Firenze Galleri. Uffizi-galleriet i Firenze (Galleria degli Uffizi)

Firenze blev kaldt "Toscanas blomst" i oldtiden. Selv blandt andre italienske byer, der er rige på historiske og kunstneriske monumenter, betragtes denne blomstrende by med rette som et skatkammer af kunst. Det er dekoreret med de udødelige kreationer af Giotto, Michelangelo, Brunelleschi, Cellini og mange andre store arkitekter, billedhuggere og malere.

Gamle florentinske paladser, kirker med fresker af berømte kunstnere, museer med deres virkelig uvurderlige skatte har længe tiltrukket kunstelskere fra hele verden. For italienerne selv er Firenze et symbol på renæssancen. For flere årtier siden var Firenzes historiske centrum lukket for biler. Gaderne blev gendannet til deres oprindelige charme, det blev lettere at forestille sig, hvordan Leonardo da Vinci og Michelangelo gik forbi netop disse huse, hvordan den ukuelige dominikanermunk Savanarola gik i mængden af ​​fanatiske fans... Desværre ødelagde en ubønhørlig tid stenen i Duomo Square, som han elskede alene sidder den store Dante. Men enhver florentiner kan vise dig dette sted...

Allerede i oldtiden betragtede mange Firenze som den mest perfekte af alle byer. For eksempel skrev Leonardo Bruni i en hyldest til byen: "Der er intet uordentligt i den, intet upassende, intet urimeligt, intet urimeligt; alt har sin plads, og ikke kun strengt defineret, men også passende og nødvendigt." Florentinerne forherligede deres by ikke kun med ord, ikke kun ved at skrive lovprisninger. De forvandlede dens bygninger, pladser og gader og fejrede helligdage med hidtil uset luksus. I midten af ​​det 14. århundrede var mange familier, der var kendetegnet ved uudtømmelig energi og forretningssans, steget til overfladen af ​​bylivet i Firenze (Strozzi, Alberti, etc.). Blandt dem skilte Medici-familien sig ud, som tidligere var læger (dette er betydningen af ​​deres efternavn). Men i midten af ​​det 15. århundrede blev Medici-bankhuset et af de rigeste og mest indflydelsesrige i Firenze UFFIZI, i Firenze, et af de mest repræsentative kunstgallerier i Italien. Huset i en bygning bygget til regeringskontorer i 1560-1585. arkitekterne G. Vasari og B. Buontalenti. Grundlagt i 1575 på grundlag af Medici-familiens samlinger. Galleriet rummer verdens rigeste samling af italienske 13.-18. århundreder. (værker af Duccio, Giotto, P. Uccello, Piero della Francesca, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Titian, etc.) og europæisk maleri, værker af antikke kunst, et unikt udvalg af selvportrætter af europæiske kunstnere. Uffizi-galleriet (italiensk: Galleria degli Uffizi) er et palads eller, som det også kaldes, palazzo i Firenze, Italien, hjemsted for et af de ældste og mest berømte museer i verden. Uffizi-galleriet ligger i hjertet af Firenze. Mod nord er bygningen omkranset af Palazzo Vecchio og Piazza della Signoria, og dens sydlige side har udsigt over Ario-floden og Poite Vecchio.
Uffiziernes historie begynder i juli 1559, da herskeren af ​​Firenze, Cosimo I de' Medici, planlægger at forene alle byens administrative tjenester i et fælles rummeligt palads. Mester Giorgio Vasari blev inviteret til at implementere projektet, og han begyndte arbejdet i 1560. Men i 1574 døde Vasari, og hans efterfølger, Bernardo Buontalenti, afsluttede byggeriet. Siden 1575 begyndte dannelsen af ​​et museum i Uffizi-bygningen - det var baseret på Medici-familiens samling

"Portræt af Bia Medici

døtre af Cosimo I", 1542 Uffizi Gallery, Firenze

Portræt af Cosimo I de' Medici i rustning, 1545

Cosimo de' Medici gik over i historien under navnet den ældre, og selvom han ikke selv var udmærket ved stor lærdom, var han en ven af ​​uddannelse og kunst. Et portræt af denne ukronede hersker over Firenze, malet af kunstneren Pontormo, hænger i det berømte Uffizi-galleri. Cosimo de' Medici er afbildet i en rolig positur. Han sidder i en stol med foldede hænder og hovedet let bøjet sidelæns mod beskueren. Der er intet ceremonielt eller teatralsk over hovedet af Medici-familien: han bærer en almindelig rød kjortel med lukket krave og løse ærmer. Portrættet forestiller en tynd og midaldrende mand, hvis intelligente og energiske ansigt viser tristhed, og hvis fingre er stramt knyttet. Det ser ud til, at han er fuld af tanker og bekymringer, og hans liv er langt fra sindsro og lyksalighed. Frøet til Uffizi-galleriet blev dannet i det 15. århundrede netop under denne mand - Cosimo de' Medici den Ældre, som også blev kaldt "fædrelandets fader". Han var den første af Medici, der ved hjælp af sine egne penge begyndte at samle målrettet værker af maleri og skulptur til at dekorere både sine egne paladser og byen. Hans eksempel blev efterfølgende fulgt af hans efterfølgere, hvilket berigede samlingen. Galleriet blev grundlagt af Frans I, som af Pave Pius V modtog 26 antikke statuer, som paven erklærede for obskøne for Vatikanet. Til at begynde med var alle samlingerne placeret i Medici-familiens borg - Palazzo Riccardi, men i den turbulente æra historiske begivenheder mange af de indsamlede skatte omkom eller faldt i de forkerte hænder Cosimo inviterede Giorgio Vasari som arkitekt, hvilket gav ham mulighed for at rive de gamle kvarterer ned i nærheden af ​​Piazza della Signoria og bruge murbrokkerne fra ødelagte stenbygninger til byggeri. Arbejdet blev udført hastigt, men hverken Cosimo eller Vasari så nogensinde bygningen i sin færdige form. Byggeriet stod færdigt i 1580; Uffizi-bygningen havde en lang U-form med en smal facade ud mod floden. Det var ikke helt originalt og inkorporerede flere tidlige bygninger. Disse omfatter kirken San Pietro Scheragio og mønten, hvor de første guldfloriner blev præget i 1252. Berømte kunstnere (herunder Allori, Bizzelli og Pieroni) var involveret i designarbejde i Uffizierne. En hængende have blev anlagt over Loggia dei Lanzi, og et teater blev bygget på anden sal. Byggeriet af paladset begyndte i 1560 af arkitekten Giorgio Vasari for Cosimo I de' Medici som sæde for den florentinske magistrat, deraf navnet - Uffizi, som betyder kontor. Byggeriet sluttede i 1581. Vasari var i øvrigt ikke kun en arkitekt, men også en kunstner, så han understregede perspektivet af korridorens længde og dekorerede facaden med lange udhæng af tagene. År gik, paladset blev et yndet sted for at vise malerier og skulpturer indsamlet af Medici-familien eller købt af dem. Efter nedgangen af ​​House of Medici forblev kunstneriske perler i Firenze, der dannede et af de første moderne museer. Galleriet har været åbent for offentligheden siden det sekstende århundrede, men det blev først officielt åbnet for offentligheden i 1765, da den sidste af Medici-familien donerede det helt til befolkningen i Firenze. Kernen i museets samling består af kunstværker bestilt eller købt af medlemmer af Medici-familien. For eksempel købte Ferdinando I engang Venus de Medici, den mest berømte statue i samlingen af ​​skulpturer, der er tilgængelige i Uffizi-galleriet. Han bragte alle skattene fra sin romerske villa hertil. Ferdinando II føjede til samlingen en samling af malerier, som han arvede. Kardinal Leopoldo bidrog også til oprettelsen af ​​museet med en storslået samling af tegninger og selvportrætter af forskellige kunstnere. I 1737, efter den sidste Medicis død, blev alle disse skatte ejendom af byen Firenze.
I det 18. århundrede blev Uffizi-galleriet et offentligt museum. I 1730'erne udarbejdede en gruppe videnskabsmænd en detaljeret (ti bind) opgørelse over de kunstværker, der var gemt her. I 1769 fik museet sin første direktør. Den nye administration gjorde en stor indsats for at indsamle de mesterværker, der tilhørte Medici-dynastiet, spredt ud over forskellige villaer. Forfatteren Madame de Staël, som besøgte galleriet i 1807, bemærkede: "Holdningen til billedkunst i Firenze er meget demokratisk. Generelt ydede hvert medlem af Medici-familien et kæmpe bidrag til Uffizi-galleriet. Især begyndte Leopold at samle selvportrætter – hans hovedleverandør var Sankt Lukas Akademi, hvor han erhvervede mange malerier. Medici-familiens visdom lå i en retfærdig vurdering af kunst: de erhvervede ikke kun malerier af gamle mestre, men gav også enorm indflydelse til deres samtid. Det er en kendt sag, at klostrene, der havde samlingsværdige samlinger, selv informerede hertugerne om tilstedeværelsen af ​​mesterværker og uden videre solgte dem. Medici var også nedladende for mange kunstnere. Den enorme samling af genstande i Uffizi-galleriet var årsagen til, at store værker, såsom statuer, blev flyttet til andre florentinske museer (Bargello og andre). Som led i udvidelsen af ​​museets areal blev der i 2006 åbnet yderligere lokaler, og udstillingsarealet blev øget fra 6 tusinde kvadratmeter til 13, så besøgende med egne øjne kunne se, hvad der tidligere kun var på lager.
I det 18. århundrede blev Uffizi-galleriet et offentligt museum. I 1730'erne udarbejdede en gruppe videnskabsmænd en detaljeret (ti bind) opgørelse over de kunstværker, der var gemt her. I 1769 fik museet sin første direktør. Den nye administration gjorde en energisk indsats og forsøgte at samle de mesterværker, der tilhørte Medici-dynastiet, spredt ud over forskellige villaer Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo (det er i Uffizierne, at den berømte tondo, der skildrer den hellige familie. beholdt - det eneste større maleri af den hektiske billedhugger uden for Det Sixtinske Kapel ), Caravaggio, Tizian... For ikke at nævne de storslåede eksempler på antikkens kunst, såvel som værker (de bedste værker!) af franske, tyske, hollandske værker , flamske kunstnere... De bedste kunstnere, bedste virker.
I 1993 eksploderede en bombe på Via dei Georgofili og beskadigede en del af paladset og dræbte fem mennesker. Den største skade blev forvoldt på Niobesalen, hvis neoklassiske indretning og klassiske skulpturer blev restaureret, og de fleste af kalkmalerierne var også genstand for restaurering. Årsagen til denne hærværkshandling er stadig uklar, den tilskrives den italienske mafias aktiviteter.

Brunswick monogramist

I stueetagen er der en samling portrætter af gamle og moderne mestre, malet af dem selv. Grundlaget for denne dyrebare samling blev lagt af kardinal Leopold de' Medici, som købte de fleste af portrætterne fra St. Lukas Akademi i Rom, og derefter erhvervede portrætter af gamle mestre og kunstnere fra sin tid. Sådan blev en vidunderlig samling af portrætter af Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Titian og andre malermestre dannet. Blandt udenlandske kunstnere er Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velazquez og andre malere repræsenteret her. I Uffizi Gallery, ved siden af ​​deres portrætter, hænger Karl Bryullovs "Selvportræt". Allerede før Sankt Petersborg skabte hans maleri "The Last Day of Pompeii" stor sensation i Italien, hvor den historiske maler Commucci og den engelske forfatter Walter Scott var vilde med det, og hvor Bryullov selv fik kongelig hæder. For at komme til selve Galleriet skal du op ad en bred, men ret stejl trappe til øverste etage. I en lang række af sale er der verdensberømte samlinger af malerier, statuer, bronzer, cameos, mønter, medaljer, tegninger og tryk fra forskellige århundreder. I den første del af den enorme korridor, som omfavner hele museet på tre sider, er der en række yderst kuriøse malerier.

Maria Teresa Valabridge

Her er værker af middelalderens imiterende ikonmaleri, og en række dystre og højtidelige madonnaer på gylden baggrund, i rødt og blåt tøj og med store øjne... I samme korridor er 1400-tallet rigt repræsenteret - både de bedste mestre og mindre kunstnere. Midt i gangen er der en blødt åbne dør, betrukket med stof og læder. Det fører til den berømte "Tribune" - den centrale del af museet. Denne ikke særlig store sal er oplyst ovenfra, og den rummer Galleriets mest dyrebare skulpturer og malerier fra forskellige lande, skoler og tider.

1508. Ridder og Squire I stueetagen er der en samling portrætter af gamle og moderne mestre, malet af dem selv. Grundlaget for denne dyrebare samling blev lagt af kardinal Leopold de' Medici, som købte de fleste af portrætterne fra St. Lukas Akademi i Rom, og derefter erhvervede portrætter af gamle mestre og kunstnere fra sin tid. Sådan blev en vidunderlig samling af portrætter af Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Titian og andre malermestre dannet. Blandt udenlandske kunstnere er Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velazquez og andre malere repræsenteret her.
I Uffizi-galleriet, ved siden af ​​deres portrætter, hænger Karl Bryullovs "Selvportræt". Allerede før Sankt Petersborg skabte hans maleri "The Last Day of Pompeii" stor sensation i Italien, hvor den historiske maler Commucci og den engelske forfatter Walter Scott var vilde med det, og hvor Bryullov selv fik kongelig hæder. For at komme til selve Galleriet skal du op ad en bred, men ret stejl trappe til øverste etage. I en lang række af sale er der verdensberømte samlinger af malerier, statuer, bronzer, cameos, mønter, medaljer, tegninger og tryk fra forskellige århundreder. I den første del af den enorme korridor, som omfavner hele museet på tre sider, er der en række yderst kuriøse malerier. Her er værker af middelalderens imiterende ikonmaleri, og en række dystre og højtidelige madonnaer på gylden baggrund, i rødt og blåt tøj og med store øjne... I samme korridor er 1400-tallet rigt repræsenteret - både de bedste mestre og mindre kunstnere. Midt i gangen er der en blødt åbne dør, betrukket med stof og læder. Det fører til den berømte "Tribune" - den centrale del af museet. Dette ikke særlig store rum er oplyst ovenfra og indeholder de mest dyrebare skulpturer fra Galleriet og malerier fra forskellige lande, skoler og tider.
Midt på Tribunen står Venus, yndefuldt ærlig i sin yndefulde nøgenhed. Alt ved hende er enkelt og sødt: hendes sarte ansigtstræk og hendes sarte krop. Hun er fremmed for både gudindens majestætiske stolthed og koketteri, der er iboende i repræsentanter for det søde menneskelige samfund. Denne unge skønhed er "fuldstændig dødelig", men hun er omgivet af fauner, der kom fra den mytologiske verden, der ukontrolleret hengiver sig til en lystig dans, og den charmerende Apollo, der tiltrækker med blødheden og friskheden i sine ungdommelige former. Kun den dystre figur af en slave, der strengt sliber en kniv, skønt den er udført fremragende, er en dissonans for dette livlige og glade ensemble.
I Tribune kan besøgende se to Venuser af Titian. En, efter forfatterens vilje, legemliggør kvindekroppens ideelle skønhed: hun er strålende, men kold. Den anden kan med sin sjældne rigdom og kombination af farver kaldes en "historisk genre". Der er beviser for, at Titian under dække af skønhedsgudinden afbildede Eleanor Gonzaga, hustru til hertugen af ​​Urbino Federigo da Montefeltre, "den smukkeste kvinde i hele Italien." Uffizi-galleriet huser et af de mest berømte malerier i verden - "Venus' fødsel" af Sandro Botticelli, ifølge den russiske filosof N. Berdyaev, "renæssancens smukkeste, mest spændende, poetiske kunstner og den mest smertefulde. ..”.
Så længe han kunne huske, var Botticelli dybt ulykkelig og glad på samme tid. Han var, som man siger, ikke af denne verden. Drømmende frygtindgydende, ulogisk i handlinger og fantastisk i domme. Han troede på indsigt og brød sig ikke om rigdom. Han byggede ikke sit eget hus, stiftede ikke familie. Men han var meget glad for, at han kunne fange skønhedsmanifestationer i sine malerier. Han forvandlede livet til kunst, og kunsten blev for ham sandt Liv, det var i kunstnerens malerier, at "kærlighed og lidenskab blev overvældet." Mere end en solstråle stolede Botticelli på hans øjenstråle, og hans børste var præcis og fast. Ligesom Petrarch og Dante er han tiltrukket, bedraget og inspireret af Billedet. Dette er billedet af en ung mand, smuk pige, elskeren af ​​en anden mand (Giuliano de' Medici). Hun er skønheden selv, dronningen af ​​almægtig kunst. Og derfor varmer Botticelli med en så smertefuld lidenskab sine hænder ved en andens ild. Og det er derfor, Vespucci siger om Simonetta, hvad der "aldrig er blevet sagt om nogen kvinde." Botticelli laver et banner for Giuliano de' Medici, når han deltager i en ridderturnering. Banneret forestiller Pallas Athena, men alle forstår udmærket, at dette er Giulianos elskede Simonetta, en skønhed i en hvid kjole. Men livet ødelægger skønheden, skæbnen forfølger kærligheden, Simonetta dør af forbrug. Hendes død er en dyb sorg for Botticelli, et væld af pine og lidelse. I et forsøg på at svække dem fanger kunstneren alt og fanger Simonetta Vespucci i sine malerier. Han klæder hende ud i smukt tøj, dekorerer hendes fletning af "kobber" hår med perler, tegner forsigtigt lidt spids næse, markerer på læberne et mystisk smil af forførelse og en mystisk drøm. Hendes høje pande virker for ham som en seers pande, og det barnligt rørende udtryk i hendes ansigt og øjne, der udstråler håb, fremkalder en spænding af ømhed.

