulle udvikles af art nouveau-kunstnere. Kvinde på prærafaelitiske malerier - middelalderbillede perfekt skønhed og kvindelighed, hun bliver beundret og tilbedt. Dette er især bemærkelsesværdigt hos Rossetti, der beundrede skønhed og mystik, såvel som hos Arthur Hughes, Millais og Burne-Jones. Mystisk, destruktiv skønhed, la femme fatale, kom senere til udtryk i William Waterhouse. I denne henseende kan maleriet "The Lady of Shalott" (1888), som stadig er en af ​​de mest populære udstillinger på Tate Gallery, kaldes ikonisk]. Det er baseret på et digt af Alfred Tennyson. Mange malere (Holman Hunt, Rossetti) illustrerede Tennysons værker, især "The Lady of Shalott". Historien fortæller om en pige, der skal forblive i et tårn, isoleret fra omverdenen, og i samme øjeblik hun beslutter sig for at flygte, underskriver hun sin egen dødsdom.
Billede tragisk kærlighed var attraktiv for prærafaelitterne og deres tilhængere: i slutningen af ​​XIX-i begyndelsen af ​​det 20. århundrede blev mere end halvtreds malerier skabt med temaet "The Lady of Shalott", og titlen på digtet blev til en fraseologisk enhed. Prærafaelitterne var særligt tiltrukket af temaer som åndelig renhed og tragisk kærlighed, ulykkelig kærlighed, den uopnåelige pige, en kvinde, der dør af kærlighed, præget af skam eller fordømmelse, og en død kvinde af ekstraordinær skønhed.
Det victorianske begreb om femininitet blev omdefineret. For eksempel, i Ophelia af Arthur Hughes eller serien af ​​malerier Past and Present, 1837-1860 af Augustus Egg, vises en kvinde som en person, der er i stand til at opleve seksuel lyst og lidenskab, hvilket ofte fører til en alt for tidlig død. Augustus Egg skabte en række værker, der viser, hvordan familiens ildsted bliver ødelagt, efter at moderens utroskab blev opdaget. I det første maleri ligger en kvinde på gulvet, hendes ansigt begravet i gulvtæppet, i en positur af fuldstændig fortvivlelse, og armbåndene på hendes hænder ligner håndjern Dante Gabriel Rossetti bruger figuren Proserpina fra gammel græsk og romersk mytologi: en ung kvinde stjålet af Pluto til underverdenen og desperat efter at vende tilbage til jorden.

Hun spiser kun nogle få granatæblekerner, men et lille stykke mad er nok til, at en person for evigt kan forblive i underverdenen. Proserpina Rossetti – ikke bare smuk kvinde med et tankevækkende blik. Hun er meget feminin og sensuel, og granatæblet i hendes hænder er et symbol på lidenskab og fristelse, som hun bukkede under.
Et af hovedtemaerne i prærafaelitternes værker er en forført kvinde, ødelagt af ulykkelig kærlighed, forrådt af sine elskere, et offer for tragisk kærlighed. I de fleste malerier er der en mand, enten eksplicit eller implicit, som er ansvarlig for kvindens undergang. Eksempler inkluderer Hunts "Woke Shyness" eller Millais' maleri "Mariana".
Et lignende tema kan ses i poesi: i "The Defense of Guenevere" af William Morris, i Christina Rossettis digt "Light Love" (engelsk: Light Love, 1856), i Rossettis digt "Jenny" (1870), som viser en falden kvinde, en prostitueret, som er fuldstændig uberørt af sin situation og endda nyder seksuel frihed.

Landskab

Holman Hunt, Milles, Madox Brown designede landskabet. Malerne William Dyce, Thomas Seddon og John Brett nød også en vis berømmelse. Landskabsmalere af denne skole er især berømte for deres skildringer af skyer, arvet fra deres berømte forgænger, William Turner. De forsøgte at skildre landskabet med maksimal autenticitet. Hunt udtrykte sine tanker på denne måde: "Jeg vil male et landskab... som skildrer hver eneste detalje, jeg kan se." Og om Millais' maleri "Efterårsblade" Ruskin sagde: "Det er første gang, at tusmørket er blevet skildret så perfekt."

Malerne lavede omhyggelige skitser af toner fra naturen og gengav dem så klart og tydeligt som muligt. Dette mikroskopiske arbejde krævede enorm tålmodighed og arbejde i deres breve eller dagbøger, prærafaelitterne klagede over behovet for at stå i timevis i den varme sol, regn og blæst for nogle gange at male et meget lille udsnit af billedet; . Af disse grunde blev det prærafaelitiske landskab ikke udbredt, og så blev det erstattet af impressionisme.

