Leder av den estetiske bevegelsen. William Morris and the Arts and Crafts Movement: En "renessanse" for kunst og håndverk

Pre-Raphaelitism (engelsk: Pre-Raphaelitism) er en bevegelse innen engelsk poesi og maleri i andre halvdel av 1800-tallet, dannet på begynnelsen av 50-tallet med mål om å kjempe mot konvensjonene fra viktoriansk tid, akademiske tradisjoner og blind imitasjon av klassiske modeller.
Navnet "Pre-Raphaelites" skulle betegne et åndelig forhold til de florentinske kunstnerne fra den tidlige renessansen, det vil si kunstnerne "før Raphael" og Michelangelo: Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini.
De mest fremtredende medlemmene av den prerafaelittiske bevegelsen var poeten og maleren Dante Gabriel Rossetti, malerne William Holman Hunt, John Everett Millais, Madox Brown, Edward Burne-Jones, William Morris, Arthur Hughes, Walter Crane og John William Waterhouse .

Pre-rafaelitt brorskap

Det første stadiet i utviklingen av prerafaelittisme var fremveksten av det såkalte "prerafaelittiske brorskap", som opprinnelig besto av syv "brødre": J. E. Millais, Holman Hunt (1827-1910), Dante Gabriel Rossetti, hans yngre bror Michael Rossetti, Thomas Woolner og malerne Stevens og James Collinson.
Brorskapets historie begynner i 1848, da akademistudentene Holman Hunt og Dante Gabriel Rossetti, som tidligere hadde sett og beundret Hunts arbeid, møttes på en utstilling ved Royal Academy of Arts. Hunt hjelper Rossetti med å fullføre maleriet "Jomfru Marias ungdom"(engelsk: Girlhood of Mary Virgin, 1848-49), som ble stilt ut i 1849, og han introduserer også Rossetti for John Everett Millais, et ungt geni som kom inn på akademiet i en alder av 11.

De ble ikke bare venner, men fant ut at de delte hverandres syn på moderne kunst: Spesielt trodde de at moderne engelsk maleri hadde nådd en blindvei og holdt på å dø, og på best mulig måteå gjenopplive det vil være en tilbakevending til oppriktigheten og enkelheten til tidlig italiensk kunst (det vil si kunst før Rafael, som prerafaelittene anså som grunnleggeren av akademiismen).
Dette er hvordan ideen om å opprette et hemmelig samfunn kalt Pre-Raphaelite Brotherhood ble født - et samfunn i opposisjon til offisielle kunstneriske bevegelser. Også invitert til gruppen helt fra begynnelsen var James Collinson (student ved akademiet og forlovede til Christina Rossetti), billedhuggeren og poeten Thomas Woolner, den unge nitten år gamle kunstneren og senere kritikeren Frederick Stephens og yngre bror Rossetti William Michael Rossetti, som fulgte i fotsporene til sin eldre bror, begynte på kunstskolen, men ikke viste et spesielt kall for kunst og til slutt ble en kjent kunstkritiker og forfatter. Madox Brown var nær de tyske nasareerne, så han, som delte brorskapets ideer, nektet å bli med i gruppen.
I Rossettis maleri "The Youth of the Virgin Mary" vises de tre konvensjonelle bokstavene P.R.B (Pre-Raphaelite Brotherhood) for første gang de samme initialene merket "Isabella" av Milles og "Rienzi" av Hunt. Medlemmer av Brorskapet opprettet også sitt eget magasin, kalt Rostock, selv om det bare eksisterte fra januar til april 1850. Redaktøren var William Michael Rossetti (bror til Dante Gabriel Rossetti).

Pre-rafaelitter og akademiisme

Før det prerafaelittiske brorskapet kom, ble utviklingen av britisk kunst hovedsakelig bestemt av aktivitetene til Royal Academy of Arts. Som enhver annen offisiell institusjon, var den veldig sjalu og forsiktig med hensyn til innovasjoner, [bevarte tradisjonene for akademiskisme. Hunt, Millais og Rossetti uttalte i magasinet Rostock at de ikke ønsket å fremstille mennesker og natur som abstrakt vakker, og hendelser så langt fra virkeligheten, og til slutt var de lei av konvensjonen om offisielle, "eksemplariske" mytologiske, historiske og religiøse gjerninger.
Prerafaelittene forlot akademiske arbeidsprinsipper og mente at alt skulle males fra livet. De valgte venner eller slektninger som modeller. For eksempel, i maleriet "The Youth of the Virgin Mary," skildret Rossetti sin mor og søster Christina, og så på lerretet "Isabella", gjenkjente samtidige Milles venner og bekjente fra Brorskapet. Under skapelsen av maleriet "Ophelia" tvang han Elizabeth Siddal til å ligge i et fylt bad i flere timer. Det var vinter, så Siddal ble alvorlig forkjølet og sendte Millais senere en legeregning på 50 pund. Dessuten endret prerafaelittene forholdet mellom kunstner og modell - de ble likeverdige partnere. Hvis heltene i Reynolds malerier nesten alltid er kledd i henhold til deres sosiale status, så kunne Rossetti male en dronning fra en selger, en gudinne fra en brudgommens datter. Den prostituerte Fanny Cornforth stilte for ham for maleriet Lady Lilith.
Medlemmer av Brotherhood var fra begynnelsen irritert over innflytelsen på moderne kunst fra kunstnere som Sir Joshua Reynolds, David Wilkie og Benjamin Haydon. De ga til og med kallenavnet Sir Joshua (president for Kunstakademiet) "Sir Sloshua" (fra engelsk slosh - "slap in the mud") for hans slurvete maleteknikk og stil, som de trodde, fullstendig lånt fra akademisk mannerisme. Situasjonen ble forverret av det faktum at kunstnere på den tiden ofte brukte bitumen, og det gjør bildet overskyet og mørkt. I motsetning til dette ønsket prerafaelittene å gå tilbake til de høye detaljene og de dype fargene til malerne fra Quattrocento-tiden. De forlot "skap"-maling og begynte å male i naturen, og gjorde også endringer i den tradisjonelle maleteknikken. Prerafaelittene skisserte en komposisjon på et grunnet lerret, påførte et lag med kalk og fjernet oljen fra det med tøypapir, og skrev deretter på toppen av kalken med gjennomskinnelig maling. Den valgte teknikken tillot dem å oppnå lyse, friske toner og viste seg å være så holdbar at verkene deres har blitt bevart i sin opprinnelige form frem til i dag.

Håndtere kritikk

Til å begynne med ble arbeidet til prerafaelittene mottatt ganske varmt, men snart falt alvorlig kritikk og latterliggjøring. Millais altfor naturalistiske maleri "Christ in the Parental House", utstilt i 1850, forårsaket en slik bølge av indignasjon at dronning Victoria ba om å bli ført til Buckingham Palace for uavhengig inspeksjon.
Rossettis maleri forårsaket også angrep fra opinionen. "kunngjøring", laget med avvik fra den kristne kanon.