Enhver, der ser "The Birth of Venus" af Sandro Botticelli, oplever en ubeskrivelig charme. Se på denne Venus, denne blufærdige pige, i hvis øjne en slags lys tristhed vandrer. Kompositionens rytme er til stede i hele billedet - både i bøjningen af ​​den unge krop og hårstråene, der så smukt suser mod vinden, og i den generelle konsistens af hendes hænder, i det strakte ben, i drej på hovedet og i de skikkelser, der omgiver hende. I mange af Sandro Botticellis malerier regerer denne kysk nøgne kvinde, vævet af rytmerne af bløde linjer, der blufærdigt dækker hendes bryster og livmoder...
Der er hængt malerier på alle otte vægge i Tribunen. Raphael er her repræsenteret af "Madonna med guldfinken" - et maleri, der rører hjertet med sin enkeltsindede, men høje spirituelle charme. En kvinde-mor, ren som en pige, der endnu ikke helt er blomstret op til en kvinde, oplyser dig med den stille udstråling af en lys morgen. Hele forårslandskabet på en mark oversået med blomster svarer til dets billede. Og billedet af Firenze-katedralen med fjerne blå bjerge giver hele billedet en intim karakter.


Ved siden af ​​Madonnaen og Guldfinken udstilles yderligere to værker af Rafael - Johannes Døberen og Portræt af Pave Julius II.


Michelangelos Den hellige familie er udstillet i samme rum. De siger, at kunden accepterede dette billede med tøven. Faktisk virker dette bizarre værk af "renæssancens titan" fuldstændig fremmed for religiøst indhold. The Tribune indeholder også flere malerier med temaet "Tilbedelse af Magi." Kunstnere elskede denne bibelske historie, mange henvendte sig til den mere end én gang. Evangeliets historie om de tre vise mænd, der overrakte gaver til den nyfødte Kristus, blev brugt af nogle til at vise det festlige skue af en rigt klædt skare; andre så det som en mulighed for at vise den menneskelige erfaringsverden. Hos Sandro Botticelli er billedet for eksempel konstrueret sådan, at i grupperinger, bevægelser og gestus af figurerne, der er myldret omkring Maria og Barnet, formidles de mest varierede nuancer af levende følelser synligt - fra rolig, næsten kold nysgerrighed til voldsom begejstring og manifestationer af brændende kærlighed. Uffizi-galleriet udstiller også "The Adoration of the Magi", malet af Leonardo da Vinci og Ghirlandaio.


hertug og hertuginde af Urbino. Piero della Francesca
Uffizi-galleriet har verdens rigeste samling af italienske malerier fra det 13. til det 18. århundrede. (værker fra de venetianske og florentinske skoler er særligt godt repræsenteret). Fremragende eksempler på antik, fransk, tysk, hollandsk, hollandsk og flamsk kunst præsenteres. Samlingen af ​​selvportrætter af europæiske kunstnere placeret i Uffizierne er også unik. Portræt af Ferdinand Magellan af en ukendt kunstner, 1600-tallet Blandt de mange malerier, der præsenteres i galleriet, værker af sådanne mestre som Cimabue ("Madonna", 1260-1280), Duccio di Buoninsegna ("Rucellai Madonna", 1285-1286), Giotto di Bondone ("Madonna Ognissanti", 1310), Simone Martini ("Bebudelse", 1333), Paolo Uccello ("Slaget ved San Romano", midterste del"Bernardino della Ciarda falder fra sin hest", 1450'erne), Piero della Francesco (Portræt af hertug Federico da Montefeltro og hertuginde Battista af Urbino, 1465-1466), Fra Filippo Lippi ("Madonna og barn med to engle", 1465) , Sandro Botticelli ("Forår", "Venus fødsel", "Tilbedelse af Magi"), Hugo van der Goes ("Portinari Triptykon", 1476-1479), Leonardo da Vinci ("Bebudelse", 1472-1475, "Tilbedelse of the Magi", 1481), Piero di Cosimo ("Perseus befrier Andromeda", 1515), Albrecht Durer ("Tilbedelse af Magi", 1504), Michelangelo ("Tondo Doni", 1503), Raphael ("Pave Leo X med kardinalerne Giulio de' Medici og Luigi de Rossi, 1518-1519), Titian (Venus af Urbino, 1538), Francesco Parmigianino (Madonna af den lange hals, 1534-1540), Caravaggio (Bacchus, Isaac-offeret), Andrea Verrocchio ("Kristi dåb", 1472-1475).

Ud over galleriet rummer Uffizi-bygningen også andre vigtige samlinger: Contini Bonacossi-samlingen doneret til museet, samlingen af ​​tryk og tegninger indeholdende næsten 120.000 grafiske værker fra slutningen af ​​det 14. århundrede til i dag, samt som den velkendte "Vasari-korridor" (bygget af Vasari i 1565), der forbinder Uffizi med Pitti-paladset og inkluderer en betydelig samling af malerier fra det 17. århundrede og en berømt samling af selvportrætter Maesta. Giotto
Bebudelse. Simone Martini Anvendte hjemmesidematerialer

UFFIZI GALLERI

"Direct-Media", Moskva, 2016

Forord

I midten af ​​det 16. århundrede var Firenzes herlighed som byen, hvor højrenæssancen blomstrede, ved at blive en legendarisk fortid. Men et helligt sted er som bekendt aldrig tomt: Det lokale kunstnerliv er ikke forsvundet, det har kun taget en anden form. Kunsten strømmede ind i museet. Den daværende florentinske hersker fik dog ideen til at udvide sin bolig. Det viste sig, at han opfyldte skæbnens vilje, og det ønskede, at et af de mest berømte museer i verden skulle dukke op i Firenze...

På det pågældende tidspunkt havde Medici etableret dominans over hele Toscana. Cosimo I, en repræsentant for den yngre gren af ​​Medici-familien, besluttede at bygge en bygning, hvor alle statslige institutioner ville blive koncentreret. Deraf navnet - "Uffizi", eller, på moderne sprog, "kontorer". Men Firenze var heldig: Familien af ​​bankfolk og købmænd, der regerede den, var kendetegnet ved to træk - fra generation til generation gav medicierne deres kærlighed til kunst videre og havde længe patroniseret kunstnere. Nogle gange blev de selv kunstnere, i bred forstand. Ved midten af ​​1500-tallet havde medicierne samlet en god samling, som blandt andet omfattede mange kunstværker, og helt fra begyndelsen besluttede de at give en del af lokalerne til Uffizierne til dets opbevaring.

Giorgio Vasari, en mand med forskellige talenter (han var også maler og kunsthistoriker), var inviteret som arkitekten bag den planlagte bygning. Og så i 1560, mellem Piazza della Signoria og Arno-floden, begyndte byggeriet af en U-formet struktur. Den skulle bestå af to vinger og en overgang mellem dem. Men ensemblet omfattede også bygninger, der allerede eksisterede på det valgte sted, herunder Loggia dei Lanzi med udsigt over pladsen, som var beregnet til møder og receptioner.

Bygningen viste sig at være enorm, og for at diversificere og samtidig kompositorisk forene den udefra, kom Vasari med et arkitektonisk modul, der gik igen gennem hele facaden: en portik med pilastre på siderne - på første sal og tre vinduer over den - på anden. Den del, der forbandt begge vinger af Uffizi, blev skåret igennem af store gennembuer, der fyldte det smalle mellemrum mellem de to vinger med lys. Resultatet blev også en interessant designet facade med udsigt over Arno-floden. Medici-samlingerne voksede hurtigt, så Cosimos søn Francesco I besluttede at udvide udstillingsrummet i Uffizierne. Han beordrede fjernelse af administrative kontorer fra anden sal i bygningen, og i stedet for opførelse af haller til gamle statuer. For dem skabte Bernardo Buontalenti, der arbejdede i Uffizierne efter Vasaris død, et langt galleri med hvælvinger malet med "grotesker" - dyre- og plantemønstre. Et lignende ornament dekorerede Neros "gyldne hus", en gammel struktur, hvis ruiner blev opdaget under renæssancen. Derudover byggede Buontalenti den såkaldte Tribune - en ottekantet hal med høje vinduer, dens prototype var det berømte Vindenes Tårn i Athen. Denne appel til antikken var også en slags indsamling.

Under Ferdinando I's tid, som regerede efter sin bror Francesco, dukkede værksteder af kunstnere, billedhuggere, juvelerer, forgyldere, stenhuggere, miniaturister og porcelænsmagere op i Uffizierne. Samtidig blev "Hallen" bygget geografiske kort", på hvis vægge kort blev tegnet, og en globus blev installeret i midten, og "Matematikhallen", hvor videnskabelige instrumenter blev placeret. I andre rum blev der udstillet våben og rustninger, indgraverede sten og portrætter. Som du kan se, samlede Medici alt, hvad der havde kunstnerisk, historisk eller videnskabelig værdi, eller endda bare en fryd for øjet. Derfor kombinerede Uffizierne først et kunstgalleri og et kuriositeter.

En af hovedbegivenhederne i det begyndende museums historie fandt sted i 1591: samlingen blev åbnet for besøgende fra samfundets højeste kredse. Uffizi-galleriet blev aktivt fyldt op med kunstværker, som også blev sendt af medlemmer af den herskende familie, der boede uden for Firenze, for eksempel de franske dronninger Catherine og Marie de' Medici. Malerværker begyndte at blive taget fra kirker og klostre til Uffizierne, nogle gange erstattede dem med kopier.

Men den første af de medici, der begyndte at samle malerier og tegninger med viden om sagen, var Ferdinands bror, kardinal Leopoldo: velbevandret i kunst, han samlede malerier og grafik, så visse kunstskoler og perioderne blev præsenteret så fuldstændigt som muligt. Under Leopoldos regeringstid blev samlinger af selvportrætter, tegninger, porcelæn, medaljer og bronzer placeret i den vestlige fløj. Desuden blev der åbnet en "Fonderia" i Uffizierne, hvor der blev fremstillet parfumer og medicin, og der blev udstillet naturlige sjældenheder: næsehornshorn, strudseæg, balsamerede dyr.

Døde i 1737 sidste hersker fra Medici-familien - Gian Gastone. Samme år underskrev hans søster Anna Maria et dokument, ifølge hvilket Uffizi med alle dens samlinger tog til Firenze og blev erklæret som et offentligt museum, og ikke kun "for sine egne." Engang skrev Lorenzo den storslåede Medici, en af ​​de mest berømte forfædre til dem, der byggede dette galleri, og selv en protektor for kunsten, i sit digt om den ideelle hersker: "Rigdom, pragt, alt, hvad der passer til Magten er ikke hans, en del af folket... “Og så skete det.

De første besøgende, som man siger, "fra gaden", dukkede op i museets sale i 1769. Luigi Lanzi blev udnævnt til kurator for Uffizi-galleriet, som begyndte at sætte hele samlingen i stand, især at arrangere de udstillede malerier iflg. kronologi og malerskoler. Derefter, under Ferdinand III af Lorraine, da Tommaso Puccini blev direktør for museet (som reddede mesterværker, som erobrerne kunne tage med til Paris under Napoleons invasion af Italien), blev der bygget et glastag i Galleriet for at tillade naturligt lys at trænge igennem lokaler, og navneskilte blev placeret i nærheden af ​​malerier kunstnere og datoer for skabelsen af ​​værker.

Allerede i 1800-tallet stod det klart, at det ganske enkelt var umuligt at placere alt, hvad der var blevet samlet gennem de mange år af dets eksistens på ét museum. Det blev besluttet at fjerne det meste af den antikke kunst, smykker, videnskabelige instrumenter og alle våben fra samlingen og skabe nye museer på basis af dem. Uffizierne blev et kunstgalleri, som hovedsageligt huser malerier, med statuer og dekorative kunstværker, der ledsager dem.

En seriøs undersøgelse af malerierne præsenteret i samlingen og deres restaurering begyndte. De sidste lokaler, som stadig var besat af nogle statslige institutioner, blev forladt og overgivet til udstillinger.

Generelt, som italienernes forfædre, de gamle romere, sagde, "vita brevis, ars longa", hvilket betyder "livet er kort, kunsten er evig."

KUNST AF ANTIKKE GRÆKENLAND OG ANTIKKE ROM

Venus de Medici
CLEOMENES, SØN AF APOLDOROUS

Denne marmorkopi af en tabt græsk original fra den hellenistiske æra var i den pavelige kunstsamling i Rom og blev erhvervet af Medici-samlingen, hvilket er hvordan den har fået sit navn. Statuen tilhører typen "Aphrodite of Cnidus" eller "Bashful Venus", som dækker sin nøgenhed med hænderne.

Den smukke blomstrende krop af gudinden, der dukker op fra havets skum, er fint udformet af billedhuggeren. I hele Venus' udseende, og ikke kun i hendes gestus, kan man føle skælvende frygt: hun syntes at skrumpe lidt ind og stoppe. Fordi marmor-"kødet" udtrykker karakterens tilstand, virker skulpturen levende, ånde. George Gordon Byron skrev om denne statue i Childe Harold's Pilgrimage:

Du ser, du er ude af stand til at sige farvel til hende,
Du kom til hende – og der er ingen vej tilbage!
I lænker bag triumfvognen
Følg kunsten, for du er blevet taget til fange.

KUNST I DET ANTIKKE GRÆKENLAND OG DET GAMLE ROM:

• Centaur Torso (Gaddi Torso)
• Portræt af Cicero

Centaur Torso (Gaddi Torso)
1. århundrede f.Kr e. Marmor. Højde 153

Et fragment af statuen, der forestiller en kentaur med hænderne foldet bag ryggen, var ejet af Gaddi-familien, deraf navnet. Dette er et eksempel på hellenistisk kunst, og det tilhører den såkaldte Pergamon-skole, hvis billedhuggere skabte "Pergamon-alteret" med dets scener af slaget mellem guder og titaner.

Torsoen er fuld af kraft og samtidig trænet så meget, at musklerne "leger" under huden. En skarp drejning af kroppen fylder den med udtryksfuld bevægelse, hvis bølger kan mærkes selv på afstand. Denne skulptur påvirkede den unge Michelangelo Buonarroti, en italiensk billedhugger og maler, hvis karakterer er kendetegnet ved stærke, muskuløse kroppe.

Portræt af Cicero
Midten af ​​1. århundrede. Marmor. Højde 74

Om Marcus Tullius Cicero, en romersk filosof, taler og politiker, der levede i det 2.-1. århundrede f.Kr., skrev Plutarch: "På et tidspunkt, hvor grådighed blomstrede... Cicero gav klare beviser på sin ligegyldighed over for profit, sin menneskelighed og integritet. ”.

De romerske billedhuggeres engagement i realisme hjalp den ukendte mester til ikke kun at legemliggøre sandfærdigt udseende Cicero, men også for at vise denne persons indre tilstand. Marmorbusten repræsenterer ham som midaldrende og træt, skildret i en svær periode af hans liv. Ciceros pande, som Plutarch beskriver som en munter mand, er rynkede panden her, hans blik er koncentreret, og hans læber er sammenpressede. Det ser ud til, at han fører en dialog i sig selv med en imaginær modstander, eller måske skændes med sig selv.

Den type skulpturel buste, der var almindelig i datidens romerske kunst - afrundet forneden, med en toga lagt i forskellige folder, på et rundt stativ - var med til at ophøje den afbildede person, trods alle de menneskelige træk, som billedhuggeren fremhævede.

ITALIENS KUNST: FØR DET 16. ÅRHUNDREDE

Forår. Fragment
SANDRO BOTTICELLI
Omkring 1478. Træ, tempera. 203x314

Storhedstiden for Sandro Botticellis maleri kom på et tidspunkt, hvor han blev tæt på kredsen af ​​humanister – digtere, forfattere, filosoffer, kunstnere – ved Medici-hoffet. Lorenzo den storslåede, hersker over Firenze, skrev poesi og var nedladende for kunsten. Dette maleri med komplekst filosofisk og poetisk indhold blev bestilt til villaen til hans fætter Lorenzo di Pierfrancesco Medici.

"Forår" afspejler tre uløselige retninger, hvori de florentinske humanisters kunst og filosofi udviklede sig: oldgammel, kristen og høvisk. Fra oldtiden er her karakterer og motiver af myter. Til højre kidnapper Zephyr, den varme vestenvind, Chloris, den græske nymfe af marker og blomster, som bliver til Flora, afbildet lige dér - allerede en romersk gudinde, der overøser jorden med blomster. På venstre side er der tre nåder, der personificerer kyskhed, kærlighed og fornøjelse. Merkur, der spreder skyerne, står i skyggen af ​​appelsintræer, henviser beskuerens fantasi til myten om Paris og hans valg af den smukkeste af gudinderne, som han gav æblet som vinderen. Denne gudinde, Afrodite, eller som de gamle romere kaldte hende, Venus, går blidt på tæppet af urter og blomster i midten af ​​billedet. Over hendes hoved er Amor med en bue, der sigter mod en af ​​nåderne.

Det kristne tema kommer her til udtryk ved, at hovedpersonen ligner Madonnaen, hvis hånd ser ud til at velsigne alle. Denne heltinde afslører også kulten af ​​den "smukke dame", digteres inspiration. Disse høviske følelser blomstrede i Lorenzo den Storslåedes kreds. Maleriet blev malet kort efter døden af ​​Lorenzos bror Giuliano Medicis elskede, den smukke Simonetta Vespucci. Venus ligner hendes ansigt. Merkur selv ligner Giuliano, hos hvem Sankt Sebastian, den kristne martyr, også er anerkendt.