Fotografisk kunst

Ruskin skrev også og beundrede daguerreotypierne: "Det var, som om en tryllekunstner havde krympet genstanden... så den kunne blive båret væk med ham." Og da fotoalbumin blev opfundet i 1850, blev fotograferingsprocessen lettere og mere tilgængelig.
Prærafaelitterne ydede store bidrag til udviklingen af ​​fotografiet, for eksempel ved at bruge fotografier under maleriet. På fotografierne af prærafaelitterne ser vi den samme opmærksomhed på værkets litterære koncept, de samme forsøg på at vise indre verden modeller (hvilket var en næsten umulig opgave for fotografering af disse år), de samme kompositoriske træk: todimensionelt rum, koncentration om karakteren, kærlighed til detaljer [Fotografier af Jane Morris taget af Dante Gabriel Rossetti i juli 1865 er særligt berømte. .
Mange kendte fotografer blev efterfølgende inspireret af prærafaelitisk kreativitet: som for eksempel Henry Peach Robinson.

Levevis

Prærafaelitisme er en kulturel stil, der trængte ind i dens skaberes liv og til en vis grad bestemte dette liv. Prærafaelitterne levede i det miljø, de skabte, og gjorde et sådant miljø ekstremt moderigtigt. Som Andrea Rose bemærker i sin bog, i slutningen af ​​det 19. århundrede, "viger troskab mod naturen plads for troskab mod billede. Billedet bliver genkendeligt og derfor helt klar til markedet.”
Den amerikanske forfatter Henry James fortalte i et brev dateret marts 1969 sin søster Alice om sit besøg hos Morrises.
"I går, min kære søster," skriver James, "var en slags apoteose for mig, for jeg tilbragte størstedelen af ​​den hos digteren hr. W. Morris. Morris bor i det samme hus, hvor han åbnede sin butik, i Bloomsbury... Ser du, poesi er en sekundær beskæftigelse for Morris. Først og fremmest er han producent af farvet glas, fajancefliser, middelalderlige gobeliner og kirkebroderier - i det hele taget alt prærafaelittisk, antikt, usædvanligt og, må jeg tilføje, uforlignelig. Alt dette foregår naturligvis i beskedent omfang og kan gøres derhjemme. De ting, han laver, er ekstraordinært elegante, dyrebare og dyre (de overstiger prisen på de største luksusgenstande), og fordi hans fabrik ikke kan have for meget af stor betydning. Men alt, hvad han har skabt, er fantastisk og fremragende... han har også hjælp fra sin kone og små døtre.”
Henry James fortsætter med at beskrive William Morris' kone, Jane Morris (nee Jane Burden), som senere blev Rossettis elsker og model og ofte kan ses i kunstnerens malerier:
"Åh, min kære, hvilken kvinde dette er! Hun er smuk i alt. Forestil dig en høj, tynd kvinde, lang kjole lavet af stof, farven af ​​dæmpet lilla, lavet af naturmateriale ned til den sidste blonde, med et chok af krøllet sort hår, der falder i store bølger langs tindingerne, et lille og blegt ansigt, store mørke øjne, dybe og ret Swinburne-lignende , med tykke sorte buede øjenbryn... Høj åben hals i perler, og i sidste ende - selve perfektionen. På væggen hang et næsten naturligt stort portræt af hende af Rossetti, så mærkeligt og uvirkeligt, at hvis du havde set det, ville du have taget det for et smertefuldt syn, men af ​​ekstraordinær lighed og troskab med trækkene. Efter middagen... læste Morris et af sine upublicerede digte for os... og hans kone, der led af tandpine, hvilede på sofaen med et tørklæde over ansigtet. Det forekom mig, at der var noget fantastisk og fjernet fra vores virkelige liv i denne scene: Morris læste i en glat antik meter en legende om mirakler og rædsler (det var historien om Bellerophon), omkring os de maleriske brugte møbler af lejligheden (hver genstand er et eksempel på noget... eller), og i hjørnet denne dystre kvinde, tavs og middelalderlig med sin middelalderlige tandpine."
Prærafaelitterne var omgivet af kvinder med forskellig social status, elskere og modeller. En journalist skriver om dem på denne måde: "... kvinder uden krinoliner, med strømmende hår... usædvanligt, som en feberdrøm, hvor storslåede og fantastiske billeder langsomt bevæger sig."
Dante Gabriel Rossetti levede i en raffineret og bohemeagtig atmosfære, og selve hans excentriske image blev en del af den prærafaelitiske legende: Rossetti levede med de mest forskellige mennesker, herunder digteren Algernon Swinburne, forfatter George Meredith. Modeller afløste hinanden, nogle af dem blev Rossettis elskerinder, den vulgære og nærige Fanny Cornforth var især berømt. Rossettis hus var fyldt med antikviteter, antikke møbler, kinesisk porcelæn og andre nipsgenstande, som han købte fra skrammelbutikker. I haven var der ugler, wombats, kænguruer, papegøjer, påfugle, og på et tidspunkt boede der endda en tyr, hvis øjne mindede Rossetti om øjnene på hans elskede Jane Morris.