På en utstilling ved Royal Academy i 1850 klarte ikke Rossetti, Hunt og Millais å selge et eneste maleri. I en anmeldelse publisert i det ukentlige Athenaeum skrev kritiker Frank Stone:
"Ignorerer alle de store tingene som ble skapt av de gamle mesterne, trasker denne skolen, som Rossetti tilhører, med usikre skritt mot sine tidlige forgjengere. Dette er arkeologi, blottet for all nytte og omgjort til doktrinær. Folk som tilhører denne skolen hevder at de følger naturens sannhet og enkelhet. Faktisk imiterer de slavisk kunstnerisk utuglighet.»
Prinsippene til Brorskapet ble kritisert av mange respekterte malere: presidenten for Kunstakademiet, Charles Eastlake, og gruppen av kunstnere "Clique", ledet av Richard Dadd. Som et resultat ga James Collinson til og med avkall på Brorskapet, og hans forlovelse med Christina Rossetti ble brutt. Hans plass ble deretter tatt av maleren Walter Deverell.
Situasjonen ble til en viss grad reddet av John Ruskin, en innflytelsesrik kunsthistoriker og kunstkritiker i England. Til tross for at han i 1850 bare var trettito år gammel, var han allerede forfatteren av kjente kunstverk. I flere artikler publisert i The Times ga Ruskin prerafaelittenes verk en smigrende vurdering, og understreket at han ikke personlig kjente noen fra Brorskapet. Han proklamerte at arbeidet deres kunne "danne grunnlaget for en kunstskole som er større enn noe verden har kjent i de foregående 300 årene I tillegg kjøpte Ruskin mange av Gabriel Rossettis malerier, som støttet ham økonomisk, og tok Millais under hans." wing , som jeg umiddelbart så enestående talent i.

John Ruskin og hans innflytelse

Den engelske kritikeren John Ruskin satte i stand prerafaelittenes ideer angående kunst, og formaliserte dem til et logisk system. Blant verkene hans er de mest kjente "Fiction: Fair and Foul", "The Art of England", "Modern Painters". Han er også forfatter av artikkelen "Pre-Raphaelitism", publisert i 1851.
«Dagens artister», skrev Ruskin i «Modern Artists», «skildrer [naturen] enten for overfladisk eller for pyntet; de prøver ikke å trenge inn i essensen.» Som et ideal la Ruskin frem middelalderkunst, slike mestere fra den tidlige renessansen som Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini, og oppfordret kunstnere til å "male med med et rent hjerte, ikke fokusere på noe, ikke velge noe og ikke neglisjere noe.» Tilsvarende skrev Madox Brown, som påvirket prerafaelittene, om maleriet sitt The Last of England (1855): "Jeg har prøvd å glemme alle eksisterende kunstneriske bevegelser og å reflektere denne scenen slik den burde ha vært." Madox Brown spesialmalte dette bildet på kysten for å oppnå effekten av "belysning fra alle kanter" som skjer til sjøs i overskyet dager. Den prerafaelittiske maleteknikken innebar utarbeiding av hver detalj.
Ruskin forkynte også "prinsippet om troskap mot naturen": "Er det ikke fordi vi elsker våre kreasjoner mer enn hans, at vi verdsetter farget glass fremfor lyse skyer... Og, lage fonter og reise søyler til ære for ham.. . vi forestiller oss at vi vil bli tilgitt for vår skammelige forsømmelse av åsene og bekkene som han har gitt vårt oppholdssted - jorden." Dermed skulle kunsten bidra til å gjenopplive spiritualiteten i mennesket, moralsk renhet og religiøsitet, som også ble prerafaelittenes mål.
Ruskin har en klar definisjon av pre-rafaelittismens kunstneriske mål:
Det er lett å kontrollere penselen og male urter og planter med nok troskap for øyet; Alle kan oppnå dette etter flere års arbeid. Men å skildre blant urter og planter skaperverkets hemmeligheter og kombinasjoner som naturen taler til vår forståelse, for å formidle den milde kurven og bølgende skyggen av den løsnede jorden, for å finne i alt som virker som det minste, en manifestasjon av det evige guddommelige ny skapelse av skjønnhet og storhet, for å vise dette til de utenkende og usynlige - slik er kunstnerens utnevnelse.
Ruskins ideer berørte prerafaelittene dypt, spesielt William Holman Hunt, som infiserte Millais og Rossetti med sin entusiasme. I 1847 skrev Hunt om Ruskins moderne kunstnere: "Jeg følte, som ingen annen leser, at boken ble skrevet spesielt for meg." Da Hunt definerte sin tilnærming til arbeidet sitt, bemerket Hunt også at det var viktig for ham å ta utgangspunkt i emnet, "ikke bare fordi det er en sjarm ved fullstendigheten av emnet, men for å forstå prinsippene for design som eksisterer i Natur."

Forfall

Etter at prerafaelittismen fikk støtte fra Ruskin, ble prerafaelittene anerkjent og elsket, de fikk rett til "borgerskap" i kunsten, de kom på mote og fikk en mer gunstig mottakelse på utstillingene til Royal Academy, og nøt suksess på verdensutstillingen i 1855 i Paris.
I tillegg til den allerede nevnte Madox Brown, ble Arthur Hughes (mest kjent for maleriet "April Love", 1855-1856), Henry Wallis, Robert Braithwaite Martineau, William Windus også interessert i den prerafaelittiske stilen ) og andre.
Brorskapet går imidlertid i oppløsning. Bortsett fra en ungdommelig revolusjonær romantisk ånd og en fascinasjon for middelalderen, var det lite som forente disse menneskene, og av de tidlige prerafaelittene forble bare Holman Hunt trofast mot læren om brorskapet. Da Millais ble medlem av Royal Academy of Arts i 1853, erklærte Rossetti denne begivenheten som slutten på Brorskapet. "Det runde bordet er nå oppløst," konkluderer Rossetti. Etter hvert slutter også de resterende medlemmene. Holman Hunt, for eksempel, dro til Midtøsten, Rossetti selv, i stedet for landskap eller religiøse temaer, ble interessert i litteratur og skapte mange verk om Shakespeare og Dante.
Forsøk på å gjenopplive Brotherhood som Hogarth Club, som eksisterte fra 1858 til 1861, mislyktes.

Videreutvikling av prerafaelittisme

I 1856 møtte Rossetti William Morris og Edward Burne-Jones. Burne-Jones var fornøyd med Rossettis maleri "Første årsdagen for Beatrices død"(engelsk: The First Anniversary of the Death of Beatrice), og deretter ba han og Morris om å bli hans studenter.

Burne-Jones tilbrakte hele dager i Rossettis studio, og Morris ble med i helgene. Dermed begynner et nytt stadium i utviklingen av den prerafaelittiske bevegelsen, hvor hovedideen er estetikk, stilisering av former, erotikk, skjønnhetskult og kunstnerisk geni. Alle disse trekkene er iboende i arbeidet til Rossetti, som opprinnelig var leder av bevegelsen. Som kunstneren Val Princep senere skrev, var Rossetti «planeten som vi kretset rundt. Vi kopierte til og med måten han snakket på.» Rossettis helse (inkludert mental helse) blir imidlertid dårligere, og Edward Burne-Jones, hvis verk er laget i stil med de tidlige prerafaelittene, overtar gradvis ledelsen. Han ble ekstremt populær og hadde stor innflytelse på malere som William Waterhouse, Byam Shaw, Cadogan Cooper, og hans innflytelse er også merkbar i verkene til Aubrey Beardsley og andre illustratører på 1890-tallet. I 1889, på verdensutstillingen i Paris, mottok han æreslegionens orden for maleriet «Kong Cofetua og tiggerkvinnen».
Blant de avdøde prerafaelittene kan man også trekke frem slike malere som Simeon Solomon og Evelyn de Morgan, samt illustratørene Henry Ford og Evelyn Paul.

