Teatro a Sydney. La Sydney Opera House è il simbolo della città più grande dell'Australia
Ognuna delle creazioni architettoniche ha il proprio carattere e la propria anima, tutte hanno la propria storia di creazione. Molti di loro sono grigi, monotoni e noiosi, alcuni sono divertenti o originali. Ma ci sono edifici - giganti, non devono necessariamente essere di dimensioni enormi, la cosa principale in queste strutture è l'impressione che fanno e il potere che hanno su una persona.
La Sydney Opera House è solo uno di questi meravigliosi edifici. Questo è il biglietto da visita di Sydney e dell'intera Australia culturale. La Sydney Opera House ha una storia insolita e persino un po' tragica...
Come è iniziata la costruzione del teatro dell'opera?
Nel 1955, il governo dello stato del Nuovo Galles del Sud decise che Sydney aveva bisogno di un proprio centro culturale, perché gli australiani non erano peggio degli inglesi primitivi e snob e degli americani progressisti! Si è deciso di erigere l'edificio sul promontorio che, come una lingua sporgente, si protende nel porto di Sydney. Era necessario costruire un intero complesso di sale e locali sotto lo stesso tetto, in modo che in un unico posto fosse possibile mettere in scena produzioni globali, tenere concerti, mettere in scena musical moderni e vaudeville, e inoltre si poteva pranzare lussuosamente e semplicemente divertiti.
223 architetti provenienti da tutto il mondo si contesero il diritto di progettare l'Opera House di Sydney. E il progetto di un danese non particolarmente famoso dal nome impronunciabile Jorn Utzon ha vinto questo concorso. La bellezza della sua idea era che l'edificio in realtà non aveva muri; le sorprendenti volte a forma di conchiglie o vele poggiavano direttamente sulle fondamenta. Così, la creazione architettonica, aperta alla vista da tutti i lati (dopo tutto, si trova su una penisola), ha acquisito visivamente la leggerezza e la rapidità di una barca a vela!
Il destino gioca con l'uomo, e l'uomo... costruisce un teatro dell'opera
Il guaio è che il progetto di Utzon era in realtà uno schizzo, un bozzetto artistico. Pertanto, inizialmente non era possibile calcolare i costi reali in termini di denaro e tempo. I giornali strombazzavano che la costruzione sarebbe stata completata in 4 anni e sarebbe costata 7 milioni di dollari. A proposito, una condizione necessaria per la costruzione dell'Opera era che non venisse speso nemmeno un centesimo delle casse dello Stato. Fu così indetta una lotteria nazionale (prima di questa, Utzon aveva scherzosamente venduto i suoi baci per 100 dollari per raccogliere fondi per la costruzione). Nel 1959 iniziò la costruzione e l'autore del progetto ne divenne il manager.
Il tempo passò. Il lavoro si trascinava. I calcoli non si sono avverati. La prima versione della fondazione doveva essere fatta saltare in aria. Il disegno delle volte si è rivelato instabile e di difficile realizzazione. Utzon ha sofferto. Un giorno, nel 1961, quando, quasi disperato, stava ancora una volta mettendo sul tavolo dei pezzi triangolari convessi da cui avrebbe dovuto realizzare delle cupole, gli venne in mente: ogni conchiglia dovrebbe essere, per così dire, parte di una sfera immaginaria , allora il tetto diventerebbe stabile e armonioso! “È come una buccia d’arancia!” esclamò. “Se tagli una buccia d’arancia in settori e metti queste fette a coppie, otterrai dei gusci di vela!” Il progetto ha trovato nuova vita.
Ma il tempo era perso, la costruzione stava divorando soldi. È morto il primo ministro Cahill, l'appassionato di opera che ne pose la prima pietra. Il partito al potere nel paese è cambiato. L'architetto iniziò a essere perseguitato. Nel 1965 Utzon fu costretto a dimettersi e a lasciare l'Australia per sempre. Fu sostituito da un folto gruppo di costruttori locali che non stavano affatto strappando le stelle dal cielo. L'opera fu completata a lungo e faticosamente. E se l'esterno dell'edificio è rimasto come lo immaginava il talentuoso e forte danese, allora il design degli interni della Sydney Opera House si è rivelato piuttosto noioso e stereotipato.
Infine, nel 1973, ebbe luogo l'inaugurazione del Teatro dell'Opera, la cui costruzione richiese 14 anni e costò 102 milioni di dollari. Il teatro fu aperto dalla regina Elisabetta II d'Inghilterra.
Utzon era molto offeso e, anche dopo aver ricevuto il Premio Pritzker per la sua meravigliosa idea nel 2003, non è mai andato a vederlo. È morto nel 2008.
La bellezza è eterna!
Ma il miracolo architettonico costruito da Utzon continua a vivere! Viene definito un eccellente esempio di “musica congelata” - nelle parole del grande Goethe. Le volte bianche ricordano conchiglie magiche, vele volanti, fantastici hangar per navi volanti...
Lo straordinario tetto è rivestito con tegole speciali, leggermente ruvide al tatto, come la pelle di serpente (le tegole si possono toccare).
Le giunture sono così ben abbinate che la superficie delle volte appare assolutamente liscia e su di essa si possono creare fantastici spettacoli laser.
L'edificio ha due sale principali: il Teatro dell'Opera, che può ospitare 1.500 persone, e la Sala Concerti, che può ospitare 2.500 persone.
Oltre a loro, la Sydney Opera House ha altri due palchi, numerosi ristoranti e luoghi di intrattenimento nella piazza antistante il teatro si tengono costantemente concerti e spettacoli gratuiti. Qui puoi ascoltare la musica nazionale eseguita dagli aborigeni.
La Sydney Opera House è una delle meravigliose caratteristiche senza le quali è impossibile immaginare il volto del mondo moderno.
La Sydney Opera House è l'attrazione principale dell'Australia. Inaugurata dalla regina Elisabetta II d'Inghilterra nel 1973, la Sydney Opera House è diventata una delle attrazioni più importanti dell'Australia e sarebbe un errore imperdonabile non visitarla. Fino al 1958, nel luogo in cui ora sorge il teatro dell'opera, c'era un deposito di tram, e ancor prima del deposito c'era un forte.
La costruzione del teatro ha richiesto 14 anni ed è costata all'Australia circa 102 milioni di dollari. Inizialmente si prevedeva di completare il progetto in 4 anni, ma a causa delle difficoltà con i lavori di finitura interna, la data di apertura è stata notevolmente ritardata. Per il normale funzionamento, il teatro necessita di tanta energia elettrica quanta ne basterebbe per una città con una popolazione di 25mila abitanti. Per costruire questo complesso unico, sono stati conficcati dei pali nel fondale oceanico del porto di Sydney fino a una profondità di 25 metri. La copertura del tetto è composta da 1.056.006 pezzi di tegole bianche e crema opache.
La Sydney Opera House ha forme molto riconoscibili, che ricordano vele giganti. Ma se molti riconoscono subito il teatro, vedendolo dall'esterno in una foto o in televisione, allora non tutti potranno rispondere con sicurezza che tipo di edificio sia, guardando le sue decorazioni dall'interno. Puoi vivere tutte le bellezze del teatro con un tour che parte nelle sue profondità alle 7 del mattino, cioè nell'ora in cui l'Opera House di Sydney sta ancora sonnecchiando e le sue pareti non sono disturbate da spettacoli sonori e rumorosi.
Questa escursione viene effettuata solo una volta al giorno. Un'enorme varietà di artisti diversi provenienti da tutto il mondo si esibiscono nel teatro, tra questi è nata la tradizione di baciare il muro prima dello spettacolo, ma solo i più degni e grandi tra loro ricevono un tale onore. Ad esempio, sul muro dei baci puoi trovare le impronte delle labbra di Janet Jackson. Tuttavia, l'escursione non può che essere solo una tappa introduttiva al mondo dell'Opera House di Sydney. Per ottenere le massime impressioni ed emozioni positive, è necessario assistere ad almeno 1 spettacolo.
Un altro luogo di spettacoli impressionante a Sydney è lo Stadium Australia, che può ospitare 83,5 mila persone.
Informazioni per i visitatori:
Indirizzo: Bennelong Point, Sydney NSW 2000.
Come arrivare là: Il teatro dell'opera si trova sul porto di Sydney a Bennelong Point. Sarà facile per te arrivare da qualsiasi parte di Sydney; l'intersezione delle vie di trasporto marittime e terrestri si trova nelle vicinanze.
Ore lavorative:
Tutti i giorni (esclusa la domenica) dalle 9:00 a tarda sera;
Domenica: dalle 10:00 a tarda sera (a seconda dell'evento).
Prezzi: a seconda dell'evento.
Storia della costruzione
223 architetti si contesero il diritto di progettare la Sydney Opera House. Nel gennaio 1957 il progetto dell'architetto danese Jorn Utzon fu annunciato come vincitore del concorso e due anni dopo fu posata la prima pietra a Bennelong Point nel porto di Sydney. Secondo i calcoli preliminari, la costruzione del teatro avrebbe dovuto durare 3-4 anni e costare 7 milioni di dollari. Purtroppo, subito dopo l’inizio dei lavori, sono sorte molte difficoltà che hanno costretto il governo a deviare dai piani originali di Utzon. E nel 1966, Utzon lasciò Sydney dopo un litigio particolarmente grande con le autorità cittadine.
Un team di giovani architetti australiani si è assunto la responsabilità di completare la costruzione. Il governo del Nuovo Galles del Sud ha giocato una lotteria per raccogliere fondi per continuare il lavoro. E il 20 ottobre 1973 fu inaugurata la nuova Sydney Opera House. Invece dei 4 anni previsti, il teatro fu costruito in 14 e costò 102 milioni di dollari.
Video: spettacolo laser alla Sydney Opera House
Caratteristiche architettoniche
L'edificio della Sydney Opera House è lungo 183 m e largo 118 m, coprendo un'area di oltre 21.500 mq. m. Poggia su 580 pali di cemento conficcati a una profondità di 25 m nel fondo argilloso del porto, e la sua grandiosa cupola si eleva per 67 m. Per coprire l'intera superficie della cupola sono state utilizzate più di un milione di piastrelle smaltate, simili a perle, bianche come la neve.
L'edificio ospita 5 teatri: la Sala Grande da Concerto con 2.700 posti; un proprio teatro con 1.500 posti e piccoli teatri di prosa, giochi e studi teatrali con 350 e 500 posti ciascuno. Il complesso dispone di oltre mille spazi aggiuntivi per uffici, tra cui sale prove, 4 ristoranti e 6 bar.
Dati
- Posizione: La Sydney Opera House si trova a Bennelong Head nel porto di Sydney, nello stato del Nuovo Galles del Sud, in Australia. Il suo architetto è Jorn Utzon.
- Date: La prima pietra fu posta il 2 marzo 1959. La prima rappresentazione ebbe luogo il 28 settembre 1973, seguita dall'inaugurazione ufficiale del teatro il 20 ottobre 1973. L'intera costruzione durò 14 anni e costò 102 milioni di dollari.
- Dimensioni: L'edificio della Sydney Opera House è lungo 183 m e largo 118 m, coprendo un'area di oltre 21.500 mq. M.
- Teatri e numero di posti: l'edificio ospita 5 teatri distinti per un numero totale di posti a sedere di oltre 5.500.
- Cupola: La cupola unica del Teatro dell'Opera di Sydney è ricoperta da oltre un milione di piastrelle di ceramica. Il complesso è fornito di energia elettrica tramite 645 km di cavo.
La Sydney Opera House è l'edificio più famoso d'Australia, completato dopo un lungo processo di costruzione nel 1974. Si discute ancora sul suo stile architettonico, ma il teatro è da tempo diventato simbolo e biglietto da visita di questa lontana città.
Alcuni credono che la Sydney Opera House sia una composizione musicale congelata, altri sono vele bianche come la neve piene di vento, altri sono sicuri che da lontano l'edificio assomigli a un'enorme balena trascinata in riva al mare da una tempesta.
La cosa più singolare del teatro è il suo tetto, realizzato a forma di vele o petali di fiori. Non può essere confuso con nessun altro edificio. La Sydney Opera House è nella famosa lista del patrimonio culturale dell'UNESCO.
Descrizione
È noto che la stragrande maggioranza degli altri teatri del mondo sono stati costruiti in rigoroso stile classicista. E la Sydney Opera House è il vero espressionismo architettonico, uno sguardo nuovo alla musica classica e al canto lirico.
Ha un tetto insolito e si erge su palafitte nell'acqua da cui è circondato. Il teatro ha una superficie enorme: circa 22.000 metri quadrati. m, molte grandi sale, studi, bar, ristoranti, boutique, negozi di souvenir e altri locali.
La sala più grande del teatro è la sala concerti, che può ospitare più di 2,6mila persone. C'è un organo gigante in questa sala e spesso si tengono concerti di musica d'organo.
La seconda sala più grande si chiama Teatro dell'Opera, la sua capacità è di 1,5 mila persone, qui vengono messe in scena opere e balletti. La terza sala è chiamata teatro drammatico, è progettata per 500 spettatori ed è destinata alle produzioni teatrali.
Tetto del teatro
L'altezza del tetto di questo edificio è di quasi 70 me il raggio è di 75 m. È realizzato sotto forma di tanti petali o vele annidati l'uno nell'altro. Il peso totale del tetto è di oltre 30.000 kg.
La superficie dei conci che ricoprono il tetto della Sydney Opera House è ricoperta da piastrelle bianche lisce. È interessante notare che durante il giorno, a seconda dell'illuminazione, il suo colore cambia dal bianco puro al beige chiaro.
A causa del fatto che la superficie del tetto non è liscia, al suo interno sono sorti seri problemi acustici. Pertanto, abbiamo dovuto realizzare anche un soffitto con riflessione del suono. La funzione riflettente è svolta da apposite grondaie sul soffitto.
Il primo autore del teatro
L'idea di costruire un teatro dell'opera a Sydney venne in mente al direttore d'orchestra inglese Eugene Goossens, arrivato in Australia per registrare concerti alla radio. Non c'era un solo edificio dove potesse essere collocata l'opera.
Su richiesta di Hessens, le autorità australiane decisero di costruire un teatro dove si potesse ascoltare non solo musica classica, ma anche opere musicali moderne.
A Sydney è stato scelto un promontorio in riva al mare vicino all'argine. A quel tempo lì c'era un parcheggio per i tram, fu spostato in un altro luogo e fu subito indetto un concorso professionale per il miglior progetto del futuro teatro dell'opera.
In connessione con il vigoroso sviluppo della costruzione di questo teatro, Goossens si acquisì nemici e persone invidiose. All'improvviso, la dogana ha trovato oggetti proibiti nel suo bagaglio ed è stato costretto a lasciare l'Australia.
(inglese: Sydney Opera House) è uno degli edifici più famosi e facilmente riconoscibili al mondo, simbolo della città più grande dell'Australia, Sydney, e una delle principali attrazioni dell'Australia - Le conchiglie a forma di vela che formano il tetto rendono questo edificio diverso da qualsiasi altro al mondo. L'Opera House è riconosciuta come uno degli edifici più straordinari dell'architettura moderna e, insieme all'Harbour Bridge, è il simbolo di Sydney dal 1973.
La Sydney Opera House si trova nel porto di Sydney, a Bennelong Point. Questo luogo ha preso il nome da un aborigeno australiano, amico del primo governatore della colonia. È difficile immaginare Sydney senza il Teatro dell'Opera, ma fino al 1958 al suo posto c'era un normale deposito di tram (prima dell'edificio dell'opera c'era un forte, e poi un deposito di tram).
L'architetto del Teatro dell'Opera è il danese Jorn Utzon. Nonostante il successo del concetto dei gusci sferici, che risolvevano tutti i problemi costruttivi, essendo adatti alla produzione di massa, alla fabbricazione di precisione e alla facilità di installazione, la costruzione subì ritardi, principalmente a causa della decorazione interna dei locali. La costruzione dell'Opera sarebbe dovuta durare 4 anni e costare 7 milioni di AUD. Invece, per costruire l’opera ci sono voluti 14 anni ed è costata 102 milioni di dollari!
La Sydney Opera House è un edificio espressionista dal design radicale e innovativo. L'edificio si estende su una superficie di 2,2 ettari. La sua altezza è di 185 metri e la sua larghezza massima è di 120 metri. L'edificio pesa 161.000 tonnellate e poggia su 580 pali, calati nell'acqua fino a una profondità di quasi 25 metri dal livello del mare. La sua fornitura di energia equivale al consumo di elettricità di una città con una popolazione di 25.000 persone. L'elettricità è distribuita su 645 chilometri di cavi.
Il tetto del teatro dell'opera è costituito da 2.194 sezioni prefabbricate, la sua altezza è di 67 metri e il suo peso supera le 27 tonnellate, l'intera struttura è tenuta in posizione da cavi d'acciaio lunghi 350 chilometri. Il tetto del teatro è formato da una serie di "conchiglie" costituite da una sfera di cemento inesistente di 492 piedi di diametro, comunemente chiamate "conchiglie" o "vele", sebbene questa non sia la definizione architettonica di tale struttura. Questi gusci sono creati da pannelli prefabbricati in cemento a forma triangolare supportati da 32 nervature prefabbricate dello stesso materiale. Tutte le nervature formano parte di un grande cerchio, che ha permesso ai contorni dei tetti di avere la stessa forma e all'intero edificio di avere un aspetto completo e armonioso.
L'intero tetto è ricoperto da 1.056.006 tegole azulejos nei colori bianco e crema opaco. Sebbene da lontano la struttura sembri realizzata interamente con piastrelle bianche, in diverse condizioni di illuminazione le piastrelle creano combinazioni di colori diversi. Grazie al metodo meccanico di posa delle tegole, tutta la superficie del tetto è risultata perfettamente liscia, cosa impossibile con la copertura manuale. Tutte le piastrelle sono state prodotte dalla fabbrica svedese Höganäs AB con tecnologia autopulente, ma nonostante ciò alcune piastrelle vengono regolarmente pulite e sostituite.
Le due volte a conchiglia più grandi formano il soffitto della Sala Concerti e del Teatro dell'Opera. In altri ambienti i soffitti formano gruppi di volte più piccole.
La struttura del tetto a gradoni era molto bella, ma creava problemi di altezza all'interno dell'edificio, poiché l'altezza risultante non forniva un'acustica adeguata nei corridoi. Per risolvere questo problema, sono stati realizzati soffitti separati per riflettere il suono. Nel guscio più piccolo a lato dell'ingresso principale e della grande scalinata si trova il ristorante Bennelong.