Betydningen af ​​prærafaelitisme

Prærafaelitisme som en kunstnerisk bevægelse er almindeligt kendt og populær i Storbritannien. Det kaldes også den første britiske bevægelse, der opnåede verdensberømmelse, men blandt forskere vurderes dens betydning forskelligt: ​​fra en revolution inden for kunst til ren innovation i maleteknikker. Der er en opfattelse af, at bevægelsen begyndte med et forsøg på at opdatere maleriet og efterfølgende havde stor indflydelse på udviklingen af ​​litteraturen og hele den engelske kultur som helhed. Ifølge Literary Encyclopedia havde deres arbejde på grund af dets raffinerede aristokrati, retrospektivitet og kontemplation ringe indflydelse på de brede masser.
På trods af det tilsyneladende fokus på fortiden, bidrog prærafaelitterne til etableringen af ​​art nouveau-stilen i kunsten, og de betragtes desuden som symbolisternes forgængere, nogle gange endda identificerede begge dele. For eksempel at udstillingen "Symbolisme i Europa", der flyttede fra november 1975 til juli 1976 fra Rotterdam gennem Bruxelles og Baden-Baden til Paris, tog 1848 som startdato - året for grundlæggelsen af ​​Broderskabet. Prærafaelitisk poesi satte sit præg på de franske symbolister Verlaine og Mallarmé og malede på kunstnere som Aubrey Beardsley, Waterhouse og mindre kendte som Edward Hughes eller Calderon. Nogle bemærker endda prærafaeliternes indflydelse på engelske hippier og Burne-Jones på den unge Tolkien. Interessant nok sammenlignede Tolkien i sin ungdom, som sammen med sine venner et halvhemmeligt samfund kaldet Tea Club, dem med det prærafaelitiske broderskab.
I Rusland blev den første udstilling af prærafaeliternes værker arrangeret auktions hus Christie's fandt sted fra 14. til 18. maj 2008 i Tretyakov Gallery.

I Europa var begyndelsen af ​​det 19. århundrede præget af, at den industrielle revolution fik omfattende proportioner. Der var en overgang fra manuelt arbejde til maskinarbejde, en forvandling af samfundet til et industrielt og en hurtig urbaniseringsproces. Alle disse fænomener var ledsaget af hurtige økonomisk vækst og en stigning i levestandarden.

Sammen med positive ændringer opstod der også negative metamorfoser. Især den dekorative og brugskunst mærkede akut den negative påvirkning. Håndværkernes oprindelige kreativitet blev erstattet af masseforbrugsvarer i europæernes hverdag. Arts and Crafts-bevægelsen blev født som et modspil til de ansigtsløse ting, der fylder hverdagen og hverdagen.

Arts and Crafts-bevægelsens oprindelse og ideologi

Absolut anerkendelse af håndlavede produkters overlegenhed over produktet fra fabrikkens maskinstempling danner grundlaget for Arts and Crafts-bevægelsen. Det stammer fra et lille samfund af ligesindede. Konceptet for den nye kunstneriske bevægelse er baseret på skabelsen af ​​et æstetisk miljø i hverdagen og menneskelivet. I denne henseende er hans mål at genoplive den dekorative og anvendte kunst. Som en del af Arts and Crafts-bevægelsen bliver der dannet separate håndværksværksteder og laug næsten over hele Europa.

Den kunstneriske bevægelse understøttes af traditionerne for middelalderlig håndværk og den originale kreativitet hos mestrene fra den periode. Bevægelsen afspejles i genstande fra alle områder af dekorativ og brugskunst. Dets deltagende kunstnere skaber unikke tapeter og møbler, originale produkter inden for vævning og gobelinvævning, farvet glas og keramisk indretning. Fortrinsret gives til naturlige motiver, lakoniske former og renhed af farver.

Egetræshal med flisebelagt pejs designet af William Morris, Whitewick Manor, England

Ideologien antager virkelige træk i et London-palæ kaldet "Red House". Selve konstruktionen og hele husets indretning er lavet i overensstemmelse med principperne for den kunstneriske bevægelse, rettet mod sammensmeltning Hverdagen med høj kunst. Det Røde Hus tilhørte grundlæggeren af ​​Arts and Crafts-bevægelsen, engelsk forfatter, kunstner, designer, politiker og filosof, William Morris, og var beregnet til hans familie og hans kunst- og kunsthåndværksvirksomhed.

Interiør af en hall i det røde hus med møbler, tapet og håndlavede keramiske fliser, London

Farvet glas i det røde hus, London

William Maurice som hovedmanden bag Arts and Crafts-bevægelsen og skaberen

Den kreative udvikling af Morris mesteren begynder med at studere arkitektur fra George Edmund Street, som havde et meget berømt navn på dette felt i denne periode. Men maleriet optager kunstneren og bliver snart hans vigtigste manifestation. kreativt potentiale. William Morris' vej til kunst blev ledet af hans bekendtskab med prærafaelitternes værker. Beundring for bevægelsen, som afviste engelsk poesi og maleris konventioner og akademismer, gav anledning til William Morris' særlige syn på æstetik og kunstnerskab.