"Kunst og håndverk"

Pre-rafaelittismen på denne tiden trengte inn i alle aspekter av livet: møbler, dekorativ kunst, arkitektur, interiør, bokdesign, illustrasjoner.
William Morris regnes som en av de mest innflytelsesrike skikkelsene i historien til dekorativ kunst på 1800-tallet. Han grunnla "Arts and Crafts Movement" - "Arts and Crafts"), hovedideen som var en retur til manuelt håndverk som idealet for brukskunst, samt hevingen til rangeringen av fullverdig kunst av trykking, støperi og gravering. Denne bevegelsen, som ble tatt opp av Walter Crane, Mackintosh, Nelson Dawson, Edwin Lutyens, Wright og andre, manifesterte seg senere i engelsk og amerikansk arkitektur, interiørdesign og landskapsdesign.

Dikt

De fleste av prerafaelittene var engasjert i poesi, men ifølge mange kritikere har den verdi nettopp sen periode utvikling av prerafaelittisme. Dante Gabriel Rossetti, hans søster Christina Rossetti, George Meredith, William Morris og Algernon Swinburne satte et betydelig preg på engelsk litteratur, men det største bidraget ble gitt av Rossetti, fengslet av diktene fra den italienske renessansen og spesielt verkene til Dante. Rossettis viktigste lyriske prestasjon anses å være syklusen av sonetter "Livets hus". Christina Rossetti var også en berømt poet. Rossettis elskede Elizabeth Siddal studerte også poesi, hvis verk forble upublisert i løpet av hennes levetid. William Morris var ikke bare en anerkjent mester i glassmalerier, men var også aktiv i litterær virksomhet, inkludert å skrive mange dikt. Hans første samling, The Defense of Guinevere and Other Poems, ble utgitt i 1858, da forfatteren var 24 år gammel.
Under påvirkning av prerafaelittisk poesi utviklet britisk dekadanse på 1980-tallet: Ernst Dawson, Lionel Johnson, Michael Field, Oscar Wilde. En romantisk lengsel etter middelalderen gjenspeiles i Yeats tidlige verk.
Den berømte poeten Algernon Swinburne, kjent for sine dristige eksperimenter med versifisering, var også dramatiker og litteraturkritiker. Swinburne dedikerte sitt første drama, The Queen Mother and Rosamond, skrevet i 1860, til Rossetti, som han var assosiert med vennlige forhold. Men selv om Swinburne erklærte sin forpliktelse til prinsippene for prerafaelisme, går han absolutt utover denne retningen.

Publiseringsaktiviteter

I 1890 grunnla William Morris Kelmscott Press, hvor han ga ut flere bøker med Burne-Jones. Denne perioden kalles kulminasjonen av livet til William Morris. Basert på tradisjonene til middelalderskribentene forsøkte Morris, så vel som den engelske grafikeren William Blake, å finne en enhetlig stil for utformingen av boksiden, tittelsiden og innbindingen. Morris beste utgave var The Canterbury Tales av Geoffrey Chaucer; åkrene er dekorert med klatreplanter, teksten blir levendegjort av hodeplagg i miniatyr og ornamenterte store bokstaver. Som Duncan Robinson skrev,
For den moderne leseren, vant til de enkle og funksjonelle skrifttypene fra det 20. århundre, virker Kelmscott Press-utgaver som luksuriøse kreasjoner fra viktoriansk tid. Rik ornamentikk, mønstre i form av blader, illustrasjoner på tre - alt dette ble de viktigste eksemplene på dekorativ kunst på 1800-tallet; alt laget av hendene til en mann som har bidratt mer til dette feltet enn noen annen.
Morris designet alle 66 bøkene utgitt av forlaget, og Burne-Jones gjorde de fleste illustrasjonene. Forlaget eksisterte til 1898 og hadde en sterk innflytelse på mange illustratører på slutten av 1800-tallet, spesielt Aubrey Beardsley.

Estetisk bevegelse

På slutten av 50-tallet, da veiene til Ruskin og prerafaelittene skilte seg, var det behov for nye estetiske ideer og nye teoretikere for å forme disse ideene. En slik teoretiker var kunsthistorikeren og litteraturkritikeren Walter Horatio Pater. Walter Pater mente at det viktigste i kunst er umiddelbarheten til individuell oppfatning, derfor bør kunsten dyrke hvert øyeblikk av å oppleve livet: "Kunst gir oss ingenting annet enn bevissthet om den høyeste verdien av hvert øyeblikk som går og bevaring av dem alle." I stor grad, gjennom Pater, blir ideene om «kunst for kunstens skyld», hentet fra Theophile Gautier, Charles Baudelaire, forvandlet til begrepet estetisme (English Aesthetic movement), som blir utbredt blant engelske kunstnere og poeter: Whistler, Swinburne, Rosseti, Wilde. Oscar Wilde hadde også en sterk innflytelse på utviklingen av den estetiske bevegelsen (inkludert det senere verket til Rossetti), og ble personlig kjent med både Holman Hunt og Burne-Jones. Han, som mange av hans jevnaldrende, leste bøker av Pater og Ruskin, og Wildes estetisme vokste i stor grad ut av pre-rafaelittismen, som bar en anklage om skarp kritikk av det moderne samfunnet fra skjønnhetssynspunkt. Oscar Wilde skrev at «estetikk er over kritikk», som anser kunst som den høyeste virkeligheten, og livet som en slags fiksjon: «Jeg skriver fordi skriving er den høyeste kunstneriske nytelsen for meg. Hvis arbeidet mitt blir likt av noen få utvalgte, er jeg glad for det. Hvis ikke, er jeg ikke opprørt." Prerafaelittene var også opptatt av Keats sin poesi og aksepterte fullt ut hans estetiske formel om at "skjønnhet er den eneste sannheten."

Emner

Til å begynne med foretrakk prerafaelittene evangelietemaer, og unngikk kirkekarakter i å male og tolket evangeliet symbolsk, og la spesiell vekt ikke til den historiske troskapen til de avbildede evangelieepisodene, men til deres indre filosofiske betydning. Så for eksempel i "Verdens lys" Khanta i form av Frelseren med en lys lampe i hendene skildrer troens mystiske guddommelige lys, som strever etter å trenge gjennom lukket menneskelige hjerter som Kristus som banker på døren til et menneskelig hjem.

Prerafaelittene trekker oppmerksomheten mot temaet sosial ulikhet i viktoriansk tid, emigrasjon (verkene til Madox Brown, Arthur Hughes), kvinners forringede stilling (Rossetti), Holman Hunt berørte til og med temaet prostitusjon i maleriet sitt. "Våknet sjenanse"(Engelsk: The Awakening Conscience, 1853).