L'interno dell'edificio è decorato con granito rosa portato dalla regione di Tarana (Nuovo Galles del Sud), legno e compensato.
Per questo progetto, Utzon ha ricevuto nel 2003 il Pritzker Prize, il più alto riconoscimento in architettura. Il premio è stato accompagnato dalle parole: “Non c'è dubbio che la Sydney Opera House sia il suo capolavoro. È uno dei grandi edifici iconici del XX secolo, un'immagine di straordinaria bellezza divenuta famosa in tutto il mondo, un simbolo. non solo della città, ma dell’intero Paese e continente”
La Sydney Opera House ospita quattro delle principali compagnie artistiche australiane - Australian Opera, Australian Ballet, Sydney Theatre Company e Sydney Symphony Orchestra - e molte altre compagnie e teatri hanno sede presso la Sydney Opera House. Il teatro è uno dei centri per le arti dello spettacolo più frequentati della città e ospita circa 1.500 spettacoli all'anno con una partecipazione totale di oltre 1,2 milioni di persone. È anche una delle attrazioni più popolari dell'Australia, con oltre sette milioni di turisti che la visitano ogni anno.
L'edificio del Teatro dell'Opera ha tre sale per spettacoli principali:
La Concert Hall da 2.679 posti è la sede della Sydney Symphony Orchestra. Contiene l'organo meccanico funzionante più grande del mondo, con oltre 10.000 canne.
L'Opera House, 1507 posti, ospita la Sydney Opera House e l'Australian Ballet.
Il Drama Theatre, 544 posti, è utilizzato dalla Sydney Theatre Company e da altre compagnie di danza e teatro.
Oltre a queste tre sale, la Sydney Opera House contiene diverse sale e studi più piccoli.
Ekaterina Shcherbachenko è una cantante lirica russa (soprano), solista del Teatro Bolshoi. Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nata Telegina) è nata il 31 gennaio 1977 a Ryazan. Nel 1996 si è diplomata al Ryazan Music College omonimo. G. e A. Pirogov, avendo ricevuto la specialità "direttore di coro". Nel 2005 si è diplomata al Conservatorio di Stato di Mosca. P.I. Tchaikovsky (insegnante - Professoressa Marina Alekseeva) e lì ha continuato i suoi studi post-laurea. Nello studio d'opera del conservatorio ha cantato la parte di Tatiana nell'opera “Eugene Onegin” di P. Tchaikovsky e la parte di Mimi nell'opera “La Bohème” di G. Puccini. Nel 2005 è stata tirocinante solista presso la compagnia d'opera del Teatro Musicale Accademico di Mosca. K.S. Stanislavskij e V.I. Nemirovich-Danchenko. In questo teatro ha interpretato il ruolo di Lidochka nell'operetta "Mosca, Cheryomushki" di D. Shostakovich e il ruolo di Fiordiligi nell'opera "Questo è ciò che fanno tutte le donne" di W.A. Mozart. Nel 2005, al Teatro Bolshoi, ha interpretato il ruolo di Natasha Rostova nella prima dell'opera "Guerra e pace" di S. Prokofiev (seconda edizione), dopo di che ha ricevuto un invito al Teatro Bolshoi come membro permanente della compagnia d'opera. . Il suo repertorio al Teatro Bolshoi comprendeva i seguenti ruoli: Natasha Rostova (Guerra e pace di S. Prokofiev) Tatiana (Eugene Onegin di P. Tchaikovsky) Liu (Turandot di G. Puccini) Mimi (La Bohème di G. Puccini) Michaela ( "Carmen" di J. Bizet) Iolanta ("Iolanta" di P. Tchaikovsky) Nel 2004 ha interpretato il ruolo di Lidochka nell'operetta "Mosca, Cheryomushki" all'Opera di Lione (diretta da Alexander Lazarev). Nel 2007, in Danimarca, ha partecipato all'esecuzione della cantata "Bells" di S. Rachmaninov con l'Orchestra Sinfonica Nazionale della Radio Danese (direttore Alexander Vedernikov). Nel 2008, ha interpretato il ruolo di Tatiana al Teatro dell'Opera di Cagliari (Italia, direttore Mikhail Yurovsky, regia Moshe Leizer, Patrice Caurier, produzione del Teatro Mariinsky). Nel 2003 ha conseguito il diploma al Concorso Internazionale “Nuove Voci” di Gütersloh (Germania). Nel 2005 ha vinto il 3° premio al Concorso Lirico Internazionale di Shizuoka (Giappone). Nel 2006 - III premio al Concorso Vocale Internazionale. Francisco Viñasa di Barcellona (Spagna), dove ha ricevuto anche un premio speciale come “Miglior Interprete di Musica Russa”, il premio “Amici dell'Opera di Sabadell” e il premio dell'Associazione Musicale di Catania (Sicilia). Nel 2009 ha vinto il concorso BBC Singer of the World a Cardiff e le è stato assegnato anche il Triumph Youth Grant.
Irina Konstantinovna Arkhipova - cantante lirica sovietica e russa, mezzosoprano, solista del Teatro Bolshoi (1956-1988), artista popolare dell'URSS (1966), detentrice dell'Ordine di Lenin (1971, 1976, 1985), vincitrice di il Premio Lenin (1978), Eroe del lavoro socialista (1984), vincitore del Premio di Stato della Russia (1996). Irina Konstantinovna Arkhipova è nata il 2 gennaio 1925 a Mosca. All'età di otto anni entrò alla Scuola Centrale di Musica del Conservatorio di Mosca, ma a causa di una malattia improvvisa non poté studiare lì. Più tardi, Irina entrò nella scuola Gnessin. Durante la Grande Guerra Patriottica, lei e la sua famiglia furono evacuate a Tashkent, dove entrò all'Istituto di Architettura di Mosca, anch'esso evacuato lì. Dopo la laurea, lavora alla progettazione e costruzione di una serie di strutture nella capitale, incluso un nuovo complesso di edifici dell'Università statale di Mosca su Vorobyovy Gory, parallelamente alle lezioni di canto con N.M. Malysheva, e successivamente studiò al Conservatorio di Mosca nella classe di canto di L.F. Savransky. Nel 1953 si diplomò al conservatorio. Nel 1954-1956, solista del Teatro dell'Opera e del Balletto di Sverdlovsk. Nel 1956-1988 - solista del Teatro Bolshoi. La sua interpretazione di Carmen nell'opera omonima di Georges Bizet ha ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo. Era caratterizzata da una profonda rivelazione interiore dell'immagine e dalla premurosità dell'interpretazione. Aveva il dono della trasformazione scenica. Dal 1955 effettua tournée all'estero (Austria, Polonia, Germania dell'Est, Finlandia, Italia, Ungheria, Romania, Cecoslovacchia, Bulgaria, USA, Giappone, Francia, Canada). Nel 1967 e nel 1971 cantò alla Scala (il ruolo di Marfa e il ruolo di Marina Mniszech). Dal 1975 insegna al Conservatorio di Mosca e dal 1984 è professore. Negli anni '80 ha eseguito una serie di concerti "Antologia del romanticismo russo". Nel 1966 è stata invitata a far parte della giuria del Concorso P.I. Tchaikovsky e dal 1967 è presidente permanente della giuria del Concorso M.I. Da allora è stata membro della giuria di numerosi concorsi prestigiosi nel mondo, tra cui il “Verdi Voice” e il concorso Mario del Monaco in Italia, il Concorso Regina Elisabetta in Belgio, il concorso Maria Callas in Grecia, il Concorso Francisco Viñas in Spagna, concorso vocale a Parigi, concorso vocale a Monaco. Dal 1974 (ad eccezione del 1994) è presidente permanente della giuria del Concorso Čajkovskij nella sezione “canto solista”. Nel 1997, su invito del presidente dell'Azerbaigian Heydar Aliyev e del ministro della Cultura dell'Azerbaigian Pallada Bul-Bul Ogly, Irina Arkhipova ha guidato la giuria del Concorso Bul-Bul, organizzato per il centenario della sua nascita. Dal 1986, I.K. Arkhipova è il presidente della All-Union Musical Society, che alla fine del 1990 è stata trasformata nell'Unione internazionale dei lavoratori musicali. Dal 1983 - Presidente della Fondazione Irina Arkhipova. Dottore onorario dell'Accademia Nazionale di Musica intitolata a Muzichescu della Repubblica di Moldova (1998), Presidente della Società di Amicizia Russia-Uzbekistan. Era deputata del Soviet Supremo dell'URSS della 6a convocazione. Deputato del popolo dell'URSS (1989-1991). Autore dei libri: “My Muses” (1992), “Music of Life” (1997), “A Brand Called “I”” (2005). Il marito del cantante è l'artista popolare dell'URSS Vladislav Piavko. Figlio - Andrey. Pronipote - Irina. Il 19 gennaio 2010, Irina Konstantinovna Arkhipova è stata ricoverata in ospedale con patologie cardiache presso il Botkin City Clinical Hospital. L'11 febbraio 2010 il cantante è morto. È stata sepolta il 13 febbraio 2010 nel cimitero di Novodevichy a Mosca.
Cecilia Bartoli è una cantante lirica italiana, mezzosoprano di coloratura. Uno dei cantanti lirici più importanti e di successo commerciale del nostro tempo. Cecilia Bartoli è nata il 4 giugno 1966 a Roma. I genitori di Bartoli sono Silvana Bazzoni e Pietro Angelo Bartoli, cantanti professionisti e dipendenti dell'Opera di Roma. La prima e principale insegnante di canto di Cecilia è stata sua madre. All'età di nove anni, Cecilia è apparsa per la prima volta sul "grande palcoscenico" - è apparsa in una delle scene di folla dell'Opera di Roma sotto forma di pastorello nella produzione di "Tosca". Da bambina, la futura cantante amava ballare e praticava il flamenco, ma i suoi genitori non vedevano la sua carriera nella danza e, scontenti dell'hobby della figlia, insistevano perché continuasse la sua educazione musicale; Il flamenco ha dato a Bartoli la facilità e la passione con cui si esibisce sul palco, e il suo amore per questo ballo è ancora attuale. All'età di 17 anni Bartoli entrò al Conservatorio di Santa Cecilia. Nel 1985 si esibisce nella trasmissione televisiva "Nuovi Talenti": canta "Barcarolle" da "I racconti di Hoffmann" di Offenbach, l'aria di Rosina da "Il barbiere di Siviglia" e persino un duetto con il baritono Leo Nucci. E anche se si è classificata seconda, la sua esibizione ha creato un vero scalpore tra gli amanti dell'opera. Presto Bartoli si esibì in un concerto organizzato dall'Opera di Parigi in memoria di Maria Callas. Dopo questo concerto, ha attirato l'attenzione di tre "pesi massimi" nel mondo della musica classica: Herbert von Karajan, Daniel Barenboim e Nikolaus Harnoncourt. Il suo debutto operistico professionale ha avuto luogo nel 1987 all'Arena di Verona. L'anno successivo ha cantato il ruolo di Rosina ne Il Barbiere di Siviglia di Rossini all'Opera di Colonia e il ruolo di Cherubino accanto a Nikolaus Harnoncourt ne Le nozze di Figaro di Mozart a Zurigo, Svizzera. Herbert von Karajan la invitò a partecipare al Festival di Salisburgo ed eseguire con lui la Messa in si minore di J. S. Bach, ma la morte del maestro non permise la realizzazione dei piani. Nel 1990, Bartoli ha debuttato all'Opera Bastille nel ruolo di Cherubino, all'Opera di Stato di Amburgo nel ruolo di Idamante nell'Idomeneo di Mozart e negli Stati Uniti al Mostly Mozart Festival di New York e ha stipulato un contratto esclusivo con la DECCA. Nel 1991 ha debuttato alla Scala nel ruolo del paggio Isolier ne Le Comte Ory di Rossini, da quel momento, all'età di 25 anni, si è affermata come una delle principali interpreti mondiali di Mozart e Rossini. Da allora, la sua carriera si è sviluppata rapidamente: l'elenco dei migliori teatri del mondo, anteprime, concerti solisti, direttori d'orchestra, registrazioni, festival e premi per Cecili Bartoli potrebbe diventare un libro. Dal 2005, Cecilia Bartoli si è concentrata sulla musica dell'epoca barocca e del primo classico di compositori come Gluck, Vivaldi, Haydn e Salieri, e più recentemente sulla musica dell'epoca romantica e del Belcanto italiano. Attualmente vive con la sua famiglia a Monte Carlo e lavora all'Opera di Zurigo. Cecilia Bartoli è ospite assidua in Russia dal 2001, ha visitato il nostro Paese più volte; la sua ultima tournée è avvenuta nel settembre 2011; Alcuni critici sottolineano che Cecilia Bartoli è considerata uno dei migliori mezzosoprani del nostro tempo solo perché con questo tipo di voce (a differenza del soprano) ha pochissimi concorrenti, tuttavia le sue esibizioni attirano il pienone di fan e i suoi dischi vendono milioni. di copie. Per i suoi servizi nel campo della musica, Cecilia Bartoli è stata insignita di numerosi premi statali e pubblici, tra cui gli Ordini al Merito e delle Arti e Lettere francesi e il Cavalierato italiano, ed è anche membro onorario della Royal Academy of Music di Londra, ecc. È proprietaria di cinque Grammy Awards, l'ultimo dei quali ha vinto nel 2011 nella categoria "Miglior performance vocale classica" con l'album "Sacrifice" (Sacrificium).
Montserrat Caballe (nome completo: Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) è una cantante lirica spagnola catalana, soprano famosa per la sua tecnica del bel canto e la sua interpretazione dei ruoli nelle opere classiche italiane di Rossini, Bellini e Donizetti Caballe è nata a Barcellona il 12 aprile 1933. Ha studiato per 12 anni al Conservatorio di Musica del Liceo di Barcellona e si è diplomata con una medaglia d'oro nel 1954. Nel 1957 ha debuttato sul palcoscenico dell'opera nel ruolo di Mimi in nel 1960-1961 cantò all'Opera di Brema, dove ampliò notevolmente il suo repertorio. Nel 1962 tornò a Barcellona e fece il suo debutto in "Arabella" di Richard Strauss. La sua ascesa sulla scena internazionale avvenne nel 1965. A New York alla Carnegie Hall, quando fu costretta a sostituire la malata Marilyn Horne e ad interpretare la parte nella Lucrezia Borgia di Donizetti, ebbe meno di un mese per padroneggiare il ruolo. La sua performance è diventata una sensazione nel mondo dell'opera; il pubblico ha applaudito per 25 minuti. Il giorno successivo, il New York Times titolava: “Callas + Tebaldi = Caballe”. Nello stesso anno, Caballe ha fatto il suo debutto sul palcoscenico a Glyndebourne in Le Knight de la Rose e subito dopo al Metropolitan Opera nel ruolo di Marguerite in Faust. Da quel momento in poi, la sua fama non tramontò mai: le erano aperti i migliori palcoscenici d'opera del mondo: New York, Londra, Milano, Berlino, Mosca, Roma, Parigi. Nel settembre 1974 subì un intervento chirurgico importante per un cancro allo stomaco. Si riprese e ritornò sul palco all'inizio del 1975. Ha fatto la sua 99esima e ultima rappresentazione al Metropolitan Opera il 22 gennaio 1988, nel ruolo di Mimi ne La Bohème di Puccini, al fianco di Luciano Pavarotti (Rodolfo). Nel 1988, insieme al cantante dei Queen Freddie Mercury, registrò l'album "Barcelona", la cui canzone principale con lo stesso nome divenne un super successo all'inizio degli anni '90 e si classificò al primo posto nelle classifiche pop europee. Questo singolo divenne l'inno delle Olimpiadi estive del 1992. Dopo la morte di Freddie Mercury, la sua voce si sente nella registrazione e Montserrat Caballe si rifiuta di cantare questa canzone in duetto con altri cantanti. Fino a poco tempo fa conduce uno stile di vita attivo e non ci sono segni di stanchezza, sia a livello creativo che sociale. Caballe si è dedicata ad attività di beneficenza; è Ambasciatrice di buona volontà dell'UNESCO e ha creato un fondo per aiutare i bambini.