William Morris tager vejen til at genoplive harmonien mellem naturen, mennesket og kunsten, idet han stoler på John Ruskins filosofiske afhandlinger. Kunstkritikerens påstand om, at genstandene omkring et samfund vidner om dets moralske tilstand, fik Morris til at helbrede en generation, der var "krøblet" i denne henseende af den industrielle revolution. Efter hans mening kunne det eneste værktøj til dette være håndværk, som fyldte hverdagsmiljøet med smukke håndlavede genstande. Derfor overføres kunstnerens maleri fra lærreder til interiøret: til keramik, stoffer, træ, metal og andre materialer.

Malede keramiske fliser designet af William Morris, 1875.

William Morris hævede det kombinerede billede af en teknolog, designer og kunstner, som han i virkeligheden selv var, til den høje rang af skaber. William Morris bliver den første moderne koncept designer i England. Mesteren tegner skitser af print, henter inspiration fra naturen, overfører ornamenter til tapet, gobeliner, møbler, keramiske fliser, farvet glas og endda bøger, der kombinerer alt i komplet interiør. For at skabe sine kreationer arbejder William Morris tæt sammen med Philip Speakman Webb, Dante Gabriel Rossetti, Elizabeth Eleanor Siddal, Edward Burne-Jones og andre tidens kunstnere og arkitekter.

Tegnestue af William Morris, Thomas Carlyle House, London

I 1861 grundlagde William Morris virksomheden Morris, Marshall, Faulkner og Co. for at producere interiør- og dekorationsgenstande. I næsten et århundrede har virksomheden bevaret sin status som Europas førende fabrik inden for dekorativ og brugskunst. Manuelt arbejde, naturlige materialer, naturlig sammensætning bliver de tre søjler, som virksomhedens produktionsproces hviler på. Derudover fungerer virksomheden som en slags skole for kunstnere og kunsthåndværkere. Dette bidrager til udbredelsen af ​​Arts and Crafts-bevægelsens ideer og skabelsen af ​​nye kreative foreninger under ledelse af Morris tilhængere, også i andre lande.

Arts and Crafts-bevægelsens indflydelse på keramisk kunst

På dette tidspunkt oplevede keramik i Europa tilbagegang. Porcelæn, som steg op til piedestalen, absorberede næsten fuldstændigt de ældste teknologier til at skabe lerprodukter. Dekorativ keramisk beklædning er ved at falde i glemmebogen, og unikke håndlavede husholdningsartikler bliver erstattet af ansigtsløs stempling af porcelæn og lertøj. På én måde får produkterne farverig indretning, der skiller sig af med den tidligere højt værdsatte hvidhed og skrøbelighed. Materialets og formens dybe forbindelse og harmoni, essens og kunstneriske billede går tabt.

William Morris og Arts and Crafts-bevægelsen genoplivede værdien af ​​håndlavet keramik. Naturmateriale opfylder alle krav fra den kreative bevægelse og finder et andet liv i sin mest kunstneriske udformning i engelske huse. I kunstnerens og designerens interiør dukker der igen fliser på pejse og dekoration, keramisk indretning og håndmalede fade op. Det meste af det dekorative keramik til William Morris-projekter er udført af William Friend de Morgan.

Keramisk indretning og vaser i interiøret af William Morris

Uden tvivl havde håndlavede genstande en høj pris, så en sådan luksus var ikke tilgængelig for alle. I denne henseende var ideen om at skabe et æstetisk designet livsmiljø for hver person i modstrid med William Morris' synspunkter som socialist. Men på trods af dette voksede et lille samfund af kunstnere ind i Arts and Crafts-bevægelsen, som spredte sig ikke kun i England, men i næsten hele Europa og USA.

Arts and Crafts-bevægelsen gav først og fremmest verden en teori om det tætte forhold mellem æstetiske standarder og samfundets moralske tilstand. Håndlavede husholdningsartikler indtager stadig en vigtig plads i interiørdesign i dag og er højt værdsat for deres individualitet og unikhed. Arts and Crafts-bevægelsen var en kraftig drivkraft for fremkomsten af ​​jugendstilen og tjente som grundlag for dannelsen af ​​designprincipper. Derudover bidrog bevægelsen til genoplivningen af ​​nationale stilarter på grund af øget prestige og godkendelse høj status kunsthåndværk.