Dette værk, hvor en række forskellige motiver konvergerede, markerede en vigtig drejning mod maleri, der ikke var underlagt nogen kanoner. Kun kunstnerens sjæl og hans vilje var synlig i den. Den russiske kunstkritiker Pavel Muratov skrev om Botticelli: "Han var den første, der mødte morgentågen fra det nye og have en lang dag i verdenshistorien under ren kunsts eneste fane."

ITALIENS KUNST (FØR DET 16. ÅRHUNDREDE):

• Madonna og barn med engle (Ognisanti Madonna). DUCCIO DI BUONINSEGNA
• Bebudelse. SIMONE MARTINI
• Bringe til templet. AMBROGIO LORENZETTI
• Tilbedelse af Magi. GENTILE DA FABRIANO
• Madonna og barn, Sankt Anne og engle. MASOLINO DA PANICALE,
  MASACCIO
  
• Marias kroning. FRA BEATO ANGELICO
• Slaget ved San Romano. PAOLO UCCELLO
• Triptykon med tilbedelse af vismændene, omskæring og himmelfart. ANDREA MANTEGNA
• Hercules og Hydra. ANTONIO POLLAIOLO
• Portrætter af Federico da Montefeltro af Urbino og Battista Sforza. PIERO DELLA FRANCESCA
• Kristi dåb. ANDREA VERROCCHIO, LEONARDO DA VINCI
• Tilbedelse af Magi. LEONARDO DA VINCI
• Bebudelse. LEONARDO DA VINCI
• Tilbedelse af Magi. SANDRO BOTTICELLI
• Venus' fødsel. SANDRO BOTTICELLI
• Madonna og barn med engle (Madonna del Magnificat). SANDRO BOTTICELLI
• Hellig allegori. GIOVANNI BELLINI
• Pietá. PIETRO PERUGINO

Madonna og barn med engle (Madonna Rucellai)
DUCCIO DI BUONINSEGNA
1285. Træ, tempera. 450 x 290

Kunstneren fra Siena, Duccio di Buonisegna, introducerede fransk gotiks dekorativitet og ynde i den byzantinske malerstil, som herskede i italiensk maleri på det tidspunkt. Dette alterbillede blev malet af ham efter anmodning fra Maria-samfundet til kapellet i den florentinske kirke Santa Maria Novella, og i det 16. århundrede blev det overført til et andet kapel, Rucellai, hvorfor det fik sit nuværende navn.

Billedet af Madonnaen og barnet på tronen, placeret på en guldbaggrund, følger den byzantinske tradition. Men farvernes lysstyrke, deres festlighed såvel som de finurlige linjer i Guds Moders kappe, især den gyldne kant på Hendes kappe, er resultatet af "gotisk indflydelse". Og i udseendet af alle de karakterer, der præsenteres her, helt ned til englene, der forsigtigt sænker tronen fra himlen, kan man mærke de nye tendenser til mere realistisk maleri for den tid. Duccios kunst, selvom den var forsigtig, varslede allerede renæssancen.

Madonna og barn med engle (Ognisanti Madonna)
GIOTTO (GIOTTO DI BONDONE)
Omkring 1306-1310. Træ, tempera. 325 x 204

Denne store altertavle af Giotto, der repræsenterer Jomfruen og Barnet omgivet af engle og helgener ("ognisanti" betyder "alle helgener" på italiensk), er lavet i traditionen fra det 11.-13. århundrede. På det tidspunkt var italiensk maleri under stærk byzantinsk indflydelse, men kunstneren introducerede noget helt nyt i middelalderens billedkanon.

Madonnaen sidder på tronen ikke strengt i midten og er afbildet halvdrejet. Giotto malede sin figur på en sådan måde, at hun ser majestætisk og voluminøs ud, dette understreges af kåbens plastikfolder. Den konventionelle gyldne baggrund, der symboliserer himlen, kombineres her med dybden af ​​rummet, udtrykt gennem tronens arkitektur - dens trin og baldakin. Mesteren fokuserede også sin opmærksomhed på karakterernes følelser, idet han skildrede engle og helgener, der ærbødigt løftede deres hoveder og så med åndelig ængstelse på Guds Moder og Barnet.

Bebudelse
SIMONE MARTINI
1333. Træ, tempera. 265 x 305

I arbejdet med Simone Martini, en repræsentant for Siena-skolen, blev funktionerne i sengotisk stil med dens dekorativitet og langstrakte yndefulde kroppe kombineret med funktionerne i proto-renæssancemaleri.

Kunstneren malede "Bebudelsen" til St. Ansanius alter i katedralen i Siena. Mariafiguren fremstår på en gylden baggrund, der symboliserer himlen, med en behersket, glat silhuet. Ærkeenglen Gabriels finurlige skikkelse - hans stadig flyvende vinger, hans kappe flagrende bagved - bringer en følelse af luft og vind ind i rummet. Fra den himmelske budbringer til Maria på billedet er der ord fra evangeliet: "Hil dig, fuld af nåde, Herren er med dig" (Luk 1,28), og denne tynde ligatur ligner en del af ornamentet, der linjer og farver form. Alt her er en fryd for øjet: de lyse englevinger og de hvide liljer, der står i en vase - et symbol på Marias renhed og renhed, og linjerne og kombinationen af ​​farver i billedet.

Billederne i den centrale scene er skrøbelige, æteriske, som om de er dækket af bjergluft. I sammenligning med dem er Sankt Ansanius og Sankt Julitta afbildet på sidedelene af alteret tegnet mere voluminøst, hvilket fik forskere til at spekulere på, om dette er Lippo Memmis værk, hvis signatur også er under billedet. Imidlertid forgyldte kunstnerens elev højst sandsynligt kun rammen, og Martini malede selv helgenerne og skildrede dem mere levende for at understrege den ujordiske ånd i den præsenterede scene.

Bringe til templet
AMBROGIO LORENZETTI
1342. Træ, tempera. 257 x 168

Siena-mesteren Ambrogio Lorenzetti skabte dette alter, hvoraf kun den centrale del er nået til os, til Siena-katedralen.

Kirkens gotiske interiør - Lorenzettis handling foregår i katedralen, som alteret var beregnet til - kombineres med "antikke" skulpturer på f.eks. facaden med bevingede genier, der understøtter en guirlande. Scenens højtidelighed understreges af de lyse, klangfulde farver i tøjet og de arkitektoniske elementer og de detaljerede detaljer - ypperstepræstens klædedragt, offerduerne i hans hånd, søjlernes kapitæler, mosaikken, der dekorerer kirken - er i fantastisk harmoni med dette høje humør.

Ældste Simeon holder spædbarnet Kristus i sine arme og profeterer om ham med ængstelse, mens Maria, der hører hans ord, er trist og selvoptaget. Alle andre karakterer, der lytter til den gamle mand, er også udstyret med deres egne følelser. Dette ønske om at udtrykke følelserne hos de afbildede, at male deres figurer i tilstrækkeligt volumen, var et utvivlsomt tegn på den forestående renæssance.

Tilbedelse af Magi
GENTILE DA FABRIANO
1423. Træ, tempera. 303x282

Maleriet af Gentile da Fabriano repræsenterer en sådan bevægelse i europæisk kunst som international gotik. Mesteren skabte alteret "Adoration of the Magi" til Strozzi-kapellet i Santa Trinita-kirken i Firenze.

En overfyldt farverig procession er afbildet bevæger sig mod forgrunden af ​​billedet. Evangeliets historie om de konger, der kom for at tilbede Kristusbarnet, fortolkes her i ånden af ​​en middelalderlig ridderromance: en tjener binder en spore til en af ​​de vise mænd, hvilket understreger, at hans herre tilhører ridderskabet, jagtscener er indskudt i billedet, og mange af karakterernes facon kan beskrives som "høflig" - se bare for eksempel på stuepigerne til venstre. Dette værk er interessant at se på, fordi det er fyldt med vidunderlige detaljer, for eksempel stryger Kristusbarnet hovedet på en ældre troldmand, der kysser hans fod. Blandt dem, der kom langvejs fra, er der alle - unge og gamle, riddere og jægere. Billedet indeholder ikke kun mennesker, men også dyr - en løve, en gepard, aber, en falk. Det ser ud til, at kunstneren også brugte plottet til at skildre rigdommen i den verden, han kender.

Dette alterbillede er malet med rene, skinnende, juvel-lignende farver, og dets dekorativitet forstærkes af guld, der er spredt her og der. Rammen blev lavet efter tegningen af ​​mesteren selv, som inkluderede små billeder i den og gennemtænkte indretningen til mindste detalje. Alterets predella består af tre billeddele, der repræsenterer "Kristi fødsel", "Flygten til Egypten" og "Bringningen ind i templet." Kunsthistorikeren Viktor Lazarev skrev: "I sin altertavle, det smukkeste og mest festlige maleri af det tidlige Quattrocento, skildrede Gentile den feudale verden, der forlod den historiske scene i al sin pragt, med alle dens ydre attraktive træk, i auraen af ​​dens "ridderromantik."

Madonna og barn, Sankt Anne og engle
MASOLINO DA PANICALE,
MASACCIO (TOMMASO DI GIOVANNI DI SIMONE CASSAI)
Omkring 1425. Træ, tempera. 175 x 103

Masolinos pensler i dette værk, lavet til Sant'Ambrogio-kirken i Firenze, tilhører billedet af Sankt Anne og englene, og Masaccio - Madonnaen og Barnet og en engel i grøn og rød påklædning. Middelalderkunstens indflydelse er synlig her i den gyldne baggrund, gardinet, ikonografien af ​​hele scenen - Maria sidder foran Sankt Anne med den lille Kristus på knæene, og på siderne er engle placeret over hinanden . Men dette er allerede et renæssanceværk, især hvor penslen af ​​Masaccio virkede, som var den første af dem, der helt kan tilskrives renæssancens mestre. De figurer, han malede, er belyst fra siden og afbildet med viden om perspektiv, som kunstneren studerede. Han fokuserer kun på det vigtigste, så der er kraft i de skabte billeder, som snart manifesterede sig i malerierne udført af kunstneren i florentinske kirker. Masaccio levede ikke længe, ​​men formåede at påvirke hele renæssancemaleriet.

Marias kroning
FRA BEATO ANGELICO (FRA GIOVANNI DA FIESOLE)
1434-1435. Træ, tempera. 112x114

Malerierne af den tidlige renæssancekunstner, den dominikanske munk Fra Angelico, er gennemsyret af en tilstand af stille glæde. Mesterens flerfigurværker er også fyldt med det, såsom "Mariakroningen", lavet til Sant'Egidio-kirken i Firenze.

Kristus sætter en krone på hovedet af Guds Moder, Himlens Dronning, engle blæser i trompeter, helgener overvejer ærbødigt, hvad der sker. Den gyldne baggrund, der kommer fra den byzantinske tradition for at afbilde himlen, kombineres her med relieftegnede figurer, og middelalderens ånd, der stadig mærkes i dette alterbillede, kombineres med en kompleks komposition, der allerede er iboende i renæssancen.

Farven på maleriet beskrives bedst med ord fra Nikolai Gumilyovs digt om Fra Angelico:

Og farverne, farverne er lyse og rene,
De blev født med det og døde med det.
Der er en legende: han opløste blomster
I biskopvelsignet olie.

I kompositionerne af predella, det vil sige dem, der er placeret nederst på hovedbilledet, præsenterede kunstneren "The Trolovelse of Mary" og "The Assumption of Mary", der nu opbevares i San Marco-museet i Firenze.

Slaget ved San Romano
PAOLO UCCELLO
Omkring 1438. Træ, tempera. 180 x 323

Det præsenterede maleri af Quattrocento-kunstneren Paolo Uccello er et af tre, han malede om dette emne og stod ved begyndelsen af ​​kampgenren i europæisk kunst. Alle disse værker, bestilt af Leonardo Bartolini Salimbeni, der deltog i slaget, skildrer øjeblikke af kampen mellem florentinerne og Sieneserne, som fandt sted i 1432.

På maleriet "Slaget ved San Romano" slår en florentinsk ridder lederen af ​​fjendens hær, Bernardino della Charda, ud af sadlen med et spyd. Den florentinske leder Niccolo da Tolentino, der rider på en hvid hest, har allerede slået en af ​​fjenderne til jorden. Der foregår en kamp rundt omkring, "heste og mennesker er blandet sammen", spyd og armbrøster bliver kastet op, riddere og deres våben flyver til jorden. Spændingen i hele scenen er også givet af, at mange figurer passer ind i et lille rum, desuden er kompositionen i kompositionens kanter bevidst afskåret af en ramme, hvilket får det til at virke trangt inden for; tildelte grænser.

Uccello skildrer sine karakterer i en række forskellige positurer. Det var sandsynligvis for at øve denne færdighed, at han tiltrådte jobbet. Den røde hest til venstre, galopperende væk, den grå med ridderen, der faldt med ham, den hvide, som florentinernes leder sidder på, viser, hvordan kunstneren klarede komplekse vinkler og perspektiv. Dynamikken i hele scenen understreges af farveskemaet, hvor lyse, rene farver støder sammen.

Triptykon med tilbedelse af vismændene, omskæring og himmelfart
ANDREA MANTEGNA
1460-1464. Træ, tempera. 86x161,5

Andrea Mantegna er en kunstner, i hvis malerier allerede adskillige årtier før begyndelsen af ​​højrenæssancen, de nærme trin i denne kraftfulde kunst kunne mærkes.

Triptykonen blev malet efter ordre fra markgreve Ludovico Gonzaga til kapellet i hans familiepalads i Mantua (for denne familie ville maleren arbejde resten af ​​sit liv). Alterbilledets miniatureskrift, overfloden af ​​forunderlige detaljer, karakteristisk for den tidlige renæssances kunst, kombineres her med den kraft og monumentalitet, der var iboende i det næste stadie af italiensk maleri. Som følge heraf har det lille maleriske alter samme indtryk som Mantegnas vægmalerier i Gonzaga-paladset. Og samtidig vil man se på triptykonet som en juvel fra en æske.

I den centrale del præsenterede kunstneren en scene for tilbedelsen af ​​Magi: Blandt det klippefyldte landskab, han elskede så meget, bevæger en lang procession af mennesker i luksuriøs påklædning. De går for at tilbede barnet, der sidder på Marias skød. Engle svæver rundt. Mantegnas tørre og lyse skrift får billedet bogstaveligt talt til at skinne takket være den specielle "luft" i malerierne - helt gennemsigtigt, fortyndet, hvilket kun sker højt oppe i bjergene. Derfor, i den verden skabt af kunstneren, er alt synligt: ​​stien i det fjerne, og det lyse slot, som det fører til, og kamelens hår, og de grove græsser og de tynde gyldne tråde, der gennemsyrer tøjet. Og samtidig kan man forestille sig scenen udvider sig over hele kapellets væg. Det vidste Mantegna, og for at forstærke billedets monumentale effekt malede han det på en konkav overflade.

I scenen "Omskæring" (til højre) malede kunstneren omhyggeligt ornamentet af væggene, kompositionerne i lunetterne - "Isaks offer" og "Moses præsenterer folket for pagtens tavler", en kurv med duer i Josefs hånd, en bakke med tilbehør til omskæring, som drengen afleverer til ypperstepræsten. Billedet af lille Johannes Døberen, der sutter sin finger, mens han holder en bidt bagel i sin anden hånd, er rørende. Hele denne detaljerede scene ville være velegnet til et stort vægmaleri.

Og kun i den tredje komposition - "Ascension" (til venstre) - er der næsten ingen omhyggeligt afbildede detaljer, den er mere asketisk og kraftfuld, klippelandskabet er igen synligt i det, og selv skyen, som Kristus står på, ser ud til at være udskåret ud af marmor. Men som før formidles karakterernes følelser subtilt: Marias og apostlenes forbløffelse og håb, let sorg og løftet om at mødes i himlen i Frelserens øjne.

Hercules og Hydra
ANTONIO POLLAIOLO
1460. Træ, tempera. 17x12

Det lille maleri af Antonio Pollaiuolo, en florentinsk maler fra Quattrocento-æraen, skildrer en af ​​den antikke græske helt Hercules eller Hercules' bedrifter. En anden tablet med en komposition om temaet for denne myte er også på museet. Forskere foreslår, at begge værker er skitser til store malerier bestilt af kunstneren Piero de' Medici, eller deres mindre kopier. Men de kan også være selvstændige værker, og så er det endnu mere nødvendigt at bemærke, at Pollaiuolo formåede at udstyre så lille et billede med monumentalitet.

Som et plot tog mesteren den del af myten om Hercules, hvor han bekæmper den leniske hydra, en kæmpe slange, der havde mange hoveder, og et af dem var udødelig. Kunstneren formidler kampens spænding ved at skildre heltens hævede muskler og desperate ansigtsudtryk. Værket er fuld af bevægelse. Herkules' styrke og kraft understreges af landskabet, der ligger langt nede og af, at hovedpersonen er placeret mod himlen. Men samtidig var maleren tydeligt betaget af draperiernes smukke og elastiske linjer, slangekroppen og flodens snoede bånd, som skaber et komplekst mønster i værket.