Inva Mula è una cantante lirica, soprano, albanese. Occupa un posto significativo nel mondo dell'opera, tuttavia, al di fuori del palcoscenico dell'opera, è conosciuta soprattutto per la sua interpretazione di un'aria nel film "Il quinto elemento". Inva Mula è nata il 27 giugno 1963 a Tirana, Albania, suo padre Avni Mula è un famoso cantante e compositore albanese, il nome della figlia - Inva è la lettura inversa del nome di suo padre. Ha studiato canto e pianoforte nella sua città natale, prima presso una scuola di musica, poi al conservatorio sotto la guida della madre, Nina Mula. Nel 1987, Inva ha vinto il concorso "Cantante d'Albania" a Tirana e nel 1988 il Concorso Internazionale George Enescu a Bucarest. Il suo debutto sul palcoscenico operistico avviene nel 1990 al Teatro dell'Opera e del Balletto di Tirana con il ruolo di Leila ne “I pescatori di perle” di J. Bizet. Ben presto Inva Mula lasciò l'Albania e trovò lavoro come cantante nel coro dell'Opera Nazionale di Parigi (Opera Bastille e Opera Garnier). Nel 1992, Inva Mula ha ricevuto il primo premio al concorso Butterfly di Barcellona. Il successo principale, grazie al quale è diventata famosa, è stato il premio al primo concorso Placido Domingo Operalia a Parigi nel 1993. Il concerto di gala finale di questo concorso si è tenuto all'Opera Garnier, è stato pubblicato un disco e il tenore Placido Domingo con i vincitori del concorso, tra cui Inva Mula, ha ripetuto questo programma all'Opera Bastille, così come a Bruxelles, Monaco e Oslo . Questo tour attirò l'attenzione su di lei e la cantante iniziò ad essere invitata ad esibirsi in vari teatri d'opera in tutto il mondo. La gamma dei ruoli di Inva Mula è piuttosto ampia: canta Gilda di Verdi nel Rigoletto, Nanette in Falstaff e Violetta ne La Traviata; Altri suoi ruoli sono Micaela in Carmen, Antonia ne I racconti di Hoffmann, Musetta e Mimi ne La Bohème, Rosina ne Il barbiere di Siviglia, Nedda in Pagliacci, Magda e Lisette ne La rondine e tanti altri. La carriera di Inva Mula continua con successo, si esibisce regolarmente nei teatri d'opera europei e mondiali, tra cui La Scala di Milano, Opera di Stato di Vienna, Arena di Verona, Opera Lyric di Chicago, Metropolitan Opera, Los Angeles Opera, nonché teatri di Tokyo, Barcellona , Toronto , Bilbao e altri. Inva Mula ha scelto Parigi come sua casa ed è ora considerata più una cantante francese che albanese. Si esibisce costantemente nei teatri francesi di Tolosa, Marsiglia, Lione e, ovviamente, a Parigi. Nel 2009/10 Inva Moula ha aperto la stagione dell'Opera di Parigi all'Opéra Bastille, recitando nell'opera Mireille di Charles Gounod, raramente rappresentata. Inva Mula ha pubblicato diversi album, nonché registrazioni televisive e video delle sue performance, pubblicate su DVD, comprese le opere La bohème, Falstaff e Rigoletto. Una registrazione dell'opera "Swallow" con il direttore Antonio Pappano e la London Symphony Orchestra ha ricevuto il Gramaphone Award come "Miglior registrazione dell'anno" nel 1997. Fino alla metà degli anni '90 Inva Mula è stata sposata con il cantante e compositore albanese Pirro Txako e all'inizio della sua carriera ha utilizzato o il cognome del marito oppure il doppio cognome Mula-Txako, dopo il divorzio ha iniziato a utilizzare solo il primo; nome: Inva Mula. Inva Mula, fuori dal palcoscenico dell'opera, si è fatta un nome doppiando il ruolo di Diva Plavalaguna (un'aliena alta, dalla pelle blu con otto tentacoli) nel film di fantascienza di Jean-Luc Besson Il quinto elemento, con Bruce Williss e Milla. Jovovich. La cantante ha eseguito l'aria “Oh, giusto cielo!.. Dolce suono” dall'opera “Lucia di Lammermoor” di Gaetano Donizetti e la canzone “Il ballo della Diva”, in che, molto probabilmente, la voce è stata sottoposta ad elaborazione elettronica per ottenere un tono impossibile per gli esseri umani, sebbene i realizzatori affermino il contrario. Il regista Luc Besson voleva che nel film si sentisse la voce della sua cantante preferita Maria Callas, ma la qualità delle registrazioni disponibili non era abbastanza buona per essere utilizzata nella colonna sonora del film e Inva Mula è stata invitata a fare il doppiaggio.
Olga Vladimirovna Borodina è una cantante lirica russa, mezzosoprano. Artista popolare russo, vincitore del Premio di Stato della Federazione Russa. Vincitore del Grammy Award 2011. Solista del Teatro Mariinsky. Olga Vladimirovna Borodina è nata il 29 luglio 1963 a San Pietroburgo. Padre - Borodin Vladimir Nikolaevich (1938-1996). Madre - Borodina Galina Fedorovna. Ha studiato al Conservatorio di Leningrado nella classe di Irina Bogacheva. Nel 1986, è diventata la vincitrice del I Concorso vocale tutto russo e un anno dopo ha preso parte al XII Concorso sindacale di giovani cantanti intitolato a M. I. Glinka e ha ricevuto il primo premio. Dal 1987 - nella compagnia del Teatro Mariinsky, il suo ruolo di debutto in teatro è stato il ruolo di Siebel nell'opera Faust di Charles Gounod. Successivamente sul palco del Teatro Mariinsky ha cantato i ruoli di Marfa in Khovanshchina di Mussorgsky, Lyubasha in La sposa dello zar di Rimsky-Korsakov, Olga in Eugene Onegin, Polina e Milovzor in La dama di picche di Čajkovskij, Konchakovna nel Principe Igor di Borodin, Helen Kuragina in “Guerra e pace” di Prokofiev, Marina Mnishek in “Boris Godunov” di Mussorgsky. Dall'inizio degli anni '90 è stata richiesta sui palcoscenici dei migliori teatri del mondo: Metropolitan Opera, Covent Garden, San Francisco Opera, La Scala. Ha lavorato con molti importanti direttori d'orchestra del nostro tempo: oltre a Valery Gergiev, Bernard Haitink, Colin Davis, Claudio Abbado, Nikolaus Harnoncourt, James Levine. Olga Borodina è vincitrice di numerosi prestigiosi concorsi internazionali. Tra questi c'è il concorso vocale che porta il nome. Roses Ponsel (New York) e il Concorso Internazionale Francisco Viñas (Barcellona), la cui vittoria le è valsa il plauso della critica in Europa e negli Stati Uniti. Inoltre, l'inizio della fama internazionale di Olga Borodina fu il suo debutto sul palco della Royal Opera House, Covent Garden ("Samson and Dalilah", 1992), dopo di che la cantante prese il posto che le spettava tra i cantanti più eccezionali del nostro tempo e cominciò ad apparire sui palcoscenici di tutti i principali teatri del mondo. Dopo il suo debutto al Covent Garden, Olga Borodina si è esibita sul palco di questo teatro nelle opere "Cenerentola", "La dannazione di Faust", "Boris Godunov" e "Khovanshchina". Dopo essersi esibita per la prima volta alla San Francisco Opera nel 1995 (Cenerentola), in seguito ha interpretato i ruoli di Lyubasha (La sposa dello zar), Dalila (Sansone e Dalila) e Carmen (Carmen). Nel 1997, la cantante ha debuttato al Metropolitan Opera Theatre (Marina Mnishek, Boris Godunov), sul palco del quale canta i suoi ruoli migliori: Amneris in Aida, Polina in La regina di picche, Carmen nell'opera omonima di Bizet nome, Isabella in “Una donna italiana ad Algeri” e Dalila in “Sansone e Dalila”. Alla rappresentazione di quest'ultima opera, che ha aperto la stagione 1998-1999 al Metropolitan Opera, Olga Borodina si è esibita insieme a Placido Domingo (diretto da James Levine). Olga Borodina si esibisce anche sui palchi della Washington Opera House e della Lyric Opera di Chicago. Nel 1999 si è esibita per la prima volta alla Scala (Adrienne Lecouvreur) e successivamente, nel 2002, ha interpretato il ruolo di Dalila (Sansone e Dalila) su questo palco. All'Opera di Parigi interpreta i ruoli di Carmen (Carmen), Eboli (Don Carlos) e Marina Mnischek (Boris Godunov). Gli altri impegni europei della cantante includono Carmen con la London Symphony Orchestra e Colin Davis a Londra, Aida all'Opera di Stato di Vienna, Don Carlos all'Opera Bastille di Parigi e al Festival di Salisburgo (dove ha debuttato nel 1997 in Boris Godunov) , così come "Aida" alla Royal Opera House, Covent Garden. Olga Borodina partecipa regolarmente ai programmi di concerti delle più grandi orchestre del mondo, tra cui l'Orchestra Sinfonica dell'Opera Metropolitana diretta da James Levine, l'Orchestra Filarmonica di Rotterdam, l'Orchestra Sinfonica del Teatro Mariinsky diretta da Valery Gergiev e molti altri gruppi. Il suo repertorio concertistico comprende ruoli di mezzosoprano nel Requiem di Verdi, la cantata "La morte di Cleopatra" e la sinfonia "Romeo e Giulietta" di Berlioz, le cantate "Ivan il Terribile" e "Alexander Nevsky" di Prokofiev, lo Stabat Mater di Rossini, "Pulcinella" di Stravinskij, così come il ciclo vocale "Scheherazade" di Ravel e "Canzoni e danze della morte" di Mussorgsky. Olga Borodina esegue programmi da camera nelle migliori sale da concerto in Europa e negli Stati Uniti: Wigmore Hall e Barbican Center (Londra), Vienna Konzerthaus, Madrid National Concert Hall, Amsterdam Concertgebouw, Accademia di Santa Cecilia a Roma, Davis Hall (San Francisco), ai festival di Edimburgo e Ludwigsburg, nonché sui palcoscenici della Scala, del Teatro Bolshoi di Ginevra, dell'Opera di Stato di Amburgo, del Théâtre des Champs-Élysées (Parigi) e del Teatro Liceu (Barcellona). Nel 2001 ha tenuto un recital alla Carnegie Hall (New York) con James Levine come accompagnatore. Nella stagione 2006-2007. Olga Borodina ha partecipato all'esecuzione del Requiem di Verdi (Londra, Ravenna e Roma; direttore d'orchestra - Riccardo Muti) e ad un concerto dell'opera "Sansone e Dalila" a Bruxelles e sul palco del Concertgebouw di Amsterdam, e ha anche eseguito le "Canzoni" di Mussorgsky e danze macabre" con l'Orchestra Nazionale di Francia. Nella stagione 2007-2008. Ha interpretato il ruolo di Amneris (Aida) al Metropolitan Opera e il ruolo di Dalila (Samson and Dalilah) alla San Francisco Opera. Tra i successi della stagione 2008-2009. - spettacoli al Metropolitan Opera ("Adrienne Lecouvreur" con Placido Domingo e Maria Guleghina), Covent Garden (Requiem di Verdi, direttore - Antonio Pappano), Vienna ("Damnation of Faust", direttore - Bertrand de Billy), Teatro Real (" La dannazione di Faust"), nonché la partecipazione al festival di Saint-Denis (Requiem di Verdi, diretto da Riccardo Muti) e concerti da solista alla Fondazione Gulbenkian di Lisbona e alla Scala. La discografia di Olga Borodina comprende più di 20 registrazioni, tra cui le opere "La sposa dello zar", "Il principe Igor", "Boris Godunov", "Khovanshchina", "Eugene Onegin", "La regina di picche", "Guerra e pace", “Don Carlos”, La Forza del Destino e La Traviata, nonché La Veglia di tutta la notte di Rachmaninov, Pulcinella di Stravinskij e Romeo e Giulietta di Berlioz, registrati con Valery Gergiev, Bernard Haitink e Sir Colin Davis (Philips Classics). Inoltre, Philips Classics ha effettuato registrazioni soliste di cantanti, tra cui "Tchaikovsky's Romances" (un disco che ha ricevuto il premio "Miglior registrazione d'esordio del 1994" dalla giuria dei Cannes Classical Music Awards), "Songs of Desire", "Bolero", un album di arie d'opera insieme all'orchestra dell'Opera Nazionale del Galles diretta da Carlo Rizzi e il doppio album “Ritratto di Olga Borodina”, composto da canzoni e arie. Le altre registrazioni di Olga Borodina includono Sansone e Dalila con José Cura e Colin Davis (Erato), Requiem di Verdi con il coro e l'orchestra del Teatro Mariinsky diretti da Valery Gergiev, Aida con l'Orchestra Filarmonica di Vienna diretta da Nikolaus Harnoncourt e Death Cleopatra" di Berlioz con l'Orchestra Filarmonica di Vienna e il maestro Gergiev (Decca). Fonte: http://www.mariinsky.ru/
Elena Vasilievna Obraztsova è una cantante lirica sovietica e russa, mezzosoprano. Artista popolare dell'URSS, vincitore del Premio Lenin, eroe del lavoro socialista. Uno dei cantanti famosi del nostro tempo. Elena Vasilievna Obraztsova è nata il 7 luglio 1939 a Leningrado. Durante la Grande Guerra Patriottica, lei e la sua famiglia furono evacuate da Leningrado a Ustyuzhna. La musica è stata parte integrante dell'infanzia di Elena; suo padre, di professione ingegnere, aveva un bellissimo baritono e suonava bene anche il violino: ricorderà sempre le serate musicali a casa. Nel 1948-1954 cantò nel coro dei bambini del Palazzo dei Pionieri di Leningrado. AA. Zhdanov (direttore del coro - M.F. Zarinskaya). Nel 1954-1957, a causa del trasferimento ufficiale del padre, la famiglia visse a Taganrog, dove Elena studiò alla Scuola di Musica P.I. Čajkovskij con l'insegnante Anna Timofeevna Kulikova. Al concerto di segnalazione presso la scuola di musica, Obraztsova è stata ascoltata dal direttore della Scuola di musica di Rostov, M.A. Mankovskaya, e su sua raccomandazione nel 1957 Elena fu ammessa alla scuola immediatamente al 2° anno. Un anno dopo, nell'agosto del 1958, dopo aver superato con successo un'audizione, entrò nel dipartimento preparatorio della LGK. SUL. Rimskij-Korsakov. Nel 1962 vinse il primo premio all'All-Union Vocal Competition. MI. Glinka e una medaglia d'oro al Festival Mondiale della Gioventù e degli Studenti di Helsinki. Il 17 dicembre 1963, mentre era studentessa al conservatorio, E. Obraztsova fece il suo debutto sul palco del Teatro Bolshoi nel ruolo di Marina Mnishek nell'opera di M. P. Mussorgsky "Boris Godunov". Nel 1964 si diplomò come studentessa esterna al Conservatorio statale di Leningrado. SUL. Rimsky-Korsakov, classe del professor A.A. Grigorieva (lezione d'opera di A.N. Kireev). Il presidente del comitato di laurea, Sofya Petrovna Preobrazhenskaya, ha assegnato a Elena Obraztsova un 5 più, un voto che non veniva assegnato al Conservatorio di Leningrado da circa 40 anni. Nello stesso anno divenne solista permanente del Teatro Bolshoi. La natura ha generosamente dotato Elena Obraztsova. Ha una voce di rara bellezza timbrica, vellutata, ricchezza di suono d'organo, un'apparizione scenica brillante, che conferisce alle sue eroine dell'opera un raro sollievo artistico ed espressività, il talento di una vera attrice drammatica. Nel 1964, Elena Obraztsova, come parte della compagnia del Teatro Bolshoi, si esibì sul palco della Scala come Marfa nell'opera Khovanshchina e come Marie nell'opera Guerra e pace. Le esibizioni di Obraztsova in Italia furono un grande successo e nel 1977 fu invitata ad aprire la stagione del 200° anniversario della Scala nel ruolo della principessa Eboli nell'opera Don Carlos di G. Verdi. Nel 1975, Elena Obraztsova andò in tournée con il Teatro Bolshoi negli Stati Uniti. Durante lo spettacolo "Boris Godunov", Obraztsova, che interpretava il ruolo di Marina Mnishek, è stata chiamata sul palco cinque volte da spettatori entusiasti e lo spettacolo ha dovuto essere interrotto. Il trionfo di Elena Obraztsova negli Stati Uniti l'ha finalmente affermata come una star dell'opera mondiale. Pochi mesi dopo, Elena Obraztsova si esibì ne Il Trovatore, lo spettacolo che aprì la stagione dell'Opera di San Francisco, i suoi partner erano Luciano Pavarotti e Joan Sutherland. Nel 1976, Obraztsova, già nello status di solista ospite al Metropolitan Opera, fece scalpore con la sua interpretazione del ruolo di Amneris nell'Aida di Verdi. Nel 1977, Obraztsova si esibì nel ruolo di Delilah al Metropolitan. Tor Eckert, critico del New York Times, scrisse poi: "Dubito che tu ed io abbiamo ascoltato Delilah, che potrebbe facilmente padroneggiare due ottave e mezza - Obraztsova esegue questa parte più complessa senza ombra di tensione". Franco Zeffirelli è stato invitato a interpretare il ruolo di Santuzzi nel film "L'onore rurale" (1982). “Nella mia vita”, ha scritto Zeffirelli, “ci sono stati tre shock: Anna Magnani, Maria Callas ed Elena Obraztsova, che hanno creato un miracolo durante le riprese del film “Rural Honor”. In totale, il repertorio di Elena Obraztsova comprende 86 ruoli in opere del repertorio classico russo e straniero, così come in opere di compositori del 20 ° secolo, molti dei suoi ruoli sono diventati classici viventi del palcoscenico operistico moderno: Marina Mnishek (Boris Godunov; , 1963), La governante, Polina, Milovzor ( 1964), Contessa (1965, "La regina di picche"), Lyubasha ("La sposa dello zar", 1967), Konchakovna ("Il principe Igor", 1968), Marfa (" Khovanshchina", 1968). Lyubava ("Sadko", 1979), Amneris ("Aida", 1965), Azucena ("Troubadour", 1972), Eboli ("Don Carlos", 1973), Santuzza ("L'onore rurale", 1977), Ulrika (" Ballo in maschera", 1977), La principessa di Buglione ("Adrienne Lecouvreur", 1977), Adalgiza ("Norma", 1979), Giovanna Seymour ("Anna Bolena", 1982), Orfeo ("Orfeo ed Euridice", 1984) , Neris ("Medea", 1989), Leonora ("La Favorita", 1992), Duchessa ("Sorella Angelica", 1992), Carmen ("Carmen", 1972), Carlotta ("Werther", 1974), Dalila (" Sansone e Dalila", 1974), Erodiade ("Erodiade", 1990), Oberon ("Sogno di una notte di mezza estate" di B. Britten, 1965), Zhenya Komelkova ("Qui le albe sono tranquille" di K. Molchanov, 1975) , Giuditta (“Il castello del duca Barbablù” di B. Bartok, 1978), Giocasta (“Oedipus Rex” di I. Stravinskij, 1980), Eudosia (“Fiamma” di O. Respighi, 1990); S. Prokofieva: Frosya (Semyon Kotko, 1970), Principessa Marya (1964), Helen Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, Guerra e pace), Babulenka (The Player, 1996), Conte Orlovsky (" Bat ", 2003) e altri. Oltre ai ruoli operistici, Elena Obraztsova è attiva in attività concertistiche in Russia e nel mondo. Il repertorio dei suoi concerti da solista comprende musica di oltre 100 compositori russi e stranieri: M.I Glinka, A.S Dargomyzhsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Musorgskij, P.I. Čajkovskij, S.V. Rachmaninov, S.S. Prokofiev, G.F. Mozart, L. Beethoven, R. Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, C. Weill, G. Mahler, G. Donizetti, G. . Verdi, G. Puccini, P. Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saens e altri, oltre a canzoni russe e romanzi antichi . Ha partecipato all'esecuzione di oratori, cantate, messe e opere di musica sacra russa. Le composizioni jazz hanno aggiunto nuovi tocchi luminosi al suo talento. Nel 1986, ha debuttato come regista, mettendo in scena l'opera "Werther" di J. Massenet al Teatro Bolshoi. La cantante ha recitato nei film musicali televisivi "La vedova allegra", "La mia Carmen", "Onore rurale" e "Tosca", ecc. Dal 1973 al 1994, Elena Obraztsova ha insegnato al Conservatorio statale Čajkovskij di Mosca. Dal 1984 - professore. Dal 1992 insegna presso l'Accademia Musicale di Tokyo “Musashino”; tiene masterclass in Europa e Giappone, presso l'Accademia dei giovani cantanti lirici del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo. È stata ed è membro di giuria di numerosi concorsi internazionali, tra cui il Concorso Internazionale intitolato a P.I. Čajkovskij a Mosca, Concorso vocale internazionale a Marsiglia, Concorso internazionale intitolato a N.A. Rimsky-Korsakov a San Pietroburgo, il Concorso Internazionale Ferruccio Tagliavini a Deutschlandsberg, il Concorso Internazionale di Canto Lirico Montserrat Caballe. Nel settembre 1999 si è svolto a San Pietroburgo il primo Concorso internazionale Elena Obraztsova per giovani cantanti lirici e l'ottavo concorso ha avuto luogo nel 2011. Elena Esemplare ha registrato più di 50 dischi, tra cui opere, oratori, cantate, dischi solisti con opere di musica da camera e d'opera. Negli ultimi anni sono state rilasciate “registrazioni dal vivo” di particolare pregio. Da giugno 2007 a ottobre 2008 è stata direttrice artistica del Teatro Mikhailovsky (ex Teatro dell'Opera e del Balletto Mussorgsky di San Pietroburgo). Ora a San Pietroburgo gestisce un centro culturale che porta il suo nome, dove lavora con giovani artisti. Il 24 ottobre 1981 fu scoperto il pianeta minore n. 4623, che ricevette il nome "Obraztsova".
