Firenze galleri. Uffizi-galleriet i Firenze (Galleria degli Uffizi)

Firenze ble kalt "Toscanas blomst" i antikken. Selv blant andre italienske byer rike på historiske og kunstneriske monumenter, regnes denne blomstrende byen med rette som en kunstskatt. Den er dekorert med de udødelige kreasjonene til Giotto, Michelangelo, Brunelleschi, Cellini og mange andre store arkitekter, skulptører og malere.

Gamle florentinske palasser, kirker med fresker av kjente kunstnere, museer med sine virkelig uvurderlige skatter har lenge tiltrukket kunstelskere fra hele verden. For italienerne selv er Firenze et symbol på renessansen. For flere tiår siden ble Firenzes historiske sentrum stengt for biler. Gatene ble gjenopprettet til sin opprinnelige sjarm, det ble lettere å forestille seg hvordan Leonardo da Vinci og Michelangelo gikk forbi akkurat disse husene, hvordan den ukuelige dominikanermunken Savanarola gikk i mengden av fanatiske fans... Ubønnhørlig tid ødela dessverre steinen i Duomo Square, som han elsket alene sitter den store Dante. Men hver florentiner kan vise deg dette stedet...

Allerede i antikken betraktet mange Firenze som den mest perfekte av alle byer. For eksempel skrev Leonardo Bruni i sin lovtale for byen: «Det er ingenting uryddig i den, ingenting upassende, ingenting urimelig, ingenting urimelig; alt har sin plass, og ikke bare strengt definert, men også passende og nødvendig.» Florentinerne forherliget byen sin ikke bare med ord, ikke bare ved å skrive lovsang. De forvandlet dens bygninger, torg og gater, og feiret høytider med enestående luksus. Ved midten av 1300-tallet hadde mange familier preget av uuttømmelig energi og forretningssans steget til overflaten av bylivet i Firenze (Strozzi, Alberti, etc.). Blant dem skilte Medici-familien seg ut, som tidligere var leger (dette er betydningen av etternavnet deres). Men ved midten av 1400-tallet ble Medici-bankhuset et av de rikeste og mest innflytelsesrike i Firenze UFFIZI, i Firenze, et av de mest representative kunstgalleriene i Italia. Holdt til i en bygning bygget for regjeringskontorer i 1560-1585. arkitektene G. Vasari og B. Buontalenti. Grunnlagt i 1575 på grunnlag av samlingene til Medici-familien. Galleriet huser verdens rikeste samling av italienske 1200-1700-tallet. (verk av Duccio, Giotto, P. Uccello, Piero della Francesca, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Titian, etc.) og europeisk maleri, verk av gammel kunst, et unikt utvalg av selvportretter av europeiske kunstnere. Uffizi-galleriet (italiensk: Galleria degli Uffizi) er et palass eller, som det også kalles, palazzo i Firenze, Italia, hjem til et av de eldste og mest kjente museene i verden. Uffizi-galleriet ligger i hjertet av Firenze. I nord grenser bygningen til Palazzo Vecchio og Piazza della Signoria, og dens sørlige side har utsikt over elven Ario og Poite Vecchio.
Historien til Uffizi begynner i juli 1559, da herskeren av Firenze, Cosimo I de' Medici, planlegger å forene alle de administrative tjenestene i byen i et felles romslig palass. Mester Giorgio Vasari ble invitert til å implementere prosjektet, og han begynte arbeidet i 1560. Imidlertid døde Vasari i 1574, og hans etterfølger, Bernardo Buontalenti, fullførte byggingen. Siden 1575 begynte dannelsen av et museum i Uffizi-bygningen - det var basert på Medici-familiens samling

"Portrett av Bia Medici

døtre til Cosimo I", 1542 Uffizi Gallery, Firenze

Portrett av Cosimo I de' Medici i rustning, 1545

Cosimo de' Medici gikk ned i historien under navnet den eldste, og selv om han selv ikke var preget av stor lærdom, var han en venn av utdanning og kunst. Et portrett av denne ukronede herskeren av Firenze, malt av kunstneren Pontormo, henger i det berømte Uffizi-galleriet. Cosimo de' Medici er avbildet i en rolig positur. Han sitter i en stol med hendene foldet og hodet lett bøyd sidelengs mot betrakteren. Det er ingenting seremonielt eller teatralsk over hodet til Medici-familien: han bærer en vanlig rød kappe med lukket krage og løse ermer. Portrettet forestiller en tynn og middelaldrende mann, hvis intelligente og energiske ansikt viser tristhet, og hvis fingre er tett sammenknyttet. Det ser ut til at han er full av tanker og bekymringer, og livet hans er langt fra ro og lykke. Frøet til Uffizi-galleriet ble dannet på 1400-tallet nettopp under denne mannen - Cosimo de' Medici den eldste, som også ble kalt "fedrelandets far". Han var den første av mediciene som ved å bruke sine egne penger begynte å målbevisst samle inn malerier og skulpturer for å dekorere både sine egne palasser og byen. Hans eksempel ble deretter fulgt av hans etterfølgere, og beriket samlingen. Grunnlaget for galleriet ble lagt av Frans I, som fra pave Pius V mottok 26 eldgamle statuer, anerkjent av paven som obskøne for Vatikanet. Til å begynne med var alle samlingene lokalisert i Medici-familiens slott - Palazzo Riccardi, men i en tid med turbulent historiske hendelser mange av de innsamlede skattene gikk til grunne eller falt i feil hender Cosimo inviterte Giorgio Vasari som arkitekt, og lot ham rive de gamle bydelene nær Piazza della Signoria og bruke ruinene av ødelagte steinbygninger til bygging. Arbeidet ble utført i all hast, men verken Cosimo eller Vasari så noen gang bygningen i sin ferdige form. Byggingen ble fullført i 1580; Uffizi-bygningen hadde en lang U-form, med en smal fasade mot elven. Det var ikke helt originalt, med flere tidlige bygninger. Disse inkluderer kirken San Pietro Scheragio og mynten, hvor de første gullflorinene ble preget i 1252. Kjente kunstnere (inkludert Allori, Bizzelli og Pieroni) var involvert i designarbeid i Uffizi. En hengende hage ble anlagt over Loggia dei Lanzi, og et teater ble bygget i andre etasje. Byggingen av palasset begynte i 1560 av arkitekten Giorgio Vasari for Cosimo I de' Medici som sete for den florentinske magistraten, derav navnet - Uffizi, som betyr kontor. Byggingen ble avsluttet i 1581. Vasari var forresten ikke bare en arkitekt, men også en kunstner, så han la vekt på perspektivet til korridorens lengde, og dekorerte fasaden med lange takskjegg. Årene gikk, palasset ble et yndet sted for å vise malerier og skulpturer samlet av Medici-familien eller kjøpt av dem. Etter nedgangen til House of Medici forble kunstneriske perler i Firenze, og dannet et av de første moderne museene. Galleriet har vært åpent for publikum siden det sekstende århundre, men det ble først offisielt åpnet for publikum i 1765, da den siste av Medici-familien donerte det helt til folket i Firenze. Kjernen i museets samling består av kunstverk bestilt eller kjøpt av medlemmer av Medici-familien. For eksempel kjøpte Ferdinando I en gang Venus de Medici, den mest kjente statuen i samlingen av skulpturer som er tilgjengelig i Uffizi-galleriet. Han tok med seg alle skattene fra sin romerske villa hit. Ferdinando II la til samlingen en samling malerier som han arvet. Kardinal Leopoldo bidro også til opprettelsen av museet med en storslått samling av tegninger og selvportretter av ulike kunstnere. I 1737, etter døden til den siste Medici, ble alle disse skattene eiendommen til byen Firenze.
På 1700-tallet ble Uffizi-galleriet et offentlig museum. På 1730-tallet samlet en gruppe forskere en detaljert (ti bind) inventar over kunstverkene som er lagret her. I 1769 fikk museet sin første direktør. Den nye administrasjonen gjorde en kraftig innsats for å samle mesterverkene som tilhørte Medici-dynastiet, spredt over forskjellige villaer. Forfatteren Madame de Staël, som besøkte galleriet i 1807, bemerket: «Holdningen til kunst i Firenze er veldig demokratisk. Generelt ga hvert medlem av Medici-familien et stort bidrag til Uffizi-galleriet. Spesielt begynte Leopold å samle selvportretter – hovedleverandøren hans var St. Lukas-akademiet, hvor han skaffet seg mange malerier. Medici-familiens visdom lå i en rettferdig vurdering av kunst: de skaffet seg ikke bare malerier av gamle mestere, men ga også enorm innflytelse til sine samtidige. Det er et kjent faktum at klostrene, som hadde samlinger som var samlingsverdige, selv informerte hertugene om tilstedeværelsen av mesterverk og solgte dem lett. Mediciene støttet også mange kunstnere. Den enorme samlingen av gjenstander i Uffizi-galleriet var årsaken til at store verk, som statuer, ble flyttet til andre florentinske museer (Bargello og andre). Som en del av utvidelsen av museets område ble det åpnet ytterligere lokaler i 2006, og utstillingsarealet økte fra 6 tusen kvadratmeter til 13, slik at besøkende med egne øyne kunne se det som tidligere kun var på lager.
På 1700-tallet ble Uffizi-galleriet et offentlig museum. På 1730-tallet samlet en gruppe forskere en detaljert (ti bind) inventar over kunstverkene som er lagret her. I 1769 fikk museet sin første direktør. Den nye administrasjonen gjorde en energisk innsats og prøvde å samle mesterverkene som tilhørte Medici-dynastiet, spredt over forskjellige villaer Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo (det er i Uffizi at den berømte tondo som skildrer den hellige familie er. beholdt - det eneste store maleriet av den hektiske billedhuggeren utenfor Det sixtinske kapell ), Caravaggio, Titian... For ikke å nevne de storslåtte eksemplene på antikkens kunst, samt verk (de beste verkene!) av franske, tyske, nederlandske , flamske artister... De beste artistene, beste fungerer.
I 1993 eksploderte en bombe på Via dei Georgofili, og skadet en del av palasset og drepte fem mennesker. Den største skaden ble påført Niobe-hallen, hvis nyklassisistiske dekor og klassiske skulpturer ble restaurert, og de fleste av freskene ble også gjenstand for restaurering. Årsaken til denne hærverkshandlingen er fortsatt uklar; den tilskrives den italienske mafiaens aktiviteter.

Brunswick monogramist

I første etasje er det en samling portretter av gamle og moderne mestere, malt av dem selv. Grunnlaget for denne dyrebare samlingen ble lagt av kardinal Leopold de' Medici, som kjøpte de fleste portrettene fra St. Lukas-akademiet i Roma, og deretter skaffet seg portretter av eldgamle mestere og kunstnere fra sin tid. Slik ble det dannet en fantastisk samling av portretter av Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Titian og andre malermestere. Blant de utenlandske kunstnerne som er representert her er Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velazquez og andre malere. I Uffizi-galleriet, ved siden av portrettene deres, henger Karl Bryullovs «Selvportrett». Allerede før St. Petersburg skapte maleriet hans «The Last Day of Pompeii» stor sensasjon i Italia, der den historiske maleren Commucci og den engelske forfatteren Walter Scott var gale etter det, og hvor Bryullov selv ble tildelt kongelig ære. For å komme til selve Galleriet, må du klatre opp en bred, men ganske bratt trapp til toppetasjen. I en lang rad med saler er det verdenskjente samlinger av malerier, statuer, bronse, kameer, mynter, medaljer, tegninger og trykk fra forskjellige århundrer. I den første delen av den enorme korridoren, som omslutter hele museet på tre sider, er det en serie ekstremt interessante malerier.

Maria Teresa Valabridge

Her er verk av middelalderens imiterende ikonmaleri, og en rekke dystre og høytidelige madonnaer på gylden bakgrunn, i røde og blå klær og med store øyne... I samme korridor er 1400-tallet rikt representert – både de beste mestere og mindre kunstnere. Midt i korridoren er det en mykt åpne dør, trukket med tøy og skinn. Det fører til den berømte "Tribune" - den sentrale delen av museet. Denne ikke veldig store salen er opplyst ovenfra, og den inneholder de mest verdifulle skulpturene fra Galleriet og malerier fra ulike land, skoler og tider.

1508. Knight and Squire I første etasje er det en samling portretter av gamle og moderne mestere, malt av dem selv. Grunnlaget for denne dyrebare samlingen ble lagt av kardinal Leopold de' Medici, som kjøpte de fleste portrettene fra St. Lukas-akademiet i Roma, og deretter skaffet seg portretter av eldgamle mestere og kunstnere fra sin tid. Slik ble det dannet en fantastisk samling av portretter av Michelangelo, Leonardo da Vinci, Raphael, Giulio Romano, Veronese, Tintoretto, Titian og andre malermestere. Blant utenlandske kunstnere er Albrecht Durer, Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Velazquez og andre malere representert her.
I Uffizi-galleriet, ved siden av portrettene deres, henger Karl Bryullovs «Selvportrett». Allerede før St. Petersburg skapte maleriet hans «The Last Day of Pompeii» stor sensasjon i Italia, der den historiske maleren Commucci og den engelske forfatteren Walter Scott var gale etter det, og hvor Bryullov selv ble tildelt kongelig ære. For å komme til selve Galleriet, må du klatre opp en bred, men ganske bratt trapp til toppetasjen. I en lang rad med saler er det verdenskjente samlinger av malerier, statuer, bronse, kameer, mynter, medaljer, tegninger og trykk fra forskjellige århundrer. I den første delen av den enorme korridoren, som omslutter hele museet på tre sider, er det en serie ekstremt interessante malerier. Her er verk av middelalderens imiterende ikonmaleri, og en rekke dystre og høytidelige madonnaer på gylden bakgrunn, i røde og blå klær og med store øyne... I samme korridor er 1400-tallet rikt representert – både de beste mestere og mindre kunstnere. Midt i korridoren er det en mykt åpne dør, trukket med tøy og skinn. Det fører til den berømte "Tribune" - den sentrale delen av museet. Dette ikke veldig store rommet er opplyst ovenfra, og inneholder de mest dyrebare skulpturene fra Galleriet og malerier fra forskjellige land, skoler og tider.
I midten av Tribune står Venus, grasiøst ærlig i sin grasiøse nakenhet. Alt ved henne er enkelt og søtt: hennes delikate ansiktstrekk og hennes delikate kropp. Hun er fremmed for både gudinnens majestetiske stolthet og koketteriet som er iboende i representanter for det søte menneskelige samfunnet. Denne unge skjønnheten er "helt dødelig", men hun er omgitt av fauner som kom fra den mytologiske verden, ukontrollert hengi seg til en lystig dans, og den sjarmerende Apollo, som tiltrekker seg med mykheten og friskheten til sine ungdommelige former. Bare den dystre figuren til en slave, som strengt sliper en kniv, selv om den er utført utmerket, er en dissonans for dette livlige og gledelige ensemblet.
I Tribune kan besøkende se to Venuser av Titian. En, etter forfatterens vilje, legemliggjør den ideelle skjønnheten til kvinnekroppen: hun er strålende, men kald. Den andre, med sin sjeldne rikdom og kombinasjon av farger, kan kalles en "historisk sjanger". Det er bevis på at Titian, under dekke av skjønnhetsgudinnen, avbildet Eleanor Gonzaga, kona til hertugen av Urbino Federigo da Montefeltre, «den vakreste kvinnen i hele Italia». Uffizi-galleriet huser et av de mest kjente maleriene i verden - "The Birth of Venus" av Sandro Botticelli, ifølge den russiske filosofen N. Berdyaev, "den vakreste, mest spennende, poetiske kunstneren fra renessansen og den mest smertefulle. ..”.
Så lenge han kunne huske, var Botticelli dypt ulykkelig og glad på samme tid. Han var, som de sier, ikke av denne verden. Drømmende redd, ulogisk i handlinger og fantastisk i dommer. Han trodde på innsikt og brydde seg ikke om rikdom. Han bygde ikke sitt eget hus, stiftet ikke familie. Men han var veldig glad for at han kunne fange manifestasjoner av skjønnhet i maleriene sine. Han gjorde livet til kunst, og kunsten ble for ham sanne liv, det var i kunstnerens malerier at "kjærlighet og lidenskap ble overveldet." Mer enn en solstråle stolte Botticelli på øyestrålen, og børsten hans var presis og fast. I likhet med Petrarca og Dante er han tiltrukket, lurt og inspirert av bildet. Dette er bildet av en ung mann vakker jente, elskeren til en annen mann (Giuliano de' Medici). Hun er selve skjønnheten, dronningen av den allmektige kunsten. Og det er grunnen til at Botticelli med en så smertefull lidenskap varmer hendene ved andres bål. Og det er derfor Vespucci sier om Simonetta det "aldri har blitt sagt om noen kvinne." Botticelli lager et banner for Giuliano de' Medici når han deltar i en ridderturnering. Banneret viser Pallas Athena, men alle forstår godt at dette er Giulianos elskede Simonetta, en skjønnhet i en hvit kjole. Men livet ødelegger skjønnheten, skjebnen forfølger kjærligheten, Simonetta dør av forbruk. Hennes død er en dyp sorg for Botticelli, en rekke plager og lidelser. I et forsøk på å svekke dem, fanger kunstneren alt og fanger Simonetta Vespucci i maleriene sine. Han kler henne opp i vakre klær, dekorerer fletten hennes av "kobber" hår med perler, tegner forsiktig litt snudd nese, markerer på leppene et mystisk smil av forførelse og en mystisk drøm. Den høye pannen hennes virker for ham som pannen til en seer, og det barnslig rørende uttrykket i ansiktet og øynene hennes som utstråler håp fremkaller en spenning av ømhet.