Portrætter af Federico da Montefeltro af Urbino og Battista Sforza
PIERO DELLA FRANCESCA
1465. Begge - træ, olie. 47x33

Som fyldt med luft efterlader malerierne af denne Quattrocento-kunstner på samme tid et indtryk af kraft og fred. Disse er portrætterne af hertugen af ​​Urbino Federico da Montefeltro og hans kone Battista Sforza.

Deres ansigter er vist i profil, i overensstemmelse med datidens portrættradition, tæt forbundet med skildringen af ​​kendte personer på mønter og medaljer. Men ingen af ​​portrætkunstnerne var i stand til at drage så stor nytte af dette perspektiv som Piero della Francesca: han gav billederne af Federico og Battista en hidtil uset majestæt, og for første gang hævede personen, der blev portrætteret til de højder, hvor han skulle have stået i humanismens æra. Indtrykket af billedernes monumentalitet med tavlernes lille størrelse forstærkes af, at baggrundens rolle spilles af et landskab, der trækker sig tilbage i det fjerne, vist fra et højt punkt. Det skal bemærkes, at den vinkel, som Federico er afbildet i, også gjorde det muligt at skjule den vansirede halvdel af den frygtløse kondottieres ansigt. Men den prægede profil, endnu mere fremhævet af den jævne røde farve på kåben, har en blød cut-off skulptur. Et roligt, selvsikkert blik fra under tunge øjenlåg og ømhed i huden på tindingerne, kinder og hals giver en så subtil og sand fornemmelse af en person, at det psykologiske portræt, der bredte sig i senere tider, ikke altid giver.

Til at begynde med var alterets døre bevægelige takket være hængsler, det kunne foldes og scenerne af Federicos og Battistas triumf, skrevet på bagsiden af ​​tavlerne med portrætter. Begge ægtefæller, der sidder på hestetrukne vogne, kører mod hinanden. I skildringen af ​​landskabet, malet i detaljer og formidler lys-luft-miljøet, er indflydelsen fra hollandsk maleri mærkbar.

Kristi dåb
ANDREA VERROCCHIO,
LEONARDO DA VINCI
1470-1475. Træ, tempera, olie. 177 x 151

Som primært billedhugger udførte Andrea Verrocchio maleropdrag med mellemrum, hvilket resulterede i, at et af hans malerier - "Kristi dåb" - ikke kunne fuldføres. Han bad sin elev Leonardo da Vinci, ung, men allerede opnået på det tidspunkt, om at fuldføre det, han var begyndt på. stor succes, selvom han blev i lærerens værksted. De centrale figurer og englen til højre var allerede malet på en måde, der er typisk for Verrocchio - tør, lineær, med udsøgte silhuetter af figurerne.

Leonardo afbildede en engel, der stod til venstre, men brugte ikke tempera, som læreren, men oliemaling, som tørrer længere og giver dig mulighed for at formidle blød chiaroscuro, der omslutter billedet i en let dis. Sådan blev Leonards "sfumato"-teknik, som senere blev berømt, født. Kunstneren malede også en del af landskabet bag englene, hvor grundlaget var en tegning, han lavede, der forestiller Arno-flodens dal. Den unge malers arbejde forbløffede Verrocchio og blev så populært, at der blev lavet kopier fra denne gruppe af engle.

Tilbedelse af Magi
LEONARDO DA VINCI
1480-1481. Træ, tempera, olie. 243 x 246

Denne altertavle blev bestilt af Leonardo fra kanonerne i klostret San Donato i Scopeto, men forblev ufærdig, enten fordi kunstneren rejste til Milano, eller fordi han simpelthen opgav denne plan. Men billedet ser komplet ud og bærer alle funktionerne i mesterens maleri på den tid.

I Quattrocento-traditionen overbelastede Leonardo kompositionen noget med en overflod af figurer i udtryksfulde positurer, detaljer i landskab og arkitektur. Dette kan dog forklares med, at Leonardo som renæssancekunstner var nysgerrig på verdensordenen. Derfor spillede en sådan kategori som mangfoldighed en stor rolle for ham. Leonardos samtidige, forfatter Baldassare Castiglione, bemærkede: "... verdensstrukturen, som vi ser, med en rummelig himmel, så funklende med klare stjerner, og med jorden i centrum, omgivet af hav, som er diversificeret af bjerge, dale og floder og som er dekoreret med så mange forskellige træer og dejlige blomster og urter, - kan man sige, er et ædelt og stort billede malet af naturens og Guds hånd ..."

For italienske humanister stod det guddommelige i universets centrum. I Leonardos værk skiller Mary sig ud fra baggrunden af ​​mange "aktivt handlende" karakterer med en rolig positur og en jævn drejning af hovedet, der holder Kristusbarnet på sit skød. Kunstneren bygger en kompositorisk trekant eller mere præcist en pyramide, hvis top er Marias hoved. Denne teknik, som gav balance og harmoni til det afbildede billede, fandt udbredt brug blandt højrenæssancens mestre.

Bebudelse
LEONARDO DA VINCI
Omkring 1472. Træ, olie, tempera. 98x217

Leonardo arbejdede på dette maleri, mens han stadig var i Verrocchios atelier. Den unge kunstner skulle fuldføre, hvad andre elever havde startet og rette deres fejl. Han færdiggjorde flere skitser af Marias kappe og ærkeenglen Gabriels kappe og omskrev ud fra disse tegninger draperierne, som som følge heraf lå i omfangsrige folder. Så malede Leonardo hovedet af ærkeenglen Gabriel, hvilket gjorde det let bøjet, men havde ikke tid til at foretage ændringer i billedet af Maria, hvis positur ikke ser helt naturlig ud. Den, hvis pensel rørte her før Leonardo, kendte nok heller ikke perspektivets love særlig godt. Men alle disse fejl viser uventet, hvor svært det var at mestre de realistiske maleriteknikker, der virker så naturlige i renæssancemestrenes malerier.

En blyant- og tuschtegning af kunstneren på samme tid er bevaret, hvor Mary bøjede hovedet og lukkede øjnene. Hendes hår var bundet øverst med et bånd med en kostbar broche, og silkebløde tråde spredt over hendes skuldre. Leonardo værdsatte tilsyneladende dette subtile, poetiske billede, født under hans pen, så meget, at han malede et separat lille billede om bebudelsens tema.

Tilbedelse af Magi
SANDRO BOTTICELLI
Omkring 1475. Træ, tempera. 111x134

I denne flerfigurskomposition præsenterede Quattrocento-mesteren Sandro Botticelli i billedet af magi, der tilbeder Kristusbarnet, medlemmer af Medici-familien, bankfolk og købmænd, herskerne i Firenze og dem, der er tæt på dem, inklusive ham selv.

Blandt ruinerne af det gamle Rom, der symboliserer afslutningen på den gamle verden og begyndelsen på en ny, kristen, sidder Madonnaen. Hun holder Babyen på sit skød, Joseph står bagved, læner sig op ad sin hånd og ser ømt på den nyfødte. Cosimo den ældste de Medici knælede foran Kristus. Giorgio Vasari skrev: "Og vi ser en særlig udtryksfuldhed i den gamle mand, som kysser vor Herres fødder og smelter af ømhed, viser på den mest fremragende måde, at han har nået målet på sin længste rejse." Tættere på forkant Malerierne forestiller sønnerne af Cosimo, Piero og Giovanni. Da værket blev skrevet, var de og deres far allerede døde, men Botticelli inkluderede dem i familiekredsen som uløseligt forbundet med den. I en sort og rød kjortel står Giuliano, søn af Piero, eftertænksom, bag ham med skæg og i hat filosoffen Giovanni Argiropoulo, foran ham i blåt står værkets kunde, Zanobi del Lama. Til venstre står Giulianos bror, Lorenzo den Storslåede, i en stolt positur, ved siden af ​​er digteren Angelo Poliziano, humanisten og filosoffen Pico della Mirandola fortæller dem noget. Til sidst, i nederste højre hjørne, ser Botticelli selv, svøbt i en rød kappe, på beskueren. Traditionen med at afbilde sig selv blandt deltagerne i en scene fra Skriften var udbredt under renæssancen.

Medicierne etablerede det såkaldte Magi-broderskab i Firenze, som omfattede dem selv og deres medarbejdere. Broderskabet organiserede udklædte processioner: dets medlemmer, klædt som vise mænd, gik og red på heste gennem byens gader. Sandsynligvis fandt disse mysterier også deres ekko i Botticellis maleri.

Venus' fødsel
SANDRO BOTTICELLI
1483-1485. Lærred, tempera. 172,5x278,5

"Venus' fødsel", ligesom "Forår", skrev kunstneren for Lorenzo di Pierfrancesco Medici. Plottet i dette billede er baseret på myten om, hvordan kærlighedens gudinde blev født fra havets skum. Botticelli kunne have fundet en præsentation af myten fra antikke forfattere eller dens omarbejdelse fra digteren Angelo Poliziano, der arbejdede ved hoffet.

... Tiltrækker
Forelsket Zephyr sænker skallen til kysten,
Og deres himmel fryder sig over flugten...
...Og du kan se, at gudindens øjne skinner.
Himlen og elementerne smiler foran hende.
Der, i hvidt, går Ora langs kysten...

Venus, der står i en skal, flyder, opfordret af Zephyr og Chloris, og Ora, en af ​​gudindens ledsagere, kommer hende i møde med et slør for at omslutte hende. De finurlige folder af sengetæpper og tøj, der flagrer i vinden, bølgerne på havet, kystens knækkede linje, skallens "bølgede" skal og endelig Venus' flyvende hår - alt dette sætter gang i de glatte konturer af gudindens krop og forstærker følelsen af ​​suveræn harmoni, som hendes udseende fremkalder. Karakterernes hænder lukker næsten over Venus’ hoved, og det virker som om en bue overskygger hende, gentaget af den afrundede bund af skallen. Således er gudindens figur lukket til en imaginær oval. Hvis kompositionen i "Foråret" består af flere grupper af lige betydning, så er Venus her det centrum, som alt stræber efter.

For renæssancekunstnere symboliserede en nøgen Venus, i modsætning til en påklædt, himmelsk kærlighed. Botticelli udstyrede sin heltinde med den kyskhed, der er æret som den højeste dyd, deraf motivet for tilbedelse, der er til stede i billedet. Heltindens smukke ansigt minder om Madonnas ansigter i Botticellis malerier, og derfor lyder der i dette værk et kristent tema gennem det antikke tema, og kombinationen af ​​gammel humanisme og kristendom gav anledning til fænomenet den italienske renæssance.

Madonna og barn med engle (Madonna del Magnificat)
SANDRO BOTTICELLI
1483. Træ, tempera. Diameter 118

"Magnificat" er navnet på den katolske lovsang til Jomfru Maria, givet til denne doxologi i henhold til den første linje: "Magnificat anima mea Dominum" - "Min sjæl forstørrer Herren," derfor har maleriet et andet navn, som er oversat som "Madonnaens forstørrelse". I Botticelli holder Guds Moder en kuglepen i hånden og forbereder sig på at dyppe den i blæk og derefter skrive ned i bogen ordene fra Lukasevangeliet, hvorpå sangen er skrevet.

Formen på tondoen - et rundt billede - var især velegnet til Botticellis maleri med dets glatte, flydende linjer, kropsformede kurver, bøjede hoveder på karaktererne. I dette tilfælde giver kunstneren hele kompositionen afrundede konturer, som er dannet af Madonnaen og Barnets stillinger, den bøjede engel til venstre, englenes hænder mødes øverst, holder kronen og placerer den på Marys hoved. Derudover er hele gruppen placeret på baggrund af et rundt vindue, landskabet bagved bøjer sig også mærkeligt, som om det reflekteres i et konveks spejl. Dette er et af Botticellis mest lyriske værker, hvor musikken udmøntes i komposition, rytme, farver, linjer og ansigtsudtryk.

Hellig allegori
GIOVANNI BELLINI
1490-1499. Træ, olie. 73x119

Giovanni Bellini, hvis arbejde påvirkede alt venetiansk maleri og frem for alt dets stemning, efterlod et mysterium, der stadig ikke kan løses: hvad er plottet i maleriet "Den hellige allegori"? Dette abstrakte navn blev givet til det, fordi ingen bestemt kunne svare på spørgsmålet.

Kunstneren skildrede det såkaldte hellige interview: de hellige sidder på Guds Moders trone. Blandt dem kan man skelne Paul med et sværd, der driver en mand i turban væk, Peter, der læner sig op ad balustraden og vogter indgangen til perronen, Sebastian med en pil i brystet og Job, der folder hænderne i bøn. Men sammensætningen af ​​det "hellige interview", som altid eksisterede, da Bellini eller andre kunstnere vendte sig mod dette centrale plot, bliver her vendt sidelæns mod beskueren og bliver et af de præsenterede motiver. En anden er babyer, der leger under et træ. I deres gruppe er den, der skiller sig ud, den, der holder et æble i sine hænder, som symboliserer menneskelige synder. Dette barn kunne være Kristus, som kom til verden for at sone for synder, og babyerne omkring ham kunne være sjæle i skærsilden, som de hellige beder for. Floden er højst sandsynligt Lethe, der adskiller denne verden fra de levendes verden, som er synlig i midten og fjerne planer. Der beder en ankerit i en hule, en kentaur, personificerer fristelser, vandrer i nærheden, og endnu længere væk lever folk deres almindelige liv.

Men den russiske kunstkritiker Pavel Muratov havde ret, da han skrev om Bellini: ”Og måske ligger nøglen til hans maleri ikke så meget i det afbildede, men i selve følelsen, som alt her er gennemsyret af.<…>Vi forstår den dybe kontemplative tanke, som hans helgener er nedsænket i, og den æteriske subtilitet i infantile lege med de gyldne æbler fra det mørkbladede mystiske træ. I det land, der åbner sig ud over Lethes sovende spejlvand, vil vi genkende vores land af bønner og fortryllelser. Der vandrer vores sjæle i klippernes ensomhed, når søvnen befrier dem... Ved daggry styrter de for anden gang i Letheas vande og dukker med sorg frem til livets kyst.”

Pieta
PIETRO PERUGINO
Omkring 1493–1494. Træ, olie, tempera. 168 x 176

Lederen af ​​den umbriske malerskole og Rafaels lærer Pietro Perugino skabte malerier, hvor der for eksempel hersker en speciel stilhed i det præsenterede. Ordet "pieta", som oversat fra italiensk betyder "medfølelse, medlidenhed", bruges i maleri og skulptur til at beskrive scenen, hvor Guds Moder sørger over den døde Kristus, der ligger på hendes skød.

Billedet er domineret af to indbyrdes afbalancerede kompositoriske linjer - Frelserens aflange krop og halvcirkelformede buer, som genlyder af Maria-skikkelsen. Bue - symbol firmament og verdensharmoni - ved selve sin form bringer det en følelse ind i kompositionen, der understreger, at Kristi offer ikke var forgæves. På hans ansigt er der fred, på Guds Moder er der en dyb melankoli, der ikke finder nogen vej ud, og på ansigterne på Johannes Evangelisten og helgenen, der står bag ham, er der et udtryk, der kan defineres ved den klassiske linje " min sorg er lys." Sorg og dermed håb mærkes både i forårslandskabet i det fjerne og i den gyldne luft, der omslutter alt afbildet.

ITALIENS KUNST:
16. ÅRHUNDREDE OG SENERE

Madonna og barn med engle og profet (Madonna med en lang hals)
PARMIGANINO (FRANCESCO MAZZOLA)
1534-1540. Træ, olie. 216x132

En af manérismens førende kunstnere, Parmigianino, søgte i modsætning til renæssancens mestre harmoni i bevidst modificerede figurer og genstande, langstrakte og som om de graviterede mod det uendelige. Maleriet "Madonna med en lang hals" blev malet af mesteren bestilt af sin vens søster, Elena Baiardi, til kirken Santa Maria dei Servi i Parma.

De afbildedes kroppe er aflange (deraf værkets anden titel) og bølgende buede. Dette ses især tydeligt på figuren af ​​englen, der står foran. Følelsen af ​​surrealistisk, magisk, som dette værk fremkalder, forstærkes af de kolde, perlemorfarver, samt skikkelsen af ​​Sankt Hieronymus, som er for lille i forhold til de andre, og den ufærdige arkitektoniske baggrund, enten på formål eller på grund af mesterens død, hvor søjlerne viste sig at være ikke-støttende. Og samtidig får en enkelt spalte her en særlig betydning som symbol på udholdenhed.

Vasen i hænderne på en engel forestiller korsfæstelsen. Temaet for Frelserens fremtidige pine og død på korset er også udmøntet i det sovende barns positur, der minder om Pietas ikonografi - billedet af Guds Moder, der sørger over den døde Kristus, som Hun holder på sine knæ.