Joyce DiDonato è una famosa cantante lirica americana, mezzosoprano. Considerato uno dei maggiori mezzosoprani del nostro tempo e il miglior interprete delle opere di Gioachino Rossini. Joyce DiDonato (nata Joyce Flaherty) è nata il 13 febbraio 1969 a Prier Village, Kansas, USA, da una famiglia di origini irlandesi, sesta di sette figli. Suo padre era il direttore del coro della chiesa locale, Joyce cantava e sognava di diventare una star di Broadway. Nel 1988 è entrata alla Wichita State University, dove ha studiato canto. Dopo l'università, Joyce DiDonato ha deciso di continuare la sua formazione musicale e nel 1992 è entrata all'Academy of Vocal Arts di Philadelphia. Dopo l'Accademia, per diversi anni ha partecipato a programmi di formazione per “Giovani Artisti” in varie compagnie d'opera: nel 1995 - all'Opera di Santa Fe, dove ha ricevuto pratica musicale e ha fatto il suo debutto operistico sul grande palcoscenico, ma finora in minore ruoli nelle opere "Le nozze di Figaro" di W.A. Mozart, "Salome" di R. Strauss, "Contessa Maritza" di I. Kalman; dal 1996 al 1998 - alla Houston Grand Opera ed è stato riconosciuto come il miglior "artista principiante"; nell'estate del 1997 - alla San Francisco Opera nel programma di formazione della Merola Opera. Durante i suoi studi e la pratica iniziale, Joyce DiDonato ha preso parte a numerosi famosi concorsi vocali. Nel 1996 si è classificata seconda all'Eleanor McCollum Competition di Houston e ha vinto le audizioni distrettuali del Metropolitan Opera Competition. Nel 1997, ha vinto il William Sullivan Award. Nel 1998 si è classificata seconda al concorso Placido Domingo Operalia di Amburgo e prima al concorso George London. Negli anni successivi ha ricevuto molti altri premi e riconoscimenti diversi. Joyce DiDonato ha iniziato la sua carriera professionale nel 1998 esibendosi con diverse compagnie d'opera regionali negli Stati Uniti, in particolare la Houston Grand Opera. Ed è diventata nota a un vasto pubblico grazie alla sua apparizione nella prima mondiale televisiva dell'opera "Little Woman" di Mark Adamo. Nella stagione 2000-2001. La DiDonato ha debuttato in Europa, partendo direttamente dalla Scala nel ruolo di Angelina nella Cenerentola di Rossini. La stagione successiva ha ampliato la sua conoscenza con il pubblico europeo, esibendosi all'Opera olandese come Sorella nel Giulio Cesare di Handel, all'Opera di Parigi come Rosina ne Il Barbiere di Siviglia di Rossini e all'Opera di Stato bavarese come Cherubino ne Le nozze di Figaro di Mazart. e nei programmi concertistici “Gloria” di Vivaldi con Riccardo Muti e l'Orchestra della Scala e “Sogno di una notte di mezza estate” di F. Mendelssohn a Parigi. Nella stessa stagione debutta negli Stati Uniti alla Washington State Opera nel ruolo di Dorabella in “That’s What All Women Do” di W.A. Mozart. In quegli anni Joyce DiDonato era già diventata una vera e propria star dell'opera di fama mondiale, amata dal pubblico ed elogiata dalla stampa. La sua ulteriore carriera ha solo ampliato la sua geografia itinerante e ha aperto le porte a nuovi teatri d'opera e festival: Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Teatro Real di Madrid, Nuovo Teatro Nazionale di Tokyo, Stato di Vienna Opera e altri Joyce DiDonato ha raccolto una ricca collezione di vari premi e premi musicali. Come notano i critici, questa è forse una delle carriere di maggior successo e senza intoppi nel mondo dell'opera moderna. E anche l'incidente accaduto sul palco del Covent Garden il 7 luglio 2009 durante la rappresentazione de Il Barbiere di Siviglia, quando Joyce DiDonato scivolò sul palco e si ruppe una gamba, non interruppe questa performance, che terminò con le stampelle, o successive esibizioni programmate che ha eseguito su una sedia a rotelle, per la gioia del pubblico. Questo evento "leggendario" è stato catturato su DVD. Joyce DiDonato ha iniziato la scorsa stagione 2010-2011 con il Festival di Salisburgo e il suo debutto come Adalgiz nella “Norma” di Belinni con Edita Gruberova nel ruolo di Norma, poi con un programma di concerti al Festival di Edimburgo. In autunno, a Berlino ha interpretato il ruolo di Rosina ne Il barbiere di Siviglia e a Madrid quello di Ottaviano in Der Rosenkavalier. L'anno si è concluso con un altro premio, il primo da parte dell'Accademia di registrazione tedesca "ECHO Klassik", che ha nominato Joyce DiDonato "Miglior cantante del 2010". I successivi due premi sono stati assegnati dalla rivista inglese di musica classica "Gramophone", che l'ha nominata "Miglior artista dell'anno" e ha scelto il suo disco con le arie di Rossini come miglior "Concerto solista dell'anno". Proseguendo la stagione negli Stati Uniti, si esibì a Houston e poi con un concerto da solista alla Carnegie Hall. Il Metropolitan Opera l'ha accolta in due ruoli: il paggio Isolier nel "Conte Ory" di Rossini e il compositore in "Ariadne auf Naxos" di R. Strauss. Ha completato la stagione in Europa con tournée a Baden-Baden, Parigi, Londra e Valencia. Il sito web della cantante presenta un fitto programma delle sue future esibizioni; questo elenco solo per la prima metà del 2012 comprende una quarantina di esibizioni in Europa e America. Joyce DiDonato è ora sposata con il direttore d'orchestra italiano Leonardo Vordoni, con il quale vive a Kansas City, Missouri, USA. Joyce continua a usare il cognome del suo primo marito, che sposò subito dopo il college.
Natalie Dessay (nata Nathalie Dessaix) è una cantante lirica francese, soprano di coloratura. Una delle cantanti più importanti del nostro tempo, all'inizio della sua carriera era nota per la sua voce molto acuta e trasparente, ora canta in una gamma più bassa. È amata dagli spettatori per le sue eccellenti capacità drammatiche e il vivace senso dell'umorismo. Nathalie Dessay è nata il 19 aprile 1965 a Lione ed è cresciuta a Bordeaux. Mentre era ancora a scuola, abbandonò la "h" dal suo nome, in onore dell'attrice Natalie Wood, e in seguito semplificò l'ortografia del suo cognome. Nella sua giovinezza, Dessay sognava di diventare una ballerina o un'attrice e prendeva lezioni di recitazione, ma un giorno, mentre suonava con gli altri studenti in un'opera teatrale poco conosciuta del XVIII secolo, dovette cantare, eseguì l'aria di Pamina da Il flauto magico, tutti rimasero stupiti, le fu consigliato di spostare la sua attenzione sulla musica. Nathalie è entrata al Conservatorio di Stato di Bordeaux, ha completato un corso quinquennale in un solo anno e si è diplomata con lode nel 1985. Dopo il conservatorio ha lavorato con l'Orchestra Nazionale del Campidoglio di Tolosa. Nel 1989, si è classificata seconda al concorso New Voices indetto da France Telecom, che le ha permesso di studiare per un anno alla Scuola di Arti Liriche dell'Opera di Parigi e lì di interpretare il ruolo di Eliza ne Il Re Pastore di Mozart. Nella primavera del 1992, ha cantato il breve ruolo di Olympia dai "Tales of Hoffmann" di Offenbach all'Opera Bastille, il suo partner era Jose van Dam, la produzione ha deluso critica e pubblico, ma la giovane cantante ha ricevuto un'ovazione ed è stata notata. Questo ruolo diventerà per lei iconico; fino al 2001 interpreterà Olympia in otto diverse produzioni, compreso il suo debutto alla Scala. Nel 1993, Nathalie Dessay vinse il Concorso Internazionale Mozart indetto dall'Opera di Vienna e rimase per studiare ed esibirsi all'Opera di Vienna. Qui ha cantato il ruolo della Bionda da Il ratto del serraglio di Mozart, che è diventato un altro dei suoi ruoli più conosciuti e più frequentemente interpretati. Nel dicembre 1993, a Nathalie fu offerto di sostituire Cheryl Studer nel già famoso ruolo di Olympia all'Opera di Vienna. La sua interpretazione ha ricevuto riconoscimenti dal pubblico di Vienna e elogi da Placido Domingo, e nello stesso anno ha interpretato questo ruolo all'Opera di Lione. La carriera internazionale di Nathalie Dessay è iniziata con le esibizioni all'Opera di Vienna. Negli anni '90, il suo riconoscimento è cresciuto costantemente e il suo repertorio di ruoli è stato costantemente ampliato, sono arrivate molte offerte, si è esibita in tutti i principali teatri d'opera del mondo: il Metropolitan Opera, La Scala, l'Opera Bavarese, Covent Garden, il Opera di Vienna e altri. La caratteristica distintiva dell'attrice Dessay è che crede che una cantante d'opera dovrebbe essere composta per il 70% da teatro e per il 30% da musica e sforzarsi non solo di cantare i suoi ruoli, ma anche di interpretarli in modo drammatico, quindi ognuno dei suoi personaggi è una nuova scoperta , mai come gli altri. Nella stagione 2001/2002, Dessay iniziò ad avere difficoltà vocali e dovette cancellare le sue esibizioni e concerti da solista. Ha lasciato il palco e nel luglio 2002 ha subito un intervento chirurgico per rimuovere i polipi alle corde vocali; nel febbraio 2003 è tornata con un concerto da solista a Parigi e ha continuato attivamente la sua carriera. Nella stagione 2004/2005, Nathalie Dessay ha dovuto sottoporsi ad una seconda operazione. Una nuova apparizione pubblica ha avuto luogo nel maggio 2005 a Montreal. Il ritorno di Nathalie Dessay è stato accompagnato da un riorientamento nel suo repertorio lirico. Rifiuta ruoli "facili" e senza spessore (come Gilda in Rigoletto) o ruoli che non vuole più interpretare (Regina della Notte o Olimpia) in favore di personaggi più "tragici". Inizialmente questa posizione suscitò seri disaccordi con alcuni direttori e colleghi. Oggi Nathalie Dessay è all'apice della sua carriera ed è una delle principali soprano del nostro tempo. Vive e si esibisce principalmente negli Stati Uniti, ma è costantemente in tournée in Europa. I fan russi l'hanno vista a San Pietroburgo nel 2010 e a Mosca nel 2011. All'inizio del 2011 ha cantato (per la prima volta) il ruolo di Cleopatra nel Giulio Cesare di Handel all'Opera Garnier, tornando al Metropolitan Opera con la sua tradizionale "Lucia di Lammermoor", per poi tornare nuovamente in Europa con una versione concertistica di "Pelléas et Mélisande" a Parigi e Londra e un concerto a Mosca. Molti i progetti della cantante per il prossimo futuro: “La Traviata” a Vienna nel 2011 e al Metropolitan Opera nel 2012, Cleopatra nel “Giulio Cesare” al Metropolitan Opera nel 2013, “Manon” all'Opera di Parigi e La Scala a 2012, Marie ("Figlia del Reggimento") a Parigi nel 2013 ed Elvira al Metropolitan nel 2014. Nathalie Dessay è sposata con il basso baritono Laurent Naouri e hanno due figli. Sul palcoscenico dell'opera possono essere visti insieme molto raramente, a differenza della coppia di star Alanya-Georgiou, il fatto è che per un baritono-soprano c'è molto meno repertorio che per un tenore-soprano. Per il bene di suo marito, Dessay accettò la sua religione: l'ebraismo.