På bildet ser vi en fallen kvinne som plutselig innså at hun syndet, og glemmer kjæresten sin, frigjør seg fra hans omfavnelse, som om hun hører en slags rop gjennom et åpent vindu. Mannen forstår ikke hennes åndelige impulser og fortsetter å spille piano. Her var ikke prerafaelittene pionerer, de ble forutsett av Richard Redgrave med hans berømte maleri The Governess (1844). Og senere, på 40-tallet, skapte Redgrave mange lignende verk dedikert til utnyttelse av kvinner.
Prerafaelittene behandlet også historiske emner, og oppnådde størst nøyaktighet i å skildre faktadetaljer; vendte seg til verk av klassisk poesi og litteratur, til verkene til Dante Alighieri, William Shakespeare, John Keats. De idealiserte middelalderen og elsket middelalderromantikk og mystikk.
Prerafaelittene skapte en ny type kunst kvinnelig skjønnhet- løsrevet, rolig, mystisk, som senere skulle utvikles av art nouveau-kunstnere. Kvinne i prerafaelittiske malerier - middelaldersk bilde perfekt skjønnhet og femininitet, hun blir beundret og tilbedt. Dette er spesielt merkbart hos Rossetti, som beundret skjønnhet og mystikk, så vel som hos Arthur Hughes, Millais og Burne-Jones. Mystisk, destruktiv skjønnhet, la femme fatale, fant senere uttrykk i William Waterhouse. I denne forbindelse kan maleriet "The Lady of Shalott" (1888), som fortsatt er en av de mest populære utstillingene på Tate Gallery, kalles ikonisk]. Den er basert på et dikt av Alfred Tennyson. Mange malere (Holman Hunt, Rossetti) illustrerte Tennysons verk, spesielt "The Lady of Shalott". Historien forteller om en jente som må forbli i et tårn, isolert fra omverdenen, og i samme øyeblikk som hun bestemmer seg for å rømme, signerer hun sin egen dødsdom.
Bilde tragisk kjærlighet var attraktiv for prerafaelittene og deres tilhengere: i sent XIX-på begynnelsen av 1900-tallet ble mer enn femti malerier laget med temaet "The Lady of Shalott", og tittelen på diktet ble til en fraseologisk enhet. Prerafaelittene ble spesielt tiltrukket av temaer som åndelig renhet og tragisk kjærlighet, ulykkelig kjærlighet, den uoppnåelige jenta, en kvinne som dør av kjærlighet, preget av skam eller fordømmelse, og en død kvinne med ekstraordinær skjønnhet.
Det viktorianske begrepet femininitet ble omdefinert. For eksempel, i Ophelia av Arthur Hughes eller serien med malerier Past and Present, 1837-1860 av Augustus Egg, vises en kvinne som en person som er i stand til å oppleve seksuell lyst og lidenskap, som ofte fører til en utidig død. Augustus Egg laget en serie verk som viser hvordan familiens ildsted blir ødelagt etter at morens utroskap ble oppdaget. I det første maleriet ligger en kvinne på gulvet, ansiktet hennes begravd i teppet, i en positur av fullstendig fortvilelse, og armbåndene på hendene ligner håndjern Dante Gabriel Rossetti bruker figuren Proserpina fra gammel gresk og romersk mytologi: en ung kvinne stjålet av Pluto inn i underverdenen og desperat etter å vende tilbake til jorden.

Hun spiser bare noen få granateplefrø, men et lite stykke mat er nok til at en person for alltid kan forbli i underverdenen. Proserpina Rossetti - ikke bare vakker kvinne med et gjennomtenkt blikk. Hun er veldig feminin og sensuell, og granateplet i hendene hennes er et symbol på lidenskap og fristelse som hun bukket under for.
Et av hovedtemaene i prerafaelittenes verk er en forført kvinne, ødelagt av ulykkelig kjærlighet, forrådt av sine elskere, et offer for tragisk kjærlighet. I de fleste malerier er det en mann, enten eksplisitt eller implisitt, som er ansvarlig for kvinnens fall. Eksempler inkluderer Hunts «Woke Shyness» eller Millais’ maleri «Mariana».
Et lignende tema kan sees i poesi: i "The Defense of Guenevere" av William Morris, i Christina Rossettis dikt "Light Love" (engelsk: Light Love, 1856), i Rossettis dikt "Jenny" (1870), som viser en falne kvinne, en prostituert, som er fullstendig uproblematisk over situasjonen sin og til og med nyter seksuell frihet.

Natur

Holman Hunt, Milles, Madox Brown designet landskapet. Malerne William Dyce, Thomas Seddon og John Brett nøt også litt berømmelse. Landskapsmalere på denne skolen er spesielt kjent for sin skildring av skyer, arvet fra deres berømte forgjenger, William Turner. De forsøkte å skildre landskapet med maksimal autentisitet. Hunt uttrykte tankene sine på denne måten: "Jeg vil male et landskap ... som viser hver eneste detalj jeg kan se." Og om Millais sitt maleri "Høstblader" Ruskin sa: "Dette er første gang skumringen har blitt avbildet så perfekt."

Malerne gjorde grundige studier av toner fra livet, og gjengav dem så lyst og tydelig som mulig. Dette mikroskopiske arbeidet krevde enorm tålmodighet og arbeid i brevene eller dagbøkene sine, prerafaelittene klaget over behovet for å stå i timevis i den varme solen, regnet og vinden for å male, noen ganger, en veldig liten del av bildet; . Av disse grunnene ble ikke det prerafaelittiske landskapet utbredt, og deretter ble det erstattet av impresjonisme.

Fotografisk kunst

Ruskin skrev også, og beundret daguerreotypiene: "Det var som om en tryllekunstner hadde krympet gjenstanden ... slik at den kunne bæres bort med ham." Og da fotoalbumin ble oppfunnet i 1850, ble fotograferingsprosessen enklere og mer tilgjengelig.
Prerafaelittene ga store bidrag til utviklingen av fotografiet, for eksempel ved å bruke fotografier under maling. I fotografiene av prerafaelittene ser vi den samme oppmerksomheten til verkets litterære konsept, de samme forsøkene på å vise indre verden modeller (som var en nesten umulig oppgave for fotografering av disse årene), de samme komposisjonstrekkene: todimensjonalitet i rommet, konsentrasjon om karakteren, kjærlighet til detaljer [Fotografier av Jane Morris tatt av Dante Gabriel Rossetti i juli 1865 berømt.
Mange kjente fotografer ble deretter inspirert av prerafaelittisk kreativitet: som for eksempel Henry Peach Robinson.

Livsstil

Prerafaelittisme er en kulturell stil som penetrerte livene til dens skapere og til en viss grad bestemte dette livet. Prerafaelittene levde i miljøet de skapte og gjorde et slikt miljø ekstremt fasjonabelt. Som Andrea Rose bemerker i sin bok, på slutten av 1800-tallet, «viker troskap til naturen for troskap mot bildet. Bildet blir gjenkjennelig og er derfor ganske klart for markedet.»
Den amerikanske forfatteren Henry James fortalte i et brev datert mars 1969 sin søster Alice om besøket hans til Morrises.
«I går, min kjære søster,» skriver James, «var en slags apoteose for meg, for jeg tilbrakte mesteparten av den i huset til Mr. W. Morris, poeten. Morris bor i det samme huset der han åpnet butikken sin, i Bloomsbury... Du skjønner, poesi er et sekundært yrke for Morris. For det første er han en produsent av glassmalerier, fajansefliser, middelaldertepper og kirkebroderier – generelt alt prerafaelitt, antikk, uvanlig og, må jeg legge til, uforlignelig. Alt dette gjøres selvfølgelig i beskjeden skala og kan gjøres hjemme. Tingene han lager er usedvanlig elegante, dyrebare og dyre (de overgår prisen på de største luksusvarene), og fordi fabrikken hans ikke kan ha for mye av stor betydning. Men alt han har skapt er fantastisk og utmerket ... han har også hjelp av sin kone og små døtre.»
Henry James fortsetter med å beskrive kona til William Morris, Jane Morris (nee Jane Burden), som senere ble Rossettis kjæreste og modell og ofte kan sees i kunstnerens malerier:
«Å, min kjære, for en kvinne dette er! Hun er vakker i alt. Se for deg en høy, tynn kvinne, lang kjole laget av stoff fargen av dempet lilla, laget av naturmateriale ned til siste blonder, med et sjokk av krøllete svarte hår som faller i store bølger langs tinningene, et lite og blekt ansikt, store mørke øyne, dype og ganske Swinburne-aktige , med tykke svarte buede øyenbryn... Høy åpen hals i perler, og til slutt - selve perfeksjonen. På veggen hang et portrett av henne i nesten naturlig størrelse av Rossetti, så rart og uvirkelig at hvis du hadde sett det, ville du ha tatt det for et smertefullt syn, men av ekstraordinær likhet og troskap til trekkene. Etter middagen... leste Morris oss et av hans upubliserte dikt... og kona hans, som led av tannpine, hvilte på sofaen med et skjerf over ansiktet. Det virket for meg som om det var noe fantastisk og fjernet fra vårt virkelige liv i denne scenen: Morris leste i en glatt antikk meter en legende om mirakler og grusomheter (det var historien om Bellerophon), rundt oss de pittoreske brukte møblene av leiligheten (hver gjenstand er et eksempel på noe ... eller), og, i hjørnet, denne dystre kvinnen, taus og middelaldersk med sin middelalderske tannpine."
Prerafaelittene var omgitt av kvinner med ulik sosial status, elskere og modeller. En journalist skriver om dem på denne måten: "... kvinner uten krinoliner, med flytende hår... uvanlig, som en feberdrøm der storslåtte og fantastiske bilder sakte beveger seg."
Dante Gabriel Rossetti levde i en raffinert og bohemsk atmosfære, og selve hans eksentriske image ble en del av den prerafaelittiske legenden: Rossetti levde med de mest forskjellige mennesker, inkludert poeten Algernon Swinburne, forfatter George Meredith. Modeller avløste hverandre, noen av dem ble Rossettis elskerinner den vulgære og gjerrige Fanny Cornforth var spesielt kjent. Huset til Rossetti var fullt av antikviteter, antikke møbler, kinesisk porselen og andre pyntegjenstander, som han kjøpte fra søppelbutikker. Hagen var hjemsted for ugler, wombats, kenguruer, papegøyer, påfugler, og på et tidspunkt bodde det til og med en okse hvis øyne minnet Rossetti om øynene til hans elskede Jane Morris.