Alle som ser «The Birth of Venus» av Sandro Botticelli opplever en ubeskrivelig sjarm. Se på denne Venus, denne sjenerte jenta, i hvis øyne en slags lys tristhet vandrer. Komposisjonens rytme er til stede i hele bildet - både i bøyningen av den unge kroppen, og hårstråene som så vakkert suser mot vinden, og i den generelle konsistensen av hendene hennes, i det utstrakte benet, i snu hodet og i figurene som omgir henne. I mange av Sandro Botticellis malerier regjerer denne kysk nakne kvinnen, vevd av rytmene til myke linjer, og dekker forlegent brystene og livmoren hennes...
Malerier er hengt på alle åtte vegger av Tribune. Raphael er her representert av "Madonna med gullfinken" - et maleri som berører hjertet med sin enkeltsinnede, men høye åndelige sjarm. En kvinne-mor, ren som en jente, som ennå ikke helt har blomstret opp til en kvinne, lyser opp deg med den stille utstrålingen av en lys morgen. Hele vårlandskapet til et felt strødd med blomster tilsvarer bildet. Og bildet av Firenze-katedralen med fjerne blå fjell gir hele bildet en intim karakter.


Ved siden av Madonnaen og gullfinken er ytterligere to verk av Rafael utstilt - døperen Johannes og Portrett av pave Julius II.


Michelangelos Den hellige familie er utstilt i samme rom. De forteller at kunden godtok dette bildet med nøling. Faktisk virker dette bisarre verket til "renessansens titan" fullstendig fremmed for religiøst innhold. The Tribune inneholder også flere malerier med temaet "Adoration of the Magi." Kunstnere elsket denne bibelske historien, mange henvendte seg til den mer enn én gang. Evangeliets historie om de tre vise menn som overrakte gaver til den nyfødte Kristus, ble brukt av noen for å vise det festlige opptoget til en rikt kledd skare; andre så det som en mulighet til å vise verden av menneskelig erfaring. Hos Sandro Botticelli, for eksempel, er bildet strukturert på en slik måte at i grupperingene, bevegelsene og gestene til figurene som er myldret rundt Maria og barnet, formidles de mest varierte nyanser av levende følelse synlig - fra rolig, nesten kald nysgjerrighet til voldelig spenning og manifestasjoner av brennende kjærlighet. Uffizi-galleriet viser også "The Adoration of the Magi", malt av Leonardo da Vinci og Ghirlandaio.


hertug og hertuginne av Urbino. Piero della Francesca
Uffizi-galleriet har verdens rikeste samling av italienske malerier fra 1200- til 1700-tallet. (verk fra de venetianske og florentinske skolene er spesielt godt representert). Utmerkede eksempler på antikk, fransk, tysk, nederlandsk, nederlandsk og flamsk kunst presenteres. Samlingen av selvportretter av europeiske kunstnere som ligger i Uffizi er også unik. Portrett av Ferdinand Magellan av en ukjent kunstner, 1600-tallet Blant de mange maleriene som presenteres i galleriet, verk av slike mestere som Cimabue ("Madonna", 1260-1280), Duccio di Buoninsegna ("Rucellai Madonna", 1285-1286), Giotto di Bondone ("Madonna Ognissanti", 1310), Simone Martini ("Bebudelse", 1333), Paolo Uccello ("Slaget ved San Romano", midtre del"Bernardino della Ciarda faller fra hesten sin", 1450-tallet), Piero della Francesco (Portrett av hertug Federico da Montefeltro og hertuginne Battista av Urbino, 1465-1466), Fra Filippo Lippi ("Madonna og barn med to engler", 1465) , Sandro Botticelli («Vår», «Venus fødsel», «Mennes tilbedelse»), Hugo van der Goes («Portinari Triptych», 1476-1479), Leonardo da Vinci («Bebudelse», 1472-1475, «Tilbedelse» of the Magi", 1481), Piero di Cosimo ("Perseus befrier Andromeda", 1515), Albrecht Durer ("Adoration of the Magi", 1504), Michelangelo ("Tondo Doni", 1503), Raphael ("pave Leo X" med kardinalene Giulio de' Medici og Luigi de Rossi, 1518-1519), Titian (Venus av Urbino, 1538), Francesco Parmigianino (Madonna av den lange halsen, 1534-1540), Caravaggio (Bacchus, Isaac-offeret), Andrea Verrocchio ("Kristi dåp", 1472-1475).

I tillegg til galleriet, huser Uffizi-bygningen også andre viktige samlinger: Contini Bonacossi-samlingen donert til museet, samlingen av trykk og tegninger som inneholder nesten 120 000 grafiske verk fra slutten av 1300-tallet til i dag, også som den velkjente "Vasari-korridoren" (bygget av Vasari i 1565), som forbinder Uffizi med Pitti-palasset og inkluderer en betydelig samling av malerier fra 1600-tallet og en berømt samling av selvportretter Maesta. Giotto
Kunngjøring. Simone Martini Materialer på nettstedet brukt

UFFIZI GALLERI

"Direct-Media", Moskva, 2016

Forord

På midten av 1500-tallet var Firenzes herlighet som byen der høyrenessansen blomstret i ferd med å bli en legendarisk fortid. Men et hellig sted er som kjent aldri tomt: kunstnerlivet her har ikke gått bort, det har bare tatt en annen form. Kunst strømmet inn i museet. Imidlertid hadde den daværende florentinske herskeren ideen om å utvide sin bolig. Det viste seg at han oppfylte skjebnens vilje, og det ønsket at et av de mest kjente museene i verden skulle dukke opp i Firenze...

På det aktuelle tidspunktet hadde Medici etablert dominans over hele Toscana. Cosimo I, en representant for den yngre grenen av Medici-familien, bestemte seg for å bygge en bygning der alle statlige institusjoner skulle være konsentrert. Derav navnet - "Uffizi", eller, på moderne språk, "kontorer". Men Firenze var heldig: Familien av bankfolk og kjøpmenn som styrte den ble preget av to trekk - fra generasjon til generasjon ga mediciene sin kjærlighet til kunst videre og hadde lenge beskyttet kunstnere. Noen ganger ble de selv kunstnere, i vid forstand. Ved midten av 1500-tallet hadde mediciene samlet en god samling, som blant annet omfattet mange kunstverk, og helt fra starten bestemte de seg for å gi en del av lokalene til Uffiziene for oppbevaring.

Giorgio Vasari, en mann med forskjellige talenter (han var også maler og kunsthistoriker), ble invitert som arkitekten for den planlagte bygningen. Og så i 1560, mellom Piazza della Signoria og Arno-elven, begynte byggingen av en U-formet struktur. Den skulle bestå av to fløyer og en overgang mellom dem. Men ensemblet inkluderte også bygninger som allerede fantes på det valgte stedet, inkludert Loggia dei Lanzi med utsikt over torget, som var beregnet for møter og mottakelser.

Bygningen viste seg å være enorm, og for å diversifisere og samtidig komposisjonsmessig forene den fra utsiden, kom Vasari opp med en arkitektonisk modul som ble gjentatt gjennom hele fasaden: en portiko med pilastre på sidene - på første etasje og tre vinduer over den - i andre. Den delen som koblet sammen begge vingene til Uffizi ble skåret gjennom av store gjennomgående buer som fylte det trange rommet mellom de to vingene med lys. Resultatet ble også en interessant utformet fasade med utsikt over elven Arno. Medici-samlingene vokste raskt, så Cosimos sønn Francesco I bestemte seg for å utvide utstillingsrommet i Uffiziene. Han beordret fjerning av administrative kontorer fra andre etasje av bygningen, og i stedet for bygging av haller for gamle statuer. For dem skapte Bernardo Buontalenti, som jobbet i Uffizi etter Vasaris død, et langt galleri med hvelv malt med "grotesker" - dyre- og plantemønstre. Et lignende ornament dekorerte Neros "Golden House", en eldgammel struktur hvis ruiner ble oppdaget under renessansen. I tillegg bygde Buontalenti den såkalte Tribune - en åttekantet hall med høye vinduer, prototypen var det berømte Vindenes tårn i Athen. Denne appellen til antikken var også en slags innsamling.

I løpet av Ferdinando I's tid, som styrte etter broren Francesco, dukket det opp verksteder for kunstnere, skulptører, juvelerer, forgylgere, steinskjærere, miniaturister og porselensmakere i Uffizi. Samtidig ble «Halen» bygget geografiske kart", på veggene som kart ble tegnet av, og en globus ble installert i sentrum, og "Matematikkhallen", hvor vitenskapelige instrumenter ble plassert. I andre rom ble det vist våpen og rustninger, graverte steiner og portretter. Som du kan se, samlet Mediciene alt som hadde kunstnerisk, historisk eller vitenskapelig verdi, eller til og med bare en fryd for øyet. Derfor kombinerte Uffizi først et kunstgalleri og et kuriositeter.

En av hovedbegivenhetene i historien til det begynnende museet skjedde i 1591: samlingen ble åpnet for besøkende fra de høyeste samfunnskretsene. Uffizi-galleriet ble aktivt fylt opp med kunstverk, som også ble sendt av medlemmer av den regjerende familien som bodde utenfor Firenze, for eksempel de franske dronningene Catherine og Marie de' Medici. Malerier begynte å bli tatt fra kirker og klostre til Uffizi, noen ganger erstattet dem med kopier.

Men den første av mediciene som begynte å samle malerier og tegninger med kjennskap til saken, var Ferdinands bror, kardinal Leopoldo: velbevandret i kunst, han samlet malerier og grafikk slik at visse kunstskoler og periodene ble presentert så fullstendig som mulig. Under Leopoldos regjeringstid ble samlinger av selvportretter, tegninger, porselen, medaljer og bronser plassert i den vestlige fløyen. I tillegg åpnet Uffizi en "Fonderia", der parfymer og medisiner ble laget, og naturlige rariteter ble stilt ut: neshorn, strutseegg, balsamerte dyr.

Døde i 1737 siste hersker fra Medici-familien - Gian Gastone. Samme år signerte søsteren hans Anna Maria et dokument der Uffizi med alle dens samlinger dro til Firenze og ble erklært som et offentlig museum, og ikke bare "for sine egne." En gang i tiden skrev Lorenzo den storslåtte Medici, en av de mest kjente forfedrene til de som bygde dette galleriet, og selv en beskytter av kunst, i diktet sitt om den ideelle herskeren: "Rikdom, pomp, alt som passer til makten er ikke hans, en del av folket... “Og slik ble det.

De første besøkende, som de sier, «fra gaten», dukket opp i museets saler i 1769. Luigi Lanzi ble utnevnt til kurator for Uffizi-galleriet, som begynte å sette hele samlingen i stand, særlig med å ordne de utstilte maleriene iht. kronologi og maleskoler. Så, under Ferdinand III av Lorraine, da Tommaso Puccini ble direktør for museet (som reddet mesterverk som erobrerne kunne ta til Paris under Napoleons invasjon av Italia), ble det bygget et glasstak i Galleriet for å la naturlig lys trenge inn i lokalene , og navneskilt ble plassert i nærheten av maleriene kunstnere og datoene for opprettelsen av verk.

Allerede på 1800-tallet ble det klart at det rett og slett var umulig å plassere i ett museum alt som var samlet gjennom de mange årene det eksisterte. Det ble besluttet å fjerne det meste av antikkens kunst, smykker, vitenskapelige instrumenter og alle våpen fra samlingen og opprette nye museer på grunnlag av disse. Uffizi ble et kunstgalleri, som hovedsakelig huser malerier, med statuer og kunstverk som fulgte med dem.

En seriøs studie av maleriene presentert i samlingen og deres restaurering begynte. De siste lokalene, som fortsatt var okkupert av noen statlige institusjoner, ble fraflyttet og gitt over til utstillinger.

Generelt, som forfedrene til italienerne, de gamle romerne, sa, "vita brevis, ars longa," som betyr "livet er kort, kunsten er evig."

KUNST AV GAMLE HELLAS OG GAMLE ROMA

Venus de Medici
CLEOMENES, SØNN AV APOLLODORS

Denne marmorkopi av en tapt gresk original fra den hellenistiske epoken var i den pavelige kunstsamlingen i Roma og ble anskaffet av Medici-samlingen, som er hvordan den fikk navnet sitt. Statuen tilhører typen "Aphrodite of Cnidus" eller "Bashful Venus", som dekker hennes nakenhet med hendene.

Den vakre blomstrende kroppen til gudinnen som dukker opp fra havets skum er fint utformet av billedhuggeren. I hele Venus sitt utseende, og ikke bare i gesten hennes, kan man fornemme skjelvende frykt: hun så ut til å krympe litt innvendig og stoppe. Fordi marmor-"kjøttet" uttrykker karakterens tilstand, virker skulpturen levende, pustende. George Gordon Byron skrev om denne statuen i Childe Harold's Pilgrimage:

Du ser, du klarer ikke å si farvel til henne,
Du kom til henne - og det er ingen vei tilbake!
I lenker bak triumfvognen
Følg kunsten, for du har blitt tatt til fange.

KUNST AV ANTIKKEHELLAS OG GAMLE ROMA:

• Centaur Torso (Gaddi Torso)
• Portrett av Cicero

Centaur Torso (Gaddi Torso)
1. århundre f.Kr e. Marmor. Høyde 153

Et fragment av statuen som viser en kentaur med hendene knyttet bak ryggen var eid av Gaddi-familien, derav navnet. Dette er et eksempel på hellenistisk kunst, og den tilhører den såkalte Pergamon-skolen, hvis skulptører skapte "Pergamon-alteret" med scener fra slaget mellom guder og titaner.

Overkroppen er full av kraft og trener samtidig så mye at musklene "leker" under huden. En skarp sving på kroppen fyller den med uttrykksfulle bevegelser, hvis bølger kan føles selv på avstand. Denne skulpturen påvirket den unge Michelangelo Buonarroti, en italiensk billedhugger og maler hvis karakterer er preget av sterke, muskuløse kropper.

Portrett av Cicero
Midten av 1. århundre. Marmor. Høyde 74

Om Marcus Tullius Cicero, en romersk filosof, taler og politiker som levde i det 2.–1. århundre f.Kr., skrev Plutarch: «I en tid da grådigheten blomstret... Cicero ga klare bevis på sin likegyldighet til profitt, hans menneskelighet og integritet. ".

De romerske skulptørenes engasjement for realisme hjalp den ukjente mesteren til ikke bare å legemliggjøre sannheten utseende Cicero, men også for å vise denne personens indre tilstand. Marmorbysten representerer ham som middelaldrende og sliten, avbildet i en vanskelig periode av livet hans. Ciceros panne, som Plutarch beskriver som en munter mann, er rynket pannen her, blikket er konsentrert og leppene hans er komprimerte. Det ser ut til at han fører en dialog i seg selv med en tenkt motstander, eller kanskje krangler med seg selv.

Den typen skulpturbyste som var vanlig i datidens romerske kunst - avrundet nederst, med toga lagt i forskjellige folder, på et rundt stativ - bidro til å opphøye den avbildede, til tross for alle de menneskelige trekkene som skulptøren fremhevet.

ITALIAS KUNST: FØR 1500-tallet

Vår. Fragment
SANDRO BOTTICELLI
Omkring 1478. Tre, tempera. 203 x 314

Storhetstiden til Sandro Botticellis maleri kom i en tid da han kom nær kretsen av humanister – poeter, forfattere, filosofer, kunstnere – ved Medici-domstolen. Lorenzo den storslåtte, hersker over Firenze, skrev poesi og beskyttet kunsten. Dette maleriet med komplekst filosofisk og poetisk innhold ble bestilt for villaen til hans fetter Lorenzo di Pierfrancesco Medici.

«Vår» gjenspeiler tre uløselige retninger som kunsten og filosofien til de florentinske humanistene utviklet seg i: eldgamle, kristne og høviske. Fra antikken er her karakterer og motiver av myter. Til høyre kidnapper Zephyr, den varme vestavinden, Chloris, den greske nymfen av åker og blomster, som blir til Flora, avbildet akkurat der - allerede en romersk gudinne som overøser jorden med blomster. På venstre side er tre nåder, som personifiserer kyskhet, kjærlighet og nytelse. Mercury, som sprer skyene, stående i skyggen av appelsintrær, refererer betrakterens fantasi til myten om Paris og hans valg av den vakreste av gudinnene, som han ga eplet som vinneren. Denne gudinnen, Afrodite, eller som de gamle romerne kalte henne, Venus, går mykt på teppet av urter og blomster i midten av maleriet. Over hodet hennes er Amor med en bue, og sikter mot en av nådene.

Det kristne temaet manifesteres her ved at hovedpersonen ligner Madonnaen, hvis hånd ser ut til å velsigne alle. Denne heltinnen avslører også kulten til den "vakre damen", inspirasjonen til diktere. Disse høviske følelsene blomstret i kretsen til Lorenzo den storslåtte. Maleriet ble malt kort tid etter døden til Lorenzos bror Giuliano Medicis elskede, den vakre Simonetta Vespucci. Venus ligner ansiktet hennes. Merkur selv ligner Giuliano, som også Saint Sebastian, den kristne martyren, er anerkjent i.