Anna Yurievna Netrebko è una cantante lirica russa, soprano. Anna Netrebko è nata il 18 settembre 1971 a Krasnodar. Padre - Netrebko Yuri Nikolaevich (1934), laureato presso l'Istituto minerario di Leningrado, ingegnere geologico. Vive a Krasnodar. Madre - Netrebko Larisa Ivanovna (1944-2002), ingegnere delle comunicazioni. La sorella maggiore di Anna, Natalya (1968), vive con la sua famiglia in Danimarca. Anna Netrebko ha cercato di salire sul palco fin dall'infanzia. Mentre studiava a scuola, era solista dell'ensemble Kuban Pioneer al Palazzo dei Pionieri di Krasnodar. Nel 1988, dopo essersi diplomata, Anna decise di andare a Leningrado: entrò nella scuola di musica, nel dipartimento dell'operetta e poi si trasferì all'università di teatro. Tuttavia, le sue capacità musicali non sono passate inosservate al comitato di ammissione della scuola: Anna è stata accettata nel dipartimento di canto, dove ha studiato con Tatyana Borisovna Lebed. Due anni dopo, senza laurearsi, superò con successo il concorso ed entrò al Conservatorio statale di San Pietroburgo intitolato a N.A. Rimsky-Korsakov, dove studiò lezioni di canto con la professoressa Tamara Dmitrievna Novichenko. A quel tempo, Anna si interessò seriamente all'opera e il Teatro Mariinsky, situato non lontano dal conservatorio, divenne la sua seconda casa. Per visitare regolarmente il teatro e avere l'opportunità di assistere a tutti gli spettacoli sul palco, Anna trovò lavoro come addetta alle pulizie al teatro e per due anni, insieme agli studi al conservatorio, lavò i pavimenti nell'atrio del teatro . Nel 1993, a Smolensk si è svolto il concorso vocale tutto russo. M.I.Glinka. La giuria del concorso era presieduta dall'artista popolare dell'URSS Irina Arkhipova. Come studentessa del 4° anno del conservatorio, Anna Netrebko non solo ha preso parte al concorso, ma ne è anche diventata la vincitrice, ricevendo il 1° premio. Dopo aver vinto il concorso, Anna ha fatto un'audizione al Teatro Mariinsky. Il direttore artistico del teatro, Valery Gergiev, presente all'audizione, le ha immediatamente assegnato il ruolo di Barbarina nella prossima produzione dell'opera di Mozart "Le nozze di Figaro". Inaspettatamente, durante una delle prove, il regista Yuri Alexandrov ha suggerito ad Anna di provare a cantare la parte di Suzanne, cosa che Anna ha fatto immediatamente senza un solo errore, e poi è stata approvata per il ruolo principale. Così nel 1994 Anna Netrebko ha fatto il suo debutto sul palco del Teatro Mariinsky. Dopo il suo debutto, Anna Netrebko diventa una delle principali soliste del Teatro Mariinsky. Durante il suo lavoro lì, ha cantato in molti spettacoli. Tra i ruoli sul palco Mariinsky c'erano: Lyudmila ("Ruslan e Lyudmila"), Ksenia ("Boris Godunov"), Marfa ("La sposa dello zar"), Louise ("Fidanzamento in un monastero"), Natasha Rostova ("La guerra e Pace") , Rosina ("Il Barbiere di Siviglia"), Amina ("La Sonnambula"), Lucia ("Lucia di Dammermoor"), Gilda ("Rigoletto"), Violetta Valerie ("La Traviata"), Musetta, Mimi ("La Bohème"), Antonia ("I racconti di Hoffmann"), Donna Anna, Zerlina ("Don Giovanni") e altri. Nel 1994, Anna Netrebko iniziò a fare tournée all'estero come parte della compagnia del Teatro Mariinsky. Il cantante si è esibito in Finlandia (festival a Mikkeli), Germania (festival in Schleswig-Holstein), Israele, Lettonia. La prima delle performance straniere di Anna Netrebko che le hanno cambiato la vita ha avuto luogo nel 1995 negli Stati Uniti, sul palco della San Francisco Opera. Secondo la stessa Anna, Placido Domingo ha avuto un ruolo importante nel debutto americano. Nove rappresentazioni di "Ruslana e Lyudmila", in cui Anna ha cantato il ruolo principale di Lyudmila, le hanno portato il primo grande successo all'estero nella sua carriera. Da allora, Anna Netrebko si è esibita sui palcoscenici più prestigiosi del mondo. L’anno 2002 ha occupato un posto speciale nella carriera di Anna, quando da famosa cantante si è trasformata in una prima dell’opera mondiale. All'inizio del 2002, Anna Netrebko, insieme al Teatro Mariinsky, si è esibita sul palco della Metropolitan Opera nello spettacolo "Guerra e pace". La sua interpretazione di Natasha Rostova ha creato scalpore. "Audrey Hepburn con una voce": così è stata chiamata Anna Netrebko dalla stampa americana, notando il suo talento vocale e drammatico, unito a un fascino raro. Nell’estate dello stesso anno, Anna ha interpretato il ruolo di Donna Anna nell’opera “Don Giovanni” di W. A. Mozart al Festival di Salisburgo. È stata invitata a questo ruolo dal famoso direttore d'orchestra Nikolaus Harnoncourt. La performance di Anna a Salisburgo ha fatto scalpore. Così Salisburgo ha dato al mondo una nuova superstar. Dopo Salisburgo, la popolarità di Anna Netrebko cresce rapidamente di esibizione in esibizione. Ora i principali teatri d'opera del mondo stanno cercando di convincere Anna a partecipare alle produzioni. Da allora, la vita della diva dell'opera Anna Netrebko scorre sulle ruote dei treni e vola sulle ali degli aerei di linea. Passano città e paesi, palchi di teatri e sale da concerto. Dopo Salisburgo: Londra, Washington, San Pietroburgo, New York, Vienna... Nel luglio 2003, sul palco dell'Opera Bavarese ne La Traviata, Anna ha cantato per la prima volta con il tenore messicano Rolando Villazon. Questa performance ha dato origine al duetto d'opera più famoso e popolare di questi tempi, o, come lo chiamano loro, la "coppia dei sogni" - un duetto da sogno. Spettacoli e concerti con la partecipazione di Anna e Rolando sono programmati con molti anni di anticipo. I paesi e le città passano di nuovo. New York, Vienna, Monaco, Salisburgo, Londra, Los Angeles, Berlino, San Francisco... Ma il successo più importante, davvero trionfale, arrivò per Anna nel 2005, nella stessa Salisburgo, quando si esibì nella storica produzione di Willy Decker, nell'opera La Traviata di Verdi. Questo successo non solo l'ha portata al vertice, ma l'ha elevata anche all'Olimpo del mondo dell'opera! Anna Netrebko si esibisce con i più importanti direttori d'orchestra del mondo, tra cui Valery Gergiev, James Levine, Seiji Ozawa, Nikolaus Harnoncourt, Zubin Mehta, Colin Davis, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Emmanuel Villaum, Bertrand de Builly, Marco Armiliato. Nel 2003, la famosa azienda Deutsche Gramophone ha stipulato un contratto esclusivo con Anna Netrebko. Nel settembre 2003 è stato pubblicato il primo album di Anna Netrebko, Opera Arias. Il cantante lo ha registrato con l'Orchestra Filarmonica di Vienna (direttore Gianandrea Noseda). L'album include arie popolari di varie opere: "Sirene", "Faust", "La Bohemes", "Don Giovanni", "Somnambulists". Il film "Le donne - la voce" è stato un successo incredibile, in cui Anna ha recitato in cinque video d'opera creati dal regista di Hollywood Vincent Patterson, che aveva precedentemente lavorato con Michael Jackson e Madonna. Nell'agosto del 2004 esce il secondo album solista del cantante, "Sempre Libera", registrato con la Mahler Orchestra e Claudio Abbado. Il terzo album solista, registrato con l'Orchestra del Teatro Mariinsky e Valery Gergiev, "Russian Album", è stato pubblicato nel 2006. Tutti e tre gli album sono diventati disco di platino in Germania e Austria, e "Russian Album" è stato nominato per un Grammy. Nel 2008, la Deutsche Gramophon ha pubblicato il quarto disco solista di Anna, “Souvenirs”, registrato con l'Orchestra Sinfonica di Praga ed Emmanuel Villaum. Un altro CD, “Duets”, che Anna ha registrato con il suo partner abituale Rolando Villazon, è stato un enorme successo. All'inizio del 2009 è stato pubblicato un CD con la registrazione della performance viennese del 2008 "Capuleti e Montecchi", in cui Anna ha cantato insieme a un'altra superstar: il mezzosoprano lettone Elina Garanča. Due eccezionali cantanti liriche e belle donne - Anna Netrebko ed Elina Garancha - hanno recentemente iniziato a essere chiamate la coppia dei sogni delle donne - il "duetto dei sogni" femminile. La Deutsche Gramophon, così come alcune altre società, hanno pubblicato registrazioni video di diverse rappresentazioni d'opera con la partecipazione di Anna Netrebko. Tra questi ci sono "Ruslan e Lyudmila" (1995), "Fidanzamento in un monastero" (1998), "Elisir of Love" (Vienna, 2005), "La Traviata" (Salisburgo, 2005), "Puritans" (MET, 2007 ), "Manon" (Vienna, 2007), "Manon" (Berlino, 2007). All'inizio del 2008, il regista Robert Dornholm ha girato un film: l'opera La Bohème, con Anna Netrebko e Rolando Villazon. Il film è stato presentato in anteprima in Austria e Germania nell'autunno del 2008. Molti paesi in tutto il mondo hanno acquisito il diritto di proiettare il film. Nel marzo 2009, la Axiom Films ha iniziato a registrare il film su DVD. Anna Netrebko ha anche recitato in un cameo nel film hollywoodiano “The Princess Diary 2” (Walt Disney Studios, diretto da Garry Marshall). Le esibizioni concertistiche di Anna Netrebko hanno guadagnato una straordinaria popolarità. Tra i più famosi ci sono il concerto alla Carnegie Hall con Dmitry Hvorostovsky nel 2007, alla Royal Albert Hall di Londra (concerto BBC Prom, 2007), così come i leggendari concerti congiunti di Anna Netrebko, Placido Domingo e Rolando Villazon (Berlino 2006 , Vienna 2008). Le trasmissioni televisive e le registrazioni su DVD dei concerti a Berlino e Vienna hanno avuto un grande successo. Dopo aver vinto la competizione. Glinka nel 1993, Anna Netrebko ha ricevuto più volte numerosi premi, titoli e riconoscimenti. Tra i suoi successi: - vincitrice del II Concorso Internazionale per Giovani Cantanti Lirici. N.A. Rimsky-Korsakov (San Pietroburgo, 1996) - vincitore del Premio Baltika (1997) - vincitore del premio musicale russo "Casta Diva" (1998) - vincitore del più alto premio teatrale di San Pietroburgo "Golden Sofit" ( 1999, 2005, 2009). Altri successi di Anna Netrebko includono il prestigioso premio tedesco Bambi, gli austriaci Amadeus Awards, i titoli di "Cantante dell'anno" e "Musicista femminile dell'anno" ricevuti nel Regno Unito (Classical BRIT Awards), nove premi Echo Klassik assegnati nel Germania, oltre a due nomination ai Grammy (per i dischi “Violetta” e “Russian Album”). Nel 2005, al Cremlino, il presidente russo V.V. Putin ha consegnato ad Anna Netrebko il Premio di Stato della Federazione Russa, che le è stato assegnato “per il suo eccezionale contributo alla cultura musicale russa”. Nel 2006, il governatore del territorio di Krasnodar A. Tkachev ha assegnato ad Anna Netrebko la medaglia "Eroe del lavoro di Kuban" per il suo alto contributo all'opera mondiale. Nel 2007, la rivista Time ha incluso Anna Netrebko nella sua lista delle 100 persone più influenti al mondo. Questa è la prima volta nella storia che un cantante lirico viene inserito nell'elenco stilato dal Time di "uomini e donne il cui potere, talento ed esempio morale stanno cambiando il mondo". Anna Netrebko ha ricevuto il titolo più significativo della sua carriera nel 2008, quando la più autorevole rivista americana Musical America ha nominato Anna Netrebko “Musicista dell'anno”. Questo premio è paragonabile non solo all'Oscar, ma piuttosto al Premio Nobel. Ogni anno, dal 1960, la rivista nomina i personaggi più importanti della musica mondiale. Nel corso della storia, solo cinque cantanti d'opera hanno ricevuto un tale onore: Leontyne Price, Beverly Sills, Marilyn Horne, Placido Domingo, Karita Mattila. Anna Netrebko è diventata la sesta di una serie selezionata dei più eccezionali artisti d'opera. Molte riviste patinate hanno dedicato ampi articoli a Netrebko, tra cui Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper's Bazaar, Elle, W Magazine, Inquire, Playboy. È stata ospite ed eroina di programmi televisivi famosi come Good Morning America sulla NBC (The Tonight Show con Jay Leno sulla NBC), 60 minuti sulla CBS e il tedesco Wetten, dass..? I film documentari su Anna sono stati trasmessi sui canali televisivi in Austria e Germania, Russia. Secondo quanto riportato dalla stampa mondiale, Anna Netrebko si è fidanzata con il suo collega sul palco dell'opera, il baritono uruguaiano Erwin Schrott. I media mondiali e russi hanno riportato una notizia sensazionale: Anna Netrebko aspetta un bambino ! L'ultima esibizione di Anna prima della pausa dovuta al parto ha avuto luogo il 27 giugno 2008 a Vienna, al Palazzo di Schönbrunn. Anna si è esibita in un concerto con il suo famoso partner Placido Domingo e Rolando Villazon Due mesi e una settimana dopo, il 5 settembre 2008, Anna ha avuto un figlio, che i suoi felici genitori hanno chiamato con un nome latinoamericano: Thiago Arua. Già il 14 gennaio 2009, Anna Netrebko l'ha ripresa attività sceniche, rappresentando al Teatro Mariinsky lo spettacolo "Lucia di Lammermoor". Tra la fine di gennaio e l'inizio di febbraio, Anna ha cantato il ruolo di Lucia sul palco della Metropolitan Opera. L'ultima, la quarta esibizione, tenutasi il 7 febbraio, è stata trasmessa in diretta nel programma “The MET Live in HD” sugli schermi cinematografici in America ed Europa. La trasmissione è stata vista dagli spettatori in 850 cinema in 31 paesi. Anna Netrebko ha ricevuto questo onore per la terza volta. In precedenza, gli spettacoli del Metropolitan Opera “Romeo e Giulietta” e “The Puritans” venivano trasmessi in diretta nei cinema di molti paesi del mondo. Nel 2006, Anna Netrebko ha ricevuto la cittadinanza austriaca, pur mantenendo la cittadinanza russa. In continuo movimento in giro per il mondo, da un paese all'altro, Anna, però, è sempre felice di tornare a casa propria. Dove esattamente? Anna ha appartamenti a San Pietroburgo, Vienna e New York. Secondo la stessa Anna, "non è affatto fissata con l'opera e il palcoscenico". È chiaro che con la nascita di un bambino, Anna dedica tutti i suoi rari giorni e ore liberi a suo figlio, che accompagna costantemente Anna in tutti i suoi viaggi e tour. Ma prima di diventare mamma, Anna amava disegnare, fare shopping, andare al cinema e nel tempo libero ascoltare musica popolare. Scrittore preferito - Akunin, attori cinematografici preferiti - Brad Pitt e Vivien Leigh. Tra i cantanti famosi, Anna ha individuato Justin Timberlake, Robbie Williams e il gruppo "Greenday", e più recentemente - Amy Winehouse e Duffy. Anna Netrebko partecipa a programmi ed eventi di beneficenza sia in Russia che all'estero. Tra i più seri c’è il progetto SOS-KinderDorf, attivo in 104 paesi. Inoltre, la cantante partecipa al progetto "Anna" (un programma per aiutare gli orfanotrofi a Kaliningrad e nella regione di Kaliningrad), aiuta la fondazione di beneficenza internazionale "Roerich Heritage", nonché l'Istituto ortopedico infantile situato a Pushkin. GITurner. Fonte: http://annanetrebko-megastar.ru/
Sumi Cho (Jo Sumi) è una cantante lirica coreana, soprano di coloratura. Il cantante lirico più famoso viene dal sud-est asiatico. Sumi Cho è nata il 22 novembre 1962 a Seul, in Corea del Sud. Vero nome Sujeong Cho (Jo Sugyeong). Sua madre era una cantante e pianista dilettante, ma non poté ottenere un'educazione musicale professionale a causa della situazione politica in Corea negli anni '50. Era determinata a dare a sua figlia una buona educazione musicale. Sumi Cho ha iniziato le lezioni di pianoforte all'età di 4 anni e la formazione vocale all'età di 6 anni, e da bambina a volte doveva dedicare fino a otto ore alle lezioni di musica. Nel 1976, Sumi Cho entrò alla Seoul Sang Hwa School of the Arts (accademia privata), dalla quale si diplomò nel 1980 in canto e pianoforte. Nel 1981-1983 ha continuato la sua formazione musicale presso l'Università Nazionale di Seoul. Mentre studiava all'università, Sumi Cho ha fatto il suo primo debutto professionale, si è esibita in diversi concerti organizzati dalla televisione coreana e ha interpretato il ruolo di Suzanne ne “Le nozze di Figaro” all'Opera di Seul. Nel 1983, Cho decise di lasciare l'Università di Seoul e si trasferì in Italia per studiare musica presso la più antica scuola di musica, l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma, diplomandosi con lode. I suoi insegnanti di italiano includevano Carlo Bergonzi e Gianella Borelli. Durante gli studi all'Accademia, Cho poteva essere spesso ascoltato in concerti in varie città italiane, oltre che alla radio e alla televisione. Fu durante questo periodo che Cho decise di usare il nome "Sumi" come nome d'arte per essere più comprensibile al pubblico europeo. Nel 1985 si diploma all'Accademia con la specializzazione in pianoforte e canto. Dopo l'Accademia, ha preso lezioni di canto da Elisabeth Schwarzkopf e ha vinto diversi concorsi vocali a Seul, Napoli, Barcellona, Pretoria e il più importante nel 1986, il concorso internazionale di Verona, in cui solo i vincitori di altri importanti concorsi internazionali, per così dire, il meglio dei migliori giovani cantanti. Il debutto operistico europeo di Sumi Cho ha avuto luogo nel 1986 nel ruolo di Gilda in Rigoletto al Teatro Giuseppe Verdi di Trieste. Questa interpretazione attirò l'attenzione di Herbert von Karajan, che la invitò a interpretare il ruolo del paggio Oscar nell'opera Un ballo in maschera con Placido Domingo, andata in scena al Festival di Salisburgo nel 1987. Negli anni successivi, Sumi Cho si è spostata costantemente verso l'Olimpo dell'opera, espandendo costantemente la geografia delle sue esibizioni e cambiando il repertorio da piccoli ruoli a quelli principali. Nel 1988, Sumi Cho ha debuttato alla Scala e all'Opera di Stato della Baviera, nel 1989 all'Opera di Stato di Vienna e alla Metropolitan Opera, e nel 1990 alla Chicago Lyric Opera e al Covent Garden. Sumi Cho è diventata uno dei soprani più ricercati del nostro tempo e rimane in questo status fino ad oggi. Gli spettatori la adorano per la sua voce brillante, calda e flessibile, così come per il suo ottimismo e il suo umorismo leggero sul palco e nella vita. È leggera e libera sul palco, conferendo a ciascuna delle sue esibizioni sottili motivi orientali. Sumi Cho ha visitato tutti i paesi del mondo in cui l'opera è amata, inclusa più volte la Russia, la sua ultima visita è stata nel 2008, quando ha viaggiato in diversi paesi in duetto con Dmitry Hvorostovsky come parte di una tournée. Ha un programma di lavoro intenso, comprese produzioni operistiche, programmi di concerti e lavoro con case discografiche. La discografia di Sumi Cho comprende attualmente più di 50 registrazioni, inclusi dieci album solisti e dischi crossover. I suoi due album sono più famosi: nel 1992 le è stato assegnato un Grammy Award nella categoria "Miglior registrazione d'opera" per l'opera di R. Wagner "Die Femme sans Shadow" con Hildegard Behrens, Josée van Dam, Julia Varady, Placido Domingo, direttore d'orchestra Georg Solti, e un album con l'opera “Un ballo in maschera” di G. Verdi, premiato dal Grammofono tedesco.
Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya è una cantante lirica sovietica e russa, soprano. Dottore in Scienze Musicali, prof. Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya è nata il 18 maggio 1956 a Mosca, madre, Lidiya Aleksandrovna Kazarnovskaya - filologa, insegnante di lingua e letteratura russa, padre, Yuri Ignatievich Kazarnovsky - generale di riserva, sorella maggiore - Natalya Yuryevna Bokadorova - filologa, professoressa di lingua francese e letteratura. Lyuba cantava sempre, dopo la scuola ha corso il rischio di iscriversi all'Istituto Gnessin - alla facoltà di attori di teatro musicale, anche se si stava preparando per diventare studentessa alla facoltà di lingue straniere. I suoi anni da studente hanno dato a Lyuba molto come attrice, ma quello decisivo è stato il suo incontro con Nadezhda Matveevna Malysheva-Vinogradova, una meravigliosa insegnante, cantante, accompagnatrice di Chaliapin e allieva dello stesso Stanislavskij. Oltre alle preziose lezioni di canto, Nadezhda Matveevna, la vedova del critico letterario e accademico di Pushkin V.V. Vinogradov, ha rivelato a Lyuba tutta la forza e la bellezza dei classici russi, insegnandole a comprendere l'unità della musica e delle parole nascoste in essa. L'incontro con Nadezhda Matveevna ha finalmente determinato il destino del giovane cantante. Nel 1981, all'età di 21 anni, mentre era ancora studentessa al Conservatorio di Mosca, Lyubov Kazarnovskaya fece il suo debutto nel ruolo di Tatyana (“Eugene Onegin” di Čajkovskij) sul palco del Teatro musicale Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko. Vincitore del concorso All-Union Glinka (2o premio). Da allora, Lyubov Kazarnovskaya è stata al centro della vita musicale russa. Nel 1982 si è diplomata al Conservatorio di Stato di Mosca, nel 1985 - scuola di specializzazione nella classe della professoressa associata Elena Ivanovna Shumilova. 1981-1986 - solista del Teatro Musicale Accademico Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko, nel repertorio di “Eugene Onegin” di Čajkovskij, “Iolanta”, “May Night” di Rimsky-Korsakov, “Pagliacci” di Leoncavallo, “La Boheme” di Puccini. 1984 - su invito di Svetlanov, interpreta il ruolo di Fevronia in una nuova produzione di "Il racconto della città invisibile di Kitezh" di Rimsky-Korsakov, e poi nel 1985 - il ruolo di Tatiana ("Eugene Onegin" di Čajkovskij) e Nedda (“Pagliacci” di Leoncavallo) al Teatro Accademico Statale di Russia. 1984 - Gran Premio del Concorso UNESCO per Giovani Artisti (Bratislava). Vincitore del Concorso Mirjam Hellin (Helsinki) - III premio e diploma onorario per l'esecuzione di un'aria italiana - personalmente dal presidente del concorso e dalla leggendaria cantante lirica svedese Birgit Nilsson. 1986 - Vincitore del Premio Lenin Komsomol. 1986-1989 - solista principale del Teatro Accademico di Stato. Kirova: Leonora (“La forza del destino” di Verdi), Margarita (“Faust” di Gounod), Donna Anna e Donna Elvira (“Don Giovanni” di Mozart), Leonora (“Il Trovatore” di Verdi), Violetta (“La Traviatta” di Verdi), Tatiana (“Eugene Onegin” di Čajkovskij), Lisa (“La dama di picche” di Čajkovskij), Soprano (“Requiem” di Verdi). Stretta collaborazione con direttori d'orchestra come Janssons, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. Il primo trionfo straniero è stato al Covent Garden Theatre (Londra), nel ruolo di Tatiana nell'opera di Čajkovskij "Eugene Onegin" (1988) nel 1989. - Il “Maestro del mondo” Herbert von Karajan invita un giovane cantante al “suo” festival - il festival estivo di Salisburgo. Nell'agosto 1989 ha debuttato trionfalmente a Salisburgo (“Requiem” di Verdi, diretto da Riccardo Muti). L'intero mondo musicale ha notato e apprezzato l'esibizione del giovane soprano russo. Questa performance sensazionale segnò l'inizio di una carriera vertiginosa che in seguito la portò a teatri d'opera come Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. I suoi partner sono Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Capuccilli, Cossotto, von Stade, Baltza. Settembre 1989 - partecipazione al concerto di gala mondiale sul palco del Teatro Bolshoi di Russia a sostegno delle vittime del terremoto in Armenia, insieme a Kraus, Bergonzi, Prey, Arkhipova. Ottobre 1989 - partecipazione alla tournée del Teatro dell'Opera di Milano "La Scala" a Mosca ("Requiem" di G. Verdi). 1991 - Salisburgo. 1992-1998 - stretta collaborazione con il Metropolitan Opera. 1994-1997 - stretta collaborazione con il Teatro Mariinsky e Valery Gergiev. Nel 1996, Lyubov Kazarnovskaya ha debuttato con successo sul palco della Scala nell'opera di Prokofiev “The Player”, e nel febbraio 1997 ha cantato trionfalmente il ruolo di Salome al Teatro Santa Cecilia di Roma. Con lei lavorano i principali maestri dell'arte operistica del nostro tempo - direttori d'orchestra come Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, registi - Zeffirelli, Egoyan, Wikk, Taymor, Dew... “La Kazarnovskaya” , come viene chiamato dalla stampa italiana e conta più di cinquanta feste in repertorio. È definita la migliore Salome dei nostri giorni, la migliore interprete delle opere di Verdi e dei veristi, per non parlare del ruolo di Tatiana di Eugene Onegin, il suo biglietto da visita. Un particolare successo le è stato procurato interpretando i ruoli principali nelle opere “Salome” di Richard Strauss, “Eugene Onegin” di Čajkovskij, “Manon Lescaut” e “Tosca” di Puccini, “La forza del destino” e “La Traviatta” di Verdi. 1997 - Lyubov Kazarnovskaya crea la propria organizzazione in Russia - la "Fondazione Lyubov Kazarnovskaya", per sostenere l'arte operistica russa: invita in Russia i principali maestri dell'arte vocale per concerti e masterclass, come Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura et al. , istituisce borse di studio per aiutare i giovani cantanti russi. * 1998-2000 - stretta collaborazione con il Teatro Bolshoi russo. 2000 - il cantante patrocina l'unico teatro dell'opera per bambini al mondo intitolato a Lyubov Kazarnovskaya (Dubna). Con questo teatro Lyubov Kazarnovskaya sta pianificando progetti interessanti in Russia e all'estero. 2000 - dirige il Consiglio di coordinamento creativo del Centro Culturale “Unione delle Città”, svolgendo un ampio lavoro culturale ed educativo nelle città e nelle regioni della Russia. 25/12/2000 - un'altra prima ha avuto luogo nella sala da concerto Rossiya - il brillante spettacolo d'opera “Faces of Love”, trasmesso in diretta in tutto il mondo. Lo spettacolo musicale di tre ore, presentato per la prima volta al mondo da un importante cantante d'opera, divenne un evento dell'ultimo anno del secolo uscente e suscitò risposte entusiastiche in Russia e all'estero. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya è al centro di attività sociali attive, viene eletto presidente della Commissione per la cooperazione culturale e umanitaria degli enti municipali della Federazione Russa ed è presidente del consiglio di amministrazione della Società educativa musicale russa. Lyubov Kazarnovskaya ha ricevuto il diploma del prestigioso centro di Cambridge (Inghilterra) come uno dei 2000 musicisti più importanti del 20° secolo. La vita creativa di Lyubov Kazarnovskaya è una serie di vittorie, scoperte, risultati rapidi e inarrestabili, in relazione ai quali, per molti aspetti, l'epiteto "primo" è appropriato: *Grand Premio al concorso vocale dell'UNESCO. *Kazarnovskaya è il primo soprano russo invitato a Salisburgo da Herbert von Karajan. *L’unico cantante russo che ha eseguito le parti di Mozart nella patria del compositore, a Salisburgo, in occasione del suo 200° anniversario. *La prima e tuttora unica cantante russa ad interpretare il ruolo più difficile di Salome (“Salome” di Richard Strauss) sui più grandi palcoscenici d'opera del mondo con grande successo. L. Kazarnovskaya è considerata la migliore Salome dei nostri giorni. *Il primo cantante a registrare (su CD) tutte le 103 storie d'amore di Čajkovskij. *Con questi dischi e i suoi numerosi concerti in tutti i centri musicali del mondo, Lyubov Kazarnovskaya apre al pubblico occidentale la creatività musicale dei compositori russi. *Il primo cantante d'opera su scala internazionale ad eseguire uno spettacolo senza precedenti nella sua gamma: opera, operetta, romanticismo, chanson... *Il primo e unico cantante ad interpretare due ruoli in una sera (nelle opere “Manon Lescaut” di Puccini) nello spettacolo teatrale “Ritratto di Manon” sul palco del Teatro Bolshoi russo. Recentemente, Lyubov Kazarnovskaya, oltre alle sue attività internazionali, ha dedicato molte energie e tempo allo sviluppo della vita musicale nelle regioni russe. Senza dubbio, è il fenomeno più sorprendente nella vita vocale e musicale della Russia, e la stampa ad esso dedicata non ha precedenti per genere e volume. Il suo repertorio comprende più di 50 ruoli d'opera e un vasto repertorio di musica da camera. I suoi ruoli preferiti sono Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora (La Forza del Destino), Amelia (Un ballo in Masquerade). Quando sceglie un programma per serate da solista, Kazarnovskaya evita una selezione sparsa di cose anche vincenti e attraenti, privilegiando cicli unici che rappresentano il lavoro di diversi autori. L'unicità della cantante, la luminosità dell'interpretazione, il sottile senso dello stile, l'approccio individuale all'incarnazione di immagini complesse in opere di epoche diverse rendono le sue esibizioni veri e propri eventi nella vita culturale. Numerose registrazioni audio e video evidenziano le enormi capacità vocali, l'alto stile e il grande talento musicale di questo brillante cantante, che dimostra attivamente al mondo intero il vero livello della cultura russa. La società americana VAI (Video Artists International) ha pubblicato una serie di videocassette con la partecipazione della diva russa, tra cui “Great Singers of Russia 1901-1999” (due cassette), “Gypsy Love” (registrazione video del concerto di Lyubov Kazarnovskaya a la Sala Grande del Conservatorio di Mosca). La discografia di Lyubov Kazarnovskaya comprende registrazioni nelle società DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. Attualmente, Lyubov Kazarnovskaya sta preparando nuovi programmi per concerti da solista, nuovi ruoli operistici (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), pianificando numerose tournée all'estero e in Russia e recitando in film. Sposata con Robert Roscik dal 1989, il loro figlio Andrei è nato nel 1993. Queste poche citazioni sono solo una piccola parte delle risposte entusiastiche che accompagnano le esibizioni di Lyubov Kazarnovskaya: “La sua voce è profonda e seducentemente insinuante... Le scene toccanti e meravigliosamente eseguite della lettera di Tatyana e del suo ultimo incontro con Onegin non lasciano dubbi sulla più alta abilità del cantante (Metropolitan Opera, " New York Times") "Soprano potente, profondo, superbamente controllato, espressivo su tutta l'estensione... L'estensione e la brillantezza delle caratteristiche vocali sono particolarmente impressionanti" (Lincoln Center, recital, " New York Times") "La voce di Kazarnovskaya è focalizzata, delicatamente profonda nel registro medio e leggera in quello acuto... Lei è la radiosa Desdemona" (Francia, "Le Monde de la Musique") "...Lyuba Kazarnovskaya ha incantato il pubblico con il suo soprano sensuale e dal suono magico in tutti i registri" ("Muenchner Merkur") "La diva russa è così radiosa nel ruolo di Salome, - il ghiaccio ha cominciato a sciogliersi per le strade quando Lyuba Kazarnovskaya ha cantato la scena finale di “Salome ”…” (“Cincinnati Enquirer”) Informazioni e foto dal sito ufficiale: http://www.kazarnovskaya.com Nuovo sito sui bellissimi fiori. Il mondo delle iris. Allevamento, cura, trapianto di iris.
Il Centro Nazionale per le Arti dello Spettacolo (Gran Teatro Nazionale in cinese), chiamato "L'Uovo", è un moderno teatro dell'opera a Pechino, in Cina. Considerata una delle meraviglie moderne del mondo, è di forma ellissoidale, realizzata in vetro e titanio, ed è completamente circondata da un lago artificiale. Costruito nel 2007. Il Centro Nazionale per le Arti dello Spettacolo si trova a Pechino, in prossimità (leggermente a ovest) di Piazza Tiananmen (la piazza principale di Pechino e la più grande del mondo) e della Grande Sala del Popolo (parlamento cinese) e non lontano da la Città Proibita (complesso di palazzi storici). Progettato dall'architetto francese Paul Andre e destinato a sembrare un uovo che galleggia nell'acqua o una goccia d'acqua, questo design futuristico suscitò molte polemiche all'epoca sulla sua costruzione nel centro storico di Pechino. In effetti, l'aspetto iconico e facilmente riconoscibile del Centro Nazionale per le Arti dello Spettacolo fornisce un netto contrasto con l'ambiente circostante, rendendolo molto attraente. La costruzione del Centro è iniziata nel dicembre 2001 ed è stato inaugurato nel dicembre 2007. Questo nuovissimo teatro miracoloso è stato inaugurato con l'opera storica russa “Il principe Igor” di A.P. Borodin, eseguita dall'orchestra, dal coro e dai solisti del Teatro Mariinsky sotto la direzione di Valery Gergiev. L'insieme architettonico comprende l'edificio principale, i corridoi sotterranei e sottomarini. un parcheggio sotterraneo, un lago artificiale e spazi verdi. La cupola principale si estende da est a ovest ed è lunga 212 metri, larga 144 metri e alta 46 metri. È composta da più di 18.000 lastre di titanio e più di 1.200 lastre trasparenti vetro, che crea un effetto visivo sorprendente, una parte del Centro raggiunge una profondità di 32,5 metri (come un edificio di 10 piani) ed è la più profonda di Pechino. La superficie totale del complesso è di 118.900 mq. la superficie edificabile è di 219.400 mq. Il centro è completamente circondato da un lago artificiale e tutti gli ingressi sono solo sotterranei, l'utilizzo di moderne tecnologie rende il lago privo di ghiacci e pulito (senza alghe) tutto l'anno piazza verde intorno al lago, dove le persone possono tranquillamente rilassarsi dai rumori della città. All'interno dell'edificio ci sono tre sale principali: opera, concerto e teatro, collegate da corridoi aerei; il Centro Nazionale ospita anche una galleria, una sala espositiva, sale conferenze, una biblioteca, una caffetteria e altri locali. La sala dell'opera con 2416 posti è la più bella, progettata per spettacoli di opera, balletto e spettacoli di danza, ed ha un colore prevalentemente dorato. Le sue pareti permettono di utilizzarle come decorazioni per immergersi in un'atmosfera creativa. La sala da concerto ospita nel 2017 concerti classici dell'orchestra sinfonica e musica nazionale cinese, ed è caratterizzata da un'elegante tonalità argento. La sala riunioni ospita l'organo più grande dell'Asia con 6.500 canne. La sala teatrale da 1.040 posti, senza fossa dell'orchestra, è costruita in stile tradizionale cinese ed è destinata principalmente a produzioni teatrali e musicali popolari. Tutte le camere sono state progettate con cura per integrare perfettamente architettura e acustica.
Il Teatro accademico statale dell'opera e del balletto di Ekaterinburg è un teatro d'opera e di balletto a Ekaterinburg, in Russia. La compagnia d'opera apparve per la prima volta a Ekaterinburg nella stagione 1879-1880: fu portata dal famoso imprenditore russo P.M. Successivamente, le imprese operistiche furono ripetute più di una volta e negli anni '70 del XIX secolo rappresentanti dell'intellighenzia locale organizzarono il circolo musicale di Ekaterinburg. Dal 1907, gli spettacoli d'opera a Ekaterinburg sono diventati annuali. Nel 1912, uno speciale edificio teatrale (un auditorium con 1.200 posti) fu costruito in piazza Drovyanaya (ora Place de la Comune di Parigi) sul sito di un edificio circense in legno che esisteva dal 1896. Il teatro cittadino (in epoca sovietica - il Teatro accademico dell'opera e del balletto intitolato a A.V. Lunacharsky) fu costruito secondo il progetto dell'architetto civile Pyatigorsk Vladimir Nikolaevich Semyonov, secondo il tipo dei famosi teatri dell'opera di Vienna e Odessa. Nel 1904, all'età di trent'anni, Semenov vinse un concorso per creare un progetto per il Teatro dell'Opera e del Balletto di Ekaterinburg, la cui costruzione fu completata nel 1912. Il teatro fu inaugurato con l'opera di Mikhail Ivanovich Glinka “Una vita per lo zar” (02/09/10/12/1912). Il primo direttore d'orchestra fu S. Barbini. La cronaca del balletto iniziò con la produzione de Il flauto magico di Ricardo Drigo (1914). Dopo la Rivoluzione d'Ottobre, il teatro fu inaugurato nel 1919. Nel 1922 fu creata una compagnia di balletto, la prima rappresentazione della compagnia fu “Coppelia” di Delibes. Dal 1924 - Teatro dell'Opera statale intitolato ad A.V. Lunacharsky. Nel 1925-26, il famoso cantante e regista d'opera Alexander Ivanovich Ulukhanov divenne il regista principale e mise in scena le opere "La storia dello zar Saltan" e "Werther". Dal 1931, il teatro ha un nuovo nome: il Teatro dell'Opera e del Balletto di Sverdlovsk. A.V. Lunacarskij. Nel 1962 il teatro ricevette l'Ordine della Bandiera Rossa del Lavoro e nel 1966 divenne un teatro accademico. Nel 1981-82 fu effettuata una significativa ricostruzione dell'edificio, completata entro il 26 dicembre 1982. Dal 1983 al 1985, sotto la guida dell'architetto e artista Georgy Shishkin (autore del progetto), furono eseguiti i lavori per creare un museo teatrale: un interno e una mostra permanente, comprese le originali strutture spaziali a sbalzo con reperti, due grandi dipinti murali e una galleria di ritratti di solisti teatrali realizzati da questo artista. Le ricche tradizioni di imprese private, compagnie itineranti e circoli musicali cittadini hanno aiutato il teatro a guadagnare rapidamente fiducia e un grande nome. In epoca sovietica veniva chiamato il “laboratorio dell’opera sovietica” e spesso sul cartellone appariva il timbro “Il diritto di prima produzione spetta al teatro”. In epoca sovietica, qui lavoravano artigiani eccezionali. Successivamente cantanti famosi - Artisti popolari dell'URSS: I. Kozlovsky, S. Lemeshev, I. Arkhipova, B. Shtokolov hanno iniziato la loro carriera creativa a Ekaterinburg. Il teatro è stato insignito due volte del Premio