Kunst og håndværk - "Kunst og håndværk". Denne kunstneriske bevægelse opstod i England i 1860'erne som en reaktion på industrialiseringens æra og den industrielle revolution. Det omfattede kunstnere, designere, arkitekter, håndværkere og forfattere. Bevægelsens inspirator og dens uofficielle leder var William Morris, hvor en romantisk kunstner og en forretningsmand, en drømmer og en politiker levede sammen. Morris kraftfulde karisma gav vital energi til hele Arts and Crafts-bevægelsen.

Det vigtigste, medlemmerne gjorde oprør imod Kunst og kunsthåndværk- dette er en sjælløs maskinproduktion, der fratager arbejderen glæden ved sit arbejde. Der kom klodsede, smagløse ting fra samlebåndet, som folk fyldte deres hjem med - møbler, stoffer, fade. Industrialiseringen medførte et generelt fald i kunstnerisk smag, da skønhed og harmoni blev erstattet af "skønhed".

Målet med Arts and Crafts er ting, der er lavet af mennesker og til mennesker, der glæder både dem, der skaber dem, og dem, der bruger dem. Håndlavede husholdningsartikler er meget bedre i kvalitet og smag og kan ikke sammenlignes med maskinfremstillede. Den ideelle tilrettelæggelse af produktionen for Kunst og Håndværk var middelalderlaugene - da hele processen med at fremstille en ting, fra idé til endelig færdiggørelse, gik gennem hænderne på en håndværker.

Denne bevægelse hentede kunstneriske ideer fra middelalderens europæiske kunst, fra islamisk kunst og fra Japans kunst, som for nylig blev opdaget af europæere. De, der delte principperne for kunst og håndværk, prøvede sig i forskellige industrier: de lavede møbler, gobeliner, tapeter, draperier, metalarbejde, glas og keramik.

Grundlæggende træk ved Arts and Crafts-stilen:

• Håndlavet.
• Simple former, moderation af dekorationer og tankevækkende ornamentik. Møblerne var enkle, uhøjtidelige og næsten blottet for dekoration, men tapet og stoffer var tværtimod meget dekorative.
• Fremhæver skønheden og teksturen af ​​naturlige materialer.
• Let ufuldstændighed af former, deres vertikalitet og forlængelse.
• Ornament fra planter eller dyr.

I 1860'erne grundlagde William Morris det dekorative kunstfirma Morris and Co, som omfattede hans venner: prærafaelitiske kunstnere Dante Gabriel Rosetti, Edward Burne-Jones, Ford Madox Brown

og arkitekt Philip Webb. Dette firma, som Morris arbejdede for indtil slutningen af ​​sit liv, opmuntrede og sponsorerede genoplivningen af ​​traditionelt håndværk - farvet glasmaleri, håndbroderi, fremstilling af trykte stoffer til vægge og møbler og farvning af silke og uld med naturlige farvestoffer . Morris fandt selv på slående smukke mønstre - til tapet, til trykte og uldne stoffer, til broderi. Han genoplivede egenhændigt gobelinproduktionen, og gobeliner baseret på hans design produceres og sælges stadig i Storbritannien.

Morris drøm var et hus som et kunstværk. "Jeg har aldrig været i et eneste rigt hus, der ikke ville være blevet forbedret, hvis ni tiendedele af det, der var proppet ind i det, var gået til ilden," sagde Morris. Hans drøm gik i opfyldelse, da han i samarbejde med arkitekten Philip Webb byggede Red House nær London - Red House

(modtog dette navn, fordi det, i modsætning til alle huse fra den æra, ikke var pudset - væggene forblev af røde mursten), som han gav som en bryllupsgave til sin kone Jane. Designet af al indretning og interiør blev udført efter Morris' skitser.

Selvom hovedideen med Arts and Crafts var at bringe skønhed ind i almindelige menneskers hverdag, viste det sig hurtigt, at de ikke havde råd til produkter fra Morris' værksteder - mesterkunstneren skulle betales en anstændig løn for sit arbejde, så det var ikke muligt at konkurrere med fabriksproduktionen med hensyn til produkttilgængelighed. Morris' produkter nød dog fortsat succes blandt velhavende kunder.

Medlemmer af Arts and Crafts-bevægelsen støttede stærkt håndværk ikke kun på det professionelle, men også på amatørniveau. Foreningen for Hjemmekunst og Kunsthåndværk, som de oprettede i 1880'erne (som omfattede medlemmer af kongefamilien), afholdt mesterklasser i hele landet og organiserede udstillinger.

Den store fortjeneste ved Arts and Crafts er, at de var de første til at proklamere den tætte sammenhæng mellem design og livskvalitet. Mange træk ved denne bevægelse blev bevaret i de kunstneriske stilarter, der erstattede den - æstetik og modernisme.

Nøglen til at forstå Arts and Crafts ligger i sloganet, som blev opfundet af et andet fremtrædende medlem af bevægelsen, arkitekten og kunstneren Charles Voysey: "Head Hand and Heart" - "Head, hands and heart." "Hoved" er evnen til at skabe og forestille sig, "hænder" er dygtighed og dygtighed, "hjerte" er kærlighed og oprigtighed.