ITALIENS KUNST (XVI ÅRHUNDREDE OG SENERE):

• Madonna Doni (Hellig Familie). MICHELANGELO BUONARROTI
• Selvportræt. RAFAEL SANTI
• Madonna med Guldfinken. RAFAEL SANTI
• Warrior and Squire (Gattamelata). GIORGIONE (?)
• Adonis død. SEBASTIANO DEL PIOMBO
• Perseus befrier Andromeda. PIERO DI COSIMO
• Flora. TITIAN VECELLIO
• Portræt af Eleonora Gonzaga della Rovere. TITIAN VECELLIO
• Venus af Urbino. TITIAN VECELLIO
• Madonna og barn (Madonna of the Harpies). ANDREA DEL SARTO
• Portræt af en pige med en bog med Petrarcas digte. ANDREA DEL SARTO
• Portræt af Cosimo den Ældre de' Medici. JACOPO PONTORMO
• Middag på Emmaus. JACOPO PONTORMO
• Portræt af Lorenzo den Storslåede. GIORGIO VAZARI
• Portræt af Bia Medici. AGNOLO BRONZINO
• Portræt af Eleanor af Toledo med sin søn Giovanni de' Medici. AGNOLO BRONZINO
• Leda og svanen. JACOPO TINTORETTO
• Madonna del Popolo. FEDERICO BAROCCI
• Bacchus.
• Isaks offer. MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
• David med Goliats hoved. MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
• Judith halshugger Holofernes. ARTEMISIA GENTILESCHI
• Udsigt over Dogepaladset i Venedig. ANTONIO CANAL (CANALETTO)
• Portræt af Felicita Sartori (?) i tyrkisk dragt. ROSALBA CARRIERA

Madonna Doni (Hellig Familie)
MICHELANGELO BUONARROTI
1505-1506. Træ, olie, tempera. Diameter 120

Dette værk er det eneste færdige staffeli-maleri, der er kommet ned til os af Michelangelo, som primært fokuserede på skulptur, arkitektur og fresker. I hans monumentale malerier ligner figurerne skulptur, og det er ikke tilfældigt: Da forfatteren Benedetto Varchi blev spurgt af forfatteren Benedetto Varchi om, hvad der er overlegent - maleri eller skulptur, svarede Michelangelo: "Maleri, synes jeg, anses for at være bedre, når det hælder mere mod lindring."

Så i "Madonna Doni" eller "Tondo Doni" (en tondo er et rundformet maleri eller relief), er figurerne af Madonnaen, Kristus, St. Joseph, St. Johannes Døberen og de unge mænd i baggrunden. afbildet i relief, skulpturelt. Dette træk adskilte dog hele Toscanas malerskole fra for eksempel den venetianske. Den centrale gruppe ligner en skulpturel komposition: den er kompakt, og det ser ud til, at den kan gås rundt fra alle sider og undersøges. Arkitektens tankegang mærkes også i dette værk, alt afbildet er så stabilt og pålideligt "fikseret" i rummet.

Maleriet af billedet ligner et monumentalt, svarende til de fresker, som Michelangelo færdiggjorde på loftet i Det Sixtinske Kapel i 1508-1512. Figurerne af karaktererne og folderne i draperierne til "Madonna Doni" er lapidære, det vil sige, de er designet til langdistancevisning. Positionen af ​​Guds Moder er lige så kompleks som den af ​​de sixtinske karakterer, som om den havde til hensigt at gentage plasticiteten af ​​en bestemt arkitektur. Og med sin rumlige sammensætning, der går dybt, ligner tondoen en malet loftslampe.

Og dog er dette et staffeli-maleri, som det fremgår af dets farvning, som består af dybe og rene farver, der ikke er så nødvendige i monumentalt maleri, og den lukkede komposition af tondo og de levende karakterer af de afbildede. Michelangelo, der først og fremmest kaldte sig billedhugger, beviste således, at han var flydende i staffelimaleriets teknikker, og viste alle sine talenter i dette arbejde, som det sømmer sig for en mester i højrenæssancen.

Selvportræt
RAFAEL SANTI
1506. Træ, tempera. 47,5x33

En ung mand med et inspireret ansigt, ansigtet af et ungt geni - det er Raphael, der ser på os fra et selvportræt. Fra hans udseende udgår ro og himmelsk harmoni, som adskiller alle kunstnerens malerier. Farvningen af ​​dette billede er eftertrykkeligt tilbageholdt - en neutral baggrund, mørkt hår, den samme hat. Mellem den mørke kappe og varmfarvede hud kan man se en smal hvid stribe af en skjorte - i denne subtile overgang fra mat sort til de livlige toner i ansigtet og halsen - hele Raphael, der mærkede maleriets dybe love.

Kunstneren placerede et selvportræt, meget lig dette, kun i et spejlspredning, på fresken "The School of Athens" (1508-1511) i Vatikanets "Stanza della Segnatura": til højre på billedet af den antikke græske maler Apelles er det samme billede af Rafael, fyldt med høj poesi, synligt.

Madonna med Guldfinken
RAFAEL SANTI
1507. Træ, olie. 107x77

Dette er et af de billeder af Madonna og Barnet og Johannes Døberen, som Raphael skabte i Firenze. Det blev bestilt af kunstneren af ​​hans ven, købmanden Lorenzo Nasi, til hans eget bryllup. Maleren brugte her den samme trekantede sammensætning som i andre malerier om dette emne, takket være hvilken billedet opnåede balance og sjælden harmoni.

Mary ser ud til at dække spædbarnet Kristus og lille Johannes. De bløde linjer i hendes figur, de flydende folder i hendes kappe, samt det idylliske landskab i baggrunden, der er blevet typisk for Rafael med glatte konturer af landskabet, nedsænket i en let dis og smelter i det fjerne, fylder billedet med en stemning af fred. Men guldfinken, et symbol på Kristi lidenskab, i Johannes Døberens hånd, mod hvem barnet rækker, introducerer en alarmerende tone i billedet. Samtidig udtrykker Madonnas ansigt, blidt, med nedslåede øjne, indrammet af blødt hår, ro, som overføres til beskueren.

Warrior and Squire (Gattamelata)
GIORGIONE (?)
Omkring 1505-1510. Lærred, olie. 90x73

Lærredet forestiller condottieren Erasmo de Narni, der levede næsten et århundrede før maleriet blev malet og fik tilnavnet Gattamelata - "kærlig kat." Da han kom fra samfundets lavere lag, blev han ansat soldat, tjente i forskellige byer og forskellige herskere og steg til rang af condottiere - lederen af ​​en afdeling, der var i kommunens tjeneste. Derudover blev han hersker over Padua, og hans rytterstatue af Donatello er installeret nær hovedkatedralen i Padua - den pavelige basilika Sant'Antonio. Maleriet ved siden af ​​Gattamelata er sandsynligvis hans søn Antonio.

Giorgione og hans tilhængere dannede en hel bevægelse i det venetianske maleri ved skiftet mellem det 15. og 16. århundrede, hvis karakteristiske træk var den kontemplative stemning hos de afbildede personer. Så denne kriger med et langt fra raffineret udseende, vant til et hårdt liv fuld af risiko, frøs med sådan et udtryk i ansigtet, som om han lyttede til musik. Hans sværd, rustning og hjelm opfattes som blot symboler, og drengen er en engel, der står over hans skulder.

Adonis død
SEBASTIANO DEL PIOMBO
1512. Olie på lærred. 189 x 285

Som elev af Giovanni Bellini og påvirket af Giorgione, adopterede Sebastiano del Piombo deres bløde former og lyriske stemning og bragte dem ind i hans malerier. Men mens han arbejdede i Rom, blev han også påvirket af Rafaels kunst med sin absolutte harmoni og Michelangelo, som udstyrede sine karakterer med hidtil uset kraft.

I det præsenterede lærred vendte kunstneren sig til myten om Adonis, den smukkeste unge mand, Afrodites elsker, dræbt af en orne under jagt. Del Piombo skildrede det øjeblik, hvor Afrodite hører om Adonis' død, hvilket Amor informerer hende om, og det meste af arbejdet er optaget af guderne, der sidder i lunden, og den døende helt befinder sig på afstand. Denne teknik - ved at placere klimakset af hele scenen i en vis afstand, forsinke dens opfattelse af seeren - skærper den ængstelige stemning, der er spredt i billedet og løber som en bølge gennem karaktererne.

I baggrunden fangede kunstneren udsigten over Venedig med Doges Palazzo og San Marco-katedralens klokketårn, reflekteret i lagunens rolige vand. Et aftenlandskab med en lyseblå himmel, en gylden solnedgang, hvide hævede skyer over og skygger, der løber hen over land og vand, fylder alt afbildet med en subtil sorg, som venetianske kunstnere elskede at formidle i deres malerier.

Perseus befrier Andromeda
PIERO DI COSIMO
Omkring 1510-1515. Træ, olie. 70x120

Den florentinske kunstner Piero di Cosimo kombinerede i sit arbejde de harmoniske, spirituelle billeder fra højrenæssancen med en kærlighed til detaljerede skildringer af den omgivende verden, som han overtog fra hollandske malere.

I det præsenterede maleri, malet i den sene kreativitetsperiode, brugte mesteren den antikke græske myte om Perseus, der reddede Andromeda. Da han vendte tilbage efter at have besejret gorgonen Medusa, så helten en pige bundet til en sten. Det var Andromeda, som indbyggerne i hendes fødeland ofrede til et havuhyre, der slugte mennesker for at slippe af med det. Perseus, iført sine vingede sandaler og en magisk hjelm, der gjorde ham usynlig, er afbildet på maleriet to gange - flyvende over havet og stående på ryggen af ​​et monster, svingende et sværd. Til venstre lider Andromeda, og bange mennesker gemmer sig bag deres kapper, og til højre hygger folk sig og vifter med laurbærgrene og roser helten.

Inddragelsen af ​​begivenheder fra forskellige tider i kompositionen og deres fortolkning, der minder om et eventyr, vidner om de endnu ikke udslukte traditioner fra det forrige århundrede - Quattrocento, men de bløde konturer af figurerne og landskabet åbent i det fjerne indikerer at dette værk blev skabt i højrenæssancens æra.

Flora
TITIAN VECELLIO
Omkring 1515-1517. Lærred, olie. 79,7x63,5

Hvem der er afbildet i det præsenterede maleri af Titian, en venetiansk kunstner fra højrenæssancen, har længe været diskuteret. På et tidspunkt troede man, at dette var datteren af ​​kunstneren Palma den Ældre, selve værket blev tilskrevet ham, så, da det igen blev anerkendt som værket af Titian, fortsatte debatten om maleriets heltinde. Ideen om at identificere den fangede pige med Flora, den romerske blomstergudinde, blev foreslået af buketten i hendes hånd. Og hele udseendet af denne unge, blomstrende, drømmende skabning med strømmende hår, i en hvid skjorte, der falder fra den ene skulder, er virkelig forbundet med en gammel gudinde.

Samtidig er dette et portræt af en ægte venetiansk kvinde, med gyldent hår, efter datidens mode, og lys, fløjlsblød hud. Det er meget muligt, at den unge Tizian har malet det, fantaserende om antikkens tema, og resultatet blev et levende, fuldblods og samtidig hævet over virkelighedsbilledet.

Portræt af Eleonora Gonzaga della Rovere
TITIAN VECELLIO
1536-1537. Lærred, olie. 114x103

Typisk var Tizian, at skabe malerier om mytologiske og kristne emner, såvel som fantasiportrætter som "Flora", gratis i billedlige midler. Men ved at portrættere ædle mennesker, syntes han at blive den socialite, han var i livet. Han elskede livet og vidste, hvordan man kunne nyde det, og han vidste ikke desto mindre godt, hvad etikettens konventioner var. Derfor viser portrættet først og fremmest en aristokrat fra en adelig italiensk familie, der sidder i en ceremoniel positur og klædt i et luksuriøst outfit. Kunstneren formidlede omhyggeligt fløjlsløsheden, guldets glans og blondernes luftighed.

Titian understreger Eleanors værdighed og gennem det hendes dyd, dette koncept var vigtigt for renæssancen. Modellens ansigt er passivt, og kun en blid rødmen på hendes hvide hud og brune øjne, der gløder af intelligens og styrke, opliver den og får dig til at føle karakteren af ​​en kvinde, der eksisterer inden for de rammer, som klassen har foreskrevet hende. Hvis det er sandt, at Eleanor tjente som Titians muse, da hun malede malerier som "Pigen i en pelskappe" og især "Venus of Urbino", så kan man forestille sig denne malers række af muligheder: han var i stand til at fantasere om udseendet af de kvinder, han kunne lide, og male strenge ceremonielle portrætter.

Venus af Urbino
TITIAN VECELLIO
1538. Olie på lærred. 119 x 165

Det antikke tema, som ofte dukkede op i Titians arbejde, gjorde det muligt for denne livsglade venetianer at udgyde al sin beundring for verden og sin evne til at værdsætte dens skønhed på lærredet. Mesteren elskede antikken som noget levende og placerede derfor modigt karakterer fra græsk eller romersk mytologi i nutidige omgivelser.

Hans "Venus", erhvervet af Guidobaldo della Rovere, hertug af Urbino og derfor givet sit nuværende navn, repræsenterer en ung venetiansk kvinde, en skønhed med et livligt udseende, en delikat krop og gyldent hår. Hendes positur minder om den klassiske "Venus of the pudica"-type, det vil sige "bashful", men denne pige, selvom hun er lidt flov, er fuldt ud klar over sin skønhed. Maleriet afspejler Giorgiones Sovende Venus, opbevaret i Dresden Art Gallery, men Tizian har mere sensualitet i skikkelse af gudinden. Imidlertid er denne sanselighed vildledende. Kunstneren valgte et rum, hvor alt ånder komforten af ​​et stærkt hjem: i baggrunden leder en tjenestepige efter noget i en kiste, og en anden ser på hende i forventning. Der er en myrte på vinduet - et symbol på ægteskabslivet, hvide lagner lægges på sengen og hvide puder er kastet, taler om renheden af ​​den kvinde, der ligger på dem, ved hvis fødder en hund er krøllet sammen, symboliserer hengivenhed. Billedets skjulte betydning skal således forstås som ægteskabelig kærlighed.

Madonna og barn (Madonna of the Harpies)
ANDREA DEL SARTO
1517. Olie på lærred. 207 x 178

Andrea del Sarto arbejdede på et tidspunkt, hvor renæssancemaleriet var på sit højeste, så kunstnerens arbejde bærer alle kendetegn ved denne kunst. Dette var især tydeligt i billedernes harmoni og ophøjethed i malerierne. Men på samme tid viser mesterens værker tegn på en allerede opstået manerisme: aflange figurer, åbenlys "iscenesættelse" af scener, understreget ynde af positurer og gestus og en subtil "sødme", der markerer karakterernes udseende.

Det præsenterede værk blev opført for San Francesco-kirken i Firenze, så lærredet forestiller også St. Frans. Til højre står Sankt Johannes Evangelisten. Maleriets titel refererer til de mærkelige vingede væsner, der er skåret i højt relief på piedestalen. Giorgio Vasari mente, at disse var harpier - monstre fra græsk mytologi, fugle med hovedet af kvinder. Men højst sandsynligt er dette et billede af græshopper fra Apokalypsen, som indikeret af Johannes Evangelistens skikkelse, i hvis Åbenbaring det siges: "Og ud af røgen kom græshopper til jorden, og de fik den magt, at jordens skorpioner har« (Åbenbaringen 9:3). Ved at skildre Guds Moder stående over symbolerne på fremtidige katastrofer, understregede kunstneren hendes rolle som de retfærdiges frelser.

Portræt af en pige med en bog med Petrarcas digte
ANDREA DEL SARTO
1528. Træ, tempera. 87x69

Malerier fulde af storhed og et lyrisk, varmt portræt af en pige er de to poler i værket af Andrea del Sarto, en florentinsk kunstner fra højrenæssancen. Imidlertid er varme og hjemlighed til stede i dette portræt, også fordi mesteren malede datteren til sin elskede hustru Lucretia fra sit første ægteskab - steddatteren Maria, som han opfostrede som sin egen.

Pigen, der ser snedigt på beskueren, holder et bind af Petrarcas kærlighedssonetter i hænderne. For første gang rører hun ved de hemmeligheder, der ophidser og lokker hende, heltinden ønsker at skjule sin opdagelse og kan ikke gøre dette, og peger akavet finger på de linjer, hun læser. Alt dette er fanget så præcist af kunstneren, at et tilsyneladende almindeligt plot med en forelsket pige, der ufrivilligt antyder hendes høje indre tilstand, fremkalder en varm og rystende stemning hos beskueren. Få mennesker opnåede en sådan dybde i at afsløre den indre verden af ​​et ungt væsen under Andrea del Sartos tid.

Portræt af Cosimo den ældre Medici
JACOPO PONTORMO
1519-1520. Træ, olie. 86x65

I dette tidlige værk af Jacopo Pontormo er der allerede tegn på manerisme, som han ville blive en af ​​grundlæggerne af. Det var billedets måde, det vil sige måden det blev skrevet på, der tiltrak kunstneren.

Portrættet af Cosimo den Ældre de' Medici blev skabt mere end et halvt århundrede efter grundlæggeren af ​​Medici-dynastiet, en bankmand og købmand, der blev herskeren over Firenze, døde. I den posthume personskildring kunne mesteren give sig selv en vis frihed.

Portrættet blev bestilt af sekretæren for hertugen af ​​Urbino, Lorenzo de' Medici, en af ​​Cosimos efterkommere, sandsynligvis til fødslen af ​​hans søn. Cosimo sidder i en stol, foran ham er en gren af ​​et laurbærtræ, familiens emblem, rundt om hvilket krøller et papirbånd med vers fra Virgils Æneiden. I den afbildede persons krumbøjede, tynde skikkelse og i hans ansigt kan man mærke trætheden i de stormfulde leveår, som en, der er vant til at kommandere og ikke vil skille sig af med magten, er knyttet. Cosimos røde kappe, der skiller sig ud mod den mørke baggrund, introducerer en alarmerende tone i lærredet og formidler det drama, der markerer den menneskelige tilstand.