Betydningen av prerafaelittisme

Prerafaelittisme som kunstnerisk bevegelse er viden kjent og populær i Storbritannia. Det kalles også den første britiske bevegelsen som oppnådde verdensberømmelse, men blant forskere vurderes dens betydning annerledes: fra en revolusjon i kunst til ren innovasjon innen maleteknikker. Det er en oppfatning at bevegelsen begynte med et forsøk på å oppdatere maleriet, og deretter hadde stor innflytelse på utviklingen av litteratur og hele den engelske kulturen som helhet. I følge Literary Encyclopedia, på grunn av dets raffinerte aristokrati, retrospektivitet og kontemplasjon, hadde deres arbeid liten innvirkning på de brede massene.
Til tross for det tilsynelatende fokuset på fortiden, bidro pre-rafaelittene til etableringen av jugendstilen i kunsten, dessuten regnes de som symbolistenes forgjengere, og noen ganger til og med identifisere begge. For eksempel at utstillingen «Symbolism in Europe», som flyttet fra november 1975 til juli 1976 fra Rotterdam gjennom Brussel og Baden-Baden til Paris, tok 1848 som startdato – året for grunnleggelsen av Brorskapet. Prerafaelittisk poesi satte sitt preg på de franske symbolistene Verlaine og Mallarmé, og malte på kunstnere som Aubrey Beardsley, Waterhouse og mindre kjente som Edward Hughes eller Calderon. Noen merker til og med innflytelsen fra prerafaelittisk maleri på engelske hippier, og Burne-Jones på den unge Tolkien. Interessant nok, i ungdommen sammenlignet Tolkien, som sammen med vennene sine organiserte et halvhemmelig samfunn kalt Tea Club, dem med det prerafaelittiske brorskapet.
I Russland ble den første utstillingen med verk av prerafaelittene organisert auksjonshus Christie's fant sted fra 14. til 18. mai 2008 på Tretjakovgalleriet.

I Europa var begynnelsen av 1800-tallet preget av at den industrielle revolusjonen fikk omfattende proporsjoner. Det var en overgang fra manuelt arbeid til maskinarbeid, en transformasjon av samfunnet til et industrielt, og en rask urbaniseringsprosess. Alle disse fenomenene ble ledsaget av raske økonomisk vekst og økt levestandard.

Sammen med positive endringer skjedde det også negative metamorfoser. Spesielt den dekorative og brukskunsten følte akutt den negative effekten. Den opprinnelige kreativiteten til håndverkere ble erstattet av masseforbruksvarer i europeernes hverdag. Arts and Crafts-bevegelsen ble født som en motvirkning til de ansiktsløse tingene som fyller hverdagen og hverdagen.

Opprinnelsen og ideologien til Arts and Crafts-bevegelsen

Absolutt anerkjennelse av håndlagde produkters overlegenhet over produktet fra fabrikkstempling danner grunnlaget for Arts and Crafts-bevegelsen. Den stammer fra et lite samfunn av likesinnede. Konseptet til den fremvoksende kunstneriske bevegelsen er basert på å skape et estetisk miljø i hverdagen og menneskelivet. I denne forbindelse er målet hans å gjenopplive den dekorative og anvendte kunsten. Som en del av Arts and Crafts-bevegelsen dannes separate håndverksverksteder og laug nesten over hele Europa.

Den kunstneriske bevegelsen støttes av tradisjonene for middelaldersk håndverk og den originale kreativiteten til mesterne fra den perioden. Bevegelsen gjenspeiles i gjenstander fra alle områder innen dekorativ og brukskunst. De deltakende kunstnerne lager unike tapeter og møbler, originale produkter innen veving og billedvev, glassmalerier og keramisk dekor. Preferanse gis til naturlige motiver, lakoniske former og renhet av farger.

Eikehall med flislagt peis designet av William Morris, Whitewick Manor, England

Ideologien får virkelige trekk i et herskapshus i London kalt "Red House". Selve konstruksjonen og hele møblene til huset er laget i samsvar med prinsippene for den kunstneriske bevegelsen, rettet mot sammenslåing hverdagen med høy kunst. Det røde huset tilhørte grunnleggeren av Arts and Crafts-bevegelsen, engelsk forfatter, kunstner, designer, politiker og filosof, William Morris, og var ment for familien hans og hans kunst- og håndverksselskap.

Interiør i en hall i det røde huset med møbler, tapet og håndlagde keramiske fliser, London

Farget glass i Red House, London

William Maurice som hjernen til Arts and Crafts-bevegelsen og skaperen

Den kreative utviklingen til Morris the master begynner med å studere arkitektur fra George Edmund Street, som hadde et veldig kjent navn på dette feltet i denne perioden. Men maleriet absorberer kunstneren og blir snart hans viktigste manifestasjon. kreativt potensial. William Morris sin vei til kunst ble ledet av hans bekjentskap med verkene til prerafaelittene. Beundring for bevegelsen, som avviste konvensjonene og akademismen innen engelsk poesi og maleri, ga opphav til William Morris sitt spesielle syn på estetikk og kunstnerskap.

William Morris tar veien for å gjenopplive harmonien mellom naturen, mennesket og kunsten, og stoler på de filosofiske avhandlingene til John Ruskin. Kunstkritikerens påstand om at gjenstandene rundt et samfunn vitner om dets moralske tilstand, fikk Morris til å helbrede en generasjon som ble "krøblet" i denne forbindelse av den industrielle revolusjonen. Etter hans mening kunne det eneste verktøyet for dette være håndverk, som fylte hverdagsmiljøet med vakre håndlagde gjenstander. Derfor overføres kunstnerens maleri fra lerreter til interiøret: til keramikk, stoffer, tre, metall og andre materialer.

Malte keramiske fliser designet av William Morris, 1875.