Grundlagt i 1848, kan det prærafaelitiske broderskab med rette betragtes som den første avantgardebevægelse i Europa. De mystiske bogstaver "R.K.V.", som dukkede op i malerier af unge og ukendte kunstnere, forvirrede den engelske offentlighed - studerende fra Royal Academy of Arts i London ønskede at ændre ikke kun principperne for moderne kunst, men også dens rolle i sociale liv samfund.

Under den industrielle revolution faldt høje emner og stringent akademisk maleri i Raphaels ånd i unåde hos den victorianske middelklasse og gav plads til kunstnerisk kitsch og sentimentale scener. Da medlemmer af det prærafaelitiske broderskab indså krisen med idealerne fra højrenæssancen, vendte de sig mod italiensk kunst fra det 15. århundrede. Eksemplerne var værker af fremragende Quattrocento-malere - en lys, rig palet, fremhævet dekorativitet af deres værker blev kombineret med vital sandfærdighed og en følelse af natur.

Lederne af det prærafaelitiske broderskab var kunstnerne D.E. Millais (1829-1896), D.G. Rossetti (1828-1882), W.H. Hunt, samt F.M. Brun. I slutningen af ​​1850'erne dannedes en ny gruppe omkring Rossetti, som omfattede W. Morris, E. Burne-Jones (1833-1898), E. Siddal og S. Solomon.

Kunstnere fra Rossettis kreds var engageret i maleri og grafik, skrev poesi og designede bøger, udviklede indretning og møbeldesign. Tilbage i midten af ​​1800-tallet begyndte prærafaelitterne at arbejde i det fri, hvor de rejste spørgsmålet om kvinders rettigheder i samfundet og bidrog til dannelsen af ​​århundredets vigtigste stilart - Art Nouveau-kunst.

Prærafaelitternes opgaver

De unge kunstnere, der grundlagde det prærafaelitiske broderskab, indså, at de tilhørte en kultur, hvor der ikke var nogen traditioner for religiøst maleri, ødelagt i det 16. århundrede under reformationen. Prærafaelitterne stod over for en vanskelig opgave – at genoplive religiøs kunst uden at ty til de ideal-konventionelle billeder af den katolske altertavle.

I modsætning til renæssancemestrene var grundlaget for kompositionen af ​​prærafaelitiske malerier ikke fantasi, men observationer og ansigter hentet fra hverdagen. Medlemmer af Broderskabet afviste de bløde, idealiserede former, der er karakteristiske for højrenæssancekunstnere, og foretrak dynamiske linjer og lyse, rige farver.

Ingen af ​​prærafaelitterne søgte særligt at fremhæve teologiske sandheder i indholdet af deres malerier. De nærmede sig snarere Bibelen som en kilde til menneskelig dramatik og søgte litterær og poetisk mening i den. Desuden var disse værker ikke beregnet til udsmykning af kirker.

Den mest troende kristne i gruppen var Hunt, en excentrisk religiøs intellektuel. Resten af ​​de prærafaelitiske kunstnere forsøgte at skildre livet for de mest almindelige mennesker, mens de samtidig identificerede akutte sociale, moralske og etiske temaer i det moderne samfund. Malerier om religiøse temaer er sidestillet med billeder, der er relevante og presserende. Plotter dedikeret til sociale spørgsmål, som fortolket af prærafaelitterne, har form af moderne lignelser.

Malerier om historiske temaer

Malerier om historiske temaer spiller en nøglerolle i prærafaelitternes arbejde. Traditionelt var briterne ikke interesserede i spektakulære heroiske scener og idealiserede klassiske kompositioner fyldt med apatiske nøgenmodeller. De foretrak at studere historie gennem William Shakespeares skuespil og Walter Scotts romaner og at lære biografien om fortidens store skikkelser i teatralske billeder af fremragende skuespillere som Garrick og Sarah Siddons.

Prærafaelitterne afviste den klassiske historie med dens iboende ideer om eksemplarisk dyd, militær magt og monarkiske præstationer. Med hensyn til litterære og historiske emner skildrede de nøjagtigt kostumerne og interiøret fra den valgte æra, men styrkede samtidig genreaspektet, hvilket gjorde menneskelige relationer kompositionens hovedmotiv. Før de fyldte billedet med mennesker, malede kunstnerne omhyggeligt alle detaljerne i interiøret eller landskabet i baggrunden for at understrege den afslappede og realistiske atmosfære omkring den centrale scene. I et forsøg på at skabe en troværdig komposition fandt de eksempler på kostumer og ornamenter i illuminerede manuskripter og historiske opslagsbøger. Hver karakters træk er et omhyggeligt tegnet ansigt af en model valgt blandt medlemmerne af Broderskabet. Denne tilgang afviste de accepterede konventioner for den høje genre, men forstærkede effekten af ​​autenticitet.