Middag på Emmaus
JACOPO PONTORMO
1525. Olie på lærred. 230 x 173

I dette maleri skildrer Jacopo Pontormo det øjeblik, der er beskrevet i Lukasevangeliet, hvor den opstandne Kristus, som viste sig for to af sine disciple på vejen til Emmaus og ikke blev genkendt af dem, indvilliger i at dele aftensmåltidet med dem: " Og mens han lagde sig sammen med dem, tog han brød, velsignede, brød og gav dem. Så blev deres øjne åbnet, og de genkendte ham” (Luk 24:30).

Maleren afbildede Kristus højere end resten af ​​deltagerne i scenen, men han er på samme niveau som beskueren, og gulvet, bordet og personerne, der sidder ved ham, ses lidt fra oven. Ud fra dette er hele kompositionen bogstaveligt talt trukket mod Frelserens skikkelse. Pontormo introducerede i sit arbejde træk fra hverdagsgenren, mærkbare i elevernes positurer, i måden en af ​​dem skænker vin på, og den anden holder brød. Men over Kristi hoved er afbildet Guds altseende øje i en trekant, omgivet af udstråling og symboliserer Treenigheden, og dette bringer beskueren tilbage til sit sublime plan.

Portræt af Lorenzo den Storslåede
GIORGIO VAZARI
Omkring 1533-1534. Træ, olie. 90x72

Arkitekten, kunstneren og banebrydende historiker af italiensk kunst, Giorgio Vasari, malede dette portræt bestilt af Alessandro Medici mange år efter mandens død.

Lorenzo den Storslåede var barnebarn af Cosimo den Ældre de' Medici og koncentrerede al magt over Firenze i sine hænder, men var samtidig nedladende for kunstnere og digtere og digtede selv. Hans regeringstid var "guldalderen" for florentinsk kunst. Men dette portræt viser en træt udseende, grublende mand, ligeglad med både den berømmelse og rigdom, som den røde tegnebog antyder, og endda det faktum, at han blev erklæret "alle dyders kar", som det fremgår af inskriptionen bagved. Vasari udtrykte i billedet en længsel efter en tid, hvor maleri, poesi og humanisters ord fandt et svar i herskerens sjæl.

Den russiske kunstkritiker Pavel Muratov skrev om Lorenzo, som han var i sine faldende år: ”Den tids Firenze åndede stadig med ham; han gjorde hendes billede uforgængeligt. Selv for de nærmeste generationers bevidsthed virkede Firenze af Quattrocento, Firenze af Lorenzo den Storslåede, som udseendet af en gammel guddom i en mand, der besøgte italiensk jord. Bare det at tale til hende var opløftende. Da Giorgio Vasari et halvt århundrede senere tog portrættet af Lorenzo, der nu ligger i Uffizierne, blev det gamle Firenzes geniale mærkeligt nok genoplivet i ham..."

Portræt af Bia Medici
AGNOLO BRONZINO
1542. Træ, tempera. 64x48

Agnolo Bronzino, der arbejdede for hertug Cosimo I de' Medici, søgte ligesom mange hofkunstnere i portrætter ikke så meget at formidle en persons indre verden som følelsen af ​​dem, som han fangede deres høje position. Derfor den sikre løsrivelse af de mennesker, han skildrer. Men i det præsenterede portræt er pigen, på trods af al den højtidelige positur og det lidt "lukkede" udtryk på hendes ansigt, fuld af charme, som ethvert barn. Samtidig udgår der en form for sorg fra hende. Måske er faktum, at dette er et posthumt portræt af Cosimo I's datter Bianca, som blev kaldt Bia. Hun blev født før sin fars ægteskab med Eleanor af Toledo fra en kvinde, hvis navn kun var kendt af hertugen selv og hans mor. Biya døde som barn, hendes far bestilte hendes portræt fra Bronzino, og kunstneren malede en lille pige med rosenrøde, fyldige kinder og et voksent blik, der tilsyneladende kiggede på beskueren, men også forbi ham.

Portræt af Eleanor af Toledo med sin søn Giovanni Medici
AGNOLO BRONZINO
1545. Olie på lærred. 115x96

Agnolo Bronzino var en repræsentant for mannerisme, en malerisk bevægelse, der opstod i dybet af højrenæssancen, som nærmede sig sin tilbagegang. Manierismen satte kunsten over naturen, deraf den visse kulde, der udgår fra kunstnerens værker. Samtidig er hans portrætter fulde af den viden om en person, som kun er tilgængelig for store mestre.

Bronzino malede Eleanor af Toledo, datter af den napolitanske vicekonge og hustru til Cosimo I de' Medici, og hendes børn mere end én gang, men dette portræt er måske det bedste. Hun præsenteres her som Toscanas hersker. Kvinden er klædt i en luksuriøs kjole af sølvbrokade med guldbroderi, hun har et perlenet på hovedet, perlekæder på brystet, ansigtet er hvidt og har et fjernt udtryk. Men den fyldige baby, som Eleanor krammer for sig selv, får os til at glemme hendes titel og se, at foran os, først og fremmest, er en mor (hun fødte elleve børn), som elsker sit barn og bekymrer sig om ham. Den moderlige angst, som hun ikke kunne skjule selv for etikettens skyld, blev bemærket i kvindens blik af Bronzino. Det viser sig, at hele hertugindens luksuriøse outfit er en slags distraktion, der tvinger beskueren til at se på sekundære ting, for derefter at møde Eleanors øjne og forstå, at dette billede blev skabt af en kunstner, der dybt forstod personen.

Leda og svanen
JACOPO TINTORETTO
1555. Olie på lærred.162x218

Denne venetianske maler skabte store lærreder, hvor figurernes stillinger og gestus er komplekse og udtryksfulde, og lys bekæmper mørket. I dette tilfælde vendte Tintoretto sig til den gamle myte om, hvordan Zeus eller Jupiter blandt romerne, betaget af Ledas skønhed, viste sig for hende i form af en svane. Den antikke romerske digter Ovid skrev i Heroides:

Hvad skal man huske om bedraget af den hvidfjerede fugl af vandløb
Og sørge over, hvad Jupitersvanen gemte i sig selv?

Plottet var populært blandt italienske kunstnere på grund af evnen til at formidle en skygge af sensuel kærlighed, skildre en smuk nøgen krop af en kvinde og endelig bringe en særlig plasticitet til billedet. I Tintoretto rækker svanen ud til Leda, som selv ligner denne yndefulde fugl. Ifølge legenden fandt handlingen sted ved Eurotas-floden, hvor Leda svømmede, men kunstneren flyttede scenen til værelset i et rigt venetiansk hus. Skønheden læner sig tilbage på sengen, bag hende er et fløjlsgardin, der sætter gang i kroppens hvidhed og understreger dens glathed og ømhed. Til venstre er en tjenestepige, som uden at vide, hvilken slags svane det er, er ved at sætte den i et bur. Tjenestepigens handling, for hvem Leda skjuler sin elsker, forstærker det mystiske øjeblik i billedet.

Madonna del Popolo
FEDERICO BAROCCI
1575-1579. Lærred, olie. 359 x 252

Barokkens oprindelse kan tydeligt ses i malerierne af Federico Barocci, som skabte store, følelsesmæssigt udtryksfulde lærreder med mange karakterer og komplekse kompositioner. Denne kunst blomstrede i det pavelige Rom under modreformationens æra, hvor den katolske kirke søgte at styrke sin position på alle mulige måder og ønskede kraftfuldt maleri, der appellerede til de troende.

Barocci skildrer Kristus, for hvem Guds Moder knæler og beder til Sønnen for menneskeheden (deraf titlen på maleriet: "popolo" oversat fra italiensk betyder "mennesker"). En række mennesker myldrer nedenunder: en krøbling, en blind musiker, en ædel dame med børn, en simpel kvinde med et barn. Filmen gav også genklang med temaet om de "syv barmhjertighedshandlinger", som ifølge den katolske kirkes lære fører til frelse. Derfor er for eksempel her afbildet en rigt klædt dreng, der giver almisse til en fattig kvinde.

Hele billedet er fuld af bevægelse, arkitekturen i baggrunden skifter mærkeligt i rummet, hvilket giver indtryk af noget illusorisk. Dette træk var også kendetegnende for mannerisme - den retning, hvorfra barokken også voksede.

Bacchus
MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
Omkring 1595-1597. Lærred, olie. 95x85

Med udgangspunkt i barokkens oprindelse malede Caravaggio dette billede i en stadig forholdsvis rolig periode af sit liv. Derfor valget af tema - Bacchus, den græske gud for vin og sjov, i hvis billede mesteren viste en ung mand med et sløvt blik, der ømt rakte et glas vin frem til beskueren.

Hans stærke, muskuløse krop stråler af sundhed, en blid rødmen spiller på hans kinder, hans fyldige læber er saftige, og lærredets farve efterlader en følelse af fest. Men frugten i vasen, der står foran Bacchus, er ikke så frisk: Æblet er råddent, der er et ormehul på det. Og druebladene i heltekransen er allerede ved at visne. Caravaggio var ikke bange for at skildre livet, som det er. Kunstneren vendte tilbage til temaet om den muntre gamle gud igen, men malede sig selv i sit billede, fysisk og mentalt udmattet af sygdom (lærredet "Sick Bacchus", opbevaret i Borghese-galleriet i Rom).

Isaks offer
MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
1601-1602. Lærred, olie. 104x135

Det stigende drama i Caravaggios værk blev fuldt ud manifesteret i det præsenterede værk, så meget desto mere på grund af dets plot. Maleriet blev malet for kardinal Maffeo Barberini, hvis protektion kunstneren nød. Han skildrede det øjeblik, hvor den bibelske ældste Abraham er ved at ofre sin søn Isak, som Gud har beordret, for at fastslå dybden af ​​hans tro.

På den kortest mulige tidsperiode formåede Caravaggio at rumme flere intense handlinger udført af karaktererne: faderen, der holdt hovedet på sin bundne søn med hånden, løftede en kniv over ham, sønnen skriger af frygt, men en engel sendt af Gud stopper Abraham og peger ham på offervædderen. Billedet er så fyldt med følelser, at selv englen ser bekymret ud, og lammet med et ængsteligt blik strækker hovedet, som om det tigger om at blive sat i Isaks sted. Den horisontalt udfoldede komposition strækker alle karakterernes handlinger ud i tid og tvinger både dem og beskueren til at opleve det her præsenterede drama endnu mere intenst. Det er ikke uden grund, at barokmaleri, som Caravaggio var grundlæggeren af ​​og en af ​​de lyseste repræsentanter, var præget af spændinger af lidenskaber.

Men kunstneren skildrede ikke bare menneskelige oplevelser på et bestemt tidspunkt - han gik videre og uddybede dem psykologisk. Således afspejler Abrahams ansigt den brændende tro og faderlige kærlighed, der kæmper i ham. Landskabet, der kaster sig ud i tusmørket i baggrunden, forstærker dramaet, men byen på bjerget og himlens lyse afstand understreger det vellykkede resultat, der er ved at komme.

David med Goliats hoved
MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
1605. Olie på lærred. 222x147

En kunstner fra Bolognese-skolen, hvor akademiskismen blomstrede, Guido Reni var også påvirket af Caravaggio. Han adopterede mesterens tro på, at kunst skulle være så tæt på virkeligheden som muligt, så der er ingen grund til at være bange for at skildre selv ubehagelige eller skræmmende ting. Denne syntese af lidenskabeligt, realistisk maleri og akademisk stil blev legemliggjort i Renis maleri "David med Goliats hoved."

Et af kendetegnene ved Caravaggism var den kontrasterende belysning, som kunstneren bruger her, men hans lys er ikke så varmt som Caravaggios, men temmelig koldt. Den bibelske hyrdedreng David, der besejrede kæmpen, står i en elegant positur, iført en kasket med en fjer, og ser fjernt på hovedet af sin fjende, malet i naturalistiske detaljer. Traditionen med at skildre David som en smuk ung mand blev etableret i italiensk kunst tilbage i det 15. århundrede, som eksemplificeret ved statuen af ​​Donatello. Men kontrasten mellem den unge, blomstrende helt, der personificerer livet selv, og det forfærdelige hoved af den myrdede kæmpe, som Renis værk er baseret på, var karakteristisk for manerismens og akademiske kunst.

Judith halshugger Holofernes
ARTEMISIA GENTILESCHI
1620. Olie på lærred. 199 x 162,5

Datteren af ​​Orazio Gentileschi, den bedste af dem, der tilhørte skolen Caravaggio, Artemisia Gentileschi arvede alle funktionerne i denne retning. De dukkede op på det præsenterede billede.

Til lærredet valgte kunstneren det øjeblik, hvor den israelske Judith, der forførte den assyriske kommandant Holofernes, hvis hær belejrede hendes hjemby, dræber ham. Gentileschi skildrer den blodige scene i skræmmende detaljer: tjenestepigen forsøger at holde Holofernes, fortvivlet af frygt, og Judith griber ham i håret og kaster et sværdblad ind i hans hals.

Malerierne af Caravaggio, som også skildrede Judith og Holofernes, David med Goliats hoved, var kendetegnet ved intens dramatik. Påvirkningen fra denne mester forklarer både de komplekse stillinger i Gentileschis maleri og det skarpe hvide lys, som et lynglimt, der snupper figurer fra mørket. Ligesom sin korrespondancelærer skildrer Gentileschi dygtigt menneskekroppen, nogle gange stærk og spændt, som Judiths hænder, nogle gange blød og næsten slap, som Holofernes skuldre og ben.

Kompositionen, der udvikler sig omkring en usynlig akse, karakterernes forcerede følelser, en vis teatralitet, der ligger i det afbildede - det er tegn på barokkunst, hvor kunstneren viste sig.

Udsigt over Dogepaladset i Venedig
ANTONIO CANAL (CANALETTO)
Før 1755. Olie på lærred. 51x83

I det 18. århundredes Venedig var veduter, det vil sige billeder af byudsigter, populære. Denne tradition stammer fra det 15. århundredes kunstnere Gentile Bellini og Vittore Carpaccios kunst. Men hvis både personen og byen var ækvivalente for dem, så bliver byen hovedsagen for mestrene i den venetianske veduta. En af de bedste repræsentanter for denne genre er Canaletto. Han elskede at male det store rum, hvor Venedig passede mellem vandet og himlen, og afbildede ofte lagunen, San Marco-katedralen og Dogepaladset. Bygningerne på dette billede reflekteres i vandet og "kigger" ind i himlen. Hvis en anden Veduta-mester, Francesco Guardi, i sine lærreder ser ud til at alt er mættet med fugten fra kanalerne og det nærliggende hav, så i Canaletto er de tre elementer - vand, jord og luft - ækvivalente. Hans land er ikke en ustabil stribe ved vandkanten, arkitekturen ser højtideligt ud til at afsløre sig selv, og alt er forenet af det gyldne lys, der strømmer fra himlen ind i det velsignede land "Serenissima" - "Den mest fredfyldte", som Venedig hedder.

Portræt af Felicita Sartori (?) i tyrkisk dragt
ROSALBA CARRIERA
1730'erne. Papir, pastel. 70x55

Portrætterne, som Rosalba Carriera malede, bærer alle træk fra venetiansk maleri med sin subtile farve, lys og luft. Kunstneren er en af ​​repræsentanterne for rokoko-stilen, hvis karakteristiske træk er lette, gennemskinnelige (i Carriera - takket være pastelteknikken) toner og legende motiver. Faktisk var alt venetiansk maleri fra det 18. århundrede tæt på rokokoens struktur. I det, som i denne lette kunst, er der en masse karneval: efter Venedig holdt op med at spille en af ​​de ledende roller i det politiske teater i Europa, blev det i stigende grad til et teater, til en spøgelsesby, hvor maskerade begyndte at ligne et naturligt tidsfordriv. Pigen på maleriet, klædt i tyrkisk påklædning og med en maske i hånden, er en del af dette karneval.

Perlemor, pink, blå er nogle af rokoko-mestrenes yndlingsfarver. Bøjningen af ​​modellens krop, hoveddrejningen, hendes blik til siden er også typisk rocaille.

KUNST I NEDERLANDENE, HOLLAND OG FLANDERN

Selvportræt
REMBRANDT HARMENS VAN RHYNE
Omkring 1639. Olie på træ. 62,5x54

Rembrandt var kunstneren i det nye europæiske maleri, der søgte at trænge ind i dybden af ​​den menneskelige sjæl, hvorfor han malede så mange selvportrætter, som om han talte til sig selv. I sin ungdom, mens han stadig var glad og endda ubekymret, kunne han godt lide at portrættere sig selv udklædt og let poserende. "Rembrandt elskede at klæde sig ud og skifte tøj, som en rigtig skuespiller," bemærkede den franske forfatter og kunstner Eugene Fromentin. "Han bar turbaner, fløjlsbasker, filthatte, camisoler, regnfrakker... Han satte smykker til sit hår, satte guldkæder med sten om halsen." Men på samme tid søgte kunstneren at trænge ind i hemmeligheder af en persons hemmeligheder, hvilket er tydeligt i dette "Selvportræt".
Mesteren malede sig selv i blomst og forsøgte at holde ungdom og skønhed på lærredet, fordi de passerer. Mennesket som det er - svagt, prisgivet tidens nåde og dog stærk, så længe det mærker livets slag i sig selv - her hovedemne Rembrandt maleri.