Dette verket, der en rekke motiver konvergerte, markerte en viktig vending mot maleri som ikke var underlagt noen kanoner. Bare kunstnerens sjel og hans vilje var synlig i den. Den russiske kunstkritikeren Pavel Muratov skrev om Botticelli: «Han var den første som møtte morgentåken til de nye og ha en lang dag i verdenshistorien under ren kunsts eneste banner."

ART OF ITALIA (FØR DET 16. ÅRHUNDRE):

• Madonna og barn med engler (Ognisanti Madonna). DUCCIO DI BUONINSEGNA
• Kunngjøring. SIMONE MARTINI
• Bringe til templet. AMBROGIO LORENZETTI
• Tilbedelse av magiene. GENTILE DA FABRIANO
• Madonna og barn, Saint Anne og engler. MAZOLINO DA PANICALE,
  MASACCIO
  
• Kroning av Maria. FRA BEATO ANGELICO
• Slaget ved San Romano. PAOLO UCCELLO
• Triptyk med tilbedelsen av magi, omskjæring og himmelfart. ANDREA MANTEGNA
• Hercules og Hydra. ANTONIO POLLAIOLO
• Portretter av Federico da Montefeltro av Urbino og Battista Sforza. PIERO DELLA FRANCESCA
• Kristi dåp. ANDREA VERROCCHIO, LEONARDO DA VINCI
• Tilbedelse av magiene. LEONARDO DA VINCI
• Kunngjøring. LEONARDO DA VINCI
• Tilbedelse av magiene. SANDRO BOTTICELLI
• Venus' fødsel. SANDRO BOTTICELLI
• Madonna og barn med engler (Madonna del Magnificat). SANDRO BOTTICELLI
• Hellig allegori. GIOVANNI BELLINI
• Pietá. PIETRO PERUGINO

Madonna og barn med engler (Madonna Rucellai)
DUCCIO DI BUONINSEGNA
1285. Tre, tempera. 450 x 290

Kunstneren fra Siena, Duccio di Buonisegna, introduserte dekorativiteten og ynden til fransk gotikk i den bysantinske malerstilen, som hersket i italiensk maleri på den tiden. Dette alterbildet ble malt av ham på forespørsel fra Maria-samfunnet for kapellet i den florentinske kirken Santa Maria Novella, og på 1500-tallet ble det overført til et annet kapell, Rucellai, og det er grunnen til at det fikk sitt nåværende navn.

Bildet av Madonna og barnet som troner, plassert på gullbakgrunn, følger den bysantinske tradisjonen. Men fargenes lysstyrke, festligheten deres, så vel som de lunefulle linjene i Guds mors kappe, spesielt den gylne kanten på kappen hennes, er et resultat av "gotisk innflytelse." Og i utseendet til alle karakterene som presenteres her, helt ned til englene som forsiktig senker tronen fra himmelen, kan man føle de nye trendene med mer realistisk maleri for den tiden. Duccios kunst, selv om den var forsiktig, varslet allerede renessansen.

Madonna og barn med engler (Ognisanti Madonna)
GIOTTO (GIOTTO DI BONDONE)
Rundt 1306–1310. Tre, tempera. 325 x 204

Denne store altertavlen av Giotto, som representerer jomfruen og barnet omgitt av engler og helgener ("ognisanti" betyr "alle helgener" på italiensk), er laget i tradisjonen fra det 11.–13. århundre. På den tiden var italiensk maleri under sterk bysantinsk innflytelse, men kunstneren introduserte noe helt nytt i middelalderens billedkanon.

Madonnaen sitter på tronen ikke strengt tatt i sentrum og er avbildet halvvendt. Giotto malte figuren hennes på en slik måte at hun ser majestetisk og voluminøs ut, dette understrekes av plastfoldene på kappen. Den konvensjonelle gylne bakgrunnen, som symboliserer himmelen, kombineres her med dybden av rommet, uttrykt gjennom tronens arkitektur - dens trinn og baldakin. Mesteren fokuserte også på følelsene til karakterene, og skildret engler og helgener som ærbødig løfter hodet og så med åndelig frykt på Guds mor og barnet.

Kunngjøring
SIMONE MARTINI
1333. Tre, tempera. 265 x 305

I arbeidet til Simone Martini, en representant for Siena-skolen, ble trekkene til sengotisk med sin dekorativitet og langstrakte grasiøse kropper kombinert med trekkene til proto-renessansemaleri.

Kunstneren malte «Bebudelsen» for alteret til St. Ansanius i katedralen i Siena. Mariafiguren vises mot en gylden bakgrunn, som symboliserer himmelen, med en behersket, glatt silhuett. Den lunefulle skikkelsen til erkeengelen Gabriel - hans fortsatt flygende vinger, kappen flagrende bak - bringer en følelse av luft og vind inn i rommet. Fra den himmelske budbringeren til Maria på bildet er det ord fra evangeliet: "Vil hilset, full av nåde, Herren er med deg" (Luk 1:28), og denne tynne ligaturen ser ut som en del av ornamentet som linjer og farger form. Alt her er behagelig for øyet: lyse englevinger, hvite liljer som står i en vase - et symbol på Marias renhet og renhet, og linjene og kombinasjonen av farger i bildet.

Bildene i den sentrale scenen er skjøre, eteriske, som dekket av fjelluft. Sammenlignet med dem er den hellige Ansanius og den hellige Julitta avbildet på sidedelene av alteret trukket ut mer omfangsrikt, noe som førte til at forskere lurte på om dette er arbeidet til Lippo Memmi, hvis signatur også er under bildet. Imidlertid forgylt kunstnerens student mest sannsynlig bare rammen, og Martini malte helgenene selv og skildret dem mer levende for å understreke den overjordiske ånden i den presenterte scenen.

Bringe til templet
AMBROGIO LORENZETTI
1342. Tre, tempera. 257 x 168

Siena-mesteren Ambrogio Lorenzetti skapte dette alteret, som bare den sentrale delen har nådd oss, for Siena-katedralen.

Det gotiske interiøret i kirken - Lorenzettis handling finner sted i katedralen, som alteret var ment for - er kombinert med "antikke" skulpturer på fasaden, for eksempel med bevingede genier som støtter en krans. Scenens høytidelighet understrekes av de lyse, klangfulle fargene på klærne og de arkitektoniske elementene, og de detaljerte detaljene - yppersteprestens kappe, offerduene i hånden, hovedstedene i søylene, mosaikkene som dekorerer kirken - er i utrolig harmoni med denne høye stemningen.

Eldste Simeon holder spedbarnet Kristus i armene og profeterer om ham med frykt, mens Maria, som hører hans ord, er trist og oppslukt av seg selv. Alle andre karakterer som lytter til den gamle mannen er også utstyrt med sine egne følelser. Dette ønsket om å uttrykke følelsene til de avbildede, å male figurene deres i tilstrekkelig volum, var et utvilsomt tegn på den nærmer seg renessansen.

Tilbedelse av magiene
GENTILE DA FABRIANO
1423. Tre, tempera. 303 x 282

Maleriet av Gentile da Fabriano representerer en slik bevegelse i europeisk kunst som internasjonal gotikk. Mesteren skapte alteret "Adoration of the Magi" for Strozzi-kapellet i Santa Trinita-kirken i Firenze.

En overfylt fargerik prosesjon er avbildet som beveger seg mot forgrunnen av bildet. Evangeliets historie om kongene som kom for å tilbe Kristusbarnet tolkes her i ånden av en middelaldersk ridderromantikk: en tjener knytter en spore til en av de vise menn, noe som understreker at hans herre tilhører ridderskapet, jaktscener er ispedd bildet, og måten mange av karakterene har kan beskrives som "høflig" - bare se for eksempel på hushjelpene til venstre. Dette verket er interessant å se på fordi det er fullt av fantastiske detaljer, for eksempel stryker Kristusbarnet hodet til en eldre trollmann som kysser foten hans. Blant dem som kom langveisfra, er det alle - unge og gamle, riddere og jegere. Bildet inneholder ikke bare mennesker, men også dyr - en løve, en gepard, aper, en falk. Det ser ut til at kunstneren også brukte plottet for å skildre rikdommen i verden han kjente.

Dette alterbildet er malt med rene, skinnende, juvellignende farger, og dets dekorativitet er forsterket av gull ispedd her og der. Rammen ble laget etter tegningen av mesteren selv, som inkluderte små bilder i den og tenkte ut innredningen til minste detalj. Predellaen til alteret består av tre billeddeler, som representerer "Kristi fødsel", "Flytt til Egypt" og "Bringe inn i tempelet". Kunsthistoriker Viktor Lazarev skrev: «I altertavlen hans, det vakreste og mest festlige maleriet fra den tidlige Quattrocento, skildret Gentile den føydale verdenen som forlot den historiske scenen i all sin prakt, med alle dens ytre attraktive trekk, i auraen til dens "ridderromantikk."

Madonna og barn, Saint Anne og engler
MAZOLINO DA PANICALE,
MASACCIO (TOMMASO DI GIOVANNI DI SIMONE CASSAI)
Omkring 1425. Tre, tempera. 175 x 103

Masolinos børster i dette verket, laget for kirken Sant'Ambrogio i Firenze, tilhører bildet av St. Anne og englene, og Masaccio - Madonnaen og barnet og en engel i grønt og rødt antrekk. Middelalderkunstens påvirkning er synlig her i den gylne bakgrunnen, forhenget, ikonografien til hele scenen - Maria sitter foran St. Anne med den lille Kristus på knærne, og på sidene er engler plassert over hverandre . Men dette er allerede et renessanseverk, spesielt der børsten til Masaccio fungerte, som var den første av dem som helt og holdent kan tilskrives renessansens mestere. Figurene han malte er belyst fra siden og avbildet med kunnskap om perspektiv, som kunstneren studerte. Han fokuserer bare på det viktigste, så det er kraft i de skapte bildene, som snart manifesterte seg i maleriene laget av kunstneren i florentinske kirker. Masaccio levde ikke lenge, men klarte å påvirke hele renessansemaleriet.

Kroningen av Maria
FRA BEATO ANGELICO (FRA GIOVANNI DA FIESOLE)
1434–1435. Tre, tempera. 112 x 114

Maleriene til kunstneren fra tidlig renessanse, den dominikanske munken Fra Angelico, er gjennomsyret av en tilstand av stille glede. Mesterens flerfigursverk er også fylt med det, for eksempel «Kroningen av Maria», laget for kirken Sant’Egidio i Firenze.

Kristus setter en krone på hodet til Guds mor, himmelens dronning, engler blåser i trompeter, helgener tenker ærbødig på hva som skjer. Den gyldne bakgrunnen, som kommer fra den bysantinske tradisjonen med å avbilde himmelen, er her kombinert med reliefftegnede figurer, og middelalderens ånd, som fortsatt føles i dette alterbildet, er kombinert med en kompleks komposisjon som allerede er iboende i renessansen.

Fargingen av maleriet beskrives best med ord fra Nikolai Gumilyovs dikt om Fra Angelico:

Og fargene, fargene er lyse og rene,
De ble født med det og døde med det.
Det er en legende: han løste opp blomster
I biskopvelsignet olje.

I komposisjonene til predellaen, det vil si de som er plassert nederst på hovedbildet, presenterte kunstneren "The Betrothal of Mary" og "The Assumption of Mary", som nå oppbevares i San Marco-museet i Firenze.

Slaget ved San Romano
PAOLO UCCELLO
Omkring 1438. Tre, tempera. 180 x 323

Det presenterte maleriet av Quattrocento-kunstneren Paolo Uccello er ett av tre han malte om dette emnet og sto ved opprinnelsen til kampsjangeren i europeisk kunst. Alle disse verkene, bestilt av Leonardo Bartolini Salimbeni, som deltok i slaget, skildrer øyeblikk av slaget mellom florentinerne og sienerne, som fant sted i 1432.

I maleriet «Slaget ved San Romano» slår en florentinsk ridder lederen av fiendens hær, Bernardino della Charda, ut av salen med et spyd. Florentinernes leder, Niccolo da Tolentino, sittende på en hvit hest, har allerede slått en av fiendene i bakken. Det foregår en kamp rundt omkring, «hester og mennesker er blandet sammen», spyd og armbrøst kastes opp, riddere og våpnene deres flyr til bakken. Spenningen i hele scenen er også gitt av det faktum at mange figurer passer inn i et lite rom, dessuten, i kantene av komposisjonen, er komposisjonen bevisst avskåret av en ramme, noe som får det til å virke trangt innenfor; tildelte grenser.

Uccello skildrer karakterene sine i en rekke positurer. Det var trolig for å øve på denne ferdigheten han tiltrådte jobben. Den røde hesten til venstre, galopperende bort, den grå med ridderen som falt med ham, den hvite som florentinernes leder sitter på, viser hvordan kunstneren taklet komplekse vinkler og perspektiv. Dynamikken i hele scenen understrekes av fargeskjemaet, der lyse, rene farger kolliderer.

Triptyk med tilbedelsen av magi, omskjæring og himmelfart
ANDREA MANTEGNA
1460–1464. Tre, tempera. 86 x 161,5

Andrea Mantegna er en kunstner i hvis malerier, allerede flere tiår før starten av høyrenessansen, de nærme trinnene til denne kraftfulle kunsten ble følt.

Triptyken ble malt etter ordre fra markgreve Ludovico Gonzaga for kapellet ved hans familiepalass i Mantua (for denne familien skulle maleren jobbe resten av livet). Miniatyrskriften til alterbildet, overfloden av fantastiske detaljer, karakteristisk for kunsten fra den tidlige renessansen, kombineres her med kraften og monumentaliteten som var iboende i det neste stadiet av italiensk maleri. Som et resultat har det lille pittoreske alteret samme inntrykk som Mantegnas veggmalerier i Gonzaga-palasset. Og samtidig vil du se på triptyken som en juvel fra en boks.

I den sentrale delen presenterte kunstneren en scene for tilbedelsen av magiene: blant det steinete landskapet han elsket så mye, beveger seg en lang prosesjon av mennesker i luksuriøse antrekk. De går for å tilbe barnet som sitter på Marias fang. Engler svever rundt. Mantegnas tørre og lyse skrift får bildet bokstavelig talt til å skinne takket være den spesielle "luften" i maleriene - helt gjennomsiktig, sjeldne, noe som bare skjer høyt i fjellene. Derfor, i verden skapt av kunstneren, er alt synlig: stien i det fjerne, og det lyse slottet som det fører til, og kamelens hår, og de grove gressene og de tynne gyldne trådene som gjennomsyrer klærne. Og samtidig kan scenen tenkes utvidet over hele kapellveggen. Mantegna visste dette, og for å forsterke den monumentale effekten av bildet, malte han det på en konkav overflate.

I scenen "Omskjæring" (til høyre) malte kunstneren nøye ornamenten på veggene, komposisjonene i lunettene - "Isaks offer" og "Moses presenterer folket med paktens tavler", en kurv med duer i Josefs hånd, et brett med tilbehør til omskjæring, som gutten leverer til ypperstepresten. Bildet av lille døperen Johannes suger fingeren mens han holder en bitt bagel i den andre hånden er rørende. Hele denne detaljerte scenen ville være egnet for et stort veggmaleri.

Og bare i den tredje komposisjonen - "Ascension" (til venstre) - er det nesten ingen nøye avbildede detaljer, den er mer asketisk og kraftig, det steinete landskapet er igjen synlig i det, og til og med skyen som Kristus står på ser ut til å være skåret ut ut av marmor. Men som før formidles følelsene til karakterene subtilt: Marias og apostlenes forundring og håp, lett tristhet og løftet om å møte i himmelen i Frelserens øyne.

Hercules og Hydra
ANTONIO POLLAIOLO
1460. Tre, tempera. 17 x 12

Det lille maleriet av Antonio Pollaiolo, en florentinsk maler fra Quattrocento-tiden, skildrer en av bedriftene til den antikke greske helten Hercules, eller Hercules. Et annet nettbrett med en komposisjon om temaet for denne myten er også på museet. Forskere antyder at begge verkene er skisser for store malerier bestilt av kunstneren Piero de' Medici, eller deres mindre kopier. Men de kan også være selvstendige verk, og da er det enda mer nødvendig å merke seg at Pollaiuolo klarte å gi et så lite bilde monumentalitet.

Som et komplott tok mesteren den delen av myten om Hercules, der han kjemper mot den leniske hydraen, en gigantisk slange som hadde mange hoder og en av dem var udødelig. Kunstneren formidler spenningen i kampen ved å skildre heltens hovne muskler og desperate ansiktsuttrykk. Verket er fullt av bevegelse. Styrken og kraften til Hercules understrekes av landskapet som ligger langt under og av at hovedpersonen er plassert mot himmelen. Men samtidig ble maleren tydelig betatt av de vakre og elastiske linjene i draperiene, slangekroppen og elvens svingete bånd, som skaper et komplekst mønster i verket.

Portretter av Federico da Montefeltro av Urbino og Battista Sforza
PIERO DELLA FRANCESCA
1465. Begge - tre, olje. 47 x 33

Som om de er fylt med luft, etterlater maleriene til denne Quattrocento-kunstneren på samme tid et inntrykk av kraft og fred. Dette er portrettene av hertugen av Urbino Federico da Montefeltro og hans kone Battista Sforza.