Prærafaelitisk holdning til naturen

Den prærafaelitiske holdning til naturen udgør et af de vigtigste aspekter af denne bevægelse, både hvad angår kunstnerisk teori og stil. John Ruskins opfordring til at "vende sig til naturen af ​​hele dit hjerte og gå hånd i hånd med hende, tillidsfuldt og flittigt, huske hendes instruktioner og kun tænke på at forstå hendes mening, uden at afvise, uden at vælge, uden at latterliggøre" havde en utvivlsom indflydelse på før - Rafaelitter. De unge medlemmer af det prærafaelitiske broderskab studerede ivrigt Ruskins værker om Turners arv, men deres egen stil er en unik syntese af friluftsmaleri, spændende Shakespeares plots og aktuelle temaer for moderne arbejde. De mest vellykkede værker kombinerer detaljeret komposition med mesterlig afbildning af figurer og komplekst design, der kombinerer alle elementer til en sammenhængende helhed.

John Everett Millais. Den evige freds dal ("De trætte vil finde fred")

Samtidig var prærafaelitterne ivrige de seneste opdagelser inden for naturvidenskab, som i midten af ​​århundredet blev fulgt med stor interesse af hele det britiske samfund. Kunstnere fortsatte med at konkurrere med fotografi, som både komplementerede de naturbilleder, de skabte, og opmuntrede dem til at male med endnu flere følelser ved at bruge en lys, rig palette. Ved at kombinere figurer og landskab til en indviklet komposition understregede prærafaelitterne det fortællende element, appellerede til beskuerens sanser og skabte stemning i maleriet. Sådan bevogtede maleriet sine grænser.

Æstetikbevægelse, kunstens formål

I begyndelsen af ​​1860'erne begyndte en ny fase i Rossetti og hans medarbejderes arbejde. Unge malere, der sluttede sig til kredsen af ​​tidligere prærafaelitter, søgte at realisere deres talent inden for forskellige kunstfelter. Imidlertid skabte værkerne ny gruppe kunstnere og forfattere viste sig at være ikke mindre innovative. I midten af ​​1860'erne havde prærafaelismen forvandlet sig til æstetikbevægelsen. Værkerne i dette afsnit er dedikeret til skønhed som sådan.

Aspiration mod det, dette "eneste absolutte mål" for kunsten, ifølge Rossetti, karakteriserer det andet årti af prærafaelitisk maleri.

Rossetti stræbte også efter skønhed, men hans mål var at skabe et nyt æstetisk ideal. I denne periode udførte kunstneren en række værker, der forherliger fuldblods, sund, eftertrykkeligt sensuel kvindelig skønhed.

Det udførlige penselarbejde og brede malingsstrøg påført med hårde pensler efterligner bevidst det venetianske maleri fra det 16. århundrede og især Tizian og Veroneses teknik.

Dybe og fyldige grønne, blå og mørkerøde farver erstattede den gotiske farvede glasgennemsigtighed fra den tidlige prærafaelitiske palet.

På trods af deres forhold til de gamle mestres malerier chokerede malerierne samtidige, som rasende anklagede Rossetti for umoral. Samtidig havde den kunstneriske fortolkning af billeder og det semantiske indhold af disse værker en væsentlig indflydelse på dannelsen af ​​stilistikken i jugendkunsten.

Poetisk maleri af prærafaelitterne

I midten af ​​1850'erne stoppede Rossetti midlertidigt med at male, og ved at vende sig til akvarelteknikker skabte han en række farverige og komplekse kompositioner. I disse værker blev kunstnerens passion for middelalderen særligt tydeligt demonstreret - mange akvareller blev skabt under indtryk af oplyste manuskripter.

I udseendet af de høje, blege og spinkle heltinder i Dante Gabriel Rossettis akvareller kan man ofte ane Elizabeth Siddals skikkelse og træk.

Akvareller af en repræsentant for den nye generation af kunstnere i Rossettis kreds, Edward Burne-Jones, ligner cloisonne-emalje, hvilket afspejler deres forfatters interesse for forskellige teknikker og typer kunst.

Næsten alle akvareller var inspireret af ridderlige poetiske romaner, ballader eller romantiske digters værker. Samtidig tillader disse værkers selvstændige karakter ikke, at vi i dem kun kan se en illustration af litterært arbejde. I slutningen af ​​1850'erne og begyndelsen af ​​1860'erne skabte Rossetti en række værker om religiøse emner. Den rige farvepalet og generelle arrangement af figurerne afspejler indflydelsen fra venetiansk kunst, som i denne periode erstattede kunstnerens tidlige passion for florentinsk Quattrocento-maleri.