di Stato dell'URSS: nel 1946 (Premio Stalin), il primo di quelli periferici per la produzione dell'opera “Otello” e nel 1987 per la produzione teatrale dell'opera di V. Kobekin “Il Profeta”. I percorsi turistici della troupe comprendono più di cento città dell'URSS, la partecipazione a numerosi festival teatrali, anche all'estero. Negli anni '90 il teatro stava attraversando una crisi. Nel 2006, con l'arrivo di un nuovo direttore, il teatro ha conosciuto una rinascita. Il direttore musicale del teatro è Sergei Stadler. L'orchestra teatrale da lui guidata è una squadra di professionisti, che comprende artisti onorati della Russia, vincitori di concorsi panrussi e internazionali. Il teatro ha stabilito legami culturali e contatti creativi con l'Italia, la Germania, gli Stati Uniti, l'Inghilterra, la Corea, ecc. Sul suo palco si esibiscono spesso artisti ospiti famosi e si tengono festival musicali internazionali. Informazioni dal sito web del teatro http://www.uralopera.ru/ In effetti, la storia del Teatro di Ekaterinburg è iniziata molto prima che venisse posato il primo mattone nelle fondamenta di questo lussuoso edificio. Negli anni settanta dell'Ottocento, il palcoscenico del primo teatro cittadino (oggi cinema Colosseo) ospitò compagnie d'opera di prim'ordine nella capitale. Dopo aver frequentato un'eccellente scuola per spettatori, nel 1874 gli amanti locali di questo genere organizzarono un circolo musicale, l'unico in tutto il paese, secondo la stampa di inizio secolo, dove furono create per conto proprio lussuose produzioni operistiche, e partiture musicali complesse hanno preso vita. Il riverente amore e il rispetto per l'opera costrinsero poi le autorità cittadine a pensare di costruire il proprio teatro dell'opera. Nel 1912, il Teatro della Città Nuova aprì la sua prima stagione con l'opera “Una vita per lo zar” di Mikhail Ivanovich Glinka (direttore d'orchestra S. Barbini, regista A. Altshuller). La prima rappresentazione del balletto (“Il Flauto Magico” di R. Drigo, coreografo F. Troyanovsky) risale al 1914 (anche se il nome “Teatro dell'Opera e del Balletto” apparve solo nel 1931). Le ricche tradizioni di imprese private, compagnie itineranti e circoli musicali cittadini hanno aiutato il teatro a guadagnare rapidamente fiducia e un grande nome. Un decennio più tardi, Ekaterinburg (allora Sverdlovsk) cominciò ad essere menzionato tra i teatri periferici del giovane paese sovietico. Dalla metà degli anni '20, il Teatro dell'Opera di Sverdlovsk ha guadagnato fama e gloria come uno dei migliori del paese, principalmente grazie alla presenza costante di musicisti e artisti di talento nella troupe. Qui hanno sempre lavorato artigiani eccezionali. I cantanti Sergei Lemeshev, Ivan Kozlovsky, i fratelli Pirogov, il direttore d'orchestra Ariy Pazovsky, i registi Vladimir Lossky e Leonid Baratov hanno iniziato la loro carriera creativa a Ekaterinburg. "Scuola del personale": questa definizione è stata assegnata alla troupe, che non è sfuggita al destino di tutti i teatri provinciali russi di diventare un asilo nido per giovani talenti. Il numero di "perdite" è innumerevole: gli artisti d'opera Irina Arkhipova, Boris Shtokolov, Yuri Gulyaev, Evgenia Altukhova, i ballerini Nina Mlodzinskaya, Vladimir Preobrazhensky, Alexander Tomsky, Nina Menovshchikova. Tra le successive “perdite” ci sono i direttori d'orchestra Kirill Tikhonov, uno dei fondatori della Helikon Opera, e Evgeny Kolobov, fondatore della New Opera; direttore principale e direttore artistico dell'opera del Teatro musicale di Mosca. K.S.Stanislavsky e Vl.I.Nemirovich-Danchenko Alexander Titel; le star mondiali Vladimir Ognovenko e Galina Gorchakova; Il solista del Teatro Bolshoi Andrey Grigoriev; solista dell'Opera Helikon Andrey Vylegzhanin; la cantante Elena Voznesenskaya, la solista del Balletto russo Marina Bogdanova e molti, molti altri... L'apice dell'entusiasmo del pubblico di Ekaterinburg è stato associato prima al nome del talentuoso direttore d'orchestra Evgeny Kolobov, e poi al tandem creativo del direttore d'orchestra Evgeny Brazhnik e il regista Alexander Titel. Evgeny Kolobov ha trascorso gli anni più felici della sua biografia al Teatro dell'Opera e del Balletto di Ekaterinburg, anni pieni di genuina creatività, i cui risultati saranno ricordati per molto tempo dagli amanti dell'opera e dai musicisti professionisti che hanno avuto la fortuna di essere testimoni e co- creare eventi musicali come le produzioni operistiche “Pietro I” di Andrei Petrov (direttore E. Kolobov, regista Y. Petrov, artista M. Mukoseeva) e “La forza del destino” di Giuseppe Verdi (direttore E. Kolobov, regista S. Stein, artista I. Sevastyanov). Spettacoli “Boris Godunov” di Modest Mussorgsky (direttore d'orchestra Brazhnik, regista A. Titel, artista E. Heidebrecht), “Il profeta” di Vladimir Kobekin (direttore d'orchestra Brazhnik, regista A. Titel, artisti E. Heidebrecht e Yu. Ustinov), “ I racconti di Hoffmann” Jacques Offenbach (direttore d'orchestra Brazhnik, regista A. Titel, artista V. Leventhal) sono stati i migliori creati dall'unione di Alexander Titel e Evgeniy Brazhnik. Per molti anni hanno stabilito il termine “fenomeno Sverdlovsk”. Negli ultimi anni, il Teatro dell'Opera e del Balletto di Ekaterinburg ha dimostrato di potersi porre un'ampia varietà di compiti creativi e ottenere risultati di alta qualità. Produzioni delle opere “Eugene Onegin”, “Mazeppa”, “Iolanta”, “Aleko” di P. Čajkovskij, “La sposa dello zar” di N. Rimsky-Korsakov, “Il principe Igor” di A. Borodin, “Il flauto magico” di W. A. Mozart, “Il Trovatore”, “La Traviata”, “Rigoletto”, “Falstaff ” di G. Verdi, “ Madame Butterfly”, “La Boheme” di G. Puccini, “La Figlia del Reggimento” di G. Donizetti, “Il Barbiere di Siviglia” di G. Rossini, “La Sirenetta” di A. Dvorak, balletti "Il Lago dei Cigni", "Lo Schiaccianoci" di P. Tchaikovsky, "Scheherazade" di N. Rimsky-Korsakov, “La creazione del mondo” di A. Petrov, “Le mille e una notte” di F. Amirov. , “Don Chisciotte” di L. Minkus, “Il grande valzer” di I. Strauss. Il tempo cambia costantemente qualcosa nel teatro. Ogni stagione teatrale porta nuove vittorie e conquiste, dà vita a nuovi progetti e produzioni. Tra le ultime prime teatrali figurano “La fanciulla di neve” di N.A. Rimsky-Korsakov (direttore-produttore Vello Pyakhn, direttore di produzione Alexey Stepanyuk, scenografo Igor Ivanov, maestra di coro Elvira Gaifullina), “La Traviata” di G. Verdi (direttore - regista teatrale Alexey Lyudmilin, direttore di produzione Alexey Stepanyuk, scene realizzate sotto la direzione di Ravil Akhmetzyanov, costumista Natalya Stepanova), “Corsa” di A. Adam (coreografo Jean-Guillaume Bar, direttore d'orchestra Michael Güttler, scenografa Elena Khailova), “Tosca” di G. Puccini (direttore-produttore Michael Güttler, direttore di produzione Irkin Gabitov, scenografo Mikhail Kurilko-Ryumin), dramma musicale popolare “Khovanshchina” di M.P Mussorgsky (direttore-produttore Sergei Stadler, regista-regista Boris Morozov, produzione scenografo Igor Ivanov, maestro del coro Valery Kopanev), “Madama Butterfly” di G. Puccini (direttore d'orchestra Mikhail Granovsky, direttore di produzione Alexey Stepanyuk, scenografo Dmitry Cherbadzhi, maestro del coro Valery Kopanev), “The Stone Flower” di S. Prokofiev (coreografo Andrei Petrov , direttore d'orchestra Sergei Stadler, scenografo Stanislav Benediktov, costumista Olga Polyanskaya), “La dama di picche” di P. Tchaikovsky (direttore d'orchestra Mikhail Granovsky, direttore di produzione Alexey Stepanyuk, scenografo Igor Ivanov, maestra del coro Elvira Gaifullina, coreografa Galina Kaloshina ), A. Adan “Giselle” (edizione teatrale e produzione - Artista popolare dell'URSS, vincitore del Premio statale dell'URSS Lyudmila Semenyaka, direttore d'orchestra - Artista onorato della Russia Alexey Lyudmilin, scenografo - Artista popolare russo, vincitore dello Stato Premio della Russia Stanislav Benediktov, costumista - Artista popolare dell'URSS, vincitore del Premio di Stato dell'URSS Lyudmila Semenyaka), V. A. Mozart “Le nozze di Figaro” (direttore-produttore Fabio Mastrangelo, regista - Artista onorato della Russia Irkin Gabitov, scenografo - Artista onorato della Russia Vyacheslav Okunev, lighting designer - Artista onorato della Russia Damir Ismagilov, maestro del coro - Artista onorato della Russia Valery Kopanev, coreografa Alexandra Tikhomirov), P. Bulbul ogly “Love and Death” (coreografa - Artista onorato della Russia Nadezhda Malygina, direttore d'orchestra Fabio Mastrangelo, scenografo - Artista onorato della Russia, vincitore del Premio di Stato dell'URSS Igor Ivanov) .
Il Teatro dell'Opera di Roma (Teatro dell'Opera di Roma) è un teatro d'opera e di balletto a Roma, in Italia, a volte chiamato Teatro Costanzi, in onore del creatore Domenico Costanzi (1810-1898). costruito dall'imprenditore privato e finanziere Domenico Costanzi (1810-1898), l'architetto del progetto fu il milanese Achille Sfondrini (1836-1900). Il teatro fu costruito in diciotto mesi e inaugurato il 27 novembre 1880 con una rappresentazione del opera "Semiramide" di Gioachino Rossini Una delle caratteristiche del teatro era la sua vicinanza all'albergo, sempre di proprietà di Costanzi, c'era un passaggio sotterraneo tra l'albergo e il teatro e gli ospiti, compresi gli attori, se non lo facevano. voleva essere visto per strada, poteva entrare nel teatro in incognito lungo questo passaggio. Inizialmente, il Teatro Costanzi con una capienza di oltre 2.200 spettatori aveva un anfiteatro a tre ordini di palchi, due gallerie separate Anibale Brugnoli. La famiglia Costanzi gestì autonomamente il teatro, prima lo stesso Domenico, poi il figlio Enrico, e nonostante ci fossero molte difficoltà finanziarie, il teatro fu uno dei primi in Italia e ospitò numerose prime mondiali, tra cui ". Onore Rusticana" di Pietro Mascagni e "Tosca" di Giacomo Puccini. Nel 1907 il teatro fu acquisito dalla Compagnia Teatrale Internazionale e Nazionale, Emma Carell fu nominata direttrice del teatro e durante i quattordici anni della sua gestione il teatro rimase anche uno dei principali in Italia. Ha ospitato molte prime mondiali, europee o italiane di opere e balletti, tra cui Boris Godunov di Mussorgsky e il balletto L'Uccello di fuoco di Stravinsky messo in scena dal Balletto russo di Diaghilev. Nel novembre del 1926 il Teatro Costanzi fu acquistato dal Comune di Roma. Il teatro subì una significativa ristrutturazione su progetto dell'architetto Marcello Piacentini: fu rifatta la facciata, spostato l'ingresso centrale sul lato opposto, fu eliminato l'anfiteatro all'interno del teatro e fu aggiunta un'altra gradinata, l'interno fu decorato con nuove modanature in stucco ed elementi decorativi, furono sostituiti i mobili e fu appeso un nuovo magnifico lampadario di 6 metri di diametro con 27.000 pezzi di cristallo. Il teatro ricevette il nome di "Regia Opera House" e riaprì i battenti il 27 febbraio 1928 con l'opera "Nero" di Arrigo Boito. Dal 1946 ad oggi il teatro è chiamato Teatro dell'Opera di Roma. Nel 1958 l'edificio fu nuovamente ricostruito e ammodernato e acquisì l'aspetto attuale. Lo stesso architetto Marcello Piacentini elaborò un progetto che prevedeva modifiche alla facciata, all'ingresso centrale e al foyer, la sala fu dotata di aria condizionata e venne effettuata un'importante ristrutturazione. Attualmente la capienza della sala è di circa 1.600 posti. Il Teatro dell'Opera di Roma ha anche le proprie compagnie d'opera e di balletto e una scuola di danza classica a Roma non è meno popolare dell'opera. Dal 1937, d'estate, il teatro d'opera dà i suoi spettacoli all'aperto nelle Terme di Caracalla, sullo sfondo di un monumento architettonico d'altri tempi.
L'Opera de Lille (Opéra de Lille, Francia), fu costruita tra il 1907 e il 1913. e inaugurato ufficialmente nel 1923. Nel 1903, il vecchio edificio dell'Opera di Lille bruciò in un incendio. Il concorso per il miglior progetto del nuovo teatro fu vinto dall'architetto Louis-Marie Cordonnier, ispirato all'architettura dell'Opera Garnier di Parigi e ai teatri italiani. L'edificio dell'Opera di Lille fu costruito in stile neoclassico. Il frontone raffigura il protettore delle arti, Apollo, circondato da muse; le sculture sono state realizzate da Hippolyte Lefebvre; A sinistra del gruppo c'è un'immagine allegorica della Musica di Amedeo Cordonier, e a destra c'è la scultura "Tragedia" di Hector Lemaire. La scala interna è progettata nell'opulento stile Luigi XIV. L'enorme sala “italiana” (una delle ultime costruite in Francia) può ospitare più di 1000 spettatori. All'inizio della prima guerra mondiale, nel luglio 1914, l'edificio teatrale ancora incompiuto fu occupato dalle truppe tedesche. Durante i quattro anni di occupazione, il teatro ospitò un centinaio di spettacoli. Dopo la guerra l’edificio fu restaurato e nel 1923 vi ebbe luogo la “prima francese”. Nel 1998, le condizioni del teatro richiedevano una chiusura d'emergenza a metà stagione. La ristrutturazione si è trasformata in un ambizioso progetto per migliorare la funzionalità dell'edificio dell'opera. La ricostruzione è stata effettuata dagli architetti Patrice Nerinck e Pierre-Louis Carlier. Questo progetto è stato completato alla fine del 2003 e nel 2004 Lille è stata dichiarata Capitale Europea della Cultura.
La Scala (italiano: Teatro alla Scala o La Scala) è un teatro d'opera di fama mondiale a Milano (Italia). Tutti i maggiori divi dell'opera degli ultimi due secoli hanno considerato un onore esibirsi alla Scala. Il Teatro alla Scala ospita l'omonima compagnia d'opera, coro, balletto e orchestra sinfonica. È inoltre associato all'Accademia del Teatro alla Scala, che offre formazione professionale nel campo della musica, della danza e della scenografia. Nel foyer del teatro si trova un museo in cui sono esposti dipinti, sculture, costumi e altri documenti relativi alla storia dell'opera e del teatro. L'edificio del teatro fu costruito per ordine dell'imperatrice d'Austria Maria Teresa su progetto dell'architetto Giuseppe Piermarini nel 1776-1778. sul sito della chiesa di Santa Maria della Scala, da cui deriva il nome stesso del teatro. La chiesa, a sua volta, prese il nome nel 1381 dalla sua patrona - un rappresentante della famiglia dei sovrani veronesi di nome Scala (Scaligero) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Il teatro fu inaugurato il 3 agosto 1778 con una produzione dell'opera di Antonio Salieri "L'Europa Riconosciuta". Tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo, nel repertorio del teatro apparvero opere dei compositori italiani P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Mayra. Il palcoscenico del teatro ha ospitato le prime delle opere di G. Rossini "La Pietra di Paragone" (1812), "Aureliano in Palmira" (1813), "Il Turco in Italia" (1814), "La Gazza Ladra" (1817) e altre (in una di queste Caroline Unger fece il suo debutto in Italia), così come le opere di J. Meyerbeer “Margarita d'Angiò” (1820), “Exile from Grenada” (1822) e una serie di opere di Saverio Mercadante. A partire dagli anni Trenta dell'Ottocento compaiono nel repertorio del teatro opere di G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini “Il Pirata” (1827) e “Norma” (1831) di Bellini, “Lucrezia Borgia”; qui messi in scena per la prima volta (1833) di Donizetti, Oberto (1839), Nabucco (1842), Otello (1887) e Falstaff (1893) di Verdi, Madama Butterfly (1904) e Turandot di Puccini. Durante la seconda guerra mondiale il teatro venne distrutto. Dopo il restauro dell'aspetto originario ad opera dell'ingegner L. Secchi, il teatro venne riaperto nel 1946. L'edificio del teatro è stato restaurato più di una volta. L'ultimo restauro è durato tre anni ed è costato più di 61 milioni di euro. Il primo brano musicale eseguito sul palco rinnovato il 7 dicembre 2004 è stata l'opera di Antonio Salieri “L'Europa Riconosciuta”. Il numero dei posti è 2030, molto inferiore rispetto a prima dell'ultimo restauro. Il numero dei posti è stato ridotto per motivi di sicurezza antincendio e maggiore comfort. Tradizionalmente, la nuova stagione della Scala inizia in inverno - il 7 dicembre (cosa insolita rispetto ad altri teatri del mondo) nel giorno di Sant'Ambrogio, santo patrono di Milano, e termina a novembre. E ogni rappresentazione deve terminare prima di mezzanotte; se l'opera è molto lunga, allora comincia presto.
Il Teatro dell'Opera e del Balletto di Novosibirsk (Teatro Accademico Statale dell'Opera e del Balletto di Novosibirsk, NGATOiB) è il teatro più grande della Siberia e ha lo status di istituzione culturale statale federale. Numero di posti (sala grande) - 1762 posti. L'edificio del Teatro di Novosibirsk è considerato il più grande edificio teatrale in Russia e, dopo la ricostruzione del 2005, è anche quello più modernamente attrezzato. La grande sala del teatro può ospitare 1.774 spettatori. La progettazione di questo edificio (secondo il progetto originale dell'artista del Teatro Bolshoi dell'URSS M.I. Kurilko, dell'architetto-artista T.Ya. Bardt, dell'architetto A.Z. Grinberg) iniziò nel 1928, la costruzione - nel 1931. Inizialmente il teatro fu concepito in stile costruttivista, ma con un cambiamento nelle linee stilistiche nel 1933-35, il progetto fu radicalmente ridisegnato e i costruttori del teatro furono repressi nel 1937. Il progetto definitivo del teatro è stato sviluppato sotto la guida di V.S. Birkenberg e l'ingegnere progettista L.M. Gokhmann. Il progetto dell'edificio venne premiato con la Medaglia d'Oro all'Esposizione Mondiale di Parigi (1937). Durante gli anni della guerra l'edificio teatrale incompiuto fu utilizzato come sito di produzione e come deposito per i valori del museo evacuati. L'inaugurazione del teatro ebbe luogo il 12 maggio 1945 con l'opera “Ivan Susanin” di M. Glinka. Il 30 dicembre 1963 al teatro fu concesso lo status accademico (il primo teatro accademico nella provincia russa). Nel corso di oltre 50 anni di esistenza, il teatro ha messo in scena più di 350 spettacoli di opera e balletto. Il teatro è plurivincitore del festival Maschera d'Oro, ha partecipato a festival a Macao (1996, 1999), Santander (Spagna, 1995), Bangkok (Thailandia, 2000, 2004), Sintra (Portogallo, 1992, 1993, 1994, 1995 , 1996, 1997, 1999) e in altre città del mondo.