Ansiktene deres er vist i profil, i samsvar med datidens portretttradisjoner, nært knyttet til skildringen av kjente personer på mynter og medaljer. Men ingen av portrettkunstnerne var i stand til å dra så mye nytte av dette perspektivet som Piero della Francesca: han ga bildene av Federico og Battista enestående majestet, og løftet for første gang personen som ble portrettert til de høyder hvor han burde ha stått i humanismens epoke. Inntrykket av bildenes monumentalitet med den lille størrelsen på brettene forsterkes av det faktum at bakgrunnens rolle spilles av et landskap som trekker seg tilbake i det fjerne, vist fra et høyt punkt. Det skal bemerkes at vinkelen som Federico er avbildet i, også gjorde det mulig å skjule den vansirede halvdelen av ansiktet til den fryktløse kondottieren. Men den pregede profilen, enda mer fremhevet av den jevne røde fargen på kappen, har en myk cut-off skulptur. Et rolig, selvsikkert blikk fra under tunge øyelokk og ømhet i huden på tinningene, kinnene og halsen gir en så subtil og sann følelse av en person at det psykologiske portrettet som spredte seg i senere tider ikke alltid gir.

Til å begynne med var dørene til alteret bevegelige takket være hengsler det kunne brettes og scenene fra Federico og Battistas triumf skrevet på baksiden av tavlene med portretter. Begge ektefellene, sittende på hestetrukne vogner, kjører mot hverandre. I skildringen av landskapet, malt i detalj og formidler lys-luft-miljøet, er påvirkningen fra nederlandsk maleri merkbar.

Kristi dåp
ANDREA VERROCCHIO,
LEONARDO DA VINCI
1470–1475. Tre, tempera, olje. 177 x 151

Som først og fremst en skulptør, utførte Andrea Verrocchio maleoppdrag med jevne mellomrom, som et resultat av at et av maleriene hans - "Kristi dåp" - ikke kunne fullføres. Han ba eleven Leonardo da Vinci, ung, men allerede oppnådd på den tiden, om å fullføre det han hadde begynt på. stor suksess, selv om han forble i lærerens verksted. De sentrale figurene og engelen til høyre var allerede malt på en måte som er typisk for Verrocchio - tørr, lineær, med utsøkte silhuetter av figurene.

Leonardo avbildet en engel som sto til venstre, men brukte ikke tempera, som læreren, men oljemaling, som tørker lenger og lar deg formidle myk chiaroscuro, som omslutter bildet i en lett dis. Slik ble Leonards "sfumato"-teknikk, som senere ble kjent, født. Kunstneren malte også en del av landskapet bak englene, som var grunnlaget for en tegning han laget som viser Arno-elvedalen. Arbeidet til den unge maleren overrasket Verrocchio og ble så populært at det ble laget kopier fra denne gruppen engler.

Tilbedelse av magiene
LEONARDO DA VINCI
1480–1481. Tre, tempera, olje. 243 x 246

Denne altertavlen ble bestilt av Leonardo fra kanonene til klosteret San Donato i Scopeto, men forble uferdig, enten fordi kunstneren dro til Milano, eller fordi han ganske enkelt forlot denne planen. Men bildet ser komplett ut og har alle funksjonene til mesterens maleri på den tiden.

I Quattrocento-tradisjonen overbelastet Leonardo komposisjonen noe med en overflod av figurer i uttrykksfulle positurer, detaljer om landskap og arkitektur. Dette kan imidlertid forklares med at Leonardo som renessansekunstner var nysgjerrig på verdensordenen. Derfor spilte en slik kategori som mangfold en stor rolle for ham. Leonardos samtidige, forfatter Baldassare Castiglione, bemerket: "... verdensstrukturen som vi ser, med en romslig himmel, så glitrende med klare stjerner, og med jorden i sentrum, omgitt av hav, som er diversifisert av fjell, daler og elver og som er dekorert med så mange forskjellige trær og vakre blomster og urter, - kan man si, er et edelt og flott bilde malt av naturens og Guds hånd ... "

For italienske humanister sto det guddommelige i sentrum av universet. I Leonardos verk skiller Maria seg ut fra bakgrunnen til mange "aktivt handlende" karakterer med en rolig positur og en jevn vending av hodet. Kunstneren bygger en kompositorisk trekant eller, mer presist, en pyramide, på toppen av hvilken er hodet til Maria. Denne teknikken, som ga balanse og harmoni til det avbildede bildet, fant utbredt bruk blant høyrenessansens mestere.

Kunngjøring
LEONARDO DA VINCI
Rundt 1472. Tre, olje, tempera. 98 x 217

Leonardo jobbet med dette maleriet mens han fortsatt var i Verrocchios studio. Den unge artisten måtte fullføre det andre elevene hadde begynt på og rette opp feilene sine. Han fullførte flere skisser av Marias kappe og kappen til erkeengelen Gabriel og, basert på disse tegningene, skrev han om draperiene, som som et resultat lå i voluminøse folder. Så malte Leonardo hodet til erkeengelen Gabriel, noe som gjorde det litt bøyd, men hadde ikke tid til å gjøre endringer i bildet av Maria, hvis positur ikke ser helt naturlig ut. Han hvis pensel rørte her før Leonardo kjente nok heller ikke så godt til perspektivets lover. Men alle disse feilene viser uventet hvor vanskelig det var å mestre de teknikkene for realistisk maleri som virker så naturlige i maleriene til renessansemesterne.

En blyant- og blekktegning av kunstneren på samme tid er bevart, der Mary bøyde hodet og lukket øynene. Håret hennes var bundet øverst med et bånd med en dyrebar brosje, og silkemyke tråder spredt over skuldrene. Leonardo verdsatte tilsynelatende dette subtile, poetiske bildet som ble født under pennen hans at han malte et eget lite bilde med temaet kunngjøringen.

Tilbedelse av magiene
SANDRO BOTTICELLI
Omkring 1475. Tre, tempera. 111 x 134

I denne flerfigurskomposisjonen presenterte Quattrocento-mesteren Sandro Botticelli i bildet av magiene som tilber spedbarnet Kristus, medlemmer av Medici-familien, bankfolk og kjøpmenn, herskerne i Firenze og de som står dem nær, inkludert ham selv.

Blant ruinene av det gamle Roma, som symboliserer slutten på den gamle verden og begynnelsen på en ny, kristen, sitter Madonnaen. Hun holder babyen på fanget, Joseph står bak, lener seg på hånden og ser ømt på den nyfødte. Cosimo den eldste de Medici knelte foran Kristus. Giorgio Vasari skrev: "Og vi ser spesiell uttrykksfullhet i den gamle mannen, som kysser vår Herres føtter og smelter av ømhet, viser på den mest utmerkede måte at han har nådd målet for sin lengste reise." Nærmere forkant Maleriene viser sønnene til Cosimo, Piero og Giovanni. Da verket ble skrevet, var de og faren deres allerede døde, men Botticelli inkluderte dem i familiekretsen som uløselig knyttet til den. I svart og rød kappe står Giuliano, sønn av Piero, tankefull, bak ham med skjegg og i hatt filosofen Giovanni Argiropoulo, foran ham i blått står kunden til verket, Zanobi del Lama. Til venstre står Giulianos bror, Lorenzo den storslåtte, i stolt positur, ved siden av ham er poeten Angelo Poliziano, humanisten og filosofen Pico della Mirandola forteller dem noe. Til slutt, i nedre høyre hjørne, ser Botticelli selv, pakket inn i en rød kappe, på betrakteren. Tradisjonen med å avbilde seg selv blant deltakerne i en scene fra Skriften var utbredt under renessansen.

Mediciene etablerte det såkalte magienes brorskap i Firenze, som inkluderte dem selv og deres medarbeidere. Brorskapet organiserte utkledde prosesjoner: medlemmene, kledd som vise menn, gikk og red på hester gjennom byens gater. Sannsynligvis fant disse mysteriene også sitt ekko i Botticellis maleri.

Venus fødsel
SANDRO BOTTICELLI
1483–1485. Lerret, tempera. 172,5 x 278,5

«The Birth of Venus», som «Spring», skrev kunstneren for Lorenzo di Pierfrancesco Medici. Handlingen til dette bildet er basert på myten om hvordan kjærlighetsgudinnen ble født fra havets skum. Botticelli kunne ha funnet en presentasjon av myten fra eldgamle forfattere eller dens omarbeiding fra poeten Angelo Poliziano, som jobbet ved hoffet.

...Tiltrekker seg
Forelsket marshmallow senker skallet til kysten,
Og himmelen deres gleder seg over flukt...
...Og du kan se at gudinnens øyne skinner.
Himmelen og elementene smiler foran henne.
Der, i hvitt, går Ora langs kysten...

Venus, som står i et skjell, flyter, oppfordret av Zephyr og Chloris, og Ora, en av gudinnens følgesvenner, kommer henne i møte med et slør for å omslutte henne. De lunefulle foldene av sengetepper og klær som flagrer i vinden, bølgene på havet, den brutte linjen på kysten, det "korrugerte" skallet på skallet, og til slutt det flygende håret til Venus - alt dette setter i gang de glatte konturene til gudinnens kropp og forsterker følelsen av suveren harmoni som utseendet hennes fremkaller. Karakterenes hender nærmer seg nesten over hodet til Venus, og det virker som om en bue overskygger henne, gjentatt av den avrundede bunnen av skallet. Dermed er gudinnens figur lukket til en imaginær oval. Hvis komposisjonen i "våren" består av flere grupper med lik betydning, er Venus her sentrum som alt streber etter.

For renessansekunstnere symboliserte en naken Venus, i motsetning til en kledd, himmelsk kjærlighet. Botticelli utstyrte sin heltinne med den kyskheten som er æret som den høyeste dyd, derav motivet for tilbedelse som er til stede i bildet. Det vakre ansiktet til heltinnen minner om ansiktene til Madonnas i Botticellis malerier, og derfor lyder et kristent tema i dette verket gjennom det eldgamle temaet, og kombinasjonen av gammel humanisme og kristendom ga opphav til fenomenet den italienske renessansen.

Madonna og barn med engler (Madonna del Magnificat)
SANDRO BOTTICELLI
1483. Tre, tempera. Diameter 118

"Magnificat" er navnet på den katolske lovsangen til jomfru Maria, gitt til denne doksologien i henhold til den første linjen: "Magnificat anima mea Dominum" - "Min sjel ærer Herren," derfor har maleriet et andre navn, som er oversatt som «Madonnaens forstørrelse». I Botticelli holder Guds mor en penn i hånden, forbereder seg på å dyppe den i blekk og deretter skrive ned i boken ordene fra Lukasevangeliet, som sangen er skrevet på.

Formen på tondo - et rundt bilde - var spesielt egnet for Botticellis maleri med sine glatte, flytende linjer, kurver av kropper, bøyde hoder til karakterene. I dette tilfellet gir kunstneren hele komposisjonen avrundede konturer, som er dannet av stillingene til Madonna og barnet, den bøyde engelen til venstre, englenes hender som møtes på toppen, holder kronen og plasserer den på Marias hode. I tillegg er hele gruppen plassert mot bakteppet av et rundt vindu, landskapet bak krummer seg også merkelig, som om det reflekteres i et konvekst speil. Dette er et av Botticellis mest lyriske verk, hvor musikk er nedfelt i komposisjon, rytme, farger, linjer og ansiktsuttrykk.

Hellig allegori
GIOVANNI BELLINI
1490–1499. Tre, olje. 73 x 119

Giovanni Bellini, hvis arbeid påvirket alt venetiansk maleri og fremfor alt dets stemning, etterlot seg et mysterium som fortsatt ikke kan løses: hva er handlingen til maleriet "Den hellige allegori"? Dette abstrakte navnet ble gitt til det fordi ingen definitivt kunne svare på spørsmålet.

Kunstneren skildret det såkalte hellige intervjuet: de hellige sitter på Guds mors trone. Blant dem kan man skille Paul med et sverd, som driver bort en mann i turban, Peter, lener seg på balustraden og vokter inngangen til plattformen, Sebastian med en pil i brystet, og Job, som folder hendene i bønn. Men komposisjonen av det «hellige intervjuet», som alltid var det sentrale når Bellini eller andre kunstnere vendte seg mot denne handlingen, er her vendt sidelengs mot betrakteren og blir et av de presenterte motivene. En annen er babyer som leker under et tre. I gruppen deres er den som skiller seg ut den som holder et eple i hendene, som symboliserer menneskelige synder. Dette barnet kan være Kristus, som kom til verden for å sone for synder, og babyene rundt ham kunne være sjeler i skjærsilden som de hellige ber for. Elven er mest sannsynlig Lethe, som skiller denne verden fra de levendes verden, som er synlig i midten og fjerne planer. Der ber en ankeritt i en hule, en kentaur, personifiserer fristelser, vandrer i nærheten, og enda lenger unna lever folk sine vanlige liv.

Men den russiske kunstkritikeren Pavel Muratov hadde rett da han skrev om Bellini: «Og kanskje ligger nøkkelen til maleriet hans ikke så mye i det som er avbildet, men i selve følelsen som alt her er gjennomsyret av.<…>Vi forstår den dype kontemplative tanken som hans helgener er nedsenket i, og den eteriske subtiliteten til infantile leker med de gylne eplene til det mørkbladede mystiske treet. I det landet som åpner seg utenfor Lethes sovende speilvann, vil vi gjenkjenne vårt land av bønner og fortryllelser. Der vandrer sjelene våre i klippenes ensomhet når søvnen frigjør dem... Ved daggry stuper de ned i Letheas vann for andre gang og dukker opp, med sorg, til livets kyst.»

Pieta
PIETRO PERUGINO
Rundt 1493–1494. Tre, olje, tempera. 168 x 176

Lederen for den umbriske malerskolen og Raphaels lærer Pietro Perugino skapte malerier der, for eksempel, i den presenterte, hersker en spesiell stillhet. Ordet "pieta", som oversatt fra italiensk betyr "medfølelse, medlidenhet", brukes i maleri og skulptur for å beskrive scenen hvor Guds mor sørger over den døde Kristus som ligger på fanget hennes.

Bildet domineres av to innbyrdes balanserte komposisjonslinjer - den langstrakte kroppen til Frelseren og halvsirkelformede buer, som gjenspeiles av Maria-skikkelsen. Bue - symbol himmelhvelving og verdensharmoni - ved selve sin form bringer det inn i komposisjonen en følelse som understreker at Kristi offer ikke var forgjeves. På ansiktet hans er det fred, på Guds mor er det en dyp melankoli som ikke finner noen vei ut, og på ansiktene til evangelisten Johannes og helgenen som står bak ham er det et uttrykk som kan defineres av den klassiske linjen " min tristhet er lys." Tristhet og, sammen med det, håp føles både i vårlandskapet i det fjerne og i den gylne luften som omslutter alt som er avbildet.

ART OF ITALIA:
1500-TALLET OG SENERE

Madonna og barn med engler og profet (Madonna med lang hals)
PARMIGANINO (FRANCESCO MAZZOLA)
1534–1540. Tre, olje. 216 x 132

En av manerismens ledende kunstnere, Parmigianino, i motsetning til renessansens mestere, søkte harmoni i bevisst modifiserte figurer og gjenstander, langstrakte og som om de graviterte mot det uendelige. Maleriet "Madonna med lang hals" ble malt av mesteren på oppdrag fra vennens søster, Elena Baiardi, for kirken Santa Maria dei Servi i Parma.

Kroppene til de avbildede er langstrakte (derav den andre tittelen på dette verket) og bølgende buet. Dette sees spesielt tydelig i figuren av engelen som står foran. Følelsen av surrealistisk, magisk som dette verket fremkaller, forsterkes av de kalde perlemorfargene, samt St. Hieronymus-figuren, som er for liten sammenlignet med de andre, og den uferdige arkitektoniske bakgrunnen, enten på formål eller på grunn av mesterens død, hvor søylene viste seg å være ikke-støttende . Og samtidig får en enkelt spalte en spesiell betydning her som et symbol på utholdenhet.

Vasen i hendene på en engel viser korsfestelsen. Temaet for Frelserens fremtidige pine og død på korset er også nedfelt i posituren til det sovende barnet, som minner om ikonografien til Pieta - bildet av Guds mor som sørger over den døde Kristus, som hun holder på knærne.

ITALIAS KUNST (XVI ÅRHUNDRE OG SENERE):

• Madonna Doni (hellig familie). MICHELANGELO BUONARROTI
• Selvportrett. RAFAEL SANTI
• Madonna med gullfinken. RAFAEL SANTI
• Warrior and Squire (Gattamelata). GIORGIONE (?)
• Adonis død. SEBASTIANO DEL PIOMBO
• Perseus frigjør Andromeda. PIERO DI COSIMO
• Flora. TITIAN VECELLIO
• Portrett av Eleonora Gonzaga della Rovere. TITIAN VECELLIO
• Venus fra Urbino. TITIAN VECELLIO
• Madonna og barn (Madonna of the Harpies). ANDREA DEL SARTO
• Portrett av en jente med en bok med Petrarcas dikt. ANDREA DEL SARTO
• Portrett av Cosimo den eldste de' Medici. JACOPO PONTORMO
• Middag på Emmaus. JACOPO PONTORMO
• Portrett av Lorenzo den storslåtte. GIORGIO VAZARI
• Portrett av Bia Medici. AGNOLO BRONZINO
• Portrett av Eleanor av Toledo med sønnen Giovanni de' Medici. AGNOLO BRONZINO
• Leda og svanen. JACOPO TINTORETTO
• Madonna del Popolo. FEDERICO BAROCCI
• Bacchus.
• Isaks offer. MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
• David med hodet til Goliat. MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
• Judith halshugger Holofernes. ARTEMISIA GENTILESCHI
• Utsikt over Dogepalasset i Venezia. ANTONIO CANAL (CANALETTO)
• Portrett av Felicita Sartori (?) i tyrkisk drakt. ROSALBA CARRIERA

Madonna Doni (hellig familie)
MICHELANGELO BUONARROTI
1505–1506. Tre, olje, tempera. Diameter 120

Dette verket er det eneste fullførte staffelimaleriet som har kommet ned til oss av Michelangelo, som først og fremst fokuserte på skulptur, arkitektur og fresker. I hans monumentale malerier ligner figurene på skulptur, og dette er ingen tilfeldighet: da han ble spurt av forfatteren Benedetto Varchi om maleri eller skulptur er overlegent, svarte Michelangelo: «Maleri, ser det ut for meg, anses som bedre når det heller mer mot relieff. ."