KUNST I NEDERLANDENE, HOLLAND OG FLANDERN:

• Stilling i kisten. ROGIR VAN DER WEYDEN
• Tilbedelse af hyrderne (Portinaris alter). HUGO VAN DER GUS
• Sankt Benedikt. HANS MEMLING
• Bebudelse. MATTIAS STOHMER
• Portræt af Isabella Brant. PETER PAUL RUBENS
• Portræt af Margaret af Lorraine, hertuginde af Orleans. ANTHONY VAN DYCK

Begravelse
ROGIR VAN DER WEYDEN
Omkring 1450. Træ, olie. 100x96

I sit maleri vidste Rogier van der Weyden, en kunstner fra den tidlige hollandske renæssance, hvordan man skildre forskellige menneskelige stemninger. I den fremlagte altertavle, sandsynligvis skabt under en rejse til Italien, formidlede maleren dyb lidelse og klædte den samtidig i vidunderlige farver og linjer.

Josef af Arimatæa og Nikodemus, der gør deres bedste for at skjule deres sindstilstand, bærer Kristi tynde og afmagrede legeme til graven; John bøjede sig for at kysse hans hånd; Maria Magdalene knælede i forvirring, Guds Moder med et udmattet ansigt støtter blidt sin Søns hånd. Den stærke religiøse følelse, der styrede Rogier van der Weydens pensel, oplyser her alt, og derfor giver han trods alt skønhed til den dramatiske scene. Poseringerne, for eksempel af John, er yndefulde, bevægelserne er glatte, farverne er rene, og det solbeskinnede landskab i det fjerne er betagende.

Den franske historiker og filosof Hippolyte Taine skrev om datidens hollandske kunstnere: "Vær opmærksom på deres usædvanligt rige og lyse farver, til rene og kraftfulde toner ... til de storslåede brud på lilla klæder, til de azurblå fordybninger i lange flydende klæder, til draperier grønne som en eng, gennemtrængt af solens stråler... ind i et kraftigt lys, der varmer og forgylder hele billedet..."

Tilbedelse af hyrderne (Portinaris alter)
HUGO VAN DER GUS
Omkring 1476–1478. Træ, olie. 253x588

Nordrenæssancens mester, Hugo van der Goes, vidste i sine værker at reflektere den omgivende verden med alle dens detaljer og samtidig se på det, der var afbildet fra den højde, der var iboende i renæssancen. Kunstneren havde en ægte interesse for den indre verden af ​​de mennesker, han malede, og den beskrevne kvalitet var renæssance i naturen. Alt dette blev især fuldt ud manifesteret i den præsenterede triptykon.

Alteret er dedikeret til hyrdernes tilbedelse af Kristusbarnet, på sidedørene er der afbildninger af donorer - Tommaso Portinari, hans kone Maria Baroncelli, deres børn og helgener, og på bagsiden af ​​dørene præsenteres Bebudelsen. Italieneren Tommaso Portinari, der stod i spidsen for Medici Banks repræsentationskontor i den belgiske by Brugge, bestilte dette alter til Sant'Egidio-kirken i Firenze.

hoveddel Alteret repræsenterer et stort rum, i hvis centrum ligger Kristusbarnet, som ser særligt lille ud i sammenligning med figurerne af Guds Moder, Josef og hyrderne. Den italienske mester ville i dette tilfælde have malet et fyldigt og stort barn for at understrege ham usædvanlig oprindelse, men den hollandske kunstner er tro mod livets realiteter, derfor, i alterbilledet af Van der Goes, er den nyfødte baby lille, han har det tågede udseende af en person, der lige er blevet født og svage bevægelser af hans arme og ben. Ved at skildre Gud, der kom til verden i form af et lillebitte, rørende barn, satte kunstneren en særlig stemning for værket - ømhed.

Denne følelse udtrykkes subtilt, eftersom ingen her er åbenlyst bevæget: Guds Moder er fordybet i kontemplation af Sønnen, englene begynder forsigtigt at bede, og der er dyb eftertænksomhed og alvor i de andre karakterers ansigter. Men forresten, Josefs hår er spredt, som ikke havde tid til at glatte det af begejstring, ved hans hænder foldet omhyggeligt i bøn, af impulsen, hvori hyrderne bøjer sig for Babyen, kan man føle et glædeligt chok, der giver efter at røre ved alle disse menneskers sjæle. Og kun en af ​​hyrderne med et uhøfligt, almindeligt ansigt, som ikke havde tid til at knæle ned og folde sine hænder i bøn, ser på, hvad der sker, og åbner bogstaveligt talt sin mund i forbløffelse. Kunstneren er opmærksom på alle disse detaljer, da de skaber stemningen i maleriet, som blomsterne i vasen i forgrunden, delvist smuldret, og englenes broderede klæder til højre, og det smukke landskab gennemsyret af lys i baggrunden.

Da alteret blev bragt over havet til Firenze i 1483, forbløffede det dem, der så det, og havde stor indflydelse på italiensk maleri.

Sankt Benedikt
HANS MEMLING
1487. Træ, olie. 45,5x34,5

Arbejdet af Rogier van der Weydens elev, Hans Memling, tilhørte en ny periode i hollandsk maleri i det 15. århundrede, som allerede var under betydelig indflydelse af italiensk, som det kan bedømmes af det præsenterede portræt.

Sankt Benedikt er grundlæggeren af ​​den vestlige klostervæsen og forfatteren af ​​det charter, der dannede grundlaget for hans samfundsliv. Memling afbildede Benedikt i en sort klosterdragt, med en stav, der omhyggeligt læste Bibelen. Helgenen synes at hviske guddommelige ord. Kunstneren formidlet i udseendet af denne asket og eremit det udtryk, der vises på ansigtet af en person, der er fordybet i at læse og beundre det skrevet. Det bløde sort-hvide maleri af Sankt Benedikts ansigt og hænder får en til at mærke hans billede endnu mere, hvis stilhed og koncentration genlyder af aftenlandskabet uden for vinduet.

Bebudelse
MATTIAS STOHMER
1633–1637/1638 (?). Lærred, olie. 113x166

Matthias Stomer var en af ​​dem, der blev kaldt "Caravaggists", det vil sige en tilhænger af den italienske kunstner Michelangelo Merisi da Caravaggio, hvis malerier hollænderen kunne se under sit ophold i Napoli. Fra ham overtog Stomer også funktionerne i chiaroscuro, som han brugte på dette billede.

Jomfru Maria og ærkeenglen Gabriel, som viste sig for hende, bliver oplyst af flammen fra et stearinlys, der står på bordet og river deres skikkelser fra rummets mørke. Det vaklende lys øger spændingen i hele scenen, aflæst i Marys ansigtsudtryk og hendes gestus. Alt, hvad Stomer skildrer, ser magisk ud i dette lys. Men kunstneren, der tyer til denne belysningsmetode, skaber ikke kun en stemning, men løser også rent billedmæssige problemer. Karakterernes hænder og ansigter får varme, og det ser ud til, at det pulserende blod er synligt gennem den gennemsigtige hud. Beskueren føler, at han står meget tæt på dette bord, det vil sige et vidne til, hvad der sker. Denne effekt blev opnået i maleri af Caravaggio selv og alle, der var under hans indflydelse.

Portræt af Isabella Brant
PETER PAUL RUBENS
Omkring 1625-1626. Lærred, olie. 86x62

En kunstner, der skabte mange lærreder, hvor rigeligt kød hersker, Rubens var på samme tid en subtil portrætmaler. Han skrev mest til sin familie og flere gange, såsom sin første kone, Isabella Brant. Rubens lavede dette portræt kort før hendes død. Efter sin hustrus død talte han om hende i et af sine breve: ”Sandelig har jeg mistet en fremragende ven... hun var hverken hård eller svag, men så venlig og så ærlig, så dydig, at alle elskede hende levende og sørgede over hendes døde."

Men mens kunstnerens trofaste ven er i live, fanger han hendes unge og attraktive med livlige, intelligente øjne og et blidt smil. Et usynligt lys ser ud til at udgå fra Isabella. Rubens adskiller ikke det kødelige og det åndelige i en person: Ånden blæser gennem stoffet. Derfor forsøgte mesteren på enhver mulig måde at understrege sin elskedes fysiske skønhed, for eksempel skyggede han hendes hvide sarte hud, som han ofte gjorde, med en mørk pelsfrakke. Den røde baggrund afspejler rødmen på kinderne, og halskæden og blonderne skaber noget lignende dyrebar ramme for hustruen, der ligger kunstneren så nært.

Portræt af Margaret af Lorraine, hertuginde af Orléans
ANTHONY VAN DYCK
1634. Olie på lærred. 204 x 117

Anthony van Dyck malede en masse portrætter af kongelige, men ved at fange dem i højtidelige positurer forsøgte han at formidle den indre verden af ​​de afbildede mennesker.

Det lodret aflange format, der er karakteristisk for mange af denne kunstners malerier, understreger majestæten og samtidig sofistikeringen af ​​den afbildede kvinde. Margaritas hvide, porcelænslignende hud er sat i gang af en mørk kjole, og hendes smukt formede hoved, hals og hænder med lange fingre, der fingrer fløjlsstoffet, ser endnu mere elegant ud på grund af kåbens pragt.

Lærredet er designet i flere farver - hvid, sort, lysebrun, kød, denne beherskede farvning oplives af det røde draperi til venstre, der er trukket tilbage og afslører landskabet, der strækker sig ud i det fjerne. Roser i en piges hånd kan symbolisere kærlighed eller understrege hendes ungdom og tiltrækningskraft, som er særligt synlige selv i et ceremonielt portræt.

HANS HOLBEIN DEN YNGRE

Portrætterne skabt af Hans Holbein udmærker sig ved stor psykologisme og på samme tid ved den grad af generalisering, der løfter de afbildede over hverdagen.

Dette maleri, malet på det tidspunkt, hvor Holbein blev hofmaler for Henry VIII, forestiller Sir Richard Southwell. Han tjente ved retten, var parlamentsmedlem og militærmand, og han deltog i flere kampagner. Værkets neutrale baggrund og næsten monokrome farveskema giver beskueren mulighed for at fokusere på ansigtet på den afbildede person. Kunstneren formidler nøjagtigt alle detaljerne i Southwells udseende såvel som hans rolige og selvsikre karakter, som er typisk for mennesker, der har set meget i livet. Men karakteren i billedet, uanset hvor tæt han er på beskueren, er isoleret fra ham: han ser intenst et sted i det fjerne og tænker på sine egne ting.

Evnen til at afsløre en persons sjæl og samtidig en smule hæve ham, udmærkede Holbein som en af ​​renæssancens mestre.

Tilbedelse af Magi
ALBRECHT DURER
1504. Træ, olie. 99x113,5

Den tyske renæssancekunstner Albrecht Dürer blev bestilt af kurfyrsten af ​​Sachsen, Frederik den Vise, til kapellet på hans slot i Wittenberg. Dürer var netop hjemvendt fra sin første rejse til Italien, så det nordeuropæiske maleris træk - detaljeret skildring af detaljer, lyse, skinnende farver - eksisterer her side om side med indflydelsen fra italiensk maleri, hvilket kom til udtryk i kompositionens perspektiviske konstruktion. Derudover viser billedet ruinerne af gamle bygninger, hvilket skaber komplekse rumlige planer, som igen var karakteristisk for italiensk maleri.

"The Adoration of the Magi" minder om Leonardo da Vincis ufærdige maleri af et lignende emne, også opbevaret i Uffizierne. Men Dürer var direkte påvirket af venetianerne - Andrea Mantegna med sin passion for overfloden af ​​sten i sine malerier og Giovanni Bellini med sit lette og klare maleri. Durers karakterer er dog skrevet med den grad af psykologisme, som især var karakteristisk for ham.

Kunstneren introducerede rørende øjeblikke på scenen for tilbedelse: Kristusbarnet åbner kisten, hvor ligger guldet bragt til ham af en af ​​magierne, med den nysgerrighed, hvormed alle børn drages til det ukendte, og de gamle magi ser på dette barn med et seriøst og inspireret blik, let vipper hovedet til siden. Som mange kunstnere fra den nordlige renæssance afviger Durer ikke fra detaljen om, at magierne kom til Kristus fra forskellige dele af verden, hvilket betyder, at der kunne have været en sort mand blandt dem.

På trods af overfloden af ​​detaljer er billedet fuld af sublim ånd, en blød og samtidig højtidelig stemning, som var karakteristisk for denne tyske mesters maleri.

Sankt Florians martyrium
ALBRECHT ALTDORFER
Omkring 1520. Olie på træ. 76x67

Værket af den tyske renæssancekunstner og leder af Donau-skolen Albrecht Altdorfer var en del af en stor malercyklus, nu spredt på forskellige museer og repræsenterer scener fra St. Florians liv.

Den hellige legende siger, at denne romerske soldat, der levede i det 3.-4. århundrede, i hemmelighed konverterede til kristendommen og forsøgte at redde kristne i de øvre østrigske lande fra henrettelse, hvilket han blev dømt til døden for. De bandt en sten om hans hals og kastede ham i floden. Altdorfer afbildede Florian på en bro, knælende, med en enorm møllesten bundet til hans hals. Pinslerne og blot tilskuerne stimlede rundt. Kunstneren præsenterede hele sceneriet set nedefra, hvorfor der åbner sig et betagende landskab i broens spænd: flodens gennemsigtige vand danner hvirvler omkring støtterne, de fjerne blå bjerge drukner i den solrige dis, og et slot kan ses på toppen. Verden i Altdorfers malerier ser magisk smuk ud, selv når han skildrer martyrdøden. Ved at hæve hele sceneriet kompositorisk udtrykte maleren derved storheden af ​​den bedrift, Florian udførte, og verden, der skinner omkring ham, understreger helgenens åndelige skønhed.

Selvportræt
HANS HOLBEIN DEN YNGRE
1542. Papir, pastel. 32x26

Et lille selvportræt af kunstneren blev skabt ved hjælp af de sparsomme midler, som Hans Holbein i stigende grad tyede til gennem årene. Normalt viser hans portrætter modeller mod en neutral baggrund, men i dette tilfælde er det gyldent, der minder om middelalderkunst, hvor en sådan baggrund symboliserede himlen. Denne teknik overfører hele billedet til et bestemt sublimt plan.

Holbein formidlede omhyggeligt detaljerne i sit eget udseende: et bredt ansigt, let skelende øjne, et kort, blødt skæg og andre træk. I hans blik kan man se koncentration, oprigtig interesse, og på samme tid er dette blik af en person, der ser alt omkring fra en vid vinkel. Sådan ser kunstnere på verden – både tæt på og omfavner den som et kæmpe panorama.

Portræt af Martin Luther og Philip Melanchthon
LUCAS CRANCH SR.
1543. Træ, olie. 16x21

Den tyske maler og grafiker fra renæssancen Cranach arbejdede i mange år, indtil slutningen af ​​sit liv, ved den saksiske kurfyrst Frederik den Vises hof. I Wittenberg, en by, der takket være sin herskeres indsats blev et af centrene for europæisk humanisme, blev kunstneren venner med grundlæggeren af ​​den tyske protestantisme og en hovedfigur i reformationen, Martin Luther og hans associerede teolog Philip Melanchthon .

Mesteren malede begge portrætter af sine venner i samme stil: han placerede figurer i mørkt tøj på en neutral baggrund og fremhævede ansigterne på dem, der blev portrætteret. Luther, koncentreret og bestemt, ser ud i det fjerne, Melanchthon er dybt i sig selv. Kunstneren formidlede også de fysiognomiske træk ved hver enkelt: den ene er buttet, med et blødt omrids af kinder og hals og en stædig hage, den anden er tynd, med skarpe ansigtstræk. Cranach fremhæver i begge først og fremmest det menneskelige, individuelle princip, som var særligt vigtigt for den nordlige renæssances mestre. Takket være kunstnerens engagement i realisme kan beskueren tydeligt forestille sig, hvordan disse mennesker, der skrev historie, var.
Portræt af grevinden de Chinchon.
FRANCISCO GOYA

Maleriets aflange format og det dybere mørke som baggrund giver grevindens figur en særlig skrøbelighed, understreget af en let, luftig kjole i en lys gråbrun farve med lyserøde årer og en frisure, hvor vinden synes at være skjult. I hele pigens udseende, selvom hun er af kongelig afstamning, kan man føle tristhed, synlig både i hendes livlige brune øjne og i hendes foldede hænder, som Maria Teresa synes at være bevidst forsøger at presse fast. Grevinden gennemgik dengang ikke den bedste tid i sit liv: hendes mand, den almægtige premierminister for den spanske regering, Don Manuel Godoy, havde en kejserlig karakter, og derudover var denne mand dronningens elsker. Goya havde allerede malet grevinden, og nu, da han kendte denne unge kvinde godt og behandlede hende med sympati, lagde han mærke til hendes dybt skjulte sorg. Portrættet, der er udtænkt som et ceremonielt portræt, viser beskueren en livlig og charmerende person.
EL GRECO (DOMENIKOS THEOTOCOPOULOS)
Omkring 1600. Olie på lærred. 110x86

El Grecos maleri omtales enten som manerisme eller barok, faktisk hører det ikke til nogen af ​​bevægelserne. Originaliteten af ​​denne kunstners måde kommer også til udtryk i det præsenterede maleri.

El Greco skildrede Sankt Johannes Evangelisten taler med Sankt Frans. Ved Johannes' fødder er hans symbol placeret - en ørn, og i hans hænder holder apostelen en kop, hvorfra en drage kommer frem. Mesteren minder her om historien om, hvordan en Kristi discipel, der prædikede hans ord, blev fanget og sendt til Rom, hvor han fik en kop gift. Efter at have drukket det, forblev John uskadt. På billedet symboliserer bægeret i hånden kirken, og dragen, som i tidens løb afløste slangen i denne ikonografi, symboliserer ondskaben erobret af troen. Et eksempel på en sådan tro er den hellige Frans.