Prærafaelitisk Utopia, design

Takket være William Morris og firmaet Morris, Marshall, Faulkner og Co., grundlagt af ham sammen med E. Burne-Jones, D. G. Rossetti og F. M. Brown havde brugskunstværker en betydelig indflydelse på udviklingen af ​​europæisk design i anden halvdel af det 19. århundrede, påvirkede udviklingen af ​​britisk æstetik og gav anledning til Arts and Crafts-bevægelsen.

Morris og hans medarbejdere forsøgte at hæve designets status til samme niveau som andre typer visuel kunst. Til at begynde med lagde de vægt på arbejdets kollektive og guildiske karakter, idet de tog idealiserede ideer om middelalderlige håndværkere som model. Virksomheden producerede møbler og dekorationer til bolig- og kirkeinteriør: fliser, farvet glas, møbler, trykte stoffer, tæpper, tapeter og gobeliner. Burne-Jones blev betragtet som hovedkunstneren, og Morris var ansvarlig for udformningen af ​​ornamenterne. Heltene i Burne-Jones' senere værker viser ingen følelser, deres figurer er fastfrosset i ubevægelig passivitet, så meningen med plottet er uklar og så at sige skjult i tætte lag af maling.

Edward Burne-Jones. Sidonia von Bork, 1560. 1860

Denne kunstners drømmende billeder og abstrakte kompositioner giver et fantasifuldt alternativ til den ekstreme materialisme i det victorianske Storbritannien. Heri virkede hans kunst utvivlsomt som en utopi, men en fuldstændig abstrakt utopi. Som han selv sagde: "Jeg er en født oprører, men mine politiske holdninger er tusind år forældede: disse er synspunkterne fra det første årtusinde og har derfor ingen mening."

Linley Sambourne, Karikatur af Oscar Wilde, Punch Magazine, bind 80, 1881
Åh, jeg føler mig lige så glad som en lys solsikke!
Æsteternes æstetik!
Hvad er i et navn?
Digteren er VILDE,
Men hans poesi er tam.

The Aesthetic Movement er et udtryk, der beskriver bevægelsen i 1870'erne og 1880'erne, der manifesterede sig i den fine og dekorative kunst og arkitektur i Storbritannien og senere USA. Bevægelsen var en reaktion på, hvad der virkede snævert i kunst og design, og var præget af en skønhedskult og en vægt på den rene fornøjelse, den gav. I maleriet var der en idé om kunstens autonomi såvel som begrebet "kunst for kunstens skyld", som opstod i Frankrig i litteraturen og blev bragt til Storbritannien i 1860'erne.

Den æstetiske bevægelse blev forkæmpet af forfattere og kritikere Walter Pater, Algernon Charles Swinburne og Oscar Wilde. I overensstemmelse med Paters teori malede kunstnere med tilknytning til bevægelsen malerier, der var plotløse eller blottet for et væsentligt plot. Dante Gabriel Rossetti hentede inspiration fra venetiansk kunst på grund af dens vægt på farver og et maleris dekorative kvaliteter. Resultatet af hans søgninger var flere halvlange billeder kvindelige figurer, såsom "Blue Boudoir" (1865, Institute Finere kunst Barbera).

D. Whistler "Princess from the Land of Porcelæn"

Væggene under Jekylls kunstfærdige skillevægge var dækket af spansk læder, som Whistler havde malet i guld over en blå baggrund med motiver af et påfugleøje og påfuglefjer i 1877; Overfor sit maleri, der hænger over pejsen, afbildede han to påfugle med luksuriøs fjerdragt. I pejsen står et par smedejernsbrandhunde, som Jekyll lavede i form af solsikker og påfugle. Solsikken var et signaturmotiv for den æstetiske bevægelse, der optrådte i fliser af William de Morgan, broderi af C. Ashby, møbelchintz og tapet af Bruce Talbert og på den malede front af et ur (1880, London, Victoria and Albert Museum) ), muligvis baseret på et design af Lewis Foreman Day.

Et ur, formentlig baseret på en skitse af L.F. Day (1880, London, Victoria and Albert Museum)

William de Morgan, keramiske fliser

Et fælles træk ved de "kunstneriske" møbler, keramik, kunstsmedning og tekstiler i "Aesthetic Movement" og Queen Anne Style af arkitektur, så elsket af Godwin og Richard Norman Shaw, var deres skaberes ønske (manifisteret i raffinementet) af deres designs) for at hæve status for deres værker til status som værker billedkunst. De skabte "kunstneriske" interiørgenstande og bygninger. De både reformerede og formede smag - en vigtig bekymring for William Morris, hvis synspunkter, selv om de var i modstrid med filosofien om den æstetiske bevægelse, hjalp med at sprede dens indflydelse i hele USA. I 1870 blev Morris tapet solgt i Boston, og to år senere udkom Charles Locke Eastlakes Hints on Household Taste i en amerikansk udgave.
<....>