Så i "Madonna Doni" eller "Tondo Doni" (en tondo er et rundformet maleri eller relieff), er figurene til Madonna, Kristus, St. Josef, St. Johannes døperen og de unge mennene i bakgrunnen. avbildet i relieff, skulpturelt. Denne funksjonen skilte imidlertid hele malerskolen i Toscana fra for eksempel den venetianske. Den sentrale gruppen ligner en skulpturell komposisjon: den er kompakt, og det ser ut til at den kan gå rundt fra alle kanter og undersøkes. Arkitektens tenkning merkes også i dette arbeidet, alt som er avbildet er så stabilt og pålitelig "fiksert" i rommet.

Maleriet av bildet ligner et monumentalt, likt de freskene som Michelangelo fullførte i taket til Det sixtinske kapell i 1508–1512. Figurene til karakterene og foldene til draperiene til "Madonna Doni" er lapidære, det vil si at de er designet for langdistansevisning. Posisjonen til Guds mor er like kompleks som den til de sixtinske karakterer, som om den var ment å gjengi plastisiteten til en viss arkitektur. Og med sin romlige komposisjon, som går dypt, ser tondoen ut som en malt taklampe.

Og likevel er dette et staffeli-maleri, som det fremgår av dets fargelegging, som består av dype og rene farger, ikke så nødvendig i monumentalt maleri, og den lukkede komposisjonen til tondo, og de levende karakterene til de avbildede. Dermed beviste Michelangelo, som først og fremst kalte seg en skulptør, at han var flytende i teknikkene for staffelimaling, og viste alle sine talenter i dette arbeidet, som det sømmer seg for en mester i høyrenessansen.

Selvportrett
RAFAEL SANTI
1506. Tre, tempera. 47,5 x 33

En ung mann med et inspirert ansikt, ansiktet til et ungt geni - dette er Raphael, som ser på oss fra et selvportrett. Fra utseendet hans utgår ro og himmelsk harmoni, som skiller alle kunstnerens malerier. Fargen på dette bildet er ettertrykkelig behersket - en nøytral bakgrunn, mørkt hår, den samme hetten. Mellom den mørke kappen og den varmfargede huden kan man se en smal hvit stripe av en skjorte - i denne subtile overgangen fra matt svart til de livlige tonene i ansiktet og halsen - hele Raphael, som kjente maleriets dype lover.

Kunstneren plasserte et selvportrett, veldig likt dette, bare i et speilspredning, på fresken "The School of Athens" (1508–1511) i Vatikanets "Stanza della Segnatura": til høyre, i bildet av den antikke greske maleren Apelles, er det samme bildet av Rafael, fylt med høy poesi, synlig.

Madonna med gullfinken
RAFAEL SANTI
1507. Treverk, olje. 107 x 77

Dette er et av de bildene av Madonna og barnet og døperen Johannes som Raphael skapte i Firenze. Den ble bestilt av kunstneren av vennen hans, kjøpmannen Lorenzo Nasi, for hans eget bryllup. Maleren brukte her den samme trekantede komposisjonen som i andre malerier om dette emnet, takket være at bildet fikk balanse og sjelden harmoni.

Mary ser ut til å dekke spedbarnet Kristus og lille Johannes. De myke linjene i figuren hennes, de flytende foldene i kappen hennes, samt det idylliske landskapet i bakgrunnen som har blitt typisk for Rafael med jevne konturer av landskapet, nedsenket i en lett dis og smelter i det fjerne, fyller bildet med en stemning av fred. Men gullfinken, et symbol på Kristi lidenskap, i hånden til døperen Johannes, som barnet strekker seg mot, introduserer en alarmerende tone i bildet. Samtidig uttrykker Madonnas ansikt, mildt, med nedslåtte øyne, innrammet av mykt hår, ro, som overføres til betrakteren.

Warrior and Squire (Gattamelata)
GIORGIONE (?)
Rundt 1505–1510. Olje på lerret. 90 x 73

Lerretet viser kondottieren Erasmo de Narni, som levde nesten et århundre før maleriet ble malt og fikk kallenavnet Gattamelata - "kjærlig katt." Han kom fra de lavere lag i samfunnet, ble en innleid soldat, tjenestegjorde i forskjellige byer og forskjellige herskere, og steg til rang av condottiere - lederen av en avdeling som var i tjeneste for kommunen. I tillegg ble han hersker over Padua, og hans rytterstatue av Donatello er installert nær hovedkatedralen i Padua - den pavelige basilikaen Sant'Antonio. Maleriet ved siden av Gattamelata er trolig sønnen Antonio.

Giorgione og hans tilhengere dannet en hel bevegelse innen venetiansk maleri ved overgangen til 1400- og 1500-tallet, og det særegne var den kontemplative stemningen til de avbildede karakterene. Så denne krigeren med et langt fra raffinert utseende, vant til et hardt liv fullt av risiko, frøs med et slikt uttrykk i ansiktet som om han hørte på musikk. Hans sverd, rustning og hjelm blir oppfattet som bare symboler, og gutten er en engel som står over skulderen hans.

Adonis død
SEBASTIANO DEL PIOMBO
1512. Olje på lerret. 189 x 285

Som student av Giovanni Bellini og påvirket av Giorgione, adopterte Sebastiano del Piombo fra dem mykheten til former og lyrisk stemning, og brakte dem inn i maleriene hans. Men mens han jobbet i Roma, ble han også påvirket av Rafaels kunst med sin absolutte harmoni og Michelangelo, som ga karakterene hans enestående kraft.

I det presenterte lerretet vendte kunstneren seg til myten om Adonis, den vakreste unge mannen, Afrodites kjæreste, drept av en villsvin under jakt. Del Piombo skildret øyeblikket da Afrodite får vite om Adonis død, som Cupid informerer henne om, og det meste av arbeidet er okkupert av gudene som sitter i lunden, og den døende helten befinner seg på avstand. Denne teknikken - ved å plassere klimakset til hele scenen på en viss avstand, forsinke dens oppfatning av betrakteren - skjerper den engstelige stemningen som er spredt i bildet og løper som en bølge gjennom karakterene.

I bakgrunnen fanget kunstneren utsikten over Venezia med Doges Palazzo og klokketårnet til San Marco-katedralen, reflektert i det rolige vannet i lagunen. Et kveldslandskap med en lyseblå himmel, en gylden solnedgang, hvite oppblåste skyer over og skygger som løper over land og vann, fyller alt avbildet med en subtil tristhet, som venetianske kunstnere elsket å formidle i maleriene sine.

Perseus frigjør Andromeda
PIERO DI COSIMO
Rundt 1510–1515. Tre, olje. 70 x 120

Den florentinske kunstneren Piero di Cosimo kombinerte i sitt arbeid de harmoniske, spirituelle bildene fra høyrenessansen med en forkjærlighet for detaljerte skildringer av omverdenen, som han adopterte fra nederlandske malere.

I det presenterte maleriet, malt i den sene perioden med kreativitet, brukte mesteren den eldgamle greske myten om Perseus som reddet Andromeda. Da han kom tilbake etter å ha beseiret gorgonen Medusa, så helten en jente bundet til en stein. Det var Andromeda, som innbyggerne i hjemlandet hennes ofret til et sjømonster som slukte mennesker for å bli kvitt det. Perseus, iført sine bevingede sandaler og en magisk hjelm som gjorde ham usynlig, er avbildet i maleriet to ganger - flyr over havet og står på ryggen til et monster og svinger et sverd. Til venstre lider Andromeda og redde folk gjemmer seg bak kappene sine, og til høyre har folk det moro og vifter med laurbærgrener og roser helten.

Inkluderingen av hendelser fra forskjellige tider i komposisjonen og deres tolkning, som minner om et eventyr, vitner om de ennå ikke utslettede tradisjonene fra forrige århundre - Quattrocento, men de myke konturene av figurene og landskapet åpent i det fjerne indikerer at dette verket ble til under høyrenessansen.

Flora
TITIAN VECELLIO
Rundt 1515–1517. Olje på lerret. 79,7 x 63,5

Hvem som er avbildet i det presenterte maleriet av Titian, en venetiansk kunstner fra høyrenessansen, har lenge vært diskutert. På et tidspunkt ble det antatt at dette var datteren til kunstneren Palma den eldste, selve verket ble tilskrevet ham, og da det igjen ble anerkjent som arbeidet til Titian, fortsatte debatten om heltinnen til maleriet. Ideen om å identifisere den fangede jenta med Flora, den romerske blomstergudinnen, ble foreslått av buketten i hånden hennes. Og hele utseendet til denne unge, blomstrende, drømmende skapningen med flytende hår, i en hvit skjorte som faller fra den ene skulderen, er virkelig assosiert med en eldgammel gudinne.

Samtidig er dette et portrett av en ekte venetiansk kvinne, med gyldent hår, etter datidens mote, og lett fløyelsmyk hud. Det er godt mulig at den unge Titian malte det, fantaserte om antikkens tema, og resultatet ble et levende, fullblods og samtidig hevet over virkelighetsbildet.

Portrett av Eleonora Gonzaga della Rovere
TITIAN VECELLIO
1536–1537. Olje på lerret. 114 x 103

Vanligvis var Titian, å lage malerier om mytologiske og kristne emner, så vel som fantasiportretter som "Flora", gratis i billedmessige midler. Men ved å portrettere edle mennesker, så han ut til å bli den sosialisten han var i livet. Han elsket livet og visste hvordan han kunne nyte det, men han visste likevel godt hva etikettekonvensjonene var. Derfor viser portrettet først og fremst en aristokrat fra en adelig italiensk familie, som sitter i en seremoniell positur og kledd i et luksuriøst antrekk. Kunstneren formidlet forsiktig fløyels løshet, glans av gull og luftighet av blonder.

Titian understreker verdigheten til Eleanor og gjennom det hennes dyd, dette konseptet var viktig for renessansen. Modellens ansikt er passivt, og bare en mild rødme på den hvite huden og de brune øynene hennes, glødende av intelligens og styrke, gir liv til det og får deg til å føle karakteren til en kvinne som eksisterer innenfor rammene som er foreskrevet for henne av klassen. Hvis det er sant at Eleanor fungerte som Titians muse da hun malte malerier som "Piken i en pelskappe" og spesielt "Venus of Urbino", så kan man forestille seg mulighetene til denne maleren: han var i stand til å fantasere om utseendet til kvinnene han likte, og male strenge seremonielle portretter.

Venus fra Urbino
TITIAN VECELLIO
1538. Olje på lerret. 119 x 165

Det antikke temaet, som ofte dukket opp i Titians arbeid, tillot denne livsglade venetianeren å helle ut på lerret all sin beundring for verden og hans evne til å verdsette dens skjønnhet. Mesteren elsket antikken som noe levende og plasserte derfor dristig karakterer fra gresk eller romersk mytologi i en moderne setting.

Hans "Venus", anskaffet av Guidobaldo della Rovere, hertugen av Urbino og derfor gitt sitt nåværende navn, representerer en ung venetiansk kvinne, en skjønnhet med et livlig utseende, en delikat kropp og gyllent hår. Posen hennes minner om den klassiske "Pudica Venus"-typen, det vil si "bashful", men denne jenta, selv om hun er litt flau, er fullstendig klar over skjønnheten hennes. Maleriet gjenspeiler Giorgiones Sovende Venus, holdt i Dresden Art Gallery, men Titian har mer sensualitet i skikkelse av gudinnen. Imidlertid er denne sensualiteten villedende. Kunstneren valgte et rom der alt utstråler komforten til et sterkt hjem: i bakgrunnen leter en hushjelp etter noe i en kiste, og en annen ser på henne i forventning. Det er en myrt på vinduet - et symbol på ekteskapslivet, hvite laken er lagt på sengen og hvite puter kastes, og snakker om renheten til kvinnen som ligger på dem, ved hvis føtter en hund er krøllet sammen, symboliserer hengivenhet. Dermed må bildets skjulte betydning forstås som ekteskapelig kjærlighet.

Madonna og barn (Madonna of the Harpies)
ANDREA DEL SARTO
1517. Olje på lerret. 207 x 178

Andrea del Sarto jobbet i en tid da renessansemaleriet var på sitt høydepunkt, så kunstnerens arbeid bærer alle egenskapene til denne kunsten. Dette var spesielt tydelig i harmonien og opphøyelsen i bildene i maleriene. Men samtidig viser mesterens verk tegn på en allerede voksende manierisme: langstrakte figurer, åpenbar "iscenesettelse" av scener, fremhevet ynde av positurer og gester, og en subtil "søthet" som markerer utseendet til karakterene.

Det presenterte verket ble fremført for kirken San Francesco i Firenze, så lerretet viser også St. Frans. Til høyre er St. Johannes evangelisten. Tittelen på maleriet viser til de merkelige bevingede skapningene skåret i høyrelieff på sokkelen. Giorgio Vasari mente at dette var harpier - monstre fra Gresk mytologi, fugler med hodet til kvinner. Men mest sannsynlig er dette et bilde av gresshopper fra Apokalypsen, som indikert av evangelisten Johannes, hvis åpenbaring det heter: «Og ut av røyken kom det gresshopper til jorden, og de ble gitt kraften til at jordens skorpioner har» (Åpenbaringen 9:3). Ved å skildre Guds mor stående over symbolene på fremtidige katastrofer, understreket kunstneren hennes rolle som de rettferdiges frelser.

Portrett av en jente med en bok med Petrarcas dikt
ANDREA DEL SARTO
1528. Tre, tempera. 87 x 69

Malerier fulle av storhet og et lyrisk, varmt portrett av en jente er de to polene i arbeidet til Andrea del Sarto, en florentinsk kunstner fra høyrenessansen. Imidlertid er varme og hjemlighet til stede i dette portrettet også fordi mesteren malte datteren til sin elskede kone Lucretia fra sitt første ekteskap - stedatteren Maria, som han oppdro som sin egen.

Jenta, som ser utspekulert på betrakteren, holder i hendene et volum av Petrarchs kjærlighetssonetter. For første gang berører hun hemmelighetene ved følelsen som begeistrer og lokker henne, heltinnen ønsker å skjule oppdagelsen hennes og kan ikke gjøre dette, og peker pinlig mot replikkene hun leser. Alt dette fanges så nøyaktig av kunstneren at et tilsynelatende vanlig plot med en forelsket jente, som ufrivillig antyder hennes forhøyede indre tilstand, fremkaller en varm og skjelvende stemning hos betrakteren. Få mennesker oppnådde en slik dybde i å avsløre den indre verdenen til et ungt vesen under Andrea del Sartos tid.

Portrett av Cosimo den eldste de' Medici
JACOPO PONTORMO
1519–1520. Tre, olje. 86 x 65

I dette tidlige arbeidet til Jacopo Pontormo er det allerede tegn på mannerisme, som han ville bli en av grunnleggerne av. Det var måten på bildet, det vil si måten det ble skrevet på, som tiltrakk kunstneren.

Portrettet av Cosimo den eldste de' Medici ble laget mer enn et halvt århundre etter at grunnleggeren av Medici-dynastiet, en bankmann og kjøpmann som ble herskeren over Firenze, gikk bort. I den postume fremstillingen av en person kunne mesteren gi seg selv en viss frihet.

Portrettet ble bestilt av sekretæren til hertugen av Urbino, Lorenzo de' Medici, en av Cosimos etterkommere, sannsynligvis for sønnens fødsel. Cosimo sitter i en stol, foran ham er en gren av et laurbærtre, familiens emblem, rundt som krøller et papirbånd med vers fra Virgils Aeneiden. I den avbildede personens krummede, tynne skikkelse og i ansiktet hans kan man kjenne trettheten av de stormfulle årene han har levd, som de som er vant til å kommandere og ikke vil skille seg fra makten. Cosimos røde kappe, som skiller seg ut mot den mørke bakgrunnen, introduserer en alarmerende tone i lerretet og formidler dramaet som markerer den menneskelige tilstanden.

Middag på Emmaus
JACOPO PONTORMO
1525. Olje på lerret. 230 x 173

I dette maleriet skildrer Jacopo Pontormo øyeblikket beskrevet i Lukasevangeliet, da den oppstandne Kristus, som viste seg for to av sine disipler på veien til Emmaus og ikke ble gjenkjent av dem, samtykker i å dele kveldsmåltidet med dem: " Og mens han satt sammen med dem, tok han brød, velsignet, brøt og ga dem. Da ble deres øyne åpnet, og de kjente ham igjen» (Luk 24:30).