Karakterernes aflange figurer, typiske for El Grecos malerier, ligner flammer over stearinlys. Jorden, der strækker sig ud for de helliges fødder, understreger omfanget af deres billeder, og baggrunden er himlens blå med tætte skyer, langs hvilke Johannes og Frans kunne stige op til himlen.

Portræt af Maria Theresa de Bourbon y Vallabriga til hest
FRANCISCO GOYA
1783. Olie på lærred. 82x61

En af de mest mystiske spanske kunstnere, Francisco Goya arbejdede meget ved det kongelige hof, hvor han malede dette portræt af Maria Teresa de Bourbon y Vallabriga, den fremtidige grevinde de Chinchon, og skildrede hende på hesteryg og på baggrund af et bjergrigt landskab. Mørke skyer løber hen over himlen, deres skygger løber hen over jorden, og naturen bliver grebet af den angsttilstand, der sker på tærsklen til en storm. Men den unge kvinde forsøger at blive samlet og holde sig fast i sadlen. Hun er afbildet i profil, hvilket giver hendes udseende en vis vægt.

Dog er pigens figur malet med lette strøg, blonderne på brystet skummer, og fløjl fra hendes kjole glitrer. Marie-Theresas ansigt er rørt med rødme, hun ser helt øm og ærbødig ud, omgivet af barsk natur med et klippelandskab og klippefyldte bjerge. Goya, som havde en oprigtig interesse for mennesker, var i stand til selv i dette maleri, der minder om en skitse, at udtrykke den skrøbelighed og samtidig styrke hos en person, som fremkalder en meget varm følelse.

Født i Schweiz studerede Jean-Etienne Lyotard maleri i Frankrig, rejste derefter og vendte tilbage til Paris. Der fik han en protektor i skikkelse af Madame de Pompadour, som var toneangivende i det franske højsamfund. Siden da malede kunstneren mange skønheder fra den kongelige familie og damer, der skinnede ved hoffet. Et af disse portrætter repræsenterer Marie Adelaide af Frankrig, datter af kong Ludvig XV.

Lyotard skildrede et charmerende ungt væsen siddende på en sofa med en bog i hånden og klædt i et tyrkisk kostume. Efter flere år tilbragt i Konstantinopel havde kunstneren en passion for orientalsk påklædning og klædte sig i dem. Da hun malede Maria Adelaide, formidlede maleren prinsessens tynde, fløjlsbløde hud og det lette stof i hendes kostume. Lyset fra vinduet falder, så pigens ansigt forbliver i skyggen, og hendes kind, lille øre med en dinglende ørering og hals er oplyst, hvilket gør billedet endnu mere ømt og rørende. Sofapudernes blødhed forstærker lyksalighedsstemningen spredt i dette billede, men samtidig introducerede Lyotard nogle "modsigelser" i sit arbejde: Marie-Adelaide, klædt ud som til et maskeradebal, sidder på sofaen, fordybet i læsning, som ikke er nok, svarer til duften af ​​sanselighed spredt omkring hende. Dette modspil skaber en let spænding i maleriet, som var karakteristisk for rokokokunsten.
Pige med en fjerbold
JEAN-BAPTISTE SIMEON CHARDIN
Omkring 1737. Olie på lærred. 82x66

Hverdagens poesi, om dets enkelte øjeblik - det er det, Jean-Baptiste Chardins maleri bygger på. Han var en tilhænger af hverdagsgenren, hævet til filosofiske højder. Kunstneren valgte enkle motiver og tvang beskueren til at se på sine malerier i lang tid, som på denne "Pige med en fjerbold", hvor intet ser ud til at ske, bare et blidt væsen, rødmosset og snuset, frosset med en fjerbold og en ketsjer i hendes hænder. Der er et forvirret og trist udtryk i heltindens ansigt, som om ingen ønsker at samarbejde med hende, eller hun ikke er særlig succesfuld i spillet. Indtrykket er sådan, at man kan se, hvordan hendes læber dirrer, og hendes øjne fyldes med tårer. Næsten et barns oplevelser giver genlyd hos beskueren, som i denne genrescene ser livets skønhed og kompleksitet, udtrykt i små ting.

Med hensyn til dette maleri og et andet, "Dreng med et kortslot", også i museet, svarede kunstnerens landsmand, den franske forfatter Stendhal, således: "Jeg stod og så på dem i den lykkelige tilstand, der kun kan være..."

FORLAG "DIRECT-MEDIA":

Generaldirektør: K. Kostyuk
Chefredaktør: A. Baragamyan
Kunstredaktør: M. Gordeeva
Tekstforfatter: I. Kravchenko
Redaktør: S. Suvorova
Korrekturlæser: G. Barysheva
Design: P. Kallinikov
Forlagets adresse: 117342, Moskva,
st. Obrucheva, 34/63, bygning 1
[e-mailbeskyttet]
www.directmedia.ru

I den vidunderlige by Firenze er der mange, der glæder turisternes øjne og også plejer deres skønhedssans. En af disse bygninger - Uffizi-galleriet (Galleria degli Uffizi) - er beliggende i centrum af Firenze mellem Piazza della Signoria og broen (Ponte Vecchio), hvilket frivilligt og uvilligt tiltrækker adskillige turister, lige fra dem, der ved et uheld vandrede hertil til dem, der kom til denne fantastiske by specifikt for fuldt ud at nyde verdens mesterværker, der er udstillet her.

Uffizi-galleriet, der besidder et samlet areal på 13.000 kvadratmeter, giver almindelige turisters og sande kunstkenderes øjne en af ​​de vigtigste og største samlinger, som dækker værker af både italienske og udenlandske kunstnere, der arbejder fra det 13. til det 18. århundrede.

I museet kan du personligt nyde kreationerne af sådanne verdensberømte mestre som Michelangelo, Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Rafael, Rubens, Rembrandt og mange andre. Uffizi-galleriet kan i øvrigt med rette kaldes et af de ældste museer i verden, som blev åbnet for besøgende næsten umiddelbart efter dets opførelse i det 16. århundrede.

Galleri historie

Det mest berømte galleri i Italien ligger i en massiv bygning, designet af en talentfuld arkitekt (Giorgio Vasari). Opførelsen af ​​Uffizi-galleriet begyndte tilbage i 1560 efter personlig ordre, men repræsentanten for dynastiet var aldrig i stand til at se det i færdig form: byggeriet af bygningen blev afsluttet tyve år senere, efter Cosimos død.

Det er værd at bemærke, at for at fuldføre det arkitektoniske projekt var specialister nødt til at rive gamle kvarterer ned og demontere nærliggende middelalderbygninger.

Men da Uffizi-galleriet stod helt færdigt, blev det tydeligt, at alle ofrene ikke var forgæves. Et af de mest imponerende museer i landet ligger på den U-formede Piazza della Signoria, omgivet af hængende haver og et kunstgalleri. Forfatteren til projektet, Vasari, var en sand kunstkender, så han sørgede for et særligt design, hvor lærrederne skulle placeres.

Årtier efter starten på det storslåede byggeri kunne Medici-familien endelig flytte deres stolthed hertil - unik samling malerier og skulpturer indsamlet fra hele verden. Det var til Firenze, at repræsentanterne for det store dynasti sendte alle deres mesterværker af kunst. Medici fik særlig opmærksomhed fra kunstneren Sandro Botticelli, som ifølge historikere var meget venlig med den berømte familie.

Hans sjældne kreationer opbevares i Uffizi-galleriet den dag i dag. Museet huser en af ​​hans mest berømte kreationer - "Venus' fødsel" (Nascita di Venere), som sluttede sig til rækken af ​​mesterværker, der først blev udstillet her i midten af ​​det 19. århundrede. Vi kan tale længe om de mange smukke lærreder malet af de mest berømte kunstnere i menneskehedens historie og udstillet i Uffizierne.

Det er dog værd at bemærke, at perlen i hele kollektionen er Venus de Medici.

Det vil tage mere end én dag at undersøge de talrige malerier. Heldigvis er alle de værker, der opbevares her, arrangeret i mere end 50 rum i kronologisk rækkefølge. Det er takket være denne kloge organisation, at du kan spore, hvordan kunsten udviklede sig fra det 13. til det 18. århundrede og de skiftende stilarter inden for maleri og skulptur, fra den byzantinske periode til barokken.

Så snart du krydser tærsklen til museet, står du ved en rigtig korsvej: Tre lobbyer fører fra indgangen til museet. Den første indeholder buster lavet af marmor og porfyr, den anden er dekoreret med Giovanni da San Giovanni, den tredje indeholder romerske statuer og sarkofager. Uffizi-galleriet er simpelthen fascinerende, ikke kun med de kunstgenstande, der er udstillet her. Hvad er det værd? indretning et af de mest besøgte gallerier i Europa!

Nyttig information

Billetter

Forresten besøger millioner af turister denne florentinske attraktion hvert år. Og du kan være en af ​​disse heldige!

• Fra 1. marts 2019 til 31. oktober 2019 er prisen for en fuld billet til Uffizierne: 20 € + 4 € forudbestillingsgebyr. Under udstillinger kan prisen stige.
• Fra 1. november 2019 til 28. februar 2020 er prisen for en fuld billet til Uffizi: 12 € + 4 € for forudbestilling. Det er dog værd at overveje, at billetkontoret lukker klokken 18:05.
• Officielle online billetkontorer: webshop.b-ticket.com
  Verificerede pålidelige bureauer til at købe billetter i sidste øjeblik: www.tiqets.com og www.getyourguide.ru. – de tager normalt en lille kommission, men der, selv i højsæson, der er kvoter.
• Gruppeudflugt i 1,5 time koster 57 euro/person, billetter inkluderet, udført på engelsk, italiensk, spansk, tysk eller fransk.
• Hvis du går til Uffizi på russisk med en guide ITALIEN FOR MIG, vil han hjælpe dig med at foretage en reservation, betale for billetter på stedet.

For at undgå timevis med at stå i kø uden for selve museet kan du bestille billetter på italiensk ved at ringe til +39 055 294883 (reservation koster €4). Det mest bekvemme tidspunkt at besøge dette florentinske vartegn er efter kl. 14.00, når alle skoleudflugter slutter

Adresse og åbningstider

Uffizi-galleriet er placeret på Piazzale degli Uffizi, 6, Firenze, Italien og kan tilgås alle dage undtagen mandag og 1. maj fra 8:15 til 18:50.

Hvordan man kommer dertil

Du kan komme til Uffizi-galleriet med offentlig transport (ved siden af ​​er stoppestedet C1 Galleria Degli Uffizi - Farmacia Logge) eller til fods, hvis du allerede er i byens centrum. Forresten, hvis du stadig føler dig energisk efter at have besøgt et vidunderligt galleri, så vend din opmærksomhed mod de nærliggende attraktioner i Firenze: Bargello-paladset.

↘️🇮🇹 NYTTIGE ARTIKLER OG SIDER 🇮🇹↙️ DEL MED DINE VENNER

En særlig plads indtager Uffizi-galleriet, som rummer en af ​​verdens rigeste og mest betydningsfulde samlinger af europæisk kunst fra det 13. til det 20. århundrede. Dets betydning fremgår af det faktum, at galleriet betragtes som det mest besøgte museum i Italien, og omkring halvanden million mennesker kommer til Firenze hvert år for at beundre dets samling.

BlogoItaliano har allerede skrevet, at dette er et af de største museer i verden, hvor værker af de mest berømte europæiske kunstnere udstilles. Men udover malerier har museet også en betydelig samling af kopier og originaler af antikke skulpturer, interiør fra renæssancen og grafiske værker.

I alt har galleriet 45 værelser, nogle af dem er dedikeret til individuelle kunstneres arbejde. Fortrinsret gives selvfølgelig til renæssancens skabere: Giotto, Botticelli, Titian, Caravaggio. Museets samling omfatter også værker af tyske, franske og flamske kunstnere samt en rig samling af selvportrætter.

Uffizi Gallery: Historien om kontorbygningen og den gamle bro

• Det bedste tidspunkt at besøge galleriet er onsdag og torsdag morgen, umiddelbart efter åbningen. For at være i tide til åbningen kan du bo på et af hotellerne i umiddelbar nærhed af Galleriet [link].
• i højsæsonen (fra juli til september) kan du bestille billetter til galleriet om aftenen, helst tirsdag eller fredag, hvor der er længere åbent end normalt;
• Vi anbefaler ikke at planlægge et besøg i galleriet i myldretiden (10:00-12:00), ligesom der tirsdag morgen er mange mennesker på dette tidspunkt.

Som du kan se, kan du undgå at stå i kø ved indgangen til Uffizi-galleriet, det vigtigste er at forberede dig på dette besøg på forhånd og på forhånd bestille billetter online.

Nå, hvis du ankommer til Italien ikke gennem Firenze, så anbefaler vi også vores artikler om, hvordan du kommer til byen.

Galleriet byder på uvurderlige værker af Leonardo, The Adoration of the Magi og The Annunciation; Michelangelos eneste betydningsfulde maleri er en tondo, der forestiller den hellige familie. Uffizi-museet har den mest omfattende samling af Botticellis malerier i verden.

Uffizi-galleriet (Galleria degli Uffizi) er det mest berømte florentinske museum for kunst. Dens navn betyder bogstaveligt talt "galleri af kontorer". Det ligger mellem Piazza della Senoria og Ponte Vecchio-broen nær Arno-floden. Bygningen er opført i 1560-81. og var beregnet til magistraterne i Firenze.

Byggeriets historie

Galleriets historie begyndte i det 16. århundrede, da bychefen Cosimo I de' Medici besluttede at placere 13 ministerier i Firenze, hele byens administration, i Uffizi-paladset. De gamle kvarterer nær Piazza della Signoria blev revet ned for at bygge; sten fra de gamle bygninger blev brugt til den nye bygning. Forfatteren til designet af Uffizi-paladset var Giorgio Vasari. Efter hans død blev arbejdet færdiggjort af arkitekterne B. Buontalenti og A. Parigi. Magistratkontorerne, Statsarkivet og Retten blev samlet under paladsets tag.

Uffizi Gallery - arven fra Medici-familien, et af de ældste italienske museer

Galleriets historie

Men selv en så seriøs institution, italienerne, kendt for deres kærlighed til skønhed og kunst, dekorerede den gradvist med malerier og skulpturer. Først var disse kunstværker fra Medici-familiens personlige samling. Samlingen voksede konstant takket være donationer fra lånere og kunstnere. Efter fordrivelsen af ​​Medici-klanen fra Firenze forblev familiearvestykker i paladset.

I 1765, da Anna Maria Ludovica, den sidste af Medici, donerede sin families kunstsamling til befolkningen i Firenze, blev galleriet byens første offentlige museum, og efterfølgende en verdensattraktion.

Under Napoleonskrigene gik nogle værker fra Uffizi-samlingen tabt. Under Anden Verdenskrig blev bygningen oversvømmet, og en betydelig del af samlingen blev plyndret af nazisterne. I 1993 eksploderede en bombe nær bygningen. En del af paladset blev beskadiget - især Niobe Hallen var hårdt beskadiget, og de fleste af dets fresker kunne ikke restaureres.

Arkitektur

Uffizi-galleriet består af to identiske bygninger forbundet af en overdækket passage. Bygningernes facader er beklædt med grå sten en portik med arkader fører indenfor. Indgangen til galleriet er dannet af tre vestibuler. Den første af dem indeholder buster af marmor og porfyr fra Medici-dynastiet. Hvælvingerne i den rektangulære sal på første sal blev dekoreret i det 17. århundrede af Giovanni Manozzi. I den ovale lobby kan du se antikke romerske statuer, sarkofager og relieffer.

Kollektion

Ikke desto mindre bevarer Uffizi stadig mange værdifulde værker, ægte kunstperler. De fleste af malerierne er udstillet i lokaler med moderne interiør og delvist bevarede elementer af gammel indretning. Udstillingen fylder 6 tusinde m2 og er opdelt i 50 haller.

Galleriet byder på uvurderlige værker af Leonardo, The Adoration of the Magi og The Annunciation; Michelangelos eneste betydningsfulde maleri er en tondo, der forestiller den hellige familie. Uffizi-museet har den mest omfattende samling af Botticellis malerier i verden, hvor de vigtigste er "Venus' fødsel" og "Forår".

Den storslåede "italienske" samling indeholder malerier af Raphael (den mest berømte "Madonna med guldfinken"), Titian (den berømte "Venus af Urbino"), Caravaggio (det berømte maleri "Bacchus"), Tintoretto, Bassano, Veronese og andre berømte malere. Museet udstiller de bedste malerier af franske, tyske, flamske og hollandske mestre, samt en stor samling af selvportrætter af europæiske kunstnere, samlet af kardinal Leopoldo de' Medici.

Caravaggio
"Bacchus", omkring 1596

Åbningstider

Tir - Søn 08:15 - 18:50;
Man - fridag.

Adgangsbilletter

For at komme ind i Uffizi-galleriet står turister fra hele verden i kø i en lang række. Kun om vinteren er der færre interesserede. Derfor anbefaler jeg at bestille billetter på forhånd.

Fuld billetpris – €8,00; med udstilling - €11; reservation – €4.

Uffizi Galleri
Piazzale degli Uffizi, 6 50122 Firenze FI Italien
polomuseale.firenze.it

Tag bus C1 til Galleria Degli Uffizi-stoppestedet

Hvordan sparer jeg på hoteller?

Det er meget enkelt - se ikke kun på booking. Jeg foretrækker søgemaskinen RoomGuru. Han søger samtidig efter rabatter på Booking og på 70 andre bookingsider.