William Morris løftet det kombinerte bildet av en teknolog, designer og kunstner, som han selv faktisk var, til den høye rangen som skaper. William Morris blir den første moderne konsept designer i England. Mesteren tegner skisser av utskrifter, henter inspirasjon fra naturen, overfører ornamenter til tapeter, billedvev, møbler, keramiske fliser, farget glass og til og med bøker, som kombinerer alt til komplett interiør. For å skape sine kreasjoner jobber William Morris tett med Philip Speakman Webb, Dante Gabriel Rossetti, Elizabeth Eleanor Siddal, Edward Burne-Jones og andre kunstnere og arkitekter fra tiden.

Salong av William Morris, Thomas Carlyle House, London

I 1861 grunnla William Morris selskapet Morris, Marshall, Faulkner og Co. for å produsere interiør- og dekorasjonsartikler. I nesten et århundre har selskapet opprettholdt sin status som Europas ledende fabrikk innen dekorativ og brukskunst. Manuelt arbeid, naturlige materialer, naturlig sammensetning blir de tre pilarene som selskapets produksjonsprosess hviler på. I tillegg fungerer bedriften som en slags skole for kunstnere og håndverkere. Dette bidrar til spredning av ideene til Arts and Crafts-bevegelsen og opprettelsen av nye kreative foreninger under ledelse av Morris sine tilhengere, inkludert i andre land.

Innflytelsen fra Arts and Crafts-bevegelsen på keramisk kunst

På dette tidspunktet opplevde keramikk i Europa tilbakegang. Porselen, som steg opp til sokkelen, absorberte nesten fullstendig de eldste teknologiene for å lage leireprodukter. Dekorativ keramikkkledning forsvinner i glemmeboken, og unike håndlagde husholdningsartikler blir erstattet av ansiktsløst stemplet porselen og keramikk. På en måte får produktene fargerik dekor, og skiller seg fra den tidligere høyt verdsatte hvitheten og skjørheten. Den dype forbindelsen og harmonien mellom materiale og form, essens og kunstnerisk bilde går tapt.

William Morris og Arts and Crafts-bevegelsen gjenopplivet verdien av håndlaget keramikk. Naturmateriale oppfyller alle kravene til den kreative bevegelsen og finner et andre liv i sin mest kunstneriske legemliggjøring i engelske hus. I interiøret til kunstneren og designeren dukker det igjen opp fliser på peiser og dekor, keramisk dekor og håndmalte fat. Det meste av det dekorative keramikken for William Morris-prosjekter er utført av William Friend de Morgan.

Keramisk dekor og vaser i interiøret av William Morris

Utvilsomt hadde håndlagde gjenstander en høy pris, så slik luksus var ikke tilgjengelig for alle. I denne forbindelse var ideen om å skape et estetisk utformet bomiljø for hver person i strid med synspunktene til William Morris selv som sosialist. Men til tross for dette vokste et lite samfunn av kunstnere inn i Arts and Crafts-bevegelsen, som spredte seg ikke bare i England, men over nesten hele Europa og USA.

Arts and Crafts-bevegelsen ga først og fremst verden en teori om det nære forholdet mellom estetiske standarder og den moralske tilstanden i samfunnet. Håndlagde husholdningsartikler har fortsatt en viktig plass i interiørdesign i dag og er høyt verdsatt for sin individualitet og unikhet. Arts and Crafts-bevegelsen var en kraftig drivkraft for fremveksten av jugendstilen og fungerte som grunnlaget for dannelsen av designprinsipper. I tillegg bidro bevegelsen til gjenopplivingen av nasjonale stiler på grunn av økt prestisje og godkjenning høy status håndverk.

Kunst og håndverk - "Kunst og håndverk". Denne kunstneriske bevegelsen dukket opp i England på 1860-tallet som en reaksjon på industrialiseringens tid og den industrielle revolusjonen. Det inkluderte kunstnere, designere, arkitekter, håndverkere og forfattere. Inspiratoren til bevegelsen og dens uoffisielle leder var William Morris, der en romantisk kunstner og en forretningsmann, en drømmer og en politiker sameksisterte. Morris kraftige karisma ga vital energi til hele Arts and Crafts-bevegelsen.

Det viktigste medlemmene gjorde opprør mot Kunst og håndverk– dette er sjelløs maskinproduksjon som fratar arbeideren gleden ved sitt arbeid. Klossete, smakløse ting kom fra samlebåndet som folk fylte hjemmene sine med - møbler, tekstiler, servise. Industrialisering førte med seg en generell nedgang i kunstnerisk smak, da skjønnhet og harmoni ble erstattet av "penhet".

Målet med Arts and Crafts er ting laget av mennesker og for mennesker, og gleder både de som skaper dem og de som bruker dem. Håndlagde husholdningsartikler er mye bedre i kvalitet og smak og kan ikke sammenlignes med maskinlagde. Den ideelle organiseringen av produksjonen for kunst og håndverk var middelalderlaugene - da hele prosessen med å produsere en ting, fra idé til endelig etterbehandling, gikk gjennom hendene på en håndverker.

Denne bevegelsen hentet kunstneriske ideer fra middelalderens europeiske kunst, fra islamsk kunst og fra Japans kunst som nylig ble oppdaget av europeere. De som delte prinsippene for kunst og håndverk prøvde seg i forskjellige bransjer: de laget møbler, billedvev, tapeter, draperier, metallarbeid, glass og keramikk.

Grunnleggende funksjoner i kunst- og håndverksstilen:

• Håndlaget.
• Enkle former, moderasjon av dekorasjoner og gjennomtenkt ornamentikk. Møblene var enkle, upretensiøse og nesten blottet for dekorasjon, men tapeter og tekstiler var tvert imot veldig dekorative.
• Fremhever skjønnheten og teksturen til naturlige materialer.
• Liten ufullstendighet av former, deres vertikalitet og forlengelse.
• Ornament fra planter eller dyr.

På 1860-tallet grunnla William Morris det dekorative kunstselskapet Morris and Co, som inkluderte vennene hans: prerafaelittiske kunstnere Dante Gabriel Rosetti, Edward Burne-Jones, Ford Madox Brown

og arkitekt Philip Webb. Dette selskapet, som Morris jobbet for til slutten av sitt liv, oppmuntret og sponset gjenopplivingen av tradisjonelt håndverk - glassmaleri, håndbroderi, produksjon av trykte stoffer for vegger og møbler, og farging av silke og ull med naturlige fargestoffer . Morris kom selv med slående vakre mønstre - til tapet, til trykte og ullstoffer, til broderi. Han gjenopplivet billedvevproduksjonen på egenhånd, og billedvev basert på designene hans produseres og selges fortsatt i Storbritannia.

Morris drøm var et hus som et kunstverk. "Jeg har aldri vært i et eneste rikt hus som ikke ville blitt forbedret hvis ni tideler av det som var stappet inn i det hadde gått til brann," sa Morris. Drømmen hans gikk i oppfyllelse da han i samarbeid med arkitekten Philip Webb bygde Red House ved London – Red House

(fikk dette navnet fordi, i motsetning til alle hus fra den tiden, var det ikke pusset - veggene forble av rød murstein), som han ga som en bryllupsgave til sin kone Jane. Utformingen av all interiørdekorasjon og interiør ble utført etter Morris sine skisser.

Selv om hovedideen til Arts and Crafts var å bringe skjønnhet inn i hverdagen til vanlige mennesker, viste det seg snart at de ikke hadde råd til produkter fra Morris verksteder - mesterkunstneren måtte få en anstendig lønn for arbeidet sitt, så det var ikke mulig å konkurrere med fabrikkproduksjonen når det gjelder produkttilgjengelighet. Imidlertid nøt Morris sine produkter fortsatt suksess blant velstående kunder.