Maleren avbildet Kristus høyere enn resten av deltakerne i scenen, men han er på samme nivå som betrakteren, og gulvet, bordet og karakterene som sitter ved ham er sett litt ovenfra. Fra dette er hele komposisjonen bokstavelig talt trukket mot Frelserens skikkelse. Pontormo introduserte i sitt arbeid trekk fra hverdagssjangeren, merkbare i studentenes positurer, i måten en av dem skjenker vin og den andre holder brød. Men over Kristi hode er det avbildet Guds altseende øye i en trekant, omgitt av utstråling og symboliserer treenigheten, og dette bringer betrakteren tilbake til sitt sublime plan.

Portrett av Lorenzo den storslåtte
GIORGIO VAZARI
Rundt 1533–1534. Tre, olje. 90 x 72

Arkitekten, kunstneren og banebrytende historikeren av italiensk kunst Giorgio Vasari malte dette portrettet på oppdrag fra Alessandro Medici mange år etter døden til mannen som er avbildet i det.

Lorenzo den storslåtte var barnebarnet til Cosimo den eldste de' Medici og konsentrerte all makt over Firenze i hans hender, men beskyttet samtidig kunstnere og poeter og skrev poesi selv. Hans regjeringstid var "gullalderen" for florentinsk kunst. Men dette portrettet viser en sliten, grublende mann, likegyldig til både berømmelsen og rikdommen som den røde vesken antyder, og til og med det faktum at han ble erklært "alle dyders fartøy", som det fremgår av inskripsjonen bak. Vasari uttrykte i bildet en lengsel etter en tid da maleri, poesi og humanistenes ord fant et svar i herskerens sjel.

Den russiske kunstkritikeren Pavel Muratov skrev om Lorenzo slik han var i sine nedadgående år: «Den tids Firenze pustet fortsatt med ham; han gjorde bildet hennes uforgjengelig. Selv for de nærmeste generasjonenes bevissthet, virket Firenze av Quattrocento, Firenze av Lorenzo den Storslåtte, å være utseendet til en eldgammel guddom i en mann som besøkte italiensk jord. Bare å snakke med henne var oppløftende. Da, et halvt århundre senere... Giorgio Vasari tok opp portrettet av Lorenzo, som nå ligger i Uffizi, ble genialiteten til gamle Firenze merkelig nok gjenoppstått i ham..."

Portrett av Bia Medici
AGNOLO BRONZINO
1542. Tre, tempera. 64 x 48

Agnolo Bronzino, som jobbet for hertugen Cosimo I de' Medici, forsøkte i likhet med mange hoffkunstnere å formidle i portretter ikke så mye den indre verdenen til en person som følelsen til de han fanget av deres høye posisjon. Derav den sikre løsrivelsen til menneskene han skildrer. Men i det presenterte portrettet er jenta, til tross for all den høytidelige posituren og det litt "lukkede" uttrykket i ansiktet hennes, full av sjarm, som ethvert barn. Samtidig kommer det en slags tristhet fra henne. Kanskje faktum er at dette er et posthumt portrett av Cosimo I's datter Bianca, som i liten grad ble kalt Bia. Hun ble født før farens ekteskap med Eleanor av Toledo fra en kvinne hvis navn bare var kjent for hertugen selv og hans mor. Biya døde som barn, faren hennes bestilte hennes portrett fra Bronzino, og kunstneren malte en liten jente med rosenrøde, fyldige kinn og et voksent blikk, som tilsynelatende så på betrakteren, men også forbi ham.

Portrett av Eleanor av Toledo med sønnen Giovanni Medici
AGNOLO BRONZINO
1545. Olje på lerret. 115 x 96

Agnolo Bronzino var en representant for mannerisme, en pittoresk bevegelse som oppsto i dypet av høyrenessansen, som nærmet seg sin tilbakegang. Manierismen satte kunsten over naturen, derav den visse kulden som kommer fra kunstnerens verk. Samtidig er portrettene hans fulle av den kunnskapen om en person som kun er tilgjengelig for store mestere.

Bronzino malte Eleanor av Toledo, datteren til den napolitanske visekongen og kona til Cosimo I de' Medici, og barna hennes mer enn én gang, men dette portrettet er kanskje det beste. Hun presenteres her som herskeren over Toscana. Kvinnen er kledd i en luksuriøs kjole laget av sølvbrokade med gullbroderi, hun har perlenett på hodet, perlekjeder på brystet, ansiktet er bleket og har et fjernt uttrykk. Men den lubne babyen, som Eleanor klemmer til seg selv, får oss til å glemme tittelen hennes og se at foran oss, først og fremst, er en mor (hun fødte elleve barn), som elsker barnet sitt og bekymrer seg for ham. Morsangsten, som hun ikke kunne skjule selv for etikettens skyld, ble lagt merke til i kvinnens blikk av Bronzino. Det viser seg at hele det luksuriøse antrekket til hertuginnen er en slags distraksjon som tvinger betrakteren til å se på sekundære ting, for deretter å møte Eleanors øyne og forstå at dette bildet ble skapt av en kunstner som dypt forsto personen.

Leda og svanen
JACOPO TINTORETTO
1555. Olje på lerret.162x218

Denne venetianske maleren skapte store lerreter der figurenes positurer og bevegelser er komplekse og uttrykksfulle, og lys bekjemper mørket. I dette tilfellet vendte Tintoretto seg til den eldgamle myten om hvordan Zeus, eller Jupiter blant romerne, betatt av Ledas skjønnhet, dukket opp for henne i form av en svane. Den gamle romerske poeten Ovid skrev i Heroides:

Hva du bør huske om bedraget til den hvitfjærkledde bekkefuglen
Og sørge over det som Jupitersvanen gjemte i seg selv?

Handlingen var populær blant italienske artister på grunn av evnen til å formidle en nyanse av sensuell kjærlighet, skildre en vakker naken kropp av en kvinne, og til slutt bringe en spesiell plastisitet til bildet. I Tintoretto når svanen ut til Leda, som selv ligner denne grasiøse fuglen. Ifølge legenden fant handlingen sted ved elven Eurotas, der Leda badet, men kunstneren flyttet scenen til rommet til et rikt venetiansk hus. Skjønnheten ligger tilbakelent på sengen, bak henne er et fløyelsgardin som setter frem hvitheten i kroppen og understreker dens glatthet og ømhet. Til venstre er en hushjelp som, uten å vite hva slags svane det er, er i ferd med å sette den i et bur. Handlingen til hushjelpen, som Leda skjuler kjæresten sin for, forsterker øyeblikket av mystikk som er tilstede i bildet.

Madonna del Popolo
FEDERICO BAROCCI
1575–1579. Olje på lerret. 359 x 252

Opprinnelsen til barokken kan tydelig sees i maleriene til Federico Barocci, som skapte store, følelsesmessig uttrykksfulle lerreter med mange karakterer og komplekse komposisjoner. Denne kunsten blomstret i det pavelige Roma under motreformasjonens tid, da den katolske kirken forsøkte å styrke sin posisjon på alle mulige måter og ønsket et kraftfullt maleri som appellerte til de troende.

Barocci skildrer Kristus, for hvem Guds mor kneler og ber til Sønnen for menneskeheten (derav tittelen på maleriet: "popolo" oversatt fra italiensk betyr "mennesker"). En rekke mennesker flokkes under: en krøpling, en blind musiker, en edel dame med barn, en enkel kvinne med et barn. Filmen ga også gjenklang med temaet "de syv barmhjertighetens gjerninger", som ifølge den katolske kirkes lære fører til frelse. Derfor er for eksempel her avbildet en rikt kledd gutt som gir almisser til en fattig kvinne.

Hele bildet er fullt av bevegelse, arkitekturen i bakgrunnen skifter merkelig i rommet, og gir inntrykk av noe illusorisk. Dette trekket var også karakteristisk for mannerisme – retningen som barokken også vokste fra.

Bacchus
MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
Rundt 1595–1597. Olje på lerret. 95 x 85

Caravaggio stod ved opprinnelsen til barokken, og malte dette bildet i en fortsatt relativt rolig periode av livet hans. Derav valget av tema - Bacchus, den greske guden for vin og moro, i hvis bilde mesteren viste en ung mann med et sløvt blikk, som ømt holdt frem et glass vin til betrakteren.

Hans sterke, muskuløse kropp stråler av helse, en mild rødme spiller på kinnene, de lubne leppene hans er saftige, og fargen på lerretet etterlater en følelse av feiring. Men frukten i vasen som står foran Bacchus er ikke så fersk: eplet er råttent, det er et ormehull på det. Og druebladene i heltekransen visner allerede. Caravaggio var ikke redd for å skildre livet slik det er. Kunstneren vendte tilbake til temaet for den muntre eldgamle guden igjen, men malte seg selv i sitt bilde, fysisk og mentalt utmattet av sykdom (lerretet "Sick Bacchus", lagret i Borghese-galleriet i Roma).

Isaks offer
MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
1601–1602. Olje på lerret. 104 x 135

Det økende dramaet i Caravaggios arbeid ble fullt ut manifestert i det presenterte verket, desto mer på grunn av handlingen. Maleriet ble malt for kardinal Maffeo Barberini, hvis patronage kunstneren nøt. Han skildret øyeblikket da den bibelske eldste Abraham er i ferd med å ofre sin sønn Isak, slik Gud beordret, for å finne ut dybden i hans tro.

På kortest mulig tid klarte Caravaggio å imøtekomme flere intense handlinger utført av karakterene: faren, som holdt hodet til sin bundne sønn med hånden, løftet en kniv over ham, sønnen skriker av frykt, men en engel sendt av Gud stopper Abraham og viser ham til offerværen. Bildet er så fylt av følelser at selv engelen ser bekymret ut, og lammet med et engstelig blikk strekker hodet, som om han ber om å bli satt i Isaks sted. Komposisjonen som utspiller seg horisontalt strekker ut alle karakterenes handlinger i tid, og tvinger både dem og betrakteren til å oppleve dramaet som presenteres her enda mer intenst. Det er ikke uten grunn at barokkmaleri, som Caravaggio var grunnleggeren og en av de lyseste representantene av, var preget av spenninger i lidenskaper.

Men kunstneren skildret ikke bare menneskelige opplevelser i et bestemt øyeblikk - han gikk videre og utdypet dem psykologisk. Således gjenspeiler Abrahams ansikt den glødende troen og farskjærligheten som kjemper i ham. Landskapet som stuper inn i skumringen i bakgrunnen forsterker dramatikken, men byen på fjellet og den lyse avstanden til himmelen understreker det vellykkede resultatet som er i ferd med å komme.

David med Goliats hode
MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
1605. Olje på lerret. 222 x 147

Guido Reni var en kunstner ved den Bolognesiske skolen, hvor akademisismen blomstret, og ble også påvirket av Caravaggio. Han adopterte mesterens tro på at kunst skulle være så nær virkeligheten som mulig, så det er ingen grunn til å være redd for å skildre selv ubehagelige eller skumle ting. Denne syntesen av lidenskapelig, realistisk maleri og akademisk stil ble nedfelt i Renis maleri "David med hodet til Goliat."

En av egenskapene til Caravaggism var den kontrasterende belysningen som kunstneren bruker her, men lyset hans er ikke så varmt som Caravaggios, men heller kaldt. Den bibelske gjetergutten David, som beseiret kjempen, står i en elegant positur, iført en caps med en fjær, og ser fjernt på hodet til fienden, malt i naturalistiske detaljer. Tradisjonen med å skildre David som en vakker ung mann ble etablert i italiensk kunst tilbake på 1400-tallet, som eksemplifisert ved statuen av Donatello. Men kontrasten mellom den unge, blomstrende helten, som personifiserer selve livet, og det forferdelige hodet til den myrdede kjempen, som Renis arbeid er basert på, var karakteristisk for manerisme og akademisk kunst.

Judith halshugger Holofernes
ARTEMISIA GENTILESCHI
1620. Olje på lerret. 199 x 162,5

Datteren til Orazio Gentileschi, den beste av de som tilhørte skolen til Caravaggio, Artemisia Gentileschi arvet alle funksjonene i denne retningen. De dukket opp på det presenterte bildet.

For lerretet valgte kunstneren øyeblikket da den israelske Judith, som forførte den assyriske sjefen Holofernes, hvis hær beleiret hjembyen hennes, dreper ham. Gentileschi skildrer den blodige scenen i skremmende detaljer: hushjelpen prøver å holde Holofernes, fortvilet av frykt, og Judith griper ham i håret og stuper et sverdblad i nakken hans.

Maleriene til Caravaggio, som også avbildet Judith og Holofernes, David med hodet til Goliat, ble preget av intens drama. Påvirkningen fra denne mesteren forklarer både de komplekse stillingene i Gentileschis maleri og det skarpe hvite lyset, som et lynglimt, som snapper figurer fra mørket. I likhet med sin korrespondanselærer, skildrer Gentileschi dyktig menneskekroppen, noen ganger sterk og anspent, som hendene til Judith, noen ganger myke og nesten slappe, som skuldrene og bena til Holofernes.

Komposisjonen som utvikler seg rundt en usynlig akse, de tvungne følelsene til karakterene, en viss teatralitet som er iboende i bildet - dette er tegn på barokkkunst, der kunstneren viste seg.

Utsikt over Dogepalasset i Venezia
ANTONIO CANAL (CANALETTO)
Før 1755. Olje på lerret. 51x83

I Venezia på 1700-tallet var vedutes, det vil si bilder av utsikt over byen, populære. Denne tradisjonen har sin opprinnelse i kunsten til 1400-tallets kunstnere Gentile Bellini og Vittore Carpaccio. Men hvis både personen og byen var likeverdige for dem, så blir byen hovedsaken for mesterne i den venetianske veduta. En av de beste representantene for denne sjangeren er Canaletto. Han elsket å male det enorme rommet der Venezia passet mellom vannet og himmelen, og avbildet ofte lagunen, San Marco-katedralen og Dogepalasset. Bygningene på dette bildet reflekteres i vannet og "ser" inn i himmelen. Hvis en annen Veduta-mester, Francesco Guardi, i sine lerreter ser ut til at alt er mettet med fuktigheten i kanalene og det nærliggende havet, så i Canaletto er de tre elementene - vann, jord og luft - likeverdige. Landet hans er ikke en ustø stripe ved kanten av vannet, arkitekturen ser høytidelig ut som åpenbarer seg, og alt er forent av det gyldne lyset som strømmer fra himmelen inn i det velsignede landet "Serenissima" - "The Most Serene", som Venezia heter.

Portrett av Felicita Sartori (?) i tyrkisk drakt
ROSALBA CARRIERA
1730-årene. Papir, pastell. 70 x 55

Portrettene som Rosalba Carriera malte bærer alle egenskapene til venetiansk maleri med sin subtile farge, lys og luft. Kunstneren er en av representantene for rokokkostilen, hvis karakteristiske trekk er lette, gjennomskinnelige (i Carriera - takket være pastellteknikken) toner og lekne motiver. Faktisk var alt venetiansk maleri fra 1700-tallet nært i strukturen til rokokko. I den, som i denne lyskunsten, er det mye karneval: etter at Venezia sluttet å spille en av de ledende rollene i det politiske teateret i Europa, ble det i økende grad til et teater, til en spøkelsesby, hvor maskerade begynte å ser ut som et naturlig tidsfordriv. Jenta på maleriet, kledd i tyrkisk antrekk og holder en maske i hånden, er en del av dette karnevalet.

Perlemor, rosa, blå er noen av favorittfargene til rokokkomesterne. Bøyningen av modellens kropp, vendingen av hodet, blikket hennes til siden er også typisk rocaille.

KUNST I NEDERLAND, HOLLAND OG FLANDERN

Selvportrett
REMBRANDT HARMENS VAN RHYNE
Omkring 1639. Olje på tre. 62,5 x 54

Rembrandt var kunstneren i det nye europeiske maleriet som søkte å trenge inn i dypet av menneskesjelen, og derfor malte han så mange selvportretter, som om han snakket med seg selv. I sin ungdom, mens han fortsatt var glad og til og med bekymringsløs, likte han å fremstille seg selv utkledd og lett poserende. "Rembrandt elsket å kle seg ut og skifte klær, som en ekte skuespiller," bemerket den franske forfatteren og kunstneren Eugene Fromentin. "Han hadde på seg turbaner, fløyelsbasker, filthatter, camisoles, regnfrakker ... Han festet smykker til håret og satte gullkjeder med steiner rundt halsen." Men samtidig søkte kunstneren å trenge inn i hemmelighetene til en persons hemmeligheter, noe som er tydelig i dette "selvportrettet".
Mesteren malte seg selv i blomst og prøvde å holde ungdom og skjønnhet på lerretet, fordi de passerer. Mennesket som det er - svakt, prisgitt tidens nåde og likevel sterk, så lenge det kjenner livets slag i seg selv - her hovedtema Rembrandt maleri.

KUNST I NEDERLAND, HOLLAND OG FLANDERN:

• Posisjon i kisten. ROGIR VAN DER WEYDEN
• Tilbedelse av hyrdene (Alter of Portinari). HUGO VAN DER GUS
• Den hellige Benedikt. HANS MEMLING
• Kunngjøring. MATTIAS STOHMER
• Portrett av Isabella Brant. PETER PAUL RUBENS
• Portrett av Margaret av Lorraine, hertuginne av Orleans. ANTHONY VAN DYCK

Gravlegging
ROGIR VAN DER WEYDEN
Omkring 1450. Tre, olje. 100 x 96

I sitt maleri visste Rogier van der Weyden, en kunstner fra den tidlige nederlandske renessansen, hvordan han skulle skildre forskjellige menneskelige stemninger. I den presenterte altertavlen, trolig laget under en reise til Italia, formidlet maleren dyp lidelse og kledde den samtidig i fantastiske farger og linjer.