Civic Opera House/Lyric Opera è un teatro dell'opera a Chicago, Illinois, USA. L'auditorium del teatro ha 3.563 posti a sedere, rendendolo il secondo teatro più grande del mondo, dopo il Metropolitan Opera. Il teatro fa parte di un edificio per uffici di 45 piani con due ali di 22 piani. L'edificio è ora di proprietà della Lyric Opera di Chicago. La City Opera House fu costruita nel 1929 dalla ditta Graham, Anderson, Probst & White, che costruì una serie di edifici nel centro di Chicago, l'architetto capo era Alfred Shaw, l'ingegnere civile capo era Magnus Gunderson. L'edificio si trova sulla strada principale di Chicago - Walker Drive e presenta due stili e due volti - dal fiume Chicago ha un aspetto in stile Art Déco esemplare, molto comune in questo periodo, una vista dalla strada con un la lunga fila di colonne, così come i tetra interni, furono ispirati al neoclassicismo francese, presumibilmente a imitazione dell'Opéra Garnier parigina. Anche lo spazio interno e la sala sono riccamente decorati, in particolare spicca il sipario “infuocato”, dipinto con scene e personaggi di varie opere, che occupa il posto centrale; Il principale cliente e finanziatore, che contribuì con metà del costo della costruzione, fu l'uomo d'affari, filantropo e mecenate di Chicago Samuel Insull, che inizialmente era un dipendente della General Electric Company di Thomas Edison e venne a Chicago per espandere la sua attività. Nel giro di pochi anni, la nuova Chicago Edison Company (in seguito ribattezzata e riformata) divenne la più grande compagnia di elettrificazione ed energia della città, e possedeva anche molte altre grandi aziende della città. Insull era sposato con un'attrice molto più giovane di lui, entrambi amavano l'arte, e costruì il teatro come regalo per sua moglie, alla quale fu negata uno spettacolo al Metropolitan Opera (anche se queste sono solo voci, dal momento che sua moglie non era un cantante e non aspirava ad esibirsi in un'opera). L'idea di combinare il teatro dell'opera con spazi commerciali e uffici era quella di generare entrate aggiuntive durante le pause tra le stagioni operistiche. Il grattacielo con due ali ricorda una sedia gigante, motivo per cui a volte viene chiamato il "trono di Insulla". L'inaugurazione del teatro dell'opera ebbe luogo il 4 novembre 1929 con la rappresentazione dell'opera "Aida". di Verdi, nel ruolo del titolo c'era il celebre soprano polacco Rosa Raisa, l'opera scelta per l'apertura dallo stesso Samuel Insull. Tuttavia, la grande depressione iniziata sei giorni prima ebbe un impatto negativo sul teatro, il teatro era vuoto ed era sul punto di sopravvivere, il primo gruppo d'opera si sciolse. Lo stesso Insull perse la maggior parte dei suoi affari, fu processato, si nascose in Europa, fu poi assolto e morì a Parigi in relativa povertà. Durante gli anni '30 e '40, diverse compagnie d'opera avevano sede nel teatro, nessuna delle quali durò a lungo. Nel 1954, il teatro fu affittato dalla Lyric Opera di Chicago, che acquistò l'edificio a titolo definitivo nel 1993. L'Opera Lirica iniziò grandi lavori di ristrutturazione. Tutto ciò che necessitava di aggiornamento è stato aggiornato; la ricostruzione globale è stata completata nel 1996.
L'Opera di Lione o Opera Nouvel (Opera de Lyon, opera Nouvel) è un moderno teatro d'opera e balletto a Lione, in Francia. Prende il nome dal famoso architetto francese Jean Nouvel che progettò l'edificio. È gestito dalla compagnia statale dell'Opera Nazionale di Lione. Il primo teatro dell'opera fu inaugurato a Lione nel 1756, fu costruito secondo il progetto dell'architetto Jacques-Germain Soufflot, il progettista del Pantheon di Parigi. All'inizio del secolo successivo, il teatro si rivelò troppo piccolo e nel 1826 fu demolito e al suo posto fu eretto il nuovo Teatro dell'Opera di Lione. Gli architetti erano Antoine-Marie Chenavar e Jean-Marie Pollet. Il nuovo teatro aveva circa 1.200 posti. Il 1 luglio 1831 il teatro aprì con l'opera “La Dama Bianca” di François-Adrien Boieldieu, tra l'altro questo compositore francese lavorò a lungo a San Pietroburgo; Nel XIX e XX secolo, al Teatro di Lione ebbero luogo diverse prime francesi, tra cui “Die Mastersingers of Norimberga” di R. Wagner e “Boris Godunov” di M. P. Mussorgsky, nonché la prima mondiale di “Waiting” di A. Schönberg e altri. . Nel 1985 la città decise di ricostruire il teatro dell'opera sullo stesso sito e fu bandito un concorso. Sulla base dei risultati del concorso, la costruzione dell'edificio fu affidata all'eccezionale architetto francese Jean Nouvel. La costruzione iniziò nel 1989 e terminò nel 1993. L'involucro dell'edificio esistente del 1831 è stato lasciato: i muri, la facciata e l'atrio. Tutti gli spazi interni del teatro furono completamente rifatti, furono aggiunti i piani interrati per le sale prove e l'altezza dell'edificio fu raddoppiata con una cupola di vetro semicilindrica, che ospita principalmente il corpo di ballo. L'altezza totale dell'edificio con 5 piani interrati, profondo 20 metri, e una cupola di 6 piani è di 62 metri, con un volume di circa 80.000 mq. L'aspetto dell'edificio, dovuto principalmente alla cupola superiore color inchiostro, è stato inizialmente pesantemente criticato, ma ora fa parte del paesaggio urbano ed è ben accolto dai cittadini. La facciata rimasta dell'edificio precedente è decorata con otto statue di muse; manca la musa Urania per due motivi: in primo luogo, per simmetria e, in secondo luogo, Urania non è legata all'arte dell'opera. L'auditorium è stato costruito in stile tradizionale italiano, a forma di ferro di cavallo e con 6 ordini di balconi, la capienza della sala è di circa 1100 posti, il che è stato anche motivo di critica, poiché si ritiene che per Lione questa sia una piccola capacità e da alcuni posti è difficile vedere il palco. Attualmente, il direttore principale dell'Opera di Lione è il direttore giapponese Kazushi Ono.
Teatro accademico nazionale dell'opera e del balletto di Donetsk dal nome. A.B. Solovyanenko è un teatro dell'opera a Donetsk, in Ucraina. È stato creato nel 1932 nella città di Lugansk sulla base del Teatro dell'Opera Mobile della Riva Destra dell'Ucraina. I documenti del Commissariato popolare per l'Istruzione dell'Ucraina propongono, dal 15 marzo 1932, di trasferire l'Opera Mobile a disposizione del Donetsk Theatre Trust per il servizio permanente alla popolazione del Donbass. Il 1 settembre 1932, l'opera “Il principe Igor” di A. Borodin aprì la prima stagione teatrale. Il direttore artistico e direttore del teatro era l'Artista Onorato della Repubblica Nikolai Nikolaevich Bogolyubov, il direttore musicale e direttore principale del teatro era l'Artista Onorato. della Repubblica Alexander Gavrilovich Erofeev Le seguenti persone hanno lavorato nel teatro: il direttore d'orchestra Max Cooper, il regista Alexander Zdikhovsky, il coreografo Mark Tseitlin, artisti - Oles Vlasyuk, Eduard Lyakhovich Nel repertorio del teatro nel 1935: “La regina di picche”, “. Eugene Onegin” di P. Tchaikovsky, “Carmen” di J. Bizet, “Faust” di Gounod, “Rigoletto”, “La Traviata”, “Aida” di G. Verdi, “Madame Butterfly” di G. Puccini. , “Pagliacci” di R. Leoncavallo, “Il Barbiere di Siviglia” di G. Rossini, “Cosacco al di là del Danubio” di S. Gulak-Artemovsky, "I racconti di Hoffmann" di J. Offenbach balletti: "Raymonda", "Il papavero rosso" di R. Gliere, "Ferenji" di B. Yanovsky. Il teatro era composto da 40 artisti del coro, 45 artisti del balletto, 45 artisti dell'orchestra e 3 solisti. In totale, 225 persone hanno lavorato nel teatro. Nel 1940 fu identificato un gruppo di talentuosi maestri del palcoscenico operistico: i direttori d'orchestra E.M. Shekhtman, A.F. Kowalski; direttore A.A. Zdikhovsky, artista E.I. Lyakhovich, P.I. Zlochevskij. I primi artisti che portarono fama al teatro furono Yuri Sabinin, Nadezhda Lototskaya, Alexander Martynenko, Pavel Nikitenko, Tamara Sobetskaya, Tamara Podolskaya e altri. Nel 1936 iniziò la costruzione del teatro a Donetsk. Ludwig Ivanovich Kotovsky fu nominato capo architetto della costruzione e Solomon Davidovich Krol fu nominato capo ingegnere. Il 12 aprile 1941, il Teatro Musicale di Donetsk apre la sua stagione in un nuovo edificio teatrale, costruito secondo il progetto dell'architetto Ludwig Ivanovich Kotovsky, con la prima dell'opera di M.I. Glinka “Ivan Susanin” (produttori: registi I.M. Lapitsky, Y.S. Presman, direttore d'orchestra A.F. Kovalsky, artista E.I. Lyakhovich). Oggi l'edificio del teatro è un monumento architettonico. Il primo direttore e direttore artistico del teatro fu un eccezionale regista d'opera, seguace del Sistema Stanislavskij nel teatro musicale, Artista Onorato della RSFSR Yosif Lapitsky I primi artisti arrivarono al Teatro di Donetsk da Mosca, Leningrado, Kiev, Lugansk e Vinnitsa. L'orchestra comprendeva i migliori musicisti dei teatri dell'opera e del balletto di Lugansk e Vinnytsia e della Filarmonica regionale di Stalin. Fin dai primi giorni di organizzazione del gruppo, si è svolto un lavoro con il pubblico: spettacoli itineranti, conversazioni, concerti. Sono state realizzate nuove produzioni di spettacoli di opera e balletto. Il cartellone del repertorio per il 1941 comprendeva: l'opera "Faust" di Charles Gounod, rappresentata per la prima volta il 4 maggio 1941, l'opera "Pagliacci" di R. Leoncavallo, rappresentata per la prima volta il 22 maggio, l'opera di G. Rossini "Il Barbiere di Siviglia", rappresentata per la prima volta a giugno . Il 7 agosto 1941 ebbe luogo la prima del primo balletto “Laurencia” di A. Crane. La parte di Laurencia fu ballata da Nina Goncharova, in seguito artista onorata dell'Ucraina durante la Grande Guerra Patriottica evacuato nella Repubblica del Kirghizistan (il villaggio di Sazanovka), e nel giugno 1942 si trasferì a Przhevalsk, dove continuò a lavorare alla creazione di nuovi spettacoli e condusse attività concertistiche in unità militari e ospedali. Nell'aprile 1944 il teatro tornò evacuazione e già nel settembre 1944 ebbe luogo nel teatro la prima dell'opera di A. Borodin “Il principe Igor”. "Polovtsian Dances" nell'opera è stata messa in scena dal coreografo del Teatro Bolshoi, artista onorato della Repubblica Kasyan Goleizovsky. Il teatro diventa il centro della cultura musicale della regione di Donetsk, un palcoscenico per l'arte ucraina e straniera, classica e moderna, opera e balletto, operetta classica, spettacoli musicali per bambini. Nel 1946 fu organizzato uno studio coreografico nel teatro, diretto di Claudia Vasina (balletto solista dell'Opera Nazionale dell'Ucraina). Grazie a questo studio, la troupe di Donetsk è stata rifornita di giovani artisti, che hanno contribuito alla messa in scena di spettacoli di balletto. La compagnia di balletto del teatro sotto la direzione del capo coreografo del teatro A.P. ha ottenuto un successo significativo. Girmann. Nel 1947 ebbero luogo i primi spettacoli di balletto: il balletto di B. Asafiev “La Fontana di Bakhchisarai”, che era nel repertorio del teatro per 38 anni, e “Lileya” di K. Dankevich. Nel 1948 ebbe luogo la prima del balletto "Il lago dei cigni" di P. Čajkovskij. Nel settembre 1947, il Teatro musicale russo di Donetsk fu ribattezzato Teatro dell'Opera e del Balletto russo di Stato di Stalin Teatro Nei circoli creativi L'ex teatro dell'URSS di Donetsk veniva definito “un laboratorio dell'opera moderna”. Gran parte del merito va al direttore principale del teatro, l'artista popolare ucraino Alexander Afanasyevich Zdikhovsky, che negli anni del suo lavoro a teatro ha messo in scena. più di 70 spettacoli lirici e musicali. Per la prima volta in Ucraina, è stato sul palco del Teatro dell'Opera e del Balletto di Donetsk che sono state messe in scena le opere: “Fidanzamento in un monastero”, “Semyon Kotko” di S. Prokofiev, “Don Juan” di W.A. Mozart, “ Andre Chénier” di W. Giordano, “Yaroslav il Saggio” “Y. Meitus e altri Il Teatro dell'Opera e del Balletto di Donetsk è stato uno dei primi in Ucraina a dedicarsi alle opere dei moderni compositori ucraini, mettendo in scena gli spettacoli “Fiera di Sorochinskaya”. , “Oksana” basato sulla poesia di T. Shevchenko, “Slipa”, “Naymichka” V Artemovsky, “Natalka Poltavka” di N. Lysenko Sul palco del Teatro di Donetsk sono state messe in scena esibizioni di compositori delle repubbliche nazionali: “. Shuralle” di F. Yarullin, “Keto and Kote” di V. Dumbadze, “Spartak” di A. Khachaturian, “Le mille e una notte” di F. Amirova e altri La gloria e l'orgoglio del teatro in diversi anni furono i artisti famosi: Y. Sabinin, E. Gorchakova, T. Podolskaya, A. Kolobov, A. Galenkin, Y. Gulyaev, A. Korobeychenko, N. Momot, V. Zemlyansky, G. Kalikin, R. Kolesnik, M. Vedeneva , A. Boytsov, regista - A. Zdikhovsky, artisti - V. Moskovchenko, B. Kupenko, V. Spevyakin; direttore d'orchestra - T. Mikitka, e sul palco del Teatro di Donetsk in diversi anni luminari e maestri di scena come Artisti popolari dell'Unione Sovietica Ivan Kozlovsky, Sergei Lemeshev, Maria Bieshu, Olga Lepeshinskaya, Marina Semenova, K. Shulzhenko, A. Solovyanenko ha ballato, cantato e molto altro ancora altro. Il 2 novembre 1977 il teatro venne insignito del titolo di “accademico”. Nel 1992, a teatro è stata creata la scuola di abilità coreografiche di Vadim Pisarev. Con decreto del Gabinetto dei Ministri dell'Ucraina del 9 dicembre 1999, il teatro prende il nome da A. B. Solovyanenko. Dal 1993, il teatro ospita il festival internazionale "Stars of World Ballet", il cui fondatore e direttore artistico è Vadim Pisarev, artista popolare ucraino, vincitore di concorsi internazionali di balletto a Mosca, Helsinki, Parigi e Jackson. Ora Vadim Pisarev è il direttore artistico del teatro e si concentra sulle tradizioni e le produzioni del balletto classico. Nel corso degli anni hanno preso parte al festival circa 300 tra i più forti ballerini provenienti da 25 paesi del mondo. Nel novembre 2009 si è svolto il XVI Festival Internazionale "Stars of World Ballet". Nel 2009, il teatro ha ospitato il VI Festival Internazionale di spettacoli di balletto per bambini "Grand Pas", il più giovane e unico in Ucraina. Nato grazie agli sforzi della direzione del teatro, "Grand Pas" ha già una sua storia e i suoi fan. Al festival partecipano studenti provenienti da varie scuole coreografiche dall'Ucraina e da paesi stranieri vicini e lontani. Oggi, la compagnia di balletto del teatro impiega maestri già riconosciuti e giovani di talento che hanno ottenuto riconoscimenti in concorsi internazionali di balletto. Insegnanti e tutor talentuosi ed esperti lavorano con il gruppo di artisti: il capo coreografo del teatro, l'artista popolare ucraino E. Khasyanova, l'artista popolare ucraino G. Kirillina, l'artista onorato ucraino E. Ogurtsova. Gli spettatori in molte città e repubbliche dell'ex Unione Sovietica, così come all'estero: Germania, Polonia, Cecoslovacchia, Bulgaria, Jugoslavia, Svezia, Austria, Norvegia hanno familiarità con l'opera e il balletto del Teatro dell'Opera e del Balletto di Donetsk. La compagnia di balletto del teatro è invitata a fare tournée negli Stati Uniti, Inghilterra, Giappone, Cina, Corea; compagnia d'opera, orchestra sinfonica e coro - in Italia, Spagna, Svizzera. Il coro del teatro, sotto la direzione del capo del coro del teatro, l'artista popolare ucraina Lyudmila Streltsova, oltre a partecipare a tournée teatrali, è stato più volte in tournée con un ampio programma di concerti, comprese opere di classici corali mondiali, in Spagna, Svizzera , Belgio, Francia, ecc. Oggi il coro teatrale è riconosciuto come uno dei migliori al mondo. Il repertorio del teatro comprende spettacoli che non si trovano in nessun altro teatro d'opera in Ucraina: “Bogdan Khmelnitsky” di K. Dankevich, “Falstaff”, “Elisir d'amore” di G. Donizetti. Nel 2009, il teatro ha ottenuto lo status di “. nazionale”. Edificio teatrale. Teatro costruito secondo il progetto dell'architetto L. Kotovsky, che ha cercato di ottenere una solenne monumentalità delle forme, un'espressività convincente e nuove soluzioni progettuali, avendo rielaborato le tecniche di composizione rinascimentali costruite su calma grandiosità e proporzioni armoniose di volumi, l'edificio del teatro è coronato da bassorilievi e sculture volumetriche che sottolineano e completano il progetto architettonico principale. L'edificio del teatro è stato inizialmente progettato per spettacoli drammatici. Dopo la decisione di creare un teatro musicale, è stato necessario realizzarne alcuni adeguamenti ad alcune soluzioni progettuali in corso d'opera L'architettura del teatro è stata progettata in stile classico. L'altezza della facciata è di circa 30 metri. L'edificio si trova lungo l'asse del viale Teatralny, tra via Artema e viale Pushkin. La piazza e la scalinata forniscono un comodo accesso al teatro da tre lati. L'auditorium, il foyer, i soffitti e le pareti del teatro sono riccamente decorati con stucchi e corrispondenti dorature chiare. In nicchie separate nel foyer si trovano busti scultorei di compositori, scrittori e vasi decorativi. L'auditorium è concepito come un piano terra per 650 posti e un mezzanino per 320 posti, con balconate. Busti di importanti compositori e poeti sono installati nelle nicchie sopra il mezzanino e i balconi dell'auditorium. La forma delle file di sedili in platea e al piano rialzato è tale da garantire una buona visibilità. Al centro del soffitto della sala c'è un grande lampadario di cristallo. Il teatro ha un palco meccanizzato, la superficie del palco principale è di 560 mq. nel 1989-1994. Nel teatro sono stati eseguiti lavori di ricostruzione e revisione selettiva.
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