Medlemmer av Arts and Crafts-bevegelsen støttet sterkt håndverk ikke bare på det profesjonelle, men også på amatørnivå. Association of Home Arts and Crafts, som de opprettet på 1880-tallet (som inkluderte medlemmer av kongefamilien), gjennomførte mesterklasser over hele landet og organiserte utstillinger.

Den store fordelen med Arts and Crafts er at de var de første som forkynte den nære sammenhengen mellom design og livskvalitet. Mange trekk ved denne bevegelsen ble bevart i de kunstneriske stilene som erstattet den - estetikk og modernisme.

Nøkkelen til å forstå Arts and Crafts ligger i slagordet, som ble laget av et annet fremtredende medlem av bevegelsen, arkitekten og kunstneren Charles Voysey: «Head Hand and Heart» – «Head, hands and heart». "Hode" er evnen til å skape og forestille seg, "hender" er dyktighet og dyktighet, "hjerte" er kjærlighet og oppriktighet.

Grunnlagt i 1848, kan det prerafaelittiske brorskapet med rette betraktes som den første avantgardebevegelsen i Europa. De mystiske bokstavene "R.K.V.", som dukket opp i maleriene til unge og ukjente kunstnere, forvirret den engelske offentligheten - studenter ved Royal Academy of Arts i London ønsket å endre ikke bare prinsippene for moderne kunst, men også dens rolle i sosialt liv samfunn.

Under den industrielle revolusjonen falt forhøyede emner og strengt akademisk maleri i Raphaels ånd i unåde hos den viktorianske middelklassen, og ga plass for kunstnerisk kitsch og sentimentale scener. Medlemmer av det prerafaelittiske brorskapet vendte seg til italiensk kunst på 1400-tallet, da de innså krisen med idealene fra høyrenessansen. Eksemplene var verkene til fremragende Quattrocento-malere - en lys, rik palett, understreket dekorativitet av verkene deres ble kombinert med viktig sannferdighet og en følelse av natur.

Lederne for det prerafaelittiske brorskapet var kunstnerne D.E. Millais (1829-1896), D.G. Rossetti (1828-1882), W.H. Hunt, samt F.M. Brun. På slutten av 1850-tallet dannet det seg en ny gruppe rundt Rossetti, som inkluderte W. Morris, E. Burne-Jones (1833-1898), E. Siddal og S. Solomon.

Kunstnere i Rossettis krets var engasjert i maleri og grafikk, skrev poesi og designet bøker, utviklet interiør og møbeldesign. Tilbake på midten av 1800-tallet begynte prerafaelittene å arbeide i friluft, og tok opp spørsmålet om kvinners rettigheter i samfunnet og bidro til dannelsen av den viktigste stilen på slutten av århundret - Art Nouveau-kunst.

Prerafaelittenes oppgaver

De unge kunstnerne som grunnla det prerafaelittiske brorskapet innså at de tilhørte en kultur der det ikke fantes noen tradisjoner for religiøst maleri, ødelagt på 1500-tallet under reformasjonen. Prerafaelittene sto overfor en vanskelig oppgave - å gjenreise religiøs kunst uten å ty til de ideal-konvensjonelle bildene av den katolske altertavlen.

I motsetning til renessansemesterne var grunnlaget for komposisjonen av prerafaelittiske malerier ikke fantasi, men observasjoner og ansikter hentet fra hverdagen. Medlemmer av Brorskapet avviste de myke, idealiserte formene som er karakteristiske for høyrenessansekunstnere, og foretrakk dynamiske linjer og lyse, rike farger.

Ingen av prerafaelittene søkte særlig å fremheve teologiske sannheter i innholdet i maleriene sine. De nærmet seg heller Bibelen som en kilde til menneskelig dramatikk og søkte litterær og poetisk mening i den. Dessuten var disse verkene ikke ment for utsmykning av kirker.

Den mest troende kristne i gruppen var Hunt, en eksentrisk religiøs intellektuell. Resten av de prerafaelittiske kunstnerne prøvde å skildre livet til de mest vanlige mennesker, samtidig som de identifiserte akutte sosiale, moralske og etiske temaer i det moderne samfunnet. Malerier om religiøse temaer settes sammen med bilder som er relevante og presserende. Plotter dedikert til sosiale spørsmål, som tolket av prerafaelittene, har form av moderne lignelser.

Malerier om historiske temaer

Malerier om historiske temaer spiller en nøkkelrolle i prerafaelittenes arbeid. Tradisjonelt var ikke britene interessert i spennende heroiske scener og idealiserte klassiske komposisjoner fylt med apatiske nakenmodeller. De foretrakk å studere historie gjennom skuespillene til William Shakespeare og romanene til Walter Scott, og å lære biografien om fortidens store skikkelser i teatralske bilder av fremragende skuespillere som Garrick og Sarah Siddons.

Prerafaelittene avviste klassisk historie med dens iboende ideer om eksemplarisk dyd, militær makt og monarkiske prestasjoner. Når det gjelder litterære og historiske emner, skildret de nøyaktig kostymene og interiøret i den valgte epoken, men styrket samtidig sjangeraspektet, og gjorde menneskelige relasjoner hovedmotivet til komposisjonen. Før de fylte bildet med mennesker, malte kunstnerne nøye ut alle detaljene i interiøret eller landskapet i bakgrunnen for å understreke den avslappede og realistiske atmosfæren rundt den sentrale scenen. I et forsøk på å skape en troverdig komposisjon fant de eksempler på kostymer og ornamenter i opplyste manuskripter og historiske oppslagsverk. Funksjonene til hver karakter er et omhyggelig tegnet ansikt av en modell valgt blant medlemmene av Brorskapet. Denne tilnærmingen avviste de aksepterte konvensjonene for den høye sjangeren, men forsterket effekten av autentisitet.

Prerafaelittisk holdning til naturen

Den prerafaelittiske holdningen til naturen utgjør en av de viktigste aspektene ved denne bevegelsen både når det gjelder kunstnerisk teori og stil. John Ruskins oppfordring om å "vende seg til naturen av hele ditt hjerte og gå hånd i hånd med henne tillitsfullt og flittig, huske instruksjonene hennes og bare tenke på å forstå hennes mening, uten å avvise, uten å velge, uten å latterliggjøre" hadde en utvilsom innflytelse på Pre -Rafaelitter. De unge medlemmene av Pre-Raphaelite Brotherhood studerte ivrig Ruskins verk om Turners arv, men deres egen stil er en unik syntese av friluftsmaleri, spennende Shakespeare-komplott og aktuelle temaer for moderne arbeid. De mest vellykkede verkene kombinerer detaljert komposisjon med mesterlig skildring av figurer og kompleks design som kombinerer alle elementene til en sammenhengende helhet.

John Everett Millais. Valley of Eternal Peace ("De trette vil finne fred")

Samtidig var prerafaelittene ivrige de siste funnene innen naturvitenskap, som på midten av århundret ble fulgt med stor interesse av hele det britiske samfunnet. Kunstnere fortsatte å konkurrere med fotografi, som både komplementerte bildene av naturen de skapte og oppmuntret dem til å male med enda mer følelser ved å bruke en lys, rik palett. Ved å kombinere figurer og landskap til en intrikat komposisjon, la prerafaelittene vekt på det narrative elementet, appellere til betrakterens sanser og skapte stemning i maleriet. Slik voktet maleriet sine grenser.