Josef av Arimatea og Nikodemus, som gjør sitt beste for å skjule sin sinnstilstand, bærer Kristi tynne og utmagrede kropp til graven; John bøyde seg for å kysse hånden hans; Maria Magdalena knelte i forvirring, Guds mor med et utmattet ansikt støtter forsiktig hånden til sin Sønn. Den sterke religiøse følelsen som ledet Rogier van der Weydens pensel opplyser alt her, og det er derfor han til tross for alt gir skjønnhet til den dramatiske scenen. Posene, for eksempel til John, er grasiøse, bevegelsene er jevne, fargene er rene, og det solfylte landskapet i det fjerne er fantastisk.

Den franske historikeren og filosofen Hippolyte Taine skrev om datidens nederlandske kunstnere: "Vær oppmerksom på deres uvanlig rike og lyse farger, til rene og kraftige toner ... til de praktfulle bruddene av lilla kapper, til de asurblå fordypningene i lange flytende farger. klær, til draperier grønne som en eng, penetrert av solens stråler... inn i et kraftig lys som varmer og forgyller hele bildet..."

Tilbedelse av hyrdene (Alter of Portinari)
HUGO VAN DER GUS
Rundt 1476–1478. Tre, olje. 253 x 588

Nordrenessansens mester, Hugo van der Goes, visste i sine verk å reflektere verden rundt med alle dens detaljer og samtidig se på det som ble avbildet fra høyden som var iboende i renessansen. Kunstneren hadde en genuin interesse for den indre verdenen til menneskene han malte, og kvaliteten som ble beskrevet var renessanse i naturen. Alt dette ble spesielt fullt manifestert i den presenterte triptyken.

Alteret er viet til tilbedelsen av hyrdene til spedbarnet Kristus, på sidedørene er det avbildet givere - Tommaso Portinari, hans kone Maria Baroncelli, deres barn og helgener, og på baksiden av dørene presenteres kunngjøringen. Italieneren Tommaso Portinari, som ledet representasjonskontoret til Medici Bank i den belgiske byen Brugge, bestilte dette alteret til Sant'Egidio-kirken i Firenze.

Hoveddel Alteret representerer et stort rom, i sentrum av dette ligger Kristusbarnet, som ser spesielt lite ut sammenlignet med figurene til Guds mor, Josef og hyrdene. Den italienske mesteren ville i dette tilfellet ha malt et fyldig og stort barn for å fremheve ham uvanlig opphav, men den nederlandske kunstneren er trofast mot livets realiteter, derfor, i alterbildet til Van der Goes, er den nyfødte babyen liten, han har det tåkete utseendet til en person som nettopp er født og svake armbevegelser og bena. Ved å skildre Gud som kom til verden i form av et bitte lite, rørende barn, satte kunstneren en spesiell stemning for verket - ømhet.

Denne følelsen uttrykkes subtilt, siden ingen her er åpenlyst beveget: Guds mor er fordypet i kontemplasjon av Sønnen, englene begynner forsiktig å be, og det er dyp omtenksomhet og alvor i ansiktene til de andre karakterene. Men forresten Josefs hår er spredt, som ikke hadde tid til å glatte det av begeistring, av hendene hans forsiktig foldet i bønn, av impulsen som hyrdene bøyer seg for babyen, kan man føle et gledelig sjokk som gir etter å røre i sjelene til alle disse menneskene. Og bare en av hyrdene med et frekt, vanlig ansikt, som ikke hadde tid til å knele ned og brette hendene i bønn, ser på hva som skjer, bokstavelig talt åpner munnen i forundring. Kunstneren er oppmerksom på alle disse detaljene, siden de skaper stemningen i maleriet, som blomstene i vasen i forgrunnen, delvis smuldret, og englenes broderte klær til høyre, og det vakre landskapet gjennomsyret av lys i bakgrunnen.

Da alteret ble brakt over havet til Firenze i 1483, forbløffet det de som så det og hadde stor innflytelse på italiensk maleri.

Den hellige Benedikt
HANS MEMLING
1487. Tre, olje. 45,5 x 34,5

Arbeidet til Rogier van der Weydens student, Hans Memling, tilhørte en ny periode i nederlandsk maleri på 1400-tallet, som allerede var under betydelig innflytelse av italiensk, som kan bedømmes av det presenterte portrettet.

Saint Benedict er grunnleggeren av vestlig monastisisme og forfatteren av charteret som dannet grunnlaget for hans samfunnsliv. Memling avbildet Benedikt i en svart klosterkappe, med en stav, mens han leste Bibelen nøye. Helgenen ser ut til å hviske guddommelige ord. Kunstneren formidlet i utseendet til denne asketen og eremitten uttrykket som vises på ansiktet til en person som er fordypet i å lese og beundre det som er skrevet. Det myke lys-og-skygge-maleriet av St. Benedicts ansikt og hender får en til å føle bildet hans enda mer, stillheten og konsentrasjonen som gjenspeiles av kveldslandskapet utenfor vinduet.

Kunngjøring
MATTIAS STOHMER
1633–1637/1638 (?). Olje på lerret. 113 x 166

Matthias Stomer var en av dem som ble kalt «Caravaggists», det vil si en tilhenger av den italienske kunstneren Michelangelo Merisi da Caravaggio, hvis malerier nederlenderen kunne se under oppholdet i Napoli. Fra ham adopterte Stomer også funksjonene til chiaroscuro som han brukte i dette maleriet.

Jomfru Maria og erkeengelen Gabriel, som viste seg for henne, blir opplyst av flammen fra et stearinlys som står på bordet, og snapper figurene deres fra mørket i rommet. Det vaklende lyset forsterker spenningen i hele scenen, lest i Marys ansiktsuttrykk og hennes gest. Alt Stomer skildrer ser magisk ut i dette lyset. Men kunstneren, som tyr til denne metoden for belysning, skaper ikke bare en stemning, men løser også rent billedlige problemer. Hendene og ansiktene til karakterene får varme, og det ser ut til at det pulserende blodet er synlig gjennom den gjennomsiktige huden. Betrakteren føler at han står veldig nær dette bordet, det vil si et vitne til det som skjer. Denne effekten ble oppnådd i maleri av Caravaggio selv og alle som var under hans innflytelse.

Portrett av Isabella Brant
PETER PAUL RUBENS
Rundt 1625–1626. Olje på lerret. 86 x 62

En kunstner som skapte mange lerreter der rikelig kjøtt hersker, Rubens var samtidig en subtil portrettmaler. Han skrev mest til familien sin og flere ganger, som sin første kone, Isabella Brant. Rubens laget dette portrettet kort før hennes død. Etter sin kones død snakket han om henne i et av brevene sine: «Sannelig har jeg mistet en utmerket venn... hun var verken hard eller svak, men så snill og så ærlig, så dydig at alle elsket henne levende og sørger over hennes døde."

Men mens kunstnerens trofaste venn er i live, fanger han hennes unge og attraktive, med livlige, intelligente øyne og et mildt smil. Et usynlig lys ser ut til å strømme ut fra Isabella. Rubens skiller ikke det kjødelige og det åndelige i en person: Ånden blåser gjennom materien. Derfor prøvde mesteren på alle mulige måter å understreke den fysiske skjønnheten til sin elskede, for eksempel skygget han den hvite, delikate huden hennes, som han ofte gjorde, med en mørk pels. Den røde bakgrunnen gjenspeiler rødmen på kinnene, og halskjedet og blondene skaper noe sånt dyrebar ramme for kona som er så kjær til kunstnerens hjerte.

Portrett av Margaret av Lorraine, hertuginne av Orléans
ANTHONY VAN DYCK
1634. Olje på lerret. 204 x 117

Anthony van Dyck malte mange portretter av kongelige, men ved å fange dem i høytidelige positurer prøvde han å formidle den indre verdenen til de avbildede menneskene.

Det vertikalt langstrakte formatet som er karakteristisk for mange av denne kunstnerens malerier understreker majesteten og samtidig sofistikasjonen til den avbildede kvinnen. Margaritas hvite, porselenslignende hud fremheves av en mørk kjole, og hennes vakkert formede hode, nakke og hender med lange fingre som fingrer fløyelsstoffet ser enda mer elegant ut på grunn av kappens prakt.

Lerretet er utformet i flere farger - hvitt, svart, lysebrunt, kjøtt denne beherskede fargen blir livlig opp av det røde draperiet til venstre som er trukket tilbake og avslører landskapet som strekker seg ut i det fjerne. Roser i en jentes hånd kan symbolisere kjærlighet eller understreke hennes ungdom og attraktivitet, som er spesielt synlige selv i et seremonielt portrett.

HANS HOLBEIN DEN YNGRE

Portrettene skapt av Hans Holbein utmerker seg ved stor psykologisme og samtidig av den grad av generalisering som løfter de som er avbildet over hverdagen.

Dette maleriet, malt på det tidspunktet Holbein ble hoffmaler for Henry VIII, skildrer Sir Richard Southwell. Han tjenestegjorde ved retten, var parlamentsmedlem og militærmann, og deltok i flere kampanjer. Den nøytrale bakgrunnen og nesten monokrome fargeskjemaet til verket lar betrakteren fokusere på ansiktet til personen som er avbildet. Kunstneren formidler nøyaktig alle detaljene i Southwells utseende, så vel som hans rolige og selvsikre karakter, som er typisk for folk som har sett mye i livet. Men karakteren i bildet, uansett hvor nær han er betrakteren, er isolert fra ham: han ser intenst et sted i det fjerne og tenker på sine egne ting.

Evnen til å avsløre en persons sjel og samtidig heve ham litt, utpekte Holbein som en av renessansens mestere.

Tilbedelse av magiene
ALBRECHT DURER
1504. Treverk, olje. 99 x 113,5

Den tyske renessansekunstneren Albrecht Dürer fikk i oppdrag å male dette maleriet av kurfyrsten av Sachsen, Fredrik den vise, for kapellet til slottet hans i Wittenberg. Dürer hadde nettopp kommet tilbake fra sin første reise til Italia, så trekkene i det nordeuropeiske maleriet - detaljert skildring av detaljer, lyse, skinnende farger - eksisterer her sammen med innflytelsen fra italiensk maleri, som kom til uttrykk i komposisjonens perspektivkonstruksjon. I tillegg viser bildet ruinene av gamle bygninger, og skaper komplekse romlige planer, som igjen var karakteristisk for italiensk maleri.

"The Adoration of the Magi" minner om Leonardo da Vincis uferdige maleri av et lignende emne, også holdt i Uffizi. Men Dürer ble direkte påvirket av venetianerne - Andrea Mantegna med sin lidenskap for overfloden av stein i maleriene og Giovanni Bellini med sitt lette og klare maleri. Durers karakterer er imidlertid skrevet med den grad av psykologisme som var spesielt karakteristisk for ham.

Kunstneren introduserte rørende øyeblikk på scenen for tilbedelse: Kristusbarnet åpner kisten, der ligger gullet brakt til ham av en av magiene, med nysgjerrigheten som alle barn blir trukket til det ukjente med, og de gamle magiene ser på dette barnet med et seriøst og inspirert utseende, litt vipper hodet til siden. Som mange kunstnere fra den nordlige renessansen, avviker ikke Durer fra detaljene om at magiene kom til Kristus fra forskjellige deler av verden, noe som betyr at det kunne ha vært en svart mann blant dem.

Til tross for overfloden av detaljer, er bildet fullt av sublim ånd, en myk og samtidig høytidelig stemning, som var karakteristisk for maleriet til denne tyske mesteren.

Martyrium av Saint Florian
ALBRECHT ALTDORFER
Omkring 1520. Tre, olje. 76 x 67

Arbeidet til den tyske renessansekunstneren og lederen for Donau-skolen Albrecht Altdorfer var en del av en stor malersyklus, nå spredt blant ulike museer og representerte scener fra St. Florians liv.

Den hellige legenden sier at denne romerske soldaten, som levde i det 3.–4. århundre, i all hemmelighet konverterte til kristendommen og prøvde å redde kristne i de øvre østerrikske landene fra henrettelse, noe han ble dømt til døden for. De bandt en stein rundt halsen hans og kastet ham i elven. Altdorfer avbildet Florian på en bro, knelende, med en enorm kvernstein bundet til halsen. Plageånderne og bare tilskuere stimlet rundt. Kunstneren presenterte hele scenen sett nedenfra, og det er grunnen til at et fantastisk landskap åpner seg i brospennet: det gjennomsiktige vannet i elven danner virvler rundt støttene, de fjerne blå fjellene drukner i den solfylte disen, og et slott kan sees på toppen. Verden i Altdorfers malerier ser magisk vakker ut, selv når han skildrer martyrdøden. Ved å heve hele scenen kompositorisk, uttrykte maleren derved storheten av prestasjonen som Florian oppnådde, og verden som skinner rundt ham understreker helgenens åndelige skjønnhet.

Selvportrett
HANS HOLBEIN DEN YNGRE
1542. Papir, pastell. 32x26

Et lite selvportrett av kunstneren ble laget ved å bruke de magre midlene som Hans Holbein i økende grad ty til gjennom årene. Vanligvis skildrer portrettene hans modeller mot en nøytral bakgrunn, men i dette tilfellet er det gyllent, som minner om middelalderkunst, der en slik bakgrunn symboliserte himmelen. Denne teknikken overfører hele bildet til et visst sublimt plan.

Holbein formidlet nøye detaljene i sitt eget utseende: et bredt ansikt, litt mysende øyne, et kort fluffy skjegg og andre funksjoner. I blikket hans kan man se konsentrasjon, oppriktig interesse, og på samme tid er dette blikket til en person som ser alt rundt fra en vid vinkel. Slik ser kunstnere på verden – både på nært hold og omfavner den som et enormt panorama.

Portrett av Martin Luther og Philip Melanchthon
LUCAS CRANCH SR.
1543. Tre, olje. 16x21

Den tyske maleren og grafikeren fra renessansen Cranach arbeidet i mange år, til slutten av sitt liv, ved hoffet til den saksiske kurfyrsten Fredrik den vise. I Wittenberg, en by som takket være herskerens innsats ble et av sentrene for europeisk humanisme, ble kunstneren venn med grunnleggeren av tysk protestantisme og en hovedfigur i reformasjonen, Martin Luther og hans medteolog Philip Melanchthon .

Mesteren malte begge portrettene av vennene sine i samme stil: han plasserte figurer i mørke klær på en nøytral bakgrunn og fremhevet ansiktene til de som ble portrettert. Luther, konsentrert og bestemt, ser i det fjerne, Melanchthon er dypt i seg selv. Kunstneren formidlet også de fysiognomiske trekkene til hver: den ene er fyldig, med en myk omriss av kinnene og nakken og en sta hake, den andre er tynn, med skarpe ansiktstrekk. Cranach understreker i begge, for det første, det menneskelige, individuelle prinsippet, som var spesielt viktig for mestrene i den nordlige renessansen. Takket være kunstnerens engasjement for realisme, kan betrakteren tydelig forestille seg hvordan disse menneskene som skapte historie var.
Portrett av grevinnen de Chinchon.
FRANCISCO GOYA

Det langstrakte formatet til maleriet og det dypere mørket som bakgrunn gir grevinnens figur en spesiell skjørhet, understreket av en lett, luftig kjole i en lys gråbrun farge med rosa årer og en frisyre der vinden ser ut til å være skjult. I hele utseendet til jenta, selv om hun er av kongelig avstamning, kan man føle tristhet, synlig både i hennes livlige brune øyne og i de foldede hendene, som Maria Teresa ser ut til å bevisst prøve å presse fastere. Grevinnen gjennomgikk da ikke den beste tiden i livet hennes: hennes mann, den allmektige statsministeren i den spanske regjeringen, Don Manuel Godoy, hadde en imperialistisk karakter, og i tillegg var denne mannen dronningens elsker. Goya hadde allerede malt grevinnen, og nå, da han kjente denne unge kvinnen godt og behandlet henne med sympati, la han merke til hennes dypt skjulte tristhet. Portrettet, tenkt som et seremonielt portrett, viser betrakteren en livlig og sjarmerende person.
EL GRECO (DOMENIKOS THEOTOCOPOULOS)
Rundt 1600. Olje på lerret. 110 x 86

El Grecos maleri omtales enten som manerisme eller barokk, det tilhører faktisk ingen av bevegelsene. Originaliteten til denne kunstnerens måte kommer også til uttrykk i det presenterte maleriet.

El Greco avbildet Evangelisten Johannes som snakket med Frans. Ved Johannes føtter er symbolet hans plassert - en ørn, og i hendene holder apostelen en kopp som en drage kommer ut av. Mesteren minner her om historien om hvordan en Kristi disippel, som forkynte Hans ord, ble tatt til fange og sendt til Roma, hvor han fikk et beger med gift. Etter å ha drukket det, forble John uskadd. På bildet symboliserer begeret i hånden kirken, og dragen, som over tid erstattet slangen i denne ikonografien, symboliserer ondskap erobret av tro. Et eksempel på slik tro er St. Frans.

De langstrakte figurene til karakterene, typiske for El Grecos malerier, ligner flammer over stearinlys. Jorden, som strekker seg ut ved føttene til de hellige, understreker omfanget av bildene deres, og bakgrunnen er himmelens blå med tette skyer langs hvilke Johannes og Frans kunne stige opp til himmelen.

Portrett av Maria Theresa de Bourbon y Vallabriga på hesteryggen
FRANCISCO GOYA
1783. Olje på lerret. 82x61

En av de mest mystiske spanske kunstnerne, Francisco Goya jobbet mye ved det kongelige hoffet, hvor han malte dette portrettet av Maria Teresa de Bourbon y Vallabriga, den fremtidige grevinnen de Chinchon, som skildrer henne på hesteryggen og mot bakgrunnen av et fjellandskap. Mørke skyer løper over himmelen, skyggene deres løper over bakken, og naturen blir grepet av den engstelige tilstanden som skjer på tampen av en storm. Men den unge kvinnen prøver å bli samlet og holde seg fast i salen. Hun er avbildet i profil, noe som gir hennes utseende en viss vekt.

Imidlertid er jentas figur malt med lette strøk, blondene på brystet skummer og fløyelen på kjolen hennes glitrer. Marie-Theresas ansikt er rørt med rødme, hun ser helt øm og ærbødig ut, omgitt av barsk natur med steinete landskap og steinete fjell. Goya, som hadde en oppriktig interesse for mennesker, var i stand til å uttrykke selv i dette maleriet, som minner om en skisse, den skjørheten og samtidig styrken til en person, som fremkaller en veldig varm følelse.

Født i Sveits, studerte Jean-Etienne Lyotard maleri i Frankrike, reiste deretter og returnerte til Paris. Der skaffet han seg en beskytter i skikkelse av Madame de Pompadour, som var toneangivende i det franske høysamfunnet. Siden den gang malte kunstneren mange skjønnheter fra kongefamilien og damer som strålte ved hoffet. Et av disse portrettene representerer Marie Adelaide fra Frankrike, datter av kong Louis XV.

Lyotard avbildet en sjarmerende ung skapning som satt på en sofa med en bok i hånden og kledd i et tyrkisk kostyme. Etter flere år i Konstantinopel, hadde kunstneren en lidenskap for orientalsk antrekk og kledde seg i dem. Da maleren malte Maria Adelaide, formidlet den tynne, fløyelsmyke huden til prinsessen og det lette stoffet i kostymet hennes. Lyset fra vinduet faller slik at jentas ansikt forblir i skyggen, og kinnet, det lille øret hennes med en dinglende ørering og nakke lyser opp, noe som gjør bildet enda mer ømt og rørende. Sofaputenes mykhet forsterker lykkestemningen som er spredt i dette bildet, men samtidig introduserte Lyotard noen "motsigelser" i arbeidet sitt: Marie-Adelaide, kledd som for et maskeradeball, sitter på sofaen, fordypet i lesing, som ikke er nok tilsvarer aromaen av sensualitet spredt rundt henne. Dette kontrapunktet skaper en liten spenning i maleriet, som var karakteristisk for rokokkokunsten.
Jente med fjerbolle
JEAN-BAPTISTE SIMEON CHARDIN
Omkring 1737. Olje på lerret. 82x66

Hverdagslivets poesi, dets eneste øyeblikk - det er dette Jean-Baptiste Chardins maleri er basert på. Han var en tilhenger av hverdagssjangeren, hevet til filosofiske høyder. Kunstneren valgte enkle motiver og tvang betrakteren til å se på maleriene hans i lang tid, som på denne «Girl with a Shuttlecock», hvor ingenting ser ut til å skje, bare en mild skapning, rødrød og snusete, frossen med en fjærball og en racket i hendene. Det er et forvirret og trist uttrykk i ansiktet til heltinnen, som om ingen ønsker å samarbeide med henne eller hun ikke er veldig vellykket i spillet. Inntrykket er slik at du kan se leppene hennes skjelve og øynene fylles med tårer. Opplevelsene til nesten et barn gir gjenklang i betrakteren, som i denne sjangerscenen ser livets skjønnhet og kompleksitet, uttrykt i små ting.

Når det gjelder dette maleriet og et annet, «Gutt med et kortslott», også i museet, svarte kunstnerens landsmann, den franske forfatteren Stendhal, som følger: «Jeg sto og så på dem i den lykkelige tilstanden som bare kan være...»

FORLAG "DIRECT-MEDIA":

Generaldirektør: K. Kostyuk
Ansvarlig redaktør: A. Baragamyan
Kunstredaktør: M. Gordeeva
Tekstforfatter: I. Kravchenko
Redaktør: S. Suvorova
Korrekturleser: G. Barysheva
Design: P. Kallinikov
Forlagets adresse: 117342, Moskva,
st. Obrucheva, 34/63, bygning 1
[e-postbeskyttet]
www.directmedia.ru

I den fantastiske byen Firenze er det mange som gleder øynene til turister og som også gir næring til deres skjønnhetssans. En av disse bygningene - Uffizi-galleriet (Galleria degli Uffizi) - ligger i sentrum av Firenze mellom Piazza della Signoria og broen (Ponte Vecchio), og tiltrekker seg villig og uvillig mange turister, alt fra de som tilfeldigvis vandret hit til de som kom til denne fantastiske byen spesifikt for å nyte mesterverkene av verdens kunst som er utstilt her.

Uffizi-galleriet, som har et samlet areal på 13 000 kvadratmeter, gir øynene til vanlige turister og sanne kunstkjennere en av de viktigste og største samlingene, som dekker verk av både italienske og utenlandske kunstnere som arbeider fra 13. til 1700-tallet.

I museet kan du personlig nyte kreasjonene til slike verdensberømte mestere som (Michelangelo), (Leonardo da Vinci), Sandro Botticelli, (Rafael), Rubens, Rembrandt og mange andre. Forresten kan Uffizi-galleriet med rette kalles et av de eldste museene i verden, som ble åpnet for besøkende nesten umiddelbart etter byggingen på 1500-tallet.

Galleriets historie

Det mest kjente galleriet i Italia ligger i en massiv bygning, designet av en talentfull arkitekt (Giorgio Vasari). Byggingen av Uffizi-galleriet begynte tilbake i 1560 etter personlig ordre, men representanten for dynastiet klarte aldri å se det i ferdig form: byggingen av bygningen ble fullført tjue år senere, etter Cosimos død.

Det er verdt å merke seg at for å fullføre det arkitektoniske prosjektet, måtte spesialister rive gamle nabolag og demontere nærliggende middelalderbygninger.

Men da Uffizi-galleriet var helt ferdig, ble det åpenbart at alle ofrene ikke var forgjeves. Et av de mest imponerende museene i landet ligger på den U-formede Piazza della Signoria, omgitt av hengende hager og et kunstgalleri. Forfatteren av prosjektet, Vasari, var en sann kunstkjenner, så han tok seg av et spesielt design der lerretene skulle plasseres.

Tiår etter starten på storslått konstruksjon kunne Medici-familien endelig flytte stoltheten sin hit - unik samling malerier og skulpturer samlet fra hele verden. Det var til Firenze at representantene for det store dynastiet sendte alle sine kunstmesterverk. Mediciene fikk spesiell oppmerksomhet fra kunstneren Sandro Botticelli, som ifølge historikere var veldig vennlig med den berømte familien.

Hans sjeldne kreasjoner oppbevares i Uffizi-galleriet den dag i dag. Museet huser en av hans mest kjente kreasjoner, "The Birth of Venus" (Nascita di Venere), som sluttet seg til rekken av mesterverk som ble utstilt her først på midten av 1800-tallet. Vi kan snakke lenge om variasjonen av vakre lerreter malt av de mest kjente kunstnerne i menneskehetens historie og utstilt i Uffizi.

Det er imidlertid verdt å merke seg at perlen i hele samlingen er Venus de Medici.

Det vil ta mer enn én dag å undersøke de mange maleriene. Heldigvis er alle verkene som er lagret her ordnet i mer enn 50 rom i kronologisk rekkefølge. Det er takket være denne kloke organisasjonen du kan spore hvordan kunst utviklet seg fra 1200- til 1700-tallet og de skiftende stilene innen maleri og skulptur, fra den bysantinske perioden til barokken.

Så snart du krysser terskelen til museet, befinner du deg ved et skikkelig veiskille: Tre lobbyer fører fra inngangen til museet. Den første inneholder byster laget av marmor og porfyr, den andre er dekorert med Giovanni da San Giovanni, den tredje inneholder romerske statuer og sarkofager. Uffizi-galleriet er rett og slett fascinerende, ikke bare med kunstgjenstandene som er utstilt her. Hva er det verdt? interiørdekorasjon et av de mest besøkte galleriene i Europa!

Nyttig informasjon

Billetter

Forresten, millioner av turister besøker denne florentinske attraksjonen hvert år. Og du kan være en av disse heldige!

• Fra 1. mars 2019 til 31. oktober 2019 er kostnaden for en full billett til Uffizi: 20 € + 4 € forhåndsbestillingsgebyr. Under utstillinger kan prisen øke.
• Fra 1. november 2019 til 28. februar 2020 koster en full billett til Uffizi: 12 € + 4 € for forhåndsbestilling. Det er imidlertid verdt å tenke på at billettluken stenger kl 18:05.
• Offisielle online billettkontorer: webshop.b-ticket.com
  Verifiserte pålitelige byråer for billettkjøp i siste liten: www.tiqets.com og www.getyourguide.ru. – de tar vanligvis en liten provisjon, men der, selv i høysesong, det er kvoter.
• Gruppeutflukt i 1,5 time koster 57 euro/person, billetter inkludert, gjennomført på engelsk, italiensk, spansk, tysk eller fransk.
• Hvis du drar til Uffizi på russisk med en guide ITALIA FOR MEG, vil han hjelpe deg med å reservere, betale for billettene dine på stedet.

For å unngå timevis med venting i kø utenfor selve museet, kan du bestille billetter på italiensk ved å ringe +39 055 294883 (bestilling koster €4). Den mest praktiske tiden å besøke dette florentinske landemerket er etter kl. 14.00, når alle skoleutflukter avsluttes

Adresse og åpningstider

Uffizi-galleriet ligger på Piazzale degli Uffizi, 6, Firenze, Italia og kan nås alle dager unntatt mandag og 1. mai, fra 8:15 til 18:50.

Hvordan komme seg dit

Du kan komme deg til Uffizi-galleriet med offentlig transport (ved siden av er holdeplassen C1 Galleria Degli Uffizi - Farmacia Logge) eller til fots hvis du allerede er i sentrum. Forresten, hvis du fortsatt føler deg energisk etter å ha besøkt et vakkert galleri, kan du rette oppmerksomheten mot de nærliggende attraksjonene i Firenze: Bargello-palasset.

↘️🇮🇹 NYTTIGE ARTIKLER OG SIDER 🇮🇹↙️ DEL MED DINE VENNER

En spesiell plass er okkupert av Uffizi-galleriet, som huser en av verdens rikeste og mest betydningsfulle samlinger av europeisk kunst fra 1200- til 1900-tallet. Dens betydning er bevist av det faktum at galleriet regnes som det mest besøkte museet i Italia, og omtrent halvannen million mennesker kommer til Firenze hvert år for å beundre samlingen.

BlogoItaliano har allerede skrevet at dette er et av de største museene i verden, hvor verk av de mest kjente europeiske kunstnerne er utstilt. Men i tillegg til malerier, har museet også en betydelig samling av kopier og originaler av gamle skulpturer, interiørgjenstander fra renessansen og grafiske verk.

Totalt har galleriet 45 rom, noen av dem er dedikert til individuelle kunstneres arbeid. Preferanse gis selvfølgelig til skaperne av renessansen: Giotto, Botticelli, Titian, Caravaggio. Museets samling omfatter også verk av tyske, franske og flamske kunstnere, samt en rikholdig samling av selvportretter.

Uffizi Gallery: historie om kontorbygningen og den gamle broen

• Den beste tiden å besøke galleriet er onsdag og torsdag morgen, rett etter åpning. For å være i tide til åpningen kan du bo på et av hotellene i umiddelbar nærhet til Galleriet [lenke].
• i høysesongen (fra juli til september) kan du bestille billetter til galleriet om kvelden, gjerne tirsdag eller fredag, når det er åpent lenger enn vanlig;
• Vi anbefaler ikke å planlegge et besøk på galleriet i rushtiden (kl. 10.00-12.00), samt på tirsdag morgen er det mye folk på denne tiden.

Som du kan se, kan du unngå langvarig kø ved inngangen til Uffizi-galleriet, det viktigste er å forberede deg på dette besøket på forhånd og på forhånd bestille billetter online.

Vel, hvis du ankommer Italia ikke gjennom Firenze, så anbefaler vi også våre artikler om hvordan du kommer deg til byen.

Galleriet har uvurderlige verk av Leonardo, The Adoration of the Magi og The Annunciation; Michelangelos eneste betydningsfulle maleri er en tondo som skildrer den hellige familie. Uffizi-museet har den mest omfattende samlingen av Botticellis malerier i verden.

Uffizi-galleriet (Galleria degli Uffizi) er det mest kjente florentinske kunstmuseet. Navnet betyr bokstavelig talt "galleri av kontorer". Det ligger mellom Piazza della Senoria og Ponte Vecchio-broen nær elven Arno. Bygningen ble bygget i 1560–81. og var beregnet på magistratene i Firenze.

Byggehistorie

Galleriets historie begynte på 1500-tallet, da bysjefen Cosimo I de' Medici bestemte seg for å plassere 13 departementer i Firenze, hele byadministrasjonen, i Uffizi-palasset. De gamle bydelene nær Piazza della Signoria ble revet for bygging; stein fra de gamle bygningene ble brukt til nybygget. Forfatteren av utformingen av Uffizi-palasset var Giorgio Vasari. Etter hans død ble arbeidet fullført av arkitektene B. Buontalenti og A. Parigi. Magistratkontorene, statsarkivet og nemnda ble samlet under palassets tak.

Uffizi Gallery - arven fra Medici-familien, et av de eldste italienske museene

Galleriets historie

Men selv en så seriøs institusjon, italienerne, kjent for sin kjærlighet til skjønnhet og kunst, dekorerte den gradvis med malerier og skulpturer. Først var dette kunstverk fra den personlige samlingen til Medici-familien. Samlingen vokste stadig takket være donasjoner fra lånetakerne og kunstnere. Etter utvisningen av Medici-klanen fra Firenze forble familiearvegods i palasset.

I 1765, da Anna Maria Ludovica, den siste av Medici, donerte familiens kunstsamling til folket i Firenze, ble galleriet byens første offentlige museum, og senere en verdensattraksjon.

Under Napoleonskrigene gikk noen verk fra Uffizi-samlingen tapt. Under andre verdenskrig ble bygningen oversvømmet, og en betydelig del av samlingen ble plyndret av nazistene. I 1993 eksploderte en bombe nær bygningen. En del av palasset ble skadet - Niobe-hallen ble spesielt hardt skadet.

Arkitektur

Uffizi-galleriet består av to identiske bygninger forbundet med en overbygd passasje. Fasadene til bygningene er vendt med gråstein en portiko med arkader fører inn. Inngangen til galleriet er dannet av tre vestibyler. Den første av dem inneholder byster av marmor og porfyr fra Medici-dynastiet. Hvelvene til den rektangulære hallen i første etasje ble dekorert på 1600-tallet av Giovanni Manozzi. I den ovale lobbyen kan du se gamle romerske statuer, sarkofager og relieffer.

Samling

Likevel bevarer Uffizi fortsatt mange verdifulle verk, ekte kunstperler. De fleste av maleriene er utstilt i rom med moderne interiør og delvis bevarte elementer av gammel dekor. Utstillingen dekker 6 tusen m2 og er delt inn i 50 saler.

Galleriet har uvurderlige verk av Leonardo, The Adoration of the Magi og The Annunciation; Michelangelos eneste betydningsfulle maleri er en tondo som skildrer den hellige familie. Uffizi-museet har den mest omfattende samlingen av Botticellis malerier i verden, de viktigste er "The Birth of Venus" og "Spring".

Den storslåtte "italienske" samlingen inneholder malerier av Raphael (den mest kjente "Madonna med gullfinken"), Titian (den berømte "Venus of Urbino"), Caravaggio (det berømte maleriet "Bacchus"), Tintoretto, Bassano, Veronese og andre kjente malere. Museet viser de beste maleriene av franske, tyske, flamske og nederlandske mestere, samt en stor samling selvportretter av europeiske kunstnere, samlet av kardinal Leopoldo de' Medici.

Caravaggio
"Bacchus", rundt 1596

Åpningstider

Tir - Søn 08.15 - 18.50;
Man - fridag.

Inngangsavgifter

For å komme inn i Uffizi-galleriet stiller turister fra hele verden seg i en lang kø. Bare om vinteren er det færre interesserte. Derfor anbefaler jeg å bestille billetter på forhånd.

Full billettpris – € 8,00; med utstilling - €11; reservasjon – €4.

Uffizi-galleriet
Piazzale degli Uffizi, 6 50122 Firenze FI Italia
polomuseale.firenze.it

Ta buss C1 til Galleria Degli Uffizi holdeplass

Hvordan sparer jeg på hotell?

Det er veldig enkelt - se ikke bare på bestilling. Jeg foretrekker søkemotoren RoomGuru. Han søker etter rabatter samtidig på Booking og på 70 andre bookingsider.