Estetismebevegelse, formålet med kunst

På begynnelsen av 1860-tallet begynte en ny fase i arbeidet til Rossetti og hans medarbeidere. Unge malere som sluttet seg til kretsen av tidligere prerafaelitter søkte å realisere sitt talent innen ulike kunstfelt. Imidlertid skapte verkene ny gruppe kunstnere og forfattere viste seg å være ikke mindre nyskapende. På midten av 1860-tallet hadde prerafaelismen forvandlet seg til estetismebevegelsen. Verkene i denne delen er dedikert til skjønnhet som sådan.

Aspirasjon mot det, dette "eneste absolutte målet" for kunst, ifølge Rossetti, karakteriserer det andre tiåret med prerafaelittisk maleri.

Rossetti strebet også etter skjønnhet, men målet hans var å skape et nytt estetisk ideal. I løpet av denne perioden fremførte kunstneren en serie verk som glorifiserer fullblods, sunn, ettertrykkelig sensuell kvinnelig skjønnhet.

Det forseggjorte penselverket og brede malingsstrekene påført med harde børster imiterer bevisst det venetianske maleriet fra 1500-tallet og spesielt teknikken til Titian og Veronese.

Dype og rike grønne, blå og mørkerøde erstattet den gotiske glassmaleriet til den tidlige prerafaelittpaletten.

Til tross for deres forhold til maleriene til de gamle mestrene, sjokkerte maleriene samtidige, som rasende anklaget Rossetti for umoral. Samtidig hadde den kunstneriske tolkningen av bilder og det semantiske innholdet i disse verkene en betydelig innflytelse på dannelsen av stilistikken til art nouveau-kunsten.

Poetisk maleri av prerafaelittene

På midten av 1850-tallet sluttet Rossetti midlertidig å male, og ved å vende seg til akvarellteknikker skapte han en rekke fargerike og komplekse komposisjoner. I disse verkene ble kunstnerens lidenskap for middelalderen spesielt tydelig demonstrert - mange akvareller ble laget under inntrykk av opplyste manuskripter.

I utseendet til de høye, bleke og slanke heltinnene i Dante Gabriel Rossettis akvareller, kan man ofte skjelne figuren og trekkene til Elizabeth Siddal.

Akvareller av en representant for den nye generasjonen kunstnere i Rossettis krets, Edward Burne-Jones, ligner cloisonne-emalje, og gjenspeiler forfatterens interesse for ulike teknikker og typer kunst.

Nesten alle akvareller var inspirert av ridderlige poetiske romaner, ballader eller verk av romantiske poeter. Samtidig tillater ikke den uavhengige naturen til disse verkene oss å se i dem bare en illustrasjon av litterært arbeid. På slutten av 1850-tallet og begynnelsen av 1860-tallet skapte Rossetti en rekke verk om religiøse emner. Den rike fargepaletten og det generelle arrangementet av figurene gjenspeiler påvirkningen fra venetiansk kunst, som i denne perioden erstattet kunstnerens tidlige lidenskap for florentinsk Quattrocento-maleri.

Prerafaelitt Utopia, design

Takket være William Morris og firmaet Morris, Marshall, Faulkner and Co., grunnlagt av ham sammen med E. Burne-Jones, D.G. Rossetti og F.M. Brown, hadde brukskunst en betydelig innvirkning på utviklingen av europeisk design i andre halvdel av 1800-tallet, påvirket utviklingen av britisk estetisme og ga opphav til Arts and Crafts Movement.

Morris og hans medarbeidere forsøkte å heve designens status til samme nivå som andre typer kunst. Opprinnelig la de vekt på arbeidskraftens kollektive og laugsmessige natur, og tok idealiserte ideer om middelalderske håndverkere som modell. Selskapet produserte møbler og dekorasjoner for hjem og kirkeinteriør: fliser, glassmalerier, møbler, trykte stoffer, tepper, tapeter og gobeliner. Burne-Jones ble ansett som hovedkunstneren, og Morris var ansvarlig for utformingen av ornamentene. Heltene i Burne-Jones' senere verk viser ingen følelser, figurene deres er frosset i ubevegelig passivitet, slik at meningen med handlingen er uklar og så å si skjult i tette lag med maling.

Edward Burne-Jones. Sidonia von Bork, 1560. 1860

Denne kunstnerens drømmende bilder og abstrakte komposisjoner gir et fantasifullt alternativ til den ekstreme materialismen i det viktorianske Storbritannia. I dette virket hans kunst utvilsomt som en utopi, men en fullstendig abstrakt utopi. Som han selv sa: "Jeg er en født opprører, men mine politiske synspunkter er tusen år utdaterte: dette er synspunktene fra det første årtusen og har derfor ingen mening."

Linley Sambourne, karikatur av Oscar Wilde, Punch Magazine, bind 80, 1881
Å, jeg føler meg like glad som en lys solsikke!
Esthete of Aesthetes!
Hva ligger i et navn?
Poeten er VIL,
Men poesien hans er tam.

The Aesthetic Movement er et begrep som beskriver bevegelsen på 1870- og 1880-tallet som manifesterte seg i den fine og dekorative kunsten og arkitekturen i Storbritannia og senere USA. Bevegelsen var en reaksjon mot det som virket prut i kunst og design, og var preget av en skjønnhetskult og en vektlegging av den rene nytelsen den ga. I maleriet var det en idé om kunstens autonomi, så vel som konseptet "kunst for kunstens skyld", som oppsto i Frankrike i litteraturen og ble brakt til Storbritannia på 1860-tallet.

Den estetiske bevegelsen ble forkjempet av forfattere og kritikere Walter Pater, Algernon Charles Swinburne og Oscar Wilde. I henhold til Paters teori, malte kunstnere tilknyttet bevegelsen malerier som var plottløse eller blottet for et betydelig plot. Dante Gabriel Rossetti hentet inspirasjon fra venetiansk kunst på grunn av dens vekt på farger og de dekorative egenskapene til et maleri. Resultatet av søkene hans var flere halvlange bilder kvinnelige skikkelser, for eksempel "Blue Boudoir" (1865, Institute Fine Arts Barbera).

D. Whistler "Princess from the Land of Porcelain"

Veggene under Jekylls forseggjorte skillevegger var dekket av spansk skinn, som Whistler hadde malt i gull over en blå bakgrunn med motiver av et påfugløye og påfuglfjær i 1877; Overfor maleriet hans som henger over peisen, avbildet han to påfugler med luksuriøs fjærdrakt. I peisen står et par brannhunder i smijern som Jekyll laget i form av solsikker og påfugler. Solsikken var et signaturmotiv for den estetiske bevegelsen, og dukket opp i fliser av William de Morgan, broderi av C. Ashby, møbelchintz og tapet av Bruce Talbert, og på den malte fronten av en klokke (1880, London, Victoria og Albert Museum) ), muligens basert på et design av Lewis Foreman Day.

En klokke, antagelig basert på en skisse av L.F. Day (1880, London, Victoria and Albert Museum)

William de Morgan, keramiske fliser

Et fellestrekk ved de "kunstneriske" møblene, keramikkene, kunstsmiingene og tekstilene til "Aesthetic Movement" og Queen Anne-stilen i arkitekturen, så elsket av Godwin og Richard Norman Shaw, var ønsket fra skaperne deres (manifistert i sofistikasjonen av deres design) for å heve statusen til verkene deres til status som kunstverk. De skapte "kunstneriske" interiørartikler og bygninger. De både reformerte og formet smak - en viktig bekymring for William Morris, hvis synspunkter, selv om de var i strid med filosofien til den estetiske bevegelsen, bidro til å spre dens innflytelse over hele USA. I 1870 ble Morris tapet solgt i Boston, og to år senere ble Charles Locke Eastlakes Hints on Household Taste utgitt i en amerikansk utgave